Une Bataille après l'autre

   L'intense conflictualité interne qui mine actuellement les Etats-Unis trouve ici sa troisième traduction cinématographique en moins de deux ans, après Civil War et surtout Eddington.

   La première partie se déroule dans un passé indéterminé, l'Amérique des années Reagan dans le roman de Pynchon, ici sans doute celle des années George W Bush. Cette grosse demi-heure est globalement décevante, compte tenu de ce que j'avais lu et entendu à propos de ce film. Anderson verse dans une sorte de néo-romantisme révolutionnaire très manichéen. Il hypersexualise les femmes noires rebelles, qui s'acoquinent à des hommes blancs mal rasés récitant péniblement leur catéchisme marxiste. Si, sur le plan de la dynamique, certaines scènes sont assez spectaculaires, j'ai trouvé les dialogues sommaires, se limitant trop souvent à des sentences peu naturelles. De surcroît, certaines scènes manquent de réalisme, comme celle de la rencontre entre la rebelle boutefeu et l'officier réac ou encore celle de l'entraînement à la mitraillette, qui nous montre une femme en fin de grossesse (dotée d'un ventre outrageusement factice) manipulant sans peine une arme lourde. Enfin, la musique est omniprésente, souvent inutilement, comme pour masquer le vide de cette séquence (ou empêcher les spectateurs de réfléchir).

   Fort heureusement, cela s'arrange lorsque l'intrigue bascule à l'époque contemporaine, seize ans plus tard. J'ai aimé l'interprétation de Leonardo DiCaprio, mi-cassos mi-papa poule, à la fois pathétique et touchant. Il en fait parfois un peu trop, notamment dans la grossièreté langagière (ou quand il tente désespérément de recharger un portable), mais ses pérégrinations en robe de chambre ont plus que retenu mon attention.

   Deux autres "mecs" se distinguent, à ses côtés. Benicio Del Toro livre une interprétation presque facétieuse d'un ancien révolutionnaire devenu un militant discret, cachant son engagement derrière des activités commerciales tout ce qu'il y a de plus respectables. Concernant l'acteur, Anderson se permet un petit clin d’œil, lorsque le personnage incarné par DiCaprio lui lance un « Viva la revolución ! » Il s'agit (à mon avis) d'une allusion au Che jadis incarné par Benicio.

   Le troisième mâle de l'intrigue est l'enfoiré de service Steven J. Lockjaw, auquel Sean Penn prête son visage tanné par les ans... et son corps marqué par les séances de musculation. Globalement, j'ai trouvé l'acteur très bon, mais son personnage est vraiment caricatural. Le concernant se pose un autre problème : son non-vieillissement apparent. On a eu beau lui changer sa coiffure, il apparaît aussi vieux dans les deux époques de l'histoire. C'est tout de même gênant.

   Du côté des dames, le réalisateur promeut des personnages forts. Teyana Taylor incarne efficacement la tête brûlée (hélas elle aussi dessinée à la hache). Chase Infiniti est une révélation en rebelle plus réfléchie (qui, au départ, paraît plus adulte que son papounnet alcoolique et drogué). Ma préférée est toutefois Regina Hall (ex-star des Scary Movie), qui joue une militante moins flamboyante, plus rigoureuse, avec une certaine subtilité.

   Les deux dernières heures du film m'ont donc davantage intéressé, avec quelques séquences marquantes, comme la poursuite automobile en pleine cambrousse, sur une route vallonnée où les conducteurs perdent temporairement, à intervalle régulier, la vue sur les véhicules qui les précèdent et les suivent. Là, on retrouve le metteur en scène de Boogie Nights, Magnolia et There will be blood. Mais ce n'est pas toujours le cas.

   P.S.

   Sur le plan politique, je pense que le film, qui est "de gauche" (voire d'extrême-gauche) joue contre son camp. Il justifie la violence des radicaux (anti-Trump), voyant en celle-ci le meilleur moyen de lutter contre l'extrême-droite. Il aurait mieux fait de se poser la question des causes de la défaite des démocrates et des moyens pour la gauche de reprendre le pouvoir par les voies légales. Trump et la galaxie Maga l'ont emporté sans tricher... et c'est bien là le cœur du problème, qui n'est pas abordé par ce film... ce qui n'est pas anormal, puisqu'il présente une vue de l'intérieur de l'autre camp. Mais caricaturer son adversaire n'est pas la meilleure façon de le vaincre.

Une Bataille après l'autre

   L'intense conflictualité interne qui mine actuellement les Etats-Unis trouve ici sa troisième traduction cinématographique en moins de deux ans, après Civil War et surtout Eddington.

   La première partie se déroule dans un passé indéterminé, l'Amérique des années Reagan dans le roman de Pynchon, ici sans doute celle des années George W Bush. Cette grosse demi-heure est globalement décevante, compte tenu de ce que j'avais lu et entendu à propos de ce film. Anderson verse dans une sorte de néo-romantisme révolutionnaire très manichéen. Il hypersexualise les femmes noires rebelles, qui s'acoquinent à des hommes blancs mal rasés récitant péniblement leur catéchisme marxiste. Si, sur le plan de la dynamique, certaines scènes sont assez spectaculaires, j'ai trouvé les dialogues sommaires, se limitant trop souvent à des sentences peu naturelles. De surcroît, certaines scènes manquent de réalisme, comme celle de la rencontre entre la rebelle boutefeu et l'officier réac ou encore celle de l'entraînement à la mitraillette, qui nous montre une femme en fin de grossesse (dotée d'un ventre outrageusement factice) manipulant sans peine une arme lourde. Enfin, la musique est omniprésente, souvent inutilement, comme pour masquer le vide de cette séquence (ou empêcher les spectateurs de réfléchir).

   Fort heureusement, cela s'arrange lorsque l'intrigue bascule à l'époque contemporaine, seize ans plus tard. J'ai aimé l'interprétation de Leonardo DiCaprio, mi-cassos mi-papa poule, à la fois pathétique et touchant. Il en fait parfois un peu trop, notamment dans la grossièreté langagière (ou quand il tente désespérément de recharger un portable), mais ses pérégrinations en robe de chambre ont plus que retenu mon attention.

   Deux autres "mecs" se distinguent, à ses côtés. Benicio Del Toro livre une interprétation presque facétieuse d'un ancien révolutionnaire devenu un militant discret, cachant son engagement derrière des activités commerciales tout ce qu'il y a de plus respectables. Concernant l'acteur, Anderson se permet un petit clin d’œil, lorsque le personnage incarné par DiCaprio lui lance un « Viva la revolución ! » Il s'agit (à mon avis) d'une allusion au Che jadis incarné par Benicio.

   Le troisième mâle de l'intrigue est l'enfoiré de service Steven J. Lockjaw, auquel Sean Penn prête son visage tanné par les ans... et son corps marqué par les séances de musculation. Globalement, j'ai trouvé l'acteur très bon, mais son personnage est vraiment caricatural. Le concernant se pose un autre problème : son non-vieillissement apparent. On a eu beau lui changer sa coiffure, il apparaît aussi vieux dans les deux époques de l'histoire. C'est tout de même gênant.

   Du côté des dames, le réalisateur promeut des personnages forts. Teyana Taylor incarne efficacement la tête brûlée (hélas elle aussi dessinée à la hache). Chase Infiniti est une révélation en rebelle plus réfléchie (qui, au départ, paraît plus adulte que son papounnet alcoolique et drogué). Ma préférée est toutefois Regina Hall (ex-star des Scary Movie), qui joue une militante moins flamboyante, plus rigoureuse, avec une certaine subtilité.

   Les deux dernières heures du film m'ont donc davantage intéressé, avec quelques séquences marquantes, comme la poursuite automobile en pleine cambrousse, sur une route vallonnée où les conducteurs perdent temporairement, à intervalle régulier, la vue sur les véhicules qui les précèdent et les suivent. Là, on retrouve le metteur en scène de Boogie Nights, Magnolia et There will be blood. Mais ce n'est pas toujours le cas.

   P.S.

   Sur le plan politique, je pense que le film, qui est "de gauche" (voire d'extrême-gauche) joue contre son camp. Il justifie la violence des radicaux (anti-Trump), voyant en celle-ci le meilleur moyen de lutter contre l'extrême-droite. Il aurait mieux fait de se poser la question des causes de la défaite des démocrates et des moyens pour la gauche de reprendre le pouvoir par les voies légales. Trump et la galaxie Maga l'ont emporté sans tricher... et c'est bien là le cœur du problème, qui n'est pas abordé par ce film... ce qui n'est pas anormal, puisqu'il présente une vue de l'intérieur de l'autre camp. Mais caricaturer son adversaire n'est pas la meilleure façon de le vaincre.

Cervantes avant Don Quichotte

   Le critique a été sévère pour ce film d'Alejandro Amenábar, à la diffusion restreinte. Il évoque pourtant une partie de la jeunesse du grand écrivain espagnol, en y instillant des éléments qui montrent la progressive naissance d'un (talentueux) raconteur d'histoires.

   L'épisode (réel) de la captivité de Miguel de Cervantes est évoqué, de manière allusive, dans l'une de ses Nouvelles exemplaires, celle qui est intitulée « L'Espagnole anglaise ». 

   Le scénario a aussi puisé dans un récit ultérieur, officiellement rédigé par un moine, mais qui pourrait avoir été coécrit par Cervantes lui-même. Amenábar y a ajouté quelques inventions de son cru, ce qui lui a été reproché.

   J'ai trouvé l'entame plutôt emballante. On nous y montre les débuts de la captivité d'un groupe d'Espagnols, vendus aux enchères comme esclaves à Alger, où ils ont été livrés par des pirates à la solde des Ottomans (turcs). Signalons que le film a été tourné dans le sud de l'Espagne, où subsiste une abondante architecture de l'époque musulmane. De superbes décors ont été ajoutés, conçus en partie par un Français. Le résultat est assez bluffant.

   La suite est tout aussi passionnante. Les captifs jugés "de valeur" sont extraits de la vente aux enchères. Le pacha d'Alger Hassan Veneziano (un Italien converti) veut en tirer un bon prix, grâce à la rançon payée par les familles. A ceux pour qui le temps passe trop lentement, ou qui n'ont plus de perspective de libération par rachat, on propose la conversion (publique), qui permet de sortir de la captivité (mais pas de quitter l'Algérie).

   Les plus courageux (inconscients ?) n'envisagent qu'une sortie honorable : l'évasion. Au départ, Cervantes fait partie de ceux-ci. Le film n'évoque qu'une de ses quatre tentatives... en fait plusieurs, puisque, pour rendre plus agréable la vie de ses camarades de détention, le jeune Espagnol se met à leur raconter des histoires, tantôt inspirées de la réalité, tantôt complètement imaginées. C'est l'un des attraits de ce film que de mêler habilement les deux, sollicitant la sagacité des spectateurs.

   La réputation de conteur de Cervantes atteint les oreilles du pacha, avec lequel le captif va nouer une bien étrange relation. Ici, le film se teinte d'homo-érotisme, ce qui a provoqué quelques réactions outrées en Espagne : les spécialistes de l'écrivain réfutent l'existence d'un penchant homosexuel chez Cervantes. Dans le film, Amenábar introduit le sujet avec une certaine délicatesse... mais, bon, ce n'est pas vraiment ma came. Certaines scènes témoignent toutefois d'un incontestable savoir-faire, bien servies il est vrai par le talent de l'interprète du pacha, Alessandro Borghi. (Chez nos voisins transalpins, il est connu pour avoir récemment joué dans la mini-série Supersex, où il incarne un certain Rocco Siffredi...)

   D'autres comédiens m'ont marqué, comme Fernando Tejero (qui incarne un religieux aussi fanatique que fourbe), Miguel Rellán (qui interprète l'autre écrivain de cette histoire) et César Sarachu, alias frère Juan Gil, l'un des deux Trinitaires chargés de racheter les captifs. La première apparition des deux religieux dans l'enceinte fortifiée dirigée par le pacha ne manque pas de sel :

   En dépit de quelques entailles à la réalité historique, j'ai été captivé par cette histoire, qui dénonce tous les extrémismes, de la cruauté des barbaresques musulmans au fanatisme d'une partie de l’Église catholique espagnole. Un grand appétit de vivre et un humanisme sincère émergent de cette petite épopée, qui se distingue des productions actuellement en salles.

Cervantes avant Don Quichotte

   Le critique a été sévère pour ce film d'Alejandro Amenábar, à la diffusion restreinte. Il évoque pourtant une partie de la jeunesse du grand écrivain espagnol, en y instillant des éléments qui montrent la progressive naissance d'un (talentueux) raconteur d'histoires.

   L'épisode (réel) de la captivité de Miguel de Cervantes est évoqué, de manière allusive, dans l'une de ses Nouvelles exemplaires, celle qui est intitulée « L'Espagnole anglaise ». 

   Le scénario a aussi puisé dans un récit ultérieur, officiellement rédigé par un moine, mais qui pourrait avoir été coécrit par Cervantes lui-même. Amenábar y a ajouté quelques inventions de son cru, ce qui lui a été reproché.

   J'ai trouvé l'entame plutôt emballante. On nous y montre les débuts de la captivité d'un groupe d'Espagnols, vendus aux enchères comme esclaves à Alger, où ils ont été livrés par des pirates à la solde des Ottomans (turcs). Signalons que le film a été tourné dans le sud de l'Espagne, où subsiste une abondante architecture de l'époque musulmane. De superbes décors ont été ajoutés, conçus en partie par un Français. Le résultat est assez bluffant.

   La suite est tout aussi passionnante. Les captifs jugés "de valeur" sont extraits de la vente aux enchères. Le pacha d'Alger Hassan Veneziano (un Italien converti) veut en tirer un bon prix, grâce à la rançon payée par les familles. A ceux pour qui le temps passe trop lentement, ou qui n'ont plus de perspective de libération par rachat, on propose la conversion (publique), qui permet de sortir de la captivité (mais pas de quitter l'Algérie).

   Les plus courageux (inconscients ?) n'envisagent qu'une sortie honorable : l'évasion. Au départ, Cervantes fait partie de ceux-ci. Le film n'évoque qu'une de ses quatre tentatives... en fait plusieurs, puisque, pour rendre plus agréable la vie de ses camarades de détention, le jeune Espagnol se met à leur raconter des histoires, tantôt inspirées de la réalité, tantôt complètement imaginées. C'est l'un des attraits de ce film que de mêler habilement les deux, sollicitant la sagacité des spectateurs.

   La réputation de conteur de Cervantes atteint les oreilles du pacha, avec lequel le captif va nouer une bien étrange relation. Ici, le film se teinte d'homo-érotisme, ce qui a provoqué quelques réactions outrées en Espagne : les spécialistes de l'écrivain réfutent l'existence d'un penchant homosexuel chez Cervantes. Dans le film, Amenábar introduit le sujet avec une certaine délicatesse... mais, bon, ce n'est pas vraiment ma came. Certaines scènes témoignent toutefois d'un incontestable savoir-faire, bien servies il est vrai par le talent de l'interprète du pacha, Alessandro Borghi. (Chez nos voisins transalpins, il est connu pour avoir récemment joué dans la mini-série Supersex, où il incarne un certain Rocco Siffredi...)

   D'autres comédiens m'ont marqué, comme Fernando Tejero (qui incarne un religieux aussi fanatique que fourbe), Miguel Rellán (qui interprète l'autre écrivain de cette histoire) et César Sarachu, alias frère Juan Gil, l'un des deux Trinitaires chargés de racheter les captifs. La première apparition des deux religieux dans l'enceinte fortifiée dirigée par le pacha ne manque pas de sel :

   En dépit de quelques entailles à la réalité historique, j'ai été captivé par cette histoire, qui dénonce tous les extrémismes, de la cruauté des barbaresques musulmans au fanatisme d'une partie de l’Église catholique espagnole. Un grand appétit de vivre et un humanisme sincère émergent de cette petite épopée, qui se distingue des productions actuellement en salles.

Un simple accident

   C'est celui qui mène une famille de classe moyenne (les parents et leur fille) à proximité d'un atelier, une nuit, dans la banlieue d'une grande ville (peut-être Téhéran). Si, lors de l'accident, ce sont les passagers de la voiture qui ont sursauté, plus tard, lorsque le conducteur cherche à faire réparer le véhicule, c'est l'artisan (Vahid) qui a le choc de sa vie, en entendant sa voix, qu'il associe à celle de son ancien tortionnaire, quand il se trouvait dans les geôles des mollahs. (On pense à Les Fantômes, qui traite une thématique approchante.)

   L'idée de départ est très bonne... mais l'introduction du film est vraiment maladroite. Dans la voiture, la gamine a un comportement caricatural (qui tranche avec ce qu'on voit plus tard de ce personnage, l'enfant étant alors mieux dirigée) et l'on sent que, derrière la caméra, Panahi déploie des trésors d'inventivité pour tenter de suggérer ce qu'il n'a pas la possibilité de montrer à l'écran.

   Fort heureusement, cela s'arrange ensuite. Cette économie de moyens est plutôt à porter au crédit du réalisateur. Il parvient à suggérer beaucoup de choses, bien servi par sa petite troupe d'acteurs (toutefois pas toujours excellents). L'intrigue suit deux directions. D'un côté, elle s'inspire de certains films indépendants états-uniens (notamment pour les scènes de désert), de l'autre elle donne naissance à un improbable road movie, dans lequel un fourgon blanc joue un rôle capital. 

   Celui-ci, au départ conduit par une seule personne, va accueillir de plus en plus de passagers : une photographe, un couple de fiancés, un homme très perturbé... sans oublier le passager clandestin, que l'on voit très peu, mais qui est l'objet de toutes les conversations.

   Avant de prendre une décision draconienne, Vahid veut être certain de l'identité de son prisonnier, d'où la consultation d'un nombre de plus en plus grand de "personnes références"... qui, bien sûr, vont toutes avoir leur avis sur la question. Il y a donc un aspect comique à cette quête pourtant meurtrière.

   Au cœur des débats entre les personnages se trouve une question morale. Ces opposants à la dictature des mollahs brandissent des valeurs humanistes, celles des droits de l'homme. Du coup, doivent-ils appliquer ces beaux principes à leurs bourreaux, ou bien leur refuser la moindre bienveillance ? Vu que le film est une coproduction franco-allemande, primée à Cannes, je pense que la réponse n'est pas difficile à deviner...

   ... mais, fort heureusement (là encore), l'ultime scène vient contrebalancer ce que la séquence précédente avait de trop démonstratif (voire bien-pensant). L'humaniste est toujours présent derrière la caméra, mais il cède la place au cinéaste, pour un dernier plan aussi habile que signifiant.

Un simple accident

   C'est celui qui mène une famille de classe moyenne (les parents et leur fille) à proximité d'un atelier, une nuit, dans la banlieue d'une grande ville (peut-être Téhéran). Si, lors de l'accident, ce sont les passagers de la voiture qui ont sursauté, plus tard, lorsque le conducteur cherche à faire réparer le véhicule, c'est l'artisan (Vahid) qui a le choc de sa vie, en entendant sa voix, qu'il associe à celle de son ancien tortionnaire, quand il se trouvait dans les geôles des mollahs. (On pense à Les Fantômes, qui traite une thématique approchante.)

   L'idée de départ est très bonne... mais l'introduction du film est vraiment maladroite. Dans la voiture, la gamine a un comportement caricatural (qui tranche avec ce qu'on voit plus tard de ce personnage, l'enfant étant alors mieux dirigée) et l'on sent que, derrière la caméra, Panahi déploie des trésors d'inventivité pour tenter de suggérer ce qu'il n'a pas la possibilité de montrer à l'écran.

   Fort heureusement, cela s'arrange ensuite. Cette économie de moyens est plutôt à porter au crédit du réalisateur. Il parvient à suggérer beaucoup de choses, bien servi par sa petite troupe d'acteurs (toutefois pas toujours excellents). L'intrