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jeudi, 18 juillet 2019

L'Oeuvre sans auteur (1 et 2)

   Présenté en France en deux parties (d'une durée d'environ 1h30 chacune), l'ensemble forme en réalité un seul film d'un peu plus de trois heures... qu'on ne voit pas passer. Le réalisateur est Florian Henckel von Donnersmarck, que tout cinéphile digne de ce nom connaît comme étant l'auteur de La Vie des autres. Y figurait déjà Sebastian Koch, qui incarne ici un médecin nazi autoritaire, froid et sûr de ses compétences.

   L'intrigue s'étale entre 1939 (qui marque le lancement du programme de stérilisation des "populations indésirables", en Allemagne) et le début des années 1960, juste après la construction du Mur de Berlin et avant les procès qui vont faire (re)découvrir aux Allemands l'étendue et l'atrocité des crimes commis en leur nom des années auparavant. (Voir à ce sujet Le Labyrinthe du silence.) Il est question de l'émergence d'un grand peintre, de sa jeunesse sous le IIIe Reich à son explosion dans la RFA de Konrad Adenauer.

   Pendant le premier quart d'heure (de la partie 1), j'ai eu un peu peur. J'ai trouvé certaines scènes mal jouées, comme celles montrant l'excentricité de la jeune (et ravissante) Elisabeth ou encore la remise du bouquet à Hitler. De plus, même si je suis très sensible à la beauté de Saskia Rosendahl (remarquée dans Lore), j'ai trouvé un peu facile de la part de ce cochon de réalisateur de profiter de la moindre occasion pour nous exposer la plastique quasi parfaite de l'actrice. J'ai aussi été gêné par ce qui pour moi est une invraisemblance historique : quand Elisabeth emmène son neveu à l'exposition sur "l'art dégénéré", elle porte une robe légère, qui ne permet pas d'ignorer l'absence de soutien-gorge !

   Le film devient prenant à partir du moment où Elisabeth est emmenée dans le "centre gynécologique" dirigé par "Herr Professor" Seeband, incarné par Sebastian Koch avec une époustouflante (et glaçante) maîtrise. Ce gynécologue est conscient d'être un excellent médecin (sur le plan scientifique). Sur le plan humain, c'est autre chose. Dans son bureau se déroule une scène capitale pour la suite : elle pose des éléments qui, plus tard, vont relier plusieurs personnages sans qu'ils en soient conscients (mais les spectateurs attentifs, oui).

   C'est là que la grande Histoire rencontre la petite. Henckel en profite pour évoquer l'Aktion T4, dans un mélodrame qui montre comment des vies d'Allemands ordinaires vont être brisées. Ainsi, dans la famille d'Elisabeth, on a le privilège de mourir à cause des nazis ou sous les balles soviétiques ou encore sous les bombes anglo-américaines. (Une scène se déroule à Dresde en février 1945.)

   La séquence suivante est tout aussi passionnante. On y retrouve le médecin nazi, piégé par l'occupation soviétique de la partie orientale de l'Allemagne. Il risque gros, mais il peut encore compter sur sa formation médicale, qui pourrait lui sauver la partie. La scène de l'accouchement est formidablement mise en scène.

   Après une ellipse, on retrouve notre désormais ancien nazi, transformé en notable de la RDA (communiste). Le petit garçon du début (qui va longtemps refouler certains souvenirs) est devenu un apprenti peintre. Il va se lier à une autre Elisabeth qui, coïncidence troublante, ressemble bigrement à sa tante disparue (la couleur de cheveux exceptée). Elle est incarnée par Paula Beer (encore plus souvent nue). Le couple qui se forme va rencontrer un terrible adversaire sur sa route : le gynécologue, qui ne peut plus se montrer aussi ouvertement dominateur qu'autrefois, mais qui va se révéler habile manipulateur...

   Au niveau artistique, Henckel veut montrer que nazis comme communistes ont une vision étriquée de la création. Les régimes totalitaires méprisent la liberté créative et veulent instrumentaliser les artistes à leur profit. C'est le moment où l'on bascule de la première dans la seconde partie.

   Celle-ci est, dans un premier temps, davantage centrée sur Kurt, dont le talent s'affirme. On le voit d'abord en RDA, où il se plie à la doctrine officielle du réalisme socialiste. Pour des raisons que je me garderai bien d'évoquer, à l'issue d'un assez long processus, il finit par "exploser" en RFA. J'ai trouvé remarquable le récit de son apprentissage dans le milieu d'avant-garde de Düsseldorf. C'est le moment de signaler l'excellente composition d'Olivier Masucci en professeur d'arts plastiques, capable de captiver un auditoire... ou de le faire réagir. Les plans qui montrent les peintres en action sont très réussis (et parfois empreints d'ironie, comme lorsque le jeune héros découvre les efforts pathétiques des apprentis artistes pour faire original). Le summum est atteint quand Kurt trouve enfin son style. Un déclic se produit, qui voit de nouveau la grande Histoire fusionner avec la petite.

   En dépit de quelques défauts mineurs, j'ai été emballé par ce film, à la fois mélo, chronique sentimentale (sensuelle), leçon d'histoire et essai pictural.

L'Oeuvre sans auteur (1 et 2)

   Présenté en France en deux parties (d'une durée d'environ 1h30 chacune), l'ensemble forme en réalité un seul film d'un peu plus de trois heures... qu'on ne voit pas passer. Le réalisateur est Florian Henckel von Donnersmarck, que tout cinéphile digne de ce nom connaît comme étant l'auteur de La Vie des autres. Y figurait déjà Sebastian Koch, qui incarne ici un médecin nazi autoritaire, froid et sûr de ses compétences.

   L'intrigue s'étale entre 1939 (qui marque le lancement du programme de stérilisation des "populations indésirables", en Allemagne) et le début des années 1960, juste après la construction du Mur de Berlin et avant les procès qui vont faire (re)découvrir aux Allemands l'étendue et l'atrocité des crimes commis en leur nom des années auparavant. (Voir à ce sujet Le Labyrinthe du silence.) Il est question de l'émergence d'un grand peintre, de sa jeunesse sous le IIIe Reich à son explosion dans la RFA de Konrad Adenauer.

   Pendant le premier quart d'heure (de la partie 1), j'ai eu un peu peur. J'ai trouvé certaines scènes mal jouées, comme celles montrant l'excentricité de la jeune (et ravissante) Elisabeth ou encore la remise du bouquet à Hitler. De plus, même si je suis très sensible à la beauté de Saskia Rosendahl (remarquée dans Lore), j'ai trouvé un peu facile de la part de ce cochon de réalisateur de profiter de la moindre occasion pour nous exposer la plastique quasi parfaite de l'actrice. J'ai aussi été gêné par ce qui pour moi est une invraisemblance historique : quand Elisabeth emmène son neveu à l'exposition sur "l'art dégénéré", elle porte une robe légère, qui ne permet pas d'ignorer l'absence de soutien-gorge !

   Le film devient prenant à partir du moment où Elisabeth est emmenée dans le "centre gynécologique" dirigé par "Herr Professor" Seeband, incarné par Sebastian Koch avec une époustouflante (et glaçante) maîtrise. Ce gynécologue est conscient d'être un excellent médecin (sur le plan scientifique). Sur le plan humain, c'est autre chose. Dans son bureau se déroule une scène capitale pour la suite : elle pose des éléments qui, plus tard, vont relier plusieurs personnages sans qu'ils en soient conscients (mais les spectateurs attentifs, oui).

   C'est là que la grande Histoire rencontre la petite. Henckel en profite pour évoquer l'Aktion T4, dans un mélodrame qui montre comment des vies d'Allemands ordinaires vont être brisées. Ainsi, dans la famille d'Elisabeth, on a le privilège de mourir à cause des nazis ou sous les balles soviétiques ou encore sous les bombes anglo-américaines. (Une scène se déroule à Dresde en février 1945.)

   La séquence suivante est tout aussi passionnante. On y retrouve le médecin nazi, piégé par l'occupation soviétique de la partie orientale de l'Allemagne. Il risque gros, mais il peut encore compter sur sa formation médicale, qui pourrait lui sauver la partie. La scène de l'accouchement est formidablement mise en scène.

   Après une ellipse, on retrouve notre désormais ancien nazi, transformé en notable de la RDA (communiste). Le petit garçon du début (qui va longtemps refouler certains souvenirs) est devenu un apprenti peintre. Il va se lier à une autre Elisabeth qui, coïncidence troublante, ressemble bigrement à sa tante disparue (la couleur de cheveux exceptée). Elle est incarnée par Paula Beer (encore plus souvent nue). Le couple qui se forme va rencontrer un terrible adversaire sur sa route : le gynécologue, qui ne peut plus se montrer aussi ouvertement dominateur qu'autrefois, mais qui va se révéler habile manipulateur...

   Au niveau artistique, Henckel veut montrer que nazis comme communistes ont une vision étriquée de la création. Les régimes totalitaires méprisent la liberté créative et veulent instrumentaliser les artistes à leur profit. C'est le moment où l'on bascule de la première dans la seconde partie.

   Celle-ci est, dans un premier temps, davantage centrée sur Kurt, dont le talent s'affirme. On le voit d'abord en RDA, où il se plie à la doctrine officielle du réalisme socialiste. Pour des raisons que je me garderai bien d'évoquer, à l'issue d'un assez long processus, il finit par "exploser" en RFA. J'ai trouvé remarquable le récit de son apprentissage dans le milieu d'avant-garde de Düsseldorf. C'est le moment de signaler l'excellente composition d'Olivier Masucci en professeur d'arts plastiques, capable de captiver un auditoire... ou de le faire réagir. Les plans qui montrent les peintres en action sont très réussis (et parfois empreints d'ironie, comme lorsque le jeune héros découvre les efforts pathétiques des apprentis artistes pour faire original). Le summum est atteint quand Kurt trouve enfin son style. Un déclic se produit, qui voit de nouveau la grande Histoire fusionner avec la petite.

   En dépit de quelques défauts mineurs, j'ai été emballé par ce film, à la fois mélo, chronique sentimentale (sensuelle), leçon d'histoire et essai pictural.

mardi, 16 juillet 2019

Qui pour reprendre EuropaCorp ?

   La société dirigée par Luc Besson est en difficulté. Depuis plusieurs années, elle essuie d'importantes pertes. Elle semble très endettée (de plusieurs centaines de millions d'euros)... mais elle a du potentiel (son catalogue notamment est très convoité). Voilà pourquoi, depuis quelques années, des rumeurs circulent quant à une éventuelle vente.

   D'après un article du Monde de mercredi dernier, c'est d'abord un groupe chinois qui a été envisagé : Fundamental Films qui, sous le nom de "FF Motion Invest", est à l'heure actuelle le deuxième actionnaire d'EuropaCorp, après Luc Besson :

cinéma,cinema,film,films,économie,actualité,actualite,actu,actualites,actualités

 

   Ont été aussi évoqués le groupe Netfilx et, plus récemment, Pathé, qui s'était rapproché de Luc Besson. Aux dernières nouvelles, c'est l'un des créanciers d'EuropaCorp, le fonds Vine Alternative Investments, qui tient la corde. Signalons qu'il y a deux ans, ce fonds a pris le contrôle de Village Roadshow, une société de production à laquelle on doit, parmi d'autres, les films Sherlock Holmes- Jeu d'ombres, La Grande Aventure Lego, Passengers et Ocean's 8. On le voit, il s'agit d'oeuvres commerciales, grand public, avec de l'action et (souvent) des effets spéciaux. EuropaCorp ne serait pas dépaysée.

   Ce changement de direction pourrait avoir un effet bénéfique : décharger Luc Besson de son travail de gestionnaire, ce qui lui permettrait de se concentrer sur son activité créative.

   Pour les boursicoteurs, il semble aussi que la perspective d'un rachat soit une bonne nouvelle : le cours de l'action d'EuropaCorp a récemment fortement augmenté, pour atteindre... 1,3 euro. A ceux qui s'étonneraient de la faible valorisation de la société, je rappellerai l'exemple d'Eurotunnel (aujourd'hui Getlink), dont l'action était tombée (début 2003) à... 0,3 euro (après avoir été introduite en bourse à 35 francs, soit entre 5 et 6 euros). Aujourd'hui, le cours flirte avec les 14 euros. L'action EuropaCorp, quant à elle, a culminé autour de 15 euros en 2008, avant de passer durablement sous la barre des cinq euros (et même sous la barre de 1 euro à plusieurs reprises en 2019 !) :

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   P.S.

   Je ne sais pas s'il y a un lien avec les difficultés financières d'EuropaCorp, mais j'ai découvert que son conseil d'administration a pour vice-président (depuis 2012) un certain Charles Milhaud. Il est connu pour avoir longtemps dirigé le groupe Caisse d'Epargne, menant une politique "audacieuse" (irréfléchie, diront certains) d'acquisitions, en particulier la fusion avec le réseau Banque populaire. Cela ne s'était pas bien terminé...

Qui pour reprendre EuropaCorp ?

   La société dirigée par Luc Besson est en difficulté. Depuis plusieurs années, elle essuie d'importantes pertes. Elle semble très endettée (de plusieurs centaines de millions d'euros)... mais elle a du potentiel (son catalogue notamment est très convoité). Voilà pourquoi, depuis quelques années, des rumeurs circulent quant à une éventuelle vente.

   D'après un article du Monde de mercredi dernier, c'est d'abord un groupe chinois qui a été envisagé : Fundamental Films qui, sous le nom de "FF Motion Invest", est à l'heure actuelle le deuxième actionnaire d'EuropaCorp, après Luc Besson :

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   Ont été aussi évoqués le groupe Netfilx et, plus récemment, Pathé, qui s'était rapproché de Luc Besson. Aux dernières nouvelles, c'est l'un des créanciers d'EuropaCorp, le fonds Vine Alternative Investments, qui tient la corde. Signalons qu'il y a deux ans, ce fonds a pris le contrôle de Village Roadshow, une société de production à laquelle on doit, parmi d'autres, les films Sherlock Holmes- Jeu d'ombres, La Grande Aventure Lego, Passengers et Ocean's 8. On le voit, il s'agit d'oeuvres commerciales, grand public, avec de l'action et (souvent) des effets spéciaux. EuropaCorp ne serait pas dépaysée.

   Ce changement de direction pourrait avoir un effet bénéfique : décharger Luc Besson de son travail de gestionnaire, ce qui lui permettrait de se concentrer sur son activité créative.

   Pour les boursicoteurs, il semble aussi que la perspective d'un rachat soit une bonne nouvelle : le cours de l'action d'EuropaCorp a récemment fortement augmenté, pour atteindre... 1,3 euro. A ceux qui s'étonneraient de la faible valorisation de la société, je rappellerai l'exemple d'Eurotunnel (aujourd'hui Getlink), dont l'action était tombée (début 2003) à... 0,3 euro (après avoir été introduite en bourse à 35 francs, soit entre 5 et 6 euros). Aujourd'hui, le cours flirte avec les 14 euros. L'action EuropaCorp, quant à elle, a culminé autour de 15 euros en 2008, avant de passer durablement sous la barre des cinq euros (et même sous la barre de 1 euro à plusieurs reprises en 2019 !) :

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   P.S.

   Je ne sais pas s'il y a un lien avec les difficultés financières d'EuropaCorp, mais j'ai découvert que son conseil d'administration a pour vice-président (depuis 2012) un certain Charles Milhaud. Il est connu pour avoir longtemps dirigé le groupe Caisse d'Epargne, menant une politique "audacieuse" (irréfléchie, diront certains) d'acquisitions, en particulier la fusion avec le réseau Banque populaire. Cela ne s'était pas bien terminé...

lundi, 15 juillet 2019

So long, my son

   On pourrait traduire le titre de ce film par "Au revoir, mon fils". Cet au revoir peut être compris comme porteur d'espoir ("A bientôt") ou comme définitif ("Adieu"). Tout dépend du fils auquel il s'adresse. Dans l'histoire, le couple de héros (ouvriers dans la même usine du nord de la Chine, à l'origine) n'a d'abord qu'un seul enfant.

   Pour démêler les fils de l'intrigue, il convient d'être particulièrement attentif, parce que Wang Xiaoshuai (auquel on doit, entre autres, Beijing Bicycle et Red Amnesia) a construit son film sous la forme d'un puzzle, les séquences ne se suivant pas dans un ordre chronologique (sauf dans les trois derniers quarts d'heure, qui se déroulent de nos jours). Pour se repérer, je conseille d'être attentif aux personnages enfants ou adolescents.

   La première séquence n'est pas la plus ancienne chronologiquement, mais c'est celle autour de laquelle s'organisent les autres. On y suit deux gamins, qui rejoignent un groupe de copains autour d'un plan d'eau. Le drame qui survient à cet endroit va bouleverser la vie de tous les protagonistes. Les séquences qui nous sont proposées par la suite se placent soit avant le drame, soit (bien) après.

   Dans les séquences "anciennes", on découvre les deux couples au moment de la naissance des fils. On les voit à l'usine. On rencontre aussi leurs frères et soeurs, dans une génération qui n'avait pas encore subi la politique de l'enfant unique (décrétée à la toute fin des années 1970). Le réalisateur veut montrer l'impact que celle-ci a eu sur des vies ordinaires. A cet égard, le personnage principal est celui de la mère, formidablement interprétée par une actrice que je ne connaissais pas : Yong Mei. D'une manière ou d'une autre, cette femme a "perdu" successivement trois enfants. La comédienne, sans effet de manche, fait très bien sentir la douleur éprouvée par son personnage... et quelle belle scène de retrouvailles avec son ancienne collègue d'usine, des années plus tard, sur un lit d'hôpital !

   Au bout d'une heure et demie (environ), on comprend qu'après le drame, le couple de héros (qui, de surcroît, a fini par être licencié de l'usine) a déménagé dans le sud, du côté de Canton, où il s'est mis à son compte, dans une Chine qui s'ouvre à l'Occident et à l'économie de marché. On va les retrouver à la fin des années 1980, dans les années 1990 et (sans doute) au début des années 2000. Au fur et à mesure que les héros vieillissent, la Chine se transforme, surtout à l'est, dont l'apparence prend celle d'un pays développé. On sent que le metteur en scène a voulu insister sur la métamorphose de son pays (qu'il a vécue, puisqu'il est né en 1966).

   Par contre, l'aspect politique a été gardé sous le boisseau. Certes, il y a une critique implicite de la politique de l'enfant unique (facilitée par son abandon définitif en 2015), mais les héros passent presque quarante ans sans subir aucun des soubresauts de l'époque. J'ai été par exemple étonné que le réalisateur ne fasse pas la moindre allusion au printemps de Pékin. Concernant les personnages les plus âgés, quelques dialogues évoquent l'envoi à la campagne, pendant la Révolution culturelle. On comprend que cela n'a pas été une époque heureuse, mais Wang Xiaoshuai se garde d'en exprimer davantage. Vers la fin, il montre même ses personnages principaux, de retour dans leur région d'origine des années plus tard, saluer une statue de Mao Zedong...

cinéma,cinema,film,films

   La mise en scène semble avoir été au moins autant travaillée que le scénario. Que ce soit dans la Mongolie intérieure ou le Fujian (voisin du Guangdong, où est censée se dérouler la seconde vie des héros), on a droit à de superbes plans extérieurs. Les scènes d'intérieur sont elles aussi très maîtrisées, avec notamment un usage habile du panoramique. Le réalisateur joue parfois avec les spectateurs, comme lorsqu'il filme le couple, devenu âgé, en légère contreplongée, autour d'une tombe à moitié abandonnée... avant de retourner la caméra. La scène prend un tout autre sens. Il faut se méfier aussi des fausses transitions, comme lorsqu'on voit le père porter son épouse suicidaire jusqu'à l'hôpital. La suite démarre dans un autre hôpital, des années plus tard... et la malade dont il est question n'est pas la même personne.

   Tout cela pour dire qu'il s'agit d'un film extrêmement brillant, d'un cinéaste au sommet de son art. Il ne se donne pas au spectateur sans effort, sur une durée longue (3 heures). On n'est pas loin du chef-d'oeuvre.

15:47 Publié dans Chine, Cinéma | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : cinéma, cinema, film, films

So long, my son

   On pourrait traduire le titre de ce film par "Au revoir, mon fils". Cet au revoir peut être compris comme porteur d'espoir ("A bientôt") ou comme définitif ("Adieu"). Tout dépend du fils auquel il s'adresse. Dans l'histoire, le couple de héros (ouvriers dans la même usine du nord de la Chine, à l'origine) n'a d'abord qu'un seul enfant.

   Pour démêler les fils de l'intrigue, il convient d'être particulièrement attentif, parce que Wang Xiaoshuai (auquel on doit, entre autres, Beijing Bicycle et Red Amnesia) a construit son film sous la forme d'un puzzle, les séquences ne se suivant pas dans un ordre chronologique (sauf dans les trois derniers quarts d'heure, qui se déroulent de nos jours). Pour se repérer, je conseille d'être attentif aux personnages enfants ou adolescents.

   La première séquence n'est pas la plus ancienne chronologiquement, mais c'est celle autour de laquelle s'organisent les autres. On y suit deux gamins, qui rejoignent un groupe de copains autour d'un plan d'eau. Le drame qui survient à cet endroit va bouleverser la vie de tous les protagonistes. Les séquences qui nous sont proposées par la suite se placent soit avant le drame, soit (bien) après.

   Dans les séquences "anciennes", on découvre les deux couples au moment de la naissance des fils. On les voit à l'usine. On rencontre aussi leurs frères et soeurs, dans une génération qui n'avait pas encore subi la politique de l'enfant unique (décrétée à la toute fin des années 1970). Le réalisateur veut montrer l'impact que celle-ci a eu sur des vies ordinaires. A cet égard, le personnage principal est celui de la mère, formidablement interprétée par une actrice que je ne connaissais pas : Yong Mei. D'une manière ou d'une autre, cette femme a "perdu" successivement trois enfants. La comédienne, sans effet de manche, fait très bien sentir la douleur éprouvée par son personnage... et quelle belle scène de retrouvailles avec son ancienne collègue d'usine, des années plus tard, sur un lit d'hôpital !

   Au bout d'une heure et demie (environ), on comprend qu'après le drame, le couple de héros (qui, de surcroît, a fini par être licencié de l'usine) a déménagé dans le sud, du côté de Canton, où il s'est mis à son compte, dans une Chine qui s'ouvre à l'Occident et à l'économie de marché. On va les retrouver à la fin des années 1980, dans les années 1990 et (sans doute) au début des années 2000. Au fur et à mesure que les héros vieillissent, la Chine se transforme, surtout à l'est, dont l'apparence prend celle d'un pays développé. On sent que le metteur en scène a voulu insister sur la métamorphose de son pays (qu'il a vécue, puisqu'il est né en 1966).

   Par contre, l'aspect politique a été gardé sous le boisseau. Certes, il y a une critique implicite de la politique de l'enfant unique (facilitée par son abandon définitif en 2015), mais les héros passent presque quarante ans sans subir aucun des soubresauts de l'époque. J'ai été par exemple étonné que le réalisateur ne fasse pas la moindre allusion au printemps de Pékin. Concernant les personnages les plus âgés, quelques dialogues évoquent l'envoi à la campagne, pendant la Révolution culturelle. On comprend que cela n'a pas été une époque heureuse, mais Wang Xiaoshuai se garde d'en exprimer davantage. Vers la fin, il montre même ses personnages principaux, de retour dans leur région d'origine des années plus tard, saluer une statue de Mao Zedong...

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   La mise en scène semble avoir été au moins autant travaillée que le scénario. Que ce soit dans la Mongolie intérieure ou le Fujian (voisin du Guangdong, où est censée se dérouler la seconde vie des héros), on a droit à de superbes plans extérieurs. Les scènes d'intérieur sont elles aussi très maîtrisées, avec notamment un usage habile du panoramique. Le réalisateur joue parfois avec les spectateurs, comme lorsqu'il filme le couple, devenu âgé, en légère contreplongée, autour d'une tombe à moitié abandonnée... avant de retourner la caméra. La scène prend un tout autre sens. Il faut se méfier aussi des fausses transitions, comme lorsqu'on voit le père porter son épouse suicidaire jusqu'à l'hôpital. La suite démarre dans un autre hôpital, des années plus tard... et la malade dont il est question n'est pas la même personne.

   Tout cela pour dire qu'il s'agit d'un film extrêmement brillant, d'un cinéaste au sommet de son art. Il ne se donne pas au spectateur sans effort, sur une durée longue (3 heures). On n'est pas loin du chef-d'oeuvre.

15:47 Publié dans Chine, Cinéma | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : cinéma, cinema, film, films

samedi, 13 juillet 2019

Les Enfants de la mer

   Ce film d'animation est l'adaptation d'un manga, par un illustre inconnu, Ayumu Watanabe. Les héros sont trois (pré)adolescents (ni crétins, ni rivés sur leur téléphone portable), une fille et deux garçons. Les parents de celle-ci travaillent dans un parc d'attraction aquatique, qui fascine leur fille depuis son plus jeune âge. De surcroît, elle semble avoir un don pour communiquer avec le monde marin. Par contre, à l'école, la gamine pleine d'énergie ne se fait pas que des amis...

   Un été, au début des vacances, elle rencontre deux garçons très spéciaux, Umi et Sora, deux orphelins qui ont été recueillis par des chercheurs après avoir été élevés par des dugongs. Ils paraissent dotés de pouvoirs surnaturels. (A un moment, le film nous propose une scène éblouissante avec des dugongs, animaux très joueurs et qui manifestent si paisiblement leur affection pour leurs proches.)

   Un mécanisme s'enclenche après le passage d'un météore, qui s'est échoué dans l'océan, à un endroit où la faune marine semble converger, notamment d'extraordinaires baleines qui, dans certaines circonstances, deviennent resplendissantes. La clé se trouve peut-être dans leur chant, étudié par des scientifiques, eux-mêmes chapeautés par des militaires qui aimeraient bien tirer parti de leurs découvertes.

   Vous réalisez donc que c'est d'une grande richesse scénaristique. Le film traite à la fois (évitant la lourdeur comme la superficialité) des problèmes familiaux, de l'intégration à l'école, d'amitié, de la sauvegarde des océans... et de l'origine du monde.

   Au niveau de la mise en images, c'est souvent d'une beauté stupéfiante. On a visiblement beaucoup travaillé les effets autour de l'eau (de l'océan, des piscines, de la pluie... et même des larmes). Soyez aussi attentifs aux (grands) yeux des personnages principaux (et des baleines). Il s'y passe beaucoup de choses. J'ajoute que les décors sont superbes et que les jeux de lumières sont à couper le souffle.

   Le dernier quart de l'histoire tourne au conte philosophique (genre 2001, L'Odyssée de l'espace). La base en est quand même scientifique : la vie sur Terre vient de l'eau et celle-ci est arrivée de l'espace (je fais court). Comme les Japonais ne sont pas monothéistes, ils ne vont pas chercher un deus ex-machina derrière tout cela. Non, l'explication se trouve plutôt dans une forme de panthéisme, parfaitement compatible avec des convictions écologistes.

   Dit ainsi, cela semble peut-être pompeux. Allez voir le film, et vous comprendrez sans peine, grâce aux images.

   Je ne sais pas qui est Ayumu Watanabe (le réalisateur), mais il peut prétendre au titre de digne successeur d'Hayao Miyazaki !

23:05 Publié dans Cinéma, Japon | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : cinéma, cinema, film, films

Les Enfants de la mer

   Ce film d'animation est l'adaptation d'un manga, par un illustre inconnu, Ayumu Watanabe. Les héros sont trois (pré)adolescents (ni crétins, ni rivés sur leur téléphone portable), une fille et deux garçons. Les parents de celle-ci travaillent dans un parc d'attraction aquatique, qui fascine leur fille depuis son plus jeune âge. De surcroît, elle semble avoir un don pour communiquer avec le monde marin. Par contre, à l'école, la gamine pleine d'énergie ne se fait pas que des amis...

   Un été, au début des vacances, elle rencontre deux garçons très spéciaux, Umi et Sora, deux orphelins qui ont été recueillis par des chercheurs après avoir été élevés par des dugongs. Ils paraissent dotés de pouvoirs surnaturels. (A un moment, le film nous propose une scène éblouissante avec des dugongs, animaux très joueurs et qui manifestent si paisiblement leur affection pour leurs proches.)

   Un mécanisme s'enclenche après le passage d'un météore, qui s'est échoué dans l'océan, à un endroit où la faune marine semble converger, notamment d'extraordinaires baleines qui, dans certaines circonstances, deviennent resplendissantes. La clé se trouve peut-être dans leur chant, étudié par des scientifiques, eux-mêmes chapeautés par des militaires qui aimeraient bien tirer parti de leurs découvertes.

   Vous réalisez donc que c'est d'une grande richesse scénaristique. Le film traite à la fois (évitant la lourdeur comme la superficialité) des problèmes familiaux, de l'intégration à l'école, d'amitié, de la sauvegarde des océans... et de l'origine du monde.

   Au niveau de la mise en images, c'est souvent d'une beauté stupéfiante. On a visiblement beaucoup travaillé les effets autour de l'eau (de l'océan, des piscines, de la pluie... et même des larmes). Soyez aussi attentifs aux (grands) yeux des personnages principaux (et des baleines). Il s'y passe beaucoup de choses. J'ajoute que les décors sont superbes et que les jeux de lumières sont à couper le souffle.

   Le dernier quart de l'histoire tourne au conte philosophique (genre 2001, L'Odyssée de l'espace). La base en est quand même scientifique : la vie sur Terre vient de l'eau et celle-ci est arrivée de l'espace (je fais court). Comme les Japonais ne sont pas monothéistes, ils ne vont pas chercher un deus ex-machina derrière tout cela. Non, l'explication se trouve plutôt dans une forme de panthéisme, parfaitement compatible avec des convictions écologistes.

   Dit ainsi, cela semble peut-être pompeux. Allez voir le film, et vous comprendrez sans peine, grâce aux images.

   Je ne sais pas qui est Ayumu Watanabe (le réalisateur), mais il peut prétendre au titre de digne successeur d'Hayao Miyazaki !

23:05 Publié dans Cinéma, Japon | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : cinéma, cinema, film, films

Les Aventures de Rabbi Jacob

   L'été, les salles obscures ont tendance à se vider (sauf pour les grosses productions regorgeant d'effets spéciaux), ce qui laisse de la place pour de "vieux" films, en général dans une version restaurée. A l'origine, cette pratique était peu répandue dans les cinémas français de province et se limitait à des classiques étrangers (comme Chinatown, Blade Runner ou, plus récemment, Memories of murder de Bong Joon Ho, qui vient de recevoir la Palme d'or pour l'excellent Parasite).

   Depuis quelques années, y compris à Rodez, on peut (re)voir aussi des classiques français. Ce fut le cas, il y a trois ans, de La Grande Vadrouille, que je n'avais jamais vu au cinéma... tout comme Rabbi Jacob. Va donc pour une séance rétro !

   Autant le dire tout de suite : le film a vieilli, bien plus (à mon avis) que La Grande Vadrouille. Mais il n'est pas sans intérêt. Le début se passe à New York, dans le quartier juif orthodoxe de Brooklyn. A ma grande surprise (je n'ai pas vu le film depuis plus de quinze ans), cette séquence, principalement tournée en anglais, n'est pas sous-titrée (pas plus que les quelques dialogues en yiddish). Mais ce n'est pas gênant pour la compréhension de l'intrigue. A titre d'anecdote, je signale que l'on voit à plusieurs reprises les anciennes tours du World Trade Center, notamment dans un plan pris du pont de Brooklyn qui n'est pas sans rappeler l'un de ceux présents dans Shoah (tourné quelques années plus tard), au début de la séquence au cours de la quelle Claude Lanzmann interroge Rudolf Vrba, un évadé d'Auschwitz.

   En France, c'est Victor Pivert et son entourage que l'on découvre. De Funès fait du De Funès, mais un peu en roue libre. C'est excessif, moins bon que dans d'autres films tournés par le comédien... peut-être parce qu'il n'y a pas assez de répondant chez ses partenaires. Les personnalités qui sortent du lot sont celles de son épouse dentiste (incarnée par Suzy Delair) et celle du révolutionnaire Slimane (incarné par Claude Giraud, dont le visage est beaucoup moins familier que la voix : il s'est beaucoup illustré dans le doublage).

   L'humour fonctionne sur le principe du comique de situation, avec des quiproquos. C'est moyennement réussi dans l'usine de chewing-gum. A partir du moment où le duo Pivert-Slimane "devient juif", cela décolle un peu. Nous voilà transportés dans le quartier parisien du Marais, notamment rue des Rosiers (devenue tristement célèbre dix ans plus tard). On redécouvre avec plaisir la célèbre danse (récemment remise au goût du jour). Parmi les scènes que je trouve toujours réussies, il y a celle de la synagogue quand, pour aider les fugitifs à échapper aux policiers, les participants lèvent tous leur talit (châle de prière).

   On croise beaucoup de visages connus, de Claude Piéplu (en commissaire borné) à Jacques François (en officier traditionaliste), en passant par Popeck, Xavier Gélin, Miou-Miou, Henri Guybet et même Gérard Darmon. Quant aux cascades, elles ont été réglées par Rémy Julienne. C'est aussi un film d'action !

   Au-delà de la comédie, le film est une ode à ce que l'on appelle aujourd'hui "le vivre ensemble". Catholiques conservateurs, juifs traditionnels et musulmans vont dépasser leurs préjugés pour échapper aux méchants de l'histoire. 45 ans plus tard, on peut trouver cela naïf, mais cette comédie bon enfant a eu un retentissement énorme (elle a même été nommée aux Golden Globe).

   P.S.

   La musique de Vladimir Cosma est chouette.

11:54 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : cinéma, cinema, film, films

Les Aventures de Rabbi Jacob

   L'été, les salles obscures ont tendance à se vider (sauf pour les grosses productions regorgeant d'effets spéciaux), ce qui laisse de la place pour de "vieux" films, en général dans une version restaurée. A l'origine, cette pratique était peu répandue dans les cinémas français de province et se limitait à des classiques étrangers (comme Chinatown, Blade Runner ou, plus récemment, Memories of murder de Bong Joon Ho, qui vient de recevoir la Palme d'or pour l'excellent Parasite).

   Depuis quelques années, y compris à Rodez, on peut (re)voir aussi des classiques français. Ce fut le cas, il y a trois ans, de La Grande Vadrouille, que je n'avais jamais vu au cinéma... tout comme Rabbi Jacob. Va donc pour une séance rétro !

   Autant le dire tout de suite : le film a vieilli, bien plus (à mon avis) que La Grande Vadrouille. Mais il n'est pas sans intérêt. Le début se passe à New York, dans le quartier juif orthodoxe de Brooklyn. A ma grande surprise (je n'ai pas vu le film depuis plus de quinze ans), cette séquence, principalement tournée en anglais, n'est pas sous-titrée (pas plus que les quelques dialogues en yiddish). Mais ce n'est pas gênant pour la compréhension de l'intrigue. A titre d'anecdote, je signale que l'on voit à plusieurs reprises les anciennes tours du World Trade Center, notamment dans un plan pris du pont de Brooklyn qui n'est pas sans rappeler l'un de ceux présents dans Shoah (tourné quelques années plus tard), au début de la séquence au cours de la quelle Claude Lanzmann interroge Rudolf Vrba, un évadé d'Auschwitz.

   En France, c'est Victor Pivert et son entourage que l'on découvre. De Funès fait du De Funès, mais un peu en roue libre. C'est excessif, moins bon que dans d'autres films tournés par le comédien... peut-être parce qu'il n'y a pas assez de répondant chez ses partenaires. Les personnalités qui sortent du lot sont celles de son épouse dentiste (incarnée par Suzy Delair) et celle du révolutionnaire Slimane (incarné par Claude Giraud, dont le visage est beaucoup moins familier que la voix : il s'est beaucoup illustré dans le doublage).

   L'humour fonctionne sur le principe du comique de situation, avec des quiproquos. C'est moyennement réussi dans l'usine de chewing-gum. A partir du moment où le duo Pivert-Slimane "devient juif", cela décolle un peu. Nous voilà transportés dans le quartier parisien du Marais, notamment rue des Rosiers (devenue tristement célèbre dix ans plus tard). On redécouvre avec plaisir la célèbre danse (récemment remise au goût du jour). Parmi les scènes que je trouve toujours réussies, il y a celle de la synagogue quand, pour aider les fugitifs à échapper aux policiers, les participants lèvent tous leur talit (châle de prière).

   On croise beaucoup de visages connus, de Claude Piéplu (en commissaire borné) à Jacques François (en officier traditionaliste), en passant par Popeck, Xavier Gélin, Miou-Miou, Henri Guybet et même Gérard Darmon. Quant aux cascades, elles ont été réglées par Rémy Julienne. C'est aussi un film d'action !

   Au-delà de la comédie, le film est une ode à ce que l'on appelle aujourd'hui "le vivre ensemble". Catholiques conservateurs, juifs traditionnels et musulmans vont dépasser leurs préjugés pour échapper aux méchants de l'histoire. 45 ans plus tard, on peut trouver cela naïf, mais cette comédie bon enfant a eu un retentissement énorme (elle a même été nommée aux Golden Globe).

   P.S.

   La musique de Vladimir Cosma est chouette.

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vendredi, 12 juillet 2019

Anna

   Et si on parlait de cinéma, pour commencer ? Anna est un film d'action baignant dans une ambiance de Guerre froide (et post-Guerre froide). On y suit les tribulations d'une espionne-mannequin-ancienne droguée-bisexuelle russe... enfin, c'est pas sûr à 100 %. Tout le film est nimbé de faux-semblants... et c'est bien comme ça.

   Le petit malin du fond me dit que cela ressemble quand même un peu au récent Red Sparrow. Il a pas tort. Mais je lui réponds que ce film-là (Anna) est meilleur pour deux raisons : dans la version originale (disponible au cinéma de Rodez, chouette !), on entend les personnages soviétiques parler russe (pas tous, hélas) et l'actrice principale (Sasha Luss) fait une meilleure prestation que Jennifer Lawrence. (Désolé pour les fans de la grande bringue oscarisée et surcotée.)

   Au niveau de l'action, on est assez bien servi. Pendant la Fête du cinéma, les clients des établissements CGR ont eu l'immense privilège de pouvoir visionner, en plus de la bande-annonce, la majeure partie de LA scène de baston d'Anna, celle du restaurant. C'est chorégraphié au millimètre, avec plein de sauce tomate et de verre brisé. Mes compliments à la doublure-cascade de Sasha Luss (Aurélia Agel, une Lotoise), qui a fait un boulot remarquable ! (On pense à Sofia Boutella dans Hôtel Artemis et à Charlize Theron dans Atomic Blonde, qui reste à mon avis plus abouti.)

   J'ajoute que le scénario et le montage sont malins. A plusieurs reprises, on nous propose deux versions d'une même scène, selon deux points de vue différents. Quand on sait dans quel milieu se déroule l'intrigue, c'est parfaitement justifié. Les acteurs sont bons, qu'ils s'expriment en anglais ou en russe (voire en français, puisque l'action se passe en partie à Paris).

   A la réflexion, je pense qu'il vaut mieux voir ce film en version doublée. Ainsi, on entendra tous les personnages russes s'exprimer en français avec un accent d'Europe de l'Est... alors que dans la version originale, Helen Mirren et et Luke Evans (qui incarnent des cadres du KGB/FSB) s'expriment principalement en anglais (avec un accent). Je me dois aussi de signaler une erreur grossière : dans l'un des retours en arrière, on voit l'héroïne utiliser un ordinateur portable avec une connexion internet à distance... dès la fin des années 1980 !

   Si l'on fait abstraction de ces éléments, on peut prendre plaisir à suivre les efforts fournis par une femme exceptionnelle pour devenir libre, quel qu'en soit le prix.

   P.S.

   Passons au dessert : le contexte qui entoure la sortie de ce film. Pour différentes raisons, Luc Besson était attendu au tournant. Tout d'abord, depuis plusieurs semaines, on ne cesse d'entendre (et de lire) que le cinéaste doit se remettre de l'échec de Valérian. Euh... faut voir ce qu'on appelle échec. Sur le plan financier, c'est incontestable : le film n'a pas été rentable... mais, en France, il a attiré 4 millions de spectateurs dans les salles (ce qui fait de lui le cinquième plus gros succès de l'année 2017, juste derrière le film d'animation Coco). D'un point de vue artistique, Valérian est pour moi une réussite. Ce fut un réel plaisir que de le voir dans une grande salle. Besson a gardé son talent de créateur d'images, alors que tant de ses confrères hexagonaux pondent des films imbitables sur des sujets à la mode, réalisés avec les pieds.

   Il reste les accusations d'agressions sexuelles... quasiment toutes anonymes. La seule qui les a portées sans masque (Sand Van Roy) a vu ses plaintes se faire classer sans suite il y a plusieurs mois... ce qui n'a pas empêché mon quotidien de prédilection de remettre le couvert à l'occasion de la sortie d'Anna. Dans le numéro daté de mercredi, Le Monde a consacré une double-page (pas moins) à la "thématique Besson" :

cinéma,cinema,film,films

   L'article principal, censé être une critique du film, est surtout consacré à la personnalité de Luc Besson. C'est hors-sujet pour traiter d'Anna, mais si le but est de descendre le film... Au dessous, un deuxième papier pointe les difficultés d'EuropaCorp, le lecteur peinant à trouver le moindre aspect positif dans ce nouvel article à charge. Le coup de grâce est asséné page suivante, par un entretien avec... Sand Van Roy. On pourrait penser qu'il va surtout être question de ses (courtes) scènes, situées au début du film. Eh bien non...

   Que tout cela est petit !

 

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Anna

   Et si on parlait de cinéma, pour commencer ? Anna est un film d'action baignant dans une ambiance de Guerre froide (et post-Guerre froide). On y suit les tribulations d'une espionne-mannequin-ancienne droguée-bisexuelle russe... enfin, c'est pas sûr à 100 %. Tout le film est nimbé de faux-semblants... et c'est bien comme ça.

   Le petit malin du fond me dit que cela ressemble quand même un peu au récent Red Sparrow. Il a pas tort. Mais je lui réponds que ce film-là (Anna) est meilleur pour deux raisons : dans la version originale (disponible au cinéma de Rodez, chouette !), on entend les personnages soviétiques parler russe (pas tous, hélas) et l'actrice principale (Sasha Luss) fait une meilleure prestation que Jennifer Lawrence. (Désolé pour les fans de la grande bringue oscarisée et surcotée.)

   Au niveau de l'action, on est assez bien servi. Pendant la Fête du cinéma, les clients des établissements CGR ont eu l'immense privilège de pouvoir visionner, en plus de la bande-annonce, la majeure partie de LA scène de baston d'Anna, celle du restaurant. C'est chorégraphié au millimètre, avec plein de sauce tomate et de verre brisé. Mes compliments à la doublure-cascade de Sasha Luss (Aurélia Agel, une Lotoise), qui a fait un boulot remarquable ! (On pense à Sofia Boutella dans Hôtel Artemis et à Charlize Theron dans Atomic Blonde, qui reste à mon avis plus abouti.)

   J'ajoute que le scénario et le montage sont malins. A plusieurs reprises, on nous propose deux versions d'une même scène, selon deux points de vue différents. Quand on sait dans quel milieu se déroule l'intrigue, c'est parfaitement justifié. Les acteurs sont bons, qu'ils s'expriment en anglais ou en russe (voire en français, puisque l'action se passe en partie à Paris).

   A la réflexion, je pense qu'il vaut mieux voir ce film en version doublée. Ainsi, on entendra tous les personnages russes s'exprimer en français avec un accent d'Europe de l'Est... alors que dans la version originale, Helen Mirren et et Luke Evans (qui incarnent des cadres du KGB/FSB) s'expriment principalement en anglais (avec un accent). Je me dois aussi de signaler une erreur grossière : dans l'un des retours en arrière, on voit l'héroïne utiliser un ordinateur portable avec une connexion internet à distance... dès la fin des années 1980 !

   Si l'on fait abstraction de ces éléments, on peut prendre plaisir à suivre les efforts fournis par une femme exceptionnelle pour devenir libre, quel qu'en soit le prix.

   P.S.

   Passons au dessert : le contexte qui entoure la sortie de ce film. Pour différentes raisons, Luc Besson était attendu au tournant. Tout d'abord, depuis plusieurs semaines, on ne cesse d'entendre (et de lire) que le cinéaste doit se remettre de l'échec de Valérian. Euh... faut voir ce qu'on appelle échec. Sur le plan financier, c'est incontestable : le film n'a pas été rentable... mais, en France, il a attiré 4 millions de spectateurs dans les salles (ce qui fait de lui le cinquième plus gros succès de l'année 2017, juste derrière le film d'animation Coco). D'un point de vue artistique, Valérian est pour moi une réussite. Ce fut un réel plaisir que de le voir dans une grande salle. Besson a gardé son talent de créateur d'images, alors que tant de ses confrères hexagonaux pondent des films imbitables sur des sujets à la mode, réalisés avec les pieds.

   Il reste les accusations d'agressions sexuelles... quasiment toutes anonymes. La seule qui les a portées sans masque (Sand Van Roy) a vu ses plaintes se faire classer sans suite il y a plusieurs mois... ce qui n'a pas empêché mon quotidien de prédilection de remettre le couvert à l'occasion de la sortie d'Anna. Dans le numéro daté de mercredi, Le Monde a consacré une double-page (pas moins) à la "thématique Besson" :

cinéma,cinema,film,films

   L'article principal, censé être une critique du film, est surtout consacré à la personnalité de Luc Besson. C'est hors-sujet pour traiter d'Anna, mais si le but est de descendre le film... Au dessous, un deuxième papier pointe les difficultés d'EuropaCorp, le lecteur peinant à trouver le moindre aspect positif dans ce nouvel article à charge. Le coup de grâce est asséné page suivante, par un entretien avec... Sand Van Roy. On pourrait penser qu'il va surtout être question de ses (courtes) scènes, situées au début du film. Eh bien non...

   Que tout cela est petit !

 

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mercredi, 10 juillet 2019

Funan

   Ce film d'animation français est à réserver aux adultes. Réalisé par Denis Do (qui a participé à la création des décors de Zombillénium), il évoque le destin de sa famille cambodgienne, le propos étant centré sur le personnage de sa mère.

   Contrairement à ce que je pensais de prime abord, le titre n'est pas le prénom de l'un des personnages. C'est celui d'une région d'Asie du Sud-Est (qu'on écrit aussi Fou-nan), à cheval sur les actuels Etats de Thaïlande, Cambodge et Vietnam :

cinéma,cinema,histoire,film,films

   L'action se déroule principalement au Kampuchéa, nom pris par le Cambodge sous la férule des Khmers rouges, entre 1975 et 1979. On découvre la famille du héros juste avant la prise de pouvoir par ces maoïstes fanatiques. On est dans la petite bourgeoisie urbaine, que le nouveau régime considère immédiatement comme suspecte, parce que supposée corrompue par le mode de vie occidental.

   On suit donc ces citadins exilés de force à la campagne. C'est le moment où se produisent les premiers drames : des personnes exécutées et la division de la famille, la mère perdant de vue l'un de ses fils, qu'est partie chercher la grand-mère. Notons toutefois que la violence est rarement représentée à l'écran dans toute sa crudité. Elle est plutôt suggérée (on en voit les conséquences). L'histoire n'en est pas moins terrible pour autant.

   Un groupe formé du reste du noyau familial et des amis proches va tenter de survivre dans les camps où la population "suspecte" est parquée, dans des conditions atroces. Il faut travailler du lever au coucher du soleil (voire la nuit) tout en étant mal nourri. Les prisonniers maigrissent vue d'oeil, certains tombant malades.

   Mais tout le monde ne dépérit pas dans ces camps. Ceux qui servent fidèlement l'Angkar ("l'organisation" maoïste cambodgienne) voient leur situation s'améliorer. Il y a aussi celles qui couchent... et ceux qui volent. Malgré tout, n'importe qui peut mourir du jour au lendemain, tant les nouveaux maîtres du pays sont paranoïaques.

   La mère, présentée comme un personnage doux et effacé au début de l'histoire, s'endurcit avec les épreuves. Elle veut à tout prix retrouver son fils. Elle est un peu injuste envers son époux, qu'elle trouve trop timoré. On la voit devenir une survivante, dure à la tâche tout en restant inflexible sur ses valeurs. Dans le même temps, les spectateurs découvrent ce que devient le fils, pris dans la propagande du régime. Il va malgré tout se faire une amie.

   Le titre du film n'a pas été choisi au hasard. Le Funan fut le coeur d'un royaume khmer, au Moyen Age. Dans le film, l'action implique les trois Etats actuels : c'est l'intervention du Vietnam qui met fin à la domination des maoïstes (et au génocide qu'ils ont perpétré) et, pour les héros de notre histoire, la Thaïlande représente la sortie de secours.

   Ce remarquable film d'animation mérite le détour. Au niveau de la forme, on sent l'influence japonaise (télévisuelle) dans le dessin des personnages, parfois un peu sommaire. Mais les décors sont superbes. Sur le fond, cette oeuvre a le grand mérite de mettre une nouvelle génération de cinéphiles au contact d'un des pires crimes jamais commis, 35 ans après La Déchirure (de Roland Joffé) et 16 ans après S-21, la machine de mort khmère rouge (de Rithy Panh).

   P.S.

   En complément du film, je conseille la lecture d'un témoignage, Quatre ans avec les Khmers rouges, de Hour Chea, publié en 2007 :

cinéma,cinema,histoire,film,films

   L'auteur y raconte d'abord sa jeunesse au Cambodge d'avant 1975 (marqué par la corruption), puis les études qu'il a poursuivies en France, grâce à une bourse. C'est de notre pays qu'il a vécu la progression des Khmers rouges qui, à l'époque, ont bénéficié d'une couverture médiatique plutôt favorable...

   Contrairement au film, le livre ne cache rien des violences commises par les communistes, ni des difficultés atroces de la vie quotidienne dans le "Kampuchéa démocratique". L'auteur a connu tout cela parce que, enfumé par la propagande, il a décidé de retourner au pays pour servir la révolution...

   Le livre se lit facilement parce qu'il est bien écrit. Mais, sur le fond, il faut parfois avoir le coeur bien accroché.

Funan

   Ce film d'animation français est à réserver aux adultes. Réalisé par Denis Do (qui a participé à la création des décors de Zombillénium), il évoque le destin de sa famille cambodgienne, le propos étant centré sur le personnage de sa mère.

   Contrairement à ce que je pensais de prime abord, le titre n'est pas le prénom de l'un des personnages. C'est celui d'une région d'Asie du Sud-Est (qu'on écrit aussi Fou-nan), à cheval sur les actuels Etats de Thaïlande, Cambodge et Vietnam :

cinéma,cinema,histoire,film,films

   L'action se déroule principalement au Kampuchéa, nom pris par le Cambodge sous la férule des Khmers rouges, entre 1975 et 1979. On découvre la famille du héros juste avant la prise de pouvoir par ces maoïstes fanatiques. On est dans la petite bourgeoisie urbaine, que le nouveau régime considère immédiatement comme suspecte, parce que supposée corrompue par le mode de vie occidental.

   On suit donc ces citadins exilés de force à la campagne. C'est le moment où se produisent les premiers drames : des personnes exécutées et la division de la famille, la mère perdant de vue l'un de ses fils, qu'est partie chercher la grand-mère. Notons toutefois que la violence est rarement représentée à l'écran dans toute sa crudité. Elle est plutôt suggérée (on en voit les conséquences). L'histoire n'en est pas moins terrible pour autant.

   Un groupe formé du reste du noyau familial et des amis proches va tenter de survivre dans les camps où la population "suspecte" est parquée, dans des conditions atroces. Il faut travailler du lever au coucher du soleil (voire la nuit) tout en étant mal nourri. Les prisonniers maigrissent vue d'oeil, certains tombant malades.

   Mais tout le monde ne dépérit pas dans ces camps. Ceux qui servent fidèlement l'Angkar ("l'organisation" maoïste cambodgienne) voient leur situation s'améliorer. Il y a aussi celles qui couchent... et ceux qui volent. Malgré tout, n'importe qui peut mourir du jour au lendemain, tant les nouveaux maîtres du pays sont paranoïaques.

   La mère, présentée comme un personnage doux et effacé au début de l'histoire, s'endurcit avec les épreuves. Elle veut à tout prix retrouver son fils. Elle est un peu injuste envers son époux, qu'elle trouve trop timoré. On la voit devenir une survivante, dure à la tâche tout en restant inflexible sur ses valeurs. Dans le même temps, les spectateurs découvrent ce que devient le fils, pris dans la propagande du régime. Il va malgré tout se faire une amie.

   Le titre du film n'a pas été choisi au hasard. Le Funan fut le coeur d'un royaume khmer, au Moyen Age. Dans le film, l'action implique les trois Etats actuels : c'est l'intervention du Vietnam qui met fin à la domination des maoïstes (et au génocide qu'ils ont perpétré) et, pour les héros de notre histoire, la Thaïlande représente la sortie de secours.

   Ce remarquable film d'animation mérite le détour. Au niveau de la forme, on sent l'influence japonaise (télévisuelle) dans le dessin des personnages, parfois un peu sommaire. Mais les décors sont superbes. Sur le fond, cette oeuvre a le grand mérite de mettre une nouvelle génération de cinéphiles au contact d'un des pires crimes jamais commis, 35 ans après La Déchirure (de Roland Joffé) et 16 ans après S-21, la machine de mort khmère rouge (de Rithy Panh).

   P.S.

   En complément du film, je conseille la lecture d'un témoignage, Quatre ans avec les Khmers rouges, de Hour Chea, publié en 2007 :

cinéma,cinema,histoire,film,films

   L'auteur y raconte d'abord sa jeunesse au Cambodge d'avant 1975 (marqué par la corruption), puis les études qu'il a poursuivies en France, grâce à une bourse. C'est de notre pays qu'il a vécu la progression des Khmers rouges qui, à l'époque, ont bénéficié d'une couverture médiatique plutôt favorable...

   Contrairement au film, le livre ne cache rien des violences commises par les communistes, ni des difficultés atroces de la vie quotidienne dans le "Kampuchéa démocratique". L'auteur a connu tout cela parce que, enfumé par la propagande, il a décidé de retourner au pays pour servir la révolution...

   Le livre se lit facilement parce qu'il est bien écrit. Mais, sur le fond, il faut parfois avoir le coeur bien accroché.

mardi, 09 juillet 2019

Rojo

   Ce polar argentin peut être analysé avec deux grilles de lecture : c'est à la fois un film conceptuel (qui tente d'expliquer la mise en place de la dictature militaire en 1976) et une chronique provinciale (centrée sur une famille bourgeoise et ses relations).

   Pour tous ceux qui ont connu les années 1970, le film a un côté rétro pas déplaisant, d'autant plus que le réalisateur a voulu utiliser les moyens et les méthodes de l'époque pour mettre en scène son histoire. Le résultat est stupéfiant de réalisme. Outre les vêtements, les décors et les voitures, on remarque l'impressionnante quantité de tabac que les personnages consomment. (Voilà pour ceux qui pensent que tout était mieux autrefois !)

   La réalisation est habile. Ce que l'on voit une première fois peut prendre un tout autre sens par la suite. J'en veux pour preuve la maison du début, d'où sortent plusieurs personnes, chacune chargée de biens. Plus tard, on comprend ce qu'il s'y est passé, quand le héros (l'avocat) y accompagne son ami, désireux de l'acheter. Il en est de même pour l'un des noeuds de l'intrigue, l'altercation entre Claudio (l'avocat) et un inconnu agressif (et psychologiquement instable). Cela commence dans un restaurant, pour se terminer dans le désert (la pampa, plus exactement)... mais, bien plus tard, on découvre tout ce que cette scène implique. (Et l'on comprend à quel point la tirade de Claudio était à côté de la plaque.)

   Au niveau conceptuel, le metteur en scène Benjamin Naishat veut montrer que ce sont les trahisons (petites et grandes) de la classe moyenne argentine qui ont permis l'installation des militaires au pouvoir. L'action se déroule en 1975. Plusieurs événements préfigurent ce qui va se produire dans les mois suivants. C'est tout d'abord ce client de Claudio (médecin, dont l'épouse, infirmière, est syndiquée) qui part soudainement pour un long voyage à l'étranger. C'est une autre personne qui disparaît. Et que dire de de ce qui est arrivé aux occupants de la maison du début ! On ne nous montre rien mais on suggère tout (par les livres qu'ils lisaient, la photographie qui se trouve au sol, parmi d'autres objets... sans oublier les traces sur les murs).

   Le film est particulièrement habile lorsqu'il met en scène la responsabilité des notables. La violence n'est pas que le fait des extrémistes... et elle peut venir de la génération des parents (avec l'avocat suffisant) comme de celle des enfants (avec le petit ami "officiel" de sa fille). La conclusion logique est que le coup d'Etat militaire (qui est sur le point de se produire à la fin de l'histoire) arrange les bourgeois immoraux (l'avocat et son épouse, son meilleur ami magouilleur et les jeunes qui s'en sont pris à l'un des musiciens "gauchistes"). Au niveau de l'intrigue, à mesure que la tension monte dans le cercle des familiers de Claudio, le contexte politique national s'assombrit. L'aspect polar est parfaitement réussi.

   Le tout est suggéré plutôt que dit frontalement. L'interprétation est de qualité. Après Nevada, c'est une nouvelle très bonne surprise de cet été.

Rojo

   Ce polar argentin peut être analysé avec deux grilles de lecture : c'est à la fois un film conceptuel (qui tente d'expliquer la mise en place de la dictature militaire en 1976) et une chronique provinciale (centrée sur une famille bourgeoise et ses relations).

   Pour tous ceux qui ont connu les années 1970, le film a un côté rétro pas déplaisant, d'autant plus que le réalisateur a voulu utiliser les moyens et les méthodes de l'époque pour mettre en scène son histoire. Le résultat est stupéfiant de réalisme. Outre les vêtements, les décors et les voitures, on remarque l'impressionnante quantité de tabac que les personnages consomment. (Voilà pour ceux qui pensent que tout était mieux autrefois !)

   La réalisation est habile. Ce que l'on voit une première fois peut prendre un tout autre sens par la suite. J'en veux pour preuve la maison du début, d'où sortent plusieurs personnes, chacune chargée de biens. Plus tard, on comprend ce qu'il s'y est passé, quand le héros (l'avocat) y accompagne son ami, désireux de l'acheter. Il en est de même pour l'un des noeuds de l'intrigue, l'altercation entre Claudio (l'avocat) et un inconnu agressif (et psychologiquement instable). Cela commence dans un restaurant, pour se terminer dans le désert (la pampa, plus exactement)... mais, bien plus tard, on découvre tout ce que cette scène implique. (Et l'on comprend à quel point la tirade de Claudio était à côté de la plaque.)

   Au niveau conceptuel, le metteur en scène Benjamin Naishat veut montrer que ce sont les trahisons (petites et grandes) de la classe moyenne argentine qui ont permis l'installation des militaires au pouvoir. L'action se déroule en 1975. Plusieurs événements préfigurent ce qui va se produire dans les mois suivants. C'est tout d'abord ce client de Claudio (médecin, dont l'épouse, infirmière, est syndiquée) qui part soudainement pour un long voyage à l'étranger. C'est une autre personne qui disparaît. Et que dire de de ce qui est arrivé aux occupants de la maison du début ! On ne nous montre rien mais on suggère tout (par les livres qu'ils lisaient, la photographie qui se trouve au sol, parmi d'autres objets... sans oublier les traces sur les murs).

   Le film est particulièrement habile lorsqu'il met en scène la responsabilité des notables. La violence n'est pas que le fait des extrémistes... et elle peut venir de la génération des parents (avec l'avocat suffisant) comme de celle des enfants (avec le petit ami "officiel" de sa fille). La conclusion logique est que le coup d'Etat militaire (qui est sur le point de se produire à la fin de l'histoire) arrange les bourgeois immoraux (l'avocat et son épouse, son meilleur ami magouilleur et les jeunes qui s'en sont pris à l'un des musiciens "gauchistes"). Au niveau de l'intrigue, à mesure que la tension monte dans le cercle des familiers de Claudio, le contexte politique national s'assombrit. L'aspect polar est parfaitement réussi.

   Le tout est suggéré plutôt que dit frontalement. L'interprétation est de qualité. Après Nevada, c'est une nouvelle très bonne surprise de cet été.

dimanche, 07 juillet 2019

Yesterday

   La chanson de Paul McCartney donne son titre à cette comédie romantique, à la fois musicale et fantastique. C'est une sorte d'uchronie. A la suite d'un accident de la route, un soir de coupure générale d'électricité, Jack Malik (Himesh Patel, très bien) se réveille dans un monde où les Beatles n'ont pas existé (pas plus qu'Oasis et Harry Potter, d'ailleurs). C'est aussi un monde sans Coca Cola ni cigarettes... sympa, a priori !

   Le début de l'histoire (avant l'accident) nous présente un auteur-compositeur-interprète raté. Jack a quitté l'enseignement pour se lancer dans une carrière d'artiste, vivotant grâce à un travail alimentaire (manutentionnaire chez un grossiste). Seule son amie d'enfance Ellie (restée elle enseignante) croit encore en lui. Dès le début, on sent qu'entre eux il y a plus que de l'amitié. C'est l'un des points faibles de cette intrigue pourtant bien menée : une grande partie des événements sont téléphonés. Mais, comme la dulcinée du héros est interprétée par la délicieuse Lily James (vue récemment dans Baby Driver et Le Cercle littéraire de Guernesey), cela passe.

   Le ton de la comédie prend le dessus quand, sorti de l'hôpital, le héros découvre qu'il vit désormais dans une sorte de monde parallèle, où presque tout est semblable à celui dont il vient, à l'exception de quelques "détails" comme la formation et le succès de son groupe favori.

   C'est particulièrement réussi quand Jack commence à interpréter en public les chansons des Beatles dont il se souvient. Dans les bars où il se produit, les clients pensent surtout à boire, manger et discuter entre eux. Dans sa propre famille, il n'arrive pas au bout de Let it Be, ses parents étant visiblement plus intéressés par la conversation de l'ami de passage où le fait de se servir une bière.

   Quand le succès commence à poindre à l'horizon, le ton tourne à la satire. La cible est l'industrie musicale américaine. Elle est principalement incarnée par l'excellente Kate McKinnon, dont nous avons déjà pu apprécier la puissance comique dans S.O.S. Fantômes et l'inoubliable L'Espion qui m'a larguée. J'ai aussi en mémoire la réunion de toute l'équipe de production américaine (qui -les sourires en plus- ressemble furieusement à un rassemblement de cadres communistes de feue l'URSS), une réjouissante caricature dans laquelle le boss rejette comme titre de l'album de Jack tous ceux choisis jadis par les Beatles !

   La dernière demi-heure prend le virage de l'émotion. Le héros y fait deux rencontres capitales. La première lui permet de se sentir moins seul. (Je n'en dirai pas plus.) La seconde (que l'on sent venir) lui remet la tête à l'endroit, faisant bifurquer l'intrigue vers une conclusion hyper consensuelle et morale. La séquence du concert ne m'a pas plu du tout, alors qu'elle était censée émouvoir. C'est très protestant anglo-saxon. Mais, bon, l'éloge de la simplicité du bonheur ordinaire me convient très bien, alors je suis sorti de là plutôt content.

   P.S.

   Dans le film, la carrière de Jack est lancée grâce à une supposée grosse vedette, Ed Sheeran, qui, d'après le générique, joue son propre rôle... et qui, pour moi, est un illustre inconnu !

   P.S. II

   Les amateurs de mini-séries britanniques reconnaîtront au moins deux visages connus (dans les seconds rôles), celui de Sanjeev Bhaskar (Unforgotten) et celui de Sarah Lancashire (Happy Valley).

cinéma,cinema,film,films,musique,chanson

Yesterday

   La chanson de Paul McCartney donne son titre à cette comédie romantique, à la fois musicale et fantastique. C'est une sorte d'uchronie. A la suite d'un accident de la route, un soir de coupure générale d'électricité, Jack Malik (Himesh Patel, très bien) se réveille dans un monde où les Beatles n'ont pas existé (pas plus qu'Oasis et Harry Potter, d'ailleurs). C'est aussi un monde sans Coca Cola ni cigarettes... sympa, a priori !

   Le début de l'histoire (avant l'accident) nous présente un auteur-compositeur-interprète raté. Jack a quitté l'enseignement pour se lancer dans une carrière d'artiste, vivotant grâce à un travail alimentaire (manutentionnaire chez un grossiste). Seule son amie d'enfance Ellie (restée elle enseignante) croit encore en lui. Dès le début, on sent qu'entre eux il y a plus que de l'amitié. C'est l'un des points faibles de cette intrigue pourtant bien menée : une grande partie des événements sont téléphonés. Mais, comme la dulcinée du héros est interprétée par la délicieuse Lily James (vue récemment dans Baby Driver et Le Cercle littéraire de Guernesey), cela passe.

   Le ton de la comédie prend le dessus quand, sorti de l'hôpital, le héros découvre qu'il vit désormais dans une sorte de monde parallèle, où presque tout est semblable à celui dont il vient, à l'exception de quelques "détails" comme la formation et le succès de son groupe favori.

   C'est particulièrement réussi quand Jack commence à interpréter en public les chansons des Beatles dont il se souvient. Dans les bars où il se produit, les clients pensent surtout à boire, manger et discuter entre eux. Dans sa propre famille, il n'arrive pas au bout de Let it Be, ses parents étant visiblement plus intéressés par la conversation de l'ami de passage où le fait de se servir une bière.

   Quand le succès commence à poindre à l'horizon, le ton tourne à la satire. La cible est l'industrie musicale américaine. Elle est principalement incarnée par l'excellente Kate McKinnon, dont nous avons déjà pu apprécier la puissance comique dans S.O.S. Fantômes et l'inoubliable L'Espion qui m'a larguée. J'ai aussi en mémoire la réunion de toute l'équipe de production américaine (qui -les sourires en plus- ressemble furieusement à un rassemblement de cadres communistes de feue l'URSS), une réjouissante caricature dans laquelle le boss rejette comme titre de l'album de Jack tous ceux choisis jadis par les Beatles !

   La dernière demi-heure prend le virage de l'émotion. Le héros y fait deux rencontres capitales. La première lui permet de se sentir moins seul. (Je n'en dirai pas plus.) La seconde (que l'on sent venir) lui remet la tête à l'endroit, faisant bifurquer l'intrigue vers une conclusion hyper consensuelle et morale. La séquence du concert ne m'a pas plu du tout, alors qu'elle était censée émouvoir. C'est très protestant anglo-saxon. Mais, bon, l'éloge de la simplicité du bonheur ordinaire me convient très bien, alors je suis sorti de là plutôt content.

   P.S.

   Dans le film, la carrière de Jack est lancée grâce à une supposée grosse vedette, Ed Sheeran, qui, d'après le générique, joue son propre rôle... et qui, pour moi, est un illustre inconnu !

   P.S. II

   Les amateurs de mini-séries britanniques reconnaîtront au moins deux visages connus (dans les seconds rôles), celui de Sanjeev Bhaskar (Unforgotten) et celui de Sarah Lancashire (Happy Valley).

cinéma,cinema,film,films,musique,chanson

mercredi, 03 juillet 2019

Ibiza

   Pour le dernier acte de la Fête du cinéma, va pour une comédie populaire "à la française" ! La bande-annonce m'a accroché et j'apprécie plusieurs des comédiens présents au générique... à commencer par Mathilde Seigner, d'une incroyable fraîcheur... même si, au début, elle n'est pas gâtée par la scène en voiture avec son nouveau compagnon, Philippe.

   Celui-ci, un podologue pacifique ventripotent, est incarné par Christian Clavier, qui me laisse une impression mitigée. J'ai du mal à l'expliquer, mais sa manière d'être (sa "présence" pourrait-on dire) a tendance à susciter du dégoût, même si je reconnais le talent d'acteur (plutôt au niveau de la voix). Au début de l'histoire, on nous le dépeint comme un gros bourgeois conservateur, mais pas méchant. La suite du film va le faire apparaître sous un autre jour aux yeux des deux enfants de Carole/Mathilde, qui l'ont d'abord surnommé Shrek !

   Ces deux adolescents n'inspirent pas la sympathie. A plusieurs reprises, j'ai ressenti quelques démangeaisons dans ma main droite. Du coup, je me suis dit que c'est plutôt une comédie pour adultes que pour adolescents. (Il y avait pourtant des enfants dans la salle, que j'ai d'ailleurs entendu rire.)

   L'intrigue décolle vraiment à partir du séjour à Ibiza. Philippe est rapidement tourné en ridicule... mais, à la suite de l'ingestion (involontaire) d'une substance hallucinogène, il va vivre une soirée mémorable... tout comme sa compagne d'ailleurs. Ce sont les enfants qui ramènent les adultes au bercail !

   Sur l'île, on croise des individus souvent un peu louches. Même si l'on n'atteint pas la justesse des films tournés par l'équipe du Splendid, il y a quelques annotations sociologiques sur la faune des vacanciers... et le comportement en avion. Sur place, c'est Frankie le disc-jockey qui sort du lot. Joey Starr l'incarne à la perfection.

   L'histoire suit son cours, avec des hauts et des bas. Pour moi, le meilleur moment du film est la séquence dans la propriété des bobos écolos, qui déclarent vouloir vivre en harmonie avec la nature. Louis-Do de Lencquesaing et Frédérique Bel forment un couple détonnant, elle givrée et lui exhibitionniste arrogant. Cela devient tordant quand la situation dérape... et que le système d'irrigation s'emballe...

   Je trouve que la bande-annonce est fidèle à ce que l'on voit dans le film. Donc, si elle ne vous plaît pas, il vaut mieux ne pas aller voir Ibiza. Par contre, si elle vous titille, il se pourrait que cette petite comédie sans prétention vous fasse passer un agréable moment.

20:32 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : cinéma, cinema, film, films

Ibiza

   Pour le dernier acte de la Fête du cinéma, va pour une comédie populaire "à la française" ! La bande-annonce m'a accroché et j'apprécie plusieurs des comédiens présents au générique... à commencer par Mathilde Seigner, d'une incroyable fraîcheur... même si, au début, elle n'est pas gâtée par la scène en voiture avec son nouveau compagnon, Philippe.

   Celui-ci, un podologue pacifique ventripotent, est incarné par Christian Clavier, qui me laisse une impression mitigée. J'ai du mal à l'expliquer, mais sa manière d'être (sa "présence" pourrait-on dire) a tendance à susciter du dégoût, même si je reconnais le talent d'acteur (plutôt au niveau de la voix). Au début de l'histoire, on nous le dépeint comme un gros bourgeois conservateur, mais pas méchant. La suite du film va le faire apparaître sous un autre jour aux yeux des deux enfants de Carole/Mathilde, qui l'ont d'abord surnommé Shrek !

   Ces deux adolescents n'inspirent pas la sympathie. A plusieurs reprises, j'ai ressenti quelques démangeaisons dans ma main droite. Du coup, je me suis dit que c'est plutôt une comédie pour adultes que pour adolescents. (Il y avait pourtant des enfants dans la salle, que j'ai d'ailleurs entendu rire.)

   L'intrigue décolle vraiment à partir du séjour à Ibiza. Philippe est rapidement tourné en ridicule... mais, à la suite de l'ingestion (involontaire) d'une substance hallucinogène, il va vivre une soirée mémorable... tout comme sa compagne d'ailleurs. Ce sont les enfants qui ramènent les adultes au bercail !

   Sur l'île, on croise des individus souvent un peu louches. Même si l'on n'atteint pas la justesse des films tournés par l'équipe du Splendid, il y a quelques annotations sociologiques sur la faune des vacanciers... et le comportement en avion. Sur place, c'est Frankie le disc-jockey qui sort du lot. Joey Starr l'incarne à la perfection.

   L'histoire suit son cours, avec des hauts et des bas. Pour moi, le meilleur moment du film est la séquence dans la propriété des bobos écolos, qui déclarent vouloir vivre en harmonie avec la nature. Louis-Do de Lencquesaing et Frédérique Bel forment un couple détonnant, elle givrée et lui exhibitionniste arrogant. Cela devient tordant quand la situation dérape... et que le système d'irrigation s'emballe...

   Je trouve que la bande-annonce est fidèle à ce que l'on voit dans le film. Donc, si elle ne vous plaît pas, il vaut mieux ne pas aller voir Ibiza. Par contre, si elle vous titille, il se pourrait que cette petite comédie sans prétention vous fasse passer un agréable moment.

20:32 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : cinéma, cinema, film, films

The Mountain

   Sous-titré "Une odyssée américaine", ce long-métrage se veut à la fois une reconstitution du travail d'un médecin controversé (Walter Freeman) et une réflexion sur la nature et le comportement humains.

   Je ne sais pas comment régissent les (rares) autres spectateurs de ce film, mais l'action de ce supposé médecin m'a mis extrêmement mal à l'aise. Jeff Goldblum incarne (très bien) un praticien calme, très sûr de lui et de ses théories. Il veille à expliquer en détail sa démarche à ses patients et à leur famille, mais considère les individus qu'il traite comme des objets d'étude, une pâte humaine qu'il peut pétrir à loisir.

   Les conséquences des opérations qu'il pratique (avec chocs électriques et perforations crâniennes) sont graves. Le film montre que, dans les années 1950, l'heure de gloire de Freeman est passée. Ses pérégrinations dans l'Amérique profonde pourraient se comprendre comme une fuite en avant, assaisonnée d'alcool et de rencontres féminines.

   L'image a un petit côté "vintage" et la reconstitution de l'époque mérite le détour. Mais c'est filmé de manière neurasthénique, comme si le metteur en scène avait lui-même été lobotomisé. Du coup, il faut s'accrocher pour ne pas piquer du nez face aux aventures peu palpitantes du médecin et de son jeune photographe attitré. (A ce propos, Tye Sheridan ne semble maîtriser qu'une expression et demie... et je réalise soudain que c'est lui qui incarne -plutôt mal- Cyclope dans les derniers X-Men, dont le médiocre Dark Phoenix...)

   Mais le pire est atteint dans la dernière demi-heure. Le duo rencontre un "client" très spécial, un homme fantasque qui vit seul avec sa fille dans une villa perdue dans la campagne. Ce "client" est joué par Denis Lavant, qui se livre d'abord une caricature de ce qu'il a précédemment interprété, dans un anglais mâtiné de français. On a beau sentir la fascination qu'éprouve le metteur en scène pour le comédien, à l'écran, c'est ridicule. Cela se conclut par une tirade du personnage en français, sensée être porteuse de sens. C'est surtout pompeux, horriblement prétentieux.

   Je trouve que 4 euros, c'est cher pour ce bousin intellichiant !

09:18 Publié dans Cinéma, Histoire | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

The Mountain

   Sous-titré "Une odyssée américaine", ce long-métrage se veut à la fois une reconstitution du travail d'un médecin controversé (Walter Freeman) et une réflexion sur la nature et le comportement humains.

   Je ne sais pas comment régissent les (rares) autres spectateurs de ce film, mais l'action de ce supposé médecin m'a mis extrêmement mal à l'aise. Jeff Goldblum incarne (très bien) un praticien calme, très sûr de lui et de ses théories. Il veille à expliquer en détail sa démarche à ses patients et à leur famille, mais considère les individus qu'il traite comme des objets d'étude, une pâte humaine qu'il peut pétrir à loisir.

   Les conséquences des opérations qu'il pratique (avec chocs électriques et perforations crâniennes) sont graves. Le film montre que, dans les années 1950, l'heure de gloire de Freeman est passée. Ses pérégrinations dans l'Amérique profonde pourraient se comprendre comme une fuite en avant, assaisonnée d'alcool et de rencontres féminines.

   L'image a un petit côté "vintage" et la reconstitution de l'époque mérite le détour. Mais c'est filmé de manière neurasthénique, comme si le metteur en scène avait lui-même été lobotomisé. Du coup, il faut s'accrocher pour ne pas piquer du nez face aux aventures peu palpitantes du médecin et de son jeune photographe attitré. (A ce propos, Tye Sheridan ne semble maîtriser qu'une expression et demie... et je réalise soudain que c'est lui qui incarne -plutôt mal- Cyclope dans les derniers X-Men, dont le médiocre Dark Phoenix...)

   Mais le pire est atteint dans la dernière demi-heure. Le duo rencontre un "client" très spécial, un homme fantasque qui vit seul avec sa fille dans une villa perdue dans la campagne. Ce "client" est joué par Denis Lavant, qui se livre d'abord une caricature de ce qu'il a précédemment interprété, dans un anglais mâtiné de français. On a beau sentir la fascination qu'éprouve le metteur en scène pour le comédien, à l'écran, c'est ridicule. Cela se conclut par une tirade du personnage en français, sensée être porteuse de sens. C'est surtout pompeux, horriblement prétentieux.

   Je trouve que 4 euros, c'est cher pour ce bousin intellichiant !

09:18 Publié dans Cinéma, Histoire | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

lundi, 01 juillet 2019

Le Mystère Henri Pick

   J'ai raté ce film à sa sortie, en mars dernier... et je n'ai pas lu le roman dont il est adapté. Comme les rôles principaux sont interprétés par deux acteurs que j'apprécie (Fabrice Lucchini et Camille Cottin), j'ai profité du fait que mon cinéma CGR le reprogramme pour la Fête du cinéma.

   C'est une comédie policière... et de moeurs. Le début se moque gentiment des bobos intellos parisiens, mis en scène lors d'une émission littéraire qui a l'air d'une insupportable prétention. Je doute que Jean-Michel Rouche (joué par Lucchini) soit un décalque de Bernard Pivot (Apostrophes, Bouillon de culture), qui était beaucoup plus concret et chaleureux dans sa présentation des livres et des auteurs.

   On reste un peu dans la même veine quand le héros décide de se rendre au fin fond de la Bretagne pour prouver que l'auteur du livre-événement ne peut pas être un ancien pizzaiolo et que la sensation littéraire du moment est une supercherie.

   A partir de là, l'enquête quasi-policière prend presque le dessus sur la comédie. L'énigme est bien construite. On nous propose plusieurs solutions possibles. Il s'agit d'abord de déterminer qui se cache derrière Henri Pick. Découvrir cela, est-ce révéler une supercherie, ou bien la réponse est-elle plus complexe qu'il n'y paraît ?

   Dans ses pérégrinations, Rouche s'appuie (au début, à son corps défendant) sur la fille de Pick, très bien incarnée par Camille Cottin. Le duo fonctionne à merveille. J'ai adoré les voir se chamailler... et un peu marivauder. C'est très réussi parce que Lucchini s'est vraiment fondu dans le personnage. Il ne fait pas trop de Lucchini.

   Je suis sorti de là de très bonne humeur, ravi de cette ressortie... en zone climatisée.

   P.S.

   A Rodez, d'autres films de l'année sont (temporairement) de retour sur les écrans : Avengers : Endgame, Mon Inconnue, Alita : Battle Angel et surtout... Nicky Larson, mon petit chouchou.

22:10 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

Le Mystère Henri Pick

   J'ai raté ce film à sa sortie, en mars dernier... et je n'ai pas lu le roman dont il est adapté. Comme les rôles principaux sont interprétés par deux acteurs que j'apprécie (Fabrice Lucchini et Camille Cottin), j'ai profité du fait que mon cinéma CGR le reprogramme pour la Fête du cinéma.

   C'est une comédie policière... et de moeurs. Le début se moque gentiment des bobos intellos parisiens, mis en scène lors d'une émission littéraire qui a l'air d'une insupportable prétention. Je doute que Jean-Michel Rouche (joué par Lucchini) soit un décalque de Bernard Pivot (Apostrophes, Bouillon de culture), qui était beaucoup plus concret et chaleureux dans sa présentation des livres et des auteurs.

   On reste un peu dans la même veine quand le héros décide de se rendre au fin fond de la Bretagne pour prouver que l'auteur du livre-événement ne peut pas être un ancien pizzaiolo et que la sensation littéraire du moment est une supercherie.

   A partir de là, l'enquête quasi-policière prend presque le dessus sur la comédie. L'énigme est bien construite. On nous propose plusieurs solutions possibles. Il s'agit d'abord de déterminer qui se cache derrière Henri Pick. Découvrir cela, est-ce révéler une supercherie, ou bien la réponse est-elle plus complexe qu'il n'y paraît ?

   Dans ses pérégrinations, Rouche s'appuie (au début, à son corps défendant) sur la fille de Pick, très bien incarnée par Camille Cottin. Le duo fonctionne à merveille. J'ai adoré les voir se chamailler... et un peu marivauder. C'est très réussi parce que Lucchini s'est vraiment fondu dans le personnage. Il ne fait pas trop de Lucchini.

   Je suis sorti de là de très bonne humeur, ravi de cette ressortie... en zone climatisée.

   P.S.

   A Rodez, d'autres films de l'année sont (temporairement) de retour sur les écrans : Avengers : Endgame, Mon Inconnue, Alita : Battle Angel et surtout... Nicky Larson, mon petit chouchou.

22:10 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

Wardi

   Cette coproduction franco-suédo-norvégienne est sortie sur nos écrans il y a quelques mois de cela... et n'est jamais arrivée jusqu'à Rodez. J'ai profité du début de la Fête du cinéma pour voir cette animation par stop-motion, image par image, avec de petites poupées très expressives (quelques scènes étant réalisées de manière plus classique) :

cinéma,cinema,film,films

   A gauche et à droite se trouvent les deux personnages principaux, ceux de Sidi et de Wardi son arrière-petite-fille, qui vivent dans un camp de réfugiés devenu une ville palestinienne au Liban, dans l'agglomération de Beyrouth.

   Sidi est l'un des seuls réfugiés au sens strict que l'on voit à l'écran. Enfant en 1948, il a dû quitter son village avec ses parents lors de la première guerre israélo-arabe. Autour du cou, il conserve la clé de la porte de la maison familiale, que lui a transmise son père, décédé depuis des années. A travers ses souvenirs, qu'il raconte à son arrière-petite-fille, on mesure l'intensité de la nostalgie qui l'habite. Comme d'autres membres de sa famille, il a perdu espoir. Il est sur le point de donner sa clé à Wardi.

   Quand elle a compris que son aïeul est gravement malade, Wardi se lance à la poursuite de l'espoir (pour lui redonner goût à la vie), dans la ville, bâtie de manière anarchique. Elle part à la rencontre des autres membres de sa famille : son grand-père (encore plus abattu que son propre père), sa grand-tante, sa mère, sa tante et un oncle devenu colombophile, qui vit perché (au propre comme au figuré) au sommet d'une tourelle.

   Chaque rencontre est l'occasion d'évoquer les moments marquants de l'existence de ces personnages. Tous sont liés au conflit israélo-palestinien. Curieusement, le conflit de 1967, aux conséquences si importantes, est évoqué de manière très allusive. Les souvenirs se concentrent sur la "catastrophe" de 1948, le mouvement des fedayin et les incursions israéliennes au Liban. C'est intéressant parce que cette famille palestinienne n'a pas le même vécu que celles qui habitent en territoire occupé ou celles qui ont choisi de rester en Israël.

   On ne va pas cacher que ce film ne propose pas une vision objective du conflit. Comme il est construit à partir de souvenirs palestiniens réinterprétés (par un Occidental favorable à la cause palestinienne), il attribue presque tous les malheurs des Palestiniens aux Israéliens. La principale exception est l'exécution d'un enfant (l'ami de l'oncle) par un tireur embusqué dont on nous suggère qu'il serait chrétien (un membre des phalanges, peut-être).

    Il faut avoir cela en tête quand on va voir ce film, qui mérite néanmoins le détour.

   P.S.

   Le propos du réalisateur est plus nuancé dans le dossier de presse téléchargeable sur le site dédié au film.

Wardi

   Cette coproduction franco-suédo-norvégienne est sortie sur nos écrans il y a quelques mois de cela... et n'est jamais arrivée jusqu'à Rodez. J'ai profité du début de la Fête du cinéma pour voir cette animation par stop-motion, image par image, avec de petites poupées très expressives (quelques scènes étant réalisées de manière plus classique) :

cinéma,cinema,film,films

   A gauche et à droite se trouvent les deux personnages principaux, ceux de Sidi et de Wardi son arrière-petite-fille, qui vivent dans un camp de réfugiés devenu une ville palestinienne au Liban, dans l'agglomération de Beyrouth.

   Sidi est l'un des seuls réfugiés au sens strict que l'on voit à l'écran. Enfant en 1948, il a dû quitter son village avec ses parents lors de la première guerre israélo-arabe. Autour du cou, il conserve la clé de la porte de la maison familiale, que lui a transmise son père, décédé depuis des années. A travers ses souvenirs, qu'il raconte à son arrière-petite-fille, on mesure l'intensité de la nostalgie qui l'habite. Comme d'autres membres de sa famille, il a perdu espoir. Il est sur le point de donner sa clé à Wardi.

   Quand elle a compris que son aïeul est gravement malade, Wardi se lance à la poursuite de l'espoir (pour lui redonner goût à la vie), dans la ville, bâtie de manière anarchique. Elle part à la rencontre des autres membres de sa famille : son grand-père (encore plus abattu que son propre père), sa grand-tante, sa mère, sa tante et un oncle devenu colombophile, qui vit perché (au propre comme au figuré) au sommet d'une tourelle.

   Chaque rencontre est l'occasion d'évoquer les moments marquants de l'existence de ces personnages. Tous sont liés au conflit israélo-palestinien. Curieusement, le conflit de 1967, aux conséquences si importantes, est évoqué de manière très allusive. Les souvenirs se concentrent sur la "catastrophe" de 1948, le mouvement des fedayin et les incursions israéliennes au Liban. C'est intéressant parce que cette famille palestinienne n'a pas le même vécu que celles qui habitent en territoire occupé ou celles qui ont choisi de rester en Israël.

   On ne va pas cacher que ce film ne propose pas une vision objective du conflit. Comme il est construit à partir de souvenirs palestiniens réinterprétés (par un Occidental favorable à la cause palestinienne), il attribue presque tous les malheurs des Palestiniens aux Israéliens. La principale exception est l'exécution d'un enfant (l'ami de l'oncle) par un tireur embusqué dont on nous suggère qu'il serait chrétien (un membre des phalanges, peut-être).

    Il faut avoir cela en tête quand on va voir ce film, qui mérite néanmoins le détour.

   P.S.

   Le propos du réalisateur est plus nuancé dans le dossier de presse téléchargeable sur le site dédié au film.

dimanche, 30 juin 2019

(Wo)men in Black : International

   Fête du cinéma, acte II. Voilà encore un film que je ne me serais pas risqué à aller voir si la place n'avait pas été à 4 euros. Eh, ouais... en tant que "vieux" cinéphile, je garde un souvenir ému des premiers opus, en particulier du duo d'acteurs Tommy Lee Jones - Will Smith. Oh, les remplaçants (le sculptural Chris Hemsworth et l'énergique Tessa Thompson) ne sont pas sans mérite, mais il leur manque ce petit quelque chose qui faisait toute la saveur de l'équipe formée par leurs augustes aînés (visibles d'ailleurs sur l'une des affiches placardées dans le bureau de "T").

   Chris assure quand même un peu mieux que sa collègue. Il s'est parfaitement coulé dans le personnage de l'agent doué mais dilettante... qui s'en prend plein la gueule au cours de cet épisode. (Si j'étais producteur de cinéma, je songerais à lui pour remplacer Daniel Craig dans un célèbre rôle...) Tessa/M arrive un peu comme un  cheveu sur la soupe. Certes, la séquence rétro du début (où le personnage apparaît enfant) est nécessaire au développement de l'intrigue (ainsi qu'au dénouement cocasse d'une scène très tendue), mais je trouve que son recrutement chez les MIB se fait un peu trop facilement. Et que dire des horribles (et peu pratiques) godillots à talon qu'on lui fait porter !

   Fort heureusement, nos deux héros (et les spectateurs) n'ont pas trop le temps de cogiter, parce que, question action, on est servi ! Et quels effets spéciaux, messieurs-dames ! Ils sont encore plus éblouissants que ceux qu'on a vu à l'oeuvre dans les dernières productions Marvel... et ils sont mieux intégrés à l'intrigue, je trouve. Entre les personnages d'extraterrestre, les véhicules et les armes diverses et variées, on a de quoi se régaler !

   Du coup, même si j'ai très vite compris qui était le traître, j'ai savouré ce film d'aventures sans prise de tête, bourré d'humour et filmé avec un indéniable savoir-faire.

23:46 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : cinéma, cinema, film, films

(Wo)men in Black : International

   Fête du cinéma, acte II. Voilà encore un film que je ne me serais pas risqué à aller voir si la place n'avait pas été à 4 euros. Eh, ouais... en tant que "vieux" cinéphile, je garde un souvenir ému des premiers opus, en particulier du duo d'acteurs Tommy Lee Jones - Will Smith. Oh, les remplaçants (le sculptural Chris Hemsworth et l'énergique Tessa Thompson) ne sont pas sans mérite, mais il leur manque ce petit quelque chose qui faisait toute la saveur de l'équipe formée par leurs augustes aînés (visibles d'ailleurs sur l'une des affiches placardées dans le bureau de "T").

   Chris assure quand même un peu mieux que sa collègue. Il s'est parfaitement coulé dans le personnage de l'agent doué mais dilettante... qui s'en prend plein la gueule au cours de cet épisode. (Si j'étais producteur de cinéma, je songerais à lui pour remplacer Daniel Craig dans un célèbre rôle...) Tessa/M arrive un peu comme un  cheveu sur la soupe. Certes, la séquence rétro du début (où le personnage apparaît enfant) est nécessaire au développement de l'intrigue (ainsi qu'au dénouement cocasse d'une scène très tendue), mais je trouve que son recrutement chez les MIB se fait un peu trop facilement. Et que dire des horribles (et peu pratiques) godillots à talon qu'on lui fait porter !

   Fort heureusement, nos deux héros (et les spectateurs) n'ont pas trop le temps de cogiter, parce que, question action, on est servi ! Et quels effets spéciaux, messieurs-dames ! Ils sont encore plus éblouissants que ceux qu'on a vu à l'oeuvre dans les dernières productions Marvel... et ils sont mieux intégrés à l'intrigue, je trouve. Entre les personnages d'extraterrestre, les véhicules et les armes diverses et variées, on a de quoi se régaler !

   Du coup, même si j'ai très vite compris qui était le traître, j'ai savouré ce film d'aventures sans prise de tête, bourré d'humour et filmé avec un indéniable savoir-faire.

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Made in China

   Le fait de retrouver Frédéric Chau et Medi Sadoun dans le même film et qu'il y soit question des origines des Français d'ascendance étrangère fait immanquablement penser à Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu ? Pourtant, ce long-métrage n'en est pas un spin-off (un film dérivé). Sur le plan conceptuel, il est même peut-être plus intéressant, parce qu'au lieu de nous présenter l'histoire du point de vue d'une famille française "de souche" qui accueille des gendres d'ascendance étrangère, il fait tourner l'intrigue autour de ce Français d'origine chinoise, qui a rompu avec sa famille dix ans auparavant. Sa prochaine paternité l'incite à renouer avec son milieu d'origine.

   Franchement, s'il n'y avait pas eu la Fête du cinéma, je ne serais sans doute pas allé voir ce film. Eh bien, j'aurais eu tort. Je trouve cette comédie plutôt bien troussée. La première partie illustre les clichés qui courent sur les Chinois et les préjugés que les autres habitants de notre pays ont sur leurs compatriotes issus du "pays du milieu". Ce n'est pas toujours d'une grande finesse, mais c'est assez convaincant. Dans le rôle du meilleur ami un peu lourdingue, Medi Sadoun fait le job.

   Le meilleur arrive quand des scènes avec plusieurs membres de la "communauté chinoise" nous sont proposées. C'est souvent savoureux, avec de beaux personnages féminins (la grand-mère, la tante, les cousines... et les voisines !)... y compris de l'autre côté, dans la famille française : Julie de Bona et Clémentine Célarié sont épatantes.

   D'un point de vue sociologique, j'attendais de voir de quel côté le scénario allait pencher : plutôt le multiculturalisme à l'anglo-saxonne ou l'assimilationnisme à la française ? Un peu des deux, en fait, même si le propos est fortement ancré dans le contexte français. Les Franco-Chinois ressemblent un peu à la minorité juive : les parents ont donné des prénoms chrétiens à leurs enfants et les ont poussés à suivre les études les plus longues possibles. Ils se sont fondus dans la masse, sans que cela les empêche de préserver certaines coutumes ancestrales. (Voilà un modèle d'intégration qui devrait inspirer d'autres minorités...)

   La seconde partie de l'histoire est plus marquée par l'émotion. François éprouve d'énormes difficultés à renouer avec son père. Au fur et à mesure que le temps passe, on réalise à quel point les deux hommes se comprennent mal... et que le père a aussi des raisons à faire valoir. Frédéric Chau ne s'est pas toujours réservé le beau rôle.

   J'ai beau avoir vu arriver la conclusion à des kilomètres, j'ai quand même été touché par l'émotion, vers la fin.

   Le film constitue une petite comédie tout à fait visible, qui met en valeur une catégorie de personnes qu'on a peu l'occasion de voir au cinéma sous un jour non caricatural.

Roxane

   C'est le nom d'une poule (une Sussex), qui est l'animal de compagnie du héros, Raymond, un paysan breton, éleveur bio, bientôt lâché par sa coopérative qui choisit de ne renouveler les contrats que des agriculteurs les plus "rentables" à ses yeux.

   Ce paysan a les traits de Guillaume de Tonquédec, un de nos très bons acteurs, qui se cantonne hélas à des rôles de comédie. (Le film est d'ailleurs indirectement un hommage à ces films de divertissement, qui ne laissent pas forcément un souvenir impérissable, mais qui apportent un peu de bonheur dans le quotidien pas toujours rose de leurs spectateurs.) Ai-je besoin de préciser qu'il est formidable ? Pour sauver son exploitation, ce paysan tente l'aventure du web et commence à poster des vidéos sur la Toile, dans lesquelles on le voit déclamer des extraits de Cyrano de Bergerac à ses poules, qui semblent diablement réceptives à ses propos ! (Coup de chapeau au passage à celles et ceux qui ont dressé les gallinacées.)

   Comme il n'est pas très bon acteur (un comble pour le personnage interprété par Le Tonquédec, passé par le conservatoire !), il se tourne vers sa voisine anglaise, forcément excentrique. Au départ, ces deux-là ne s'entendent pas très bien, mais leur duo va commencer à faire des étincelles... (Dans le rôle, Kate Duchene est une révélation.)

   Ce film est donc plus qu'une simple comédie. Comme autrefois Une Hirondelle a fait le printemps, il dresse le portrait d'une campagne française et aborde certains sujets sensibles (la pression des grandes surfaces, l'endettement paysan, l'image du monde agricole). Parfois, on n'est pas loin du drame.

   C'est aussi un film sur le couple et la famille. Raymond est marié à une employée de banque (Léa Drucker, très bien). Ils ont eu trois enfants, dont peut-être seul le dernier envisage de reprendre (dans un paquet d'années) l'exploitation. La fille aînée est à Sciences Po et le cadet adolescent a plutôt honte de son père. Le couple illustre un fait sociologique connu : la bi-activité de nombre de ménages paysans, dont un des membres exerce un métier à l'extérieur... ce qui permet d'ailleurs à certains d'entre eux de garder la tête hors de l'eau. Le film va un peu plus loin, introduisant une crise de couple dans l'intrigue quasi-vaudevillesque.

   Cela donne un feel good movie, un "film qui fait du bien" comme on dit. On y montre des choses graves, d'autres légères. L'interprétation est bonne, jusque dans les seconds rôles. C'est une découverte à tenter pendant la Fête du cinéma.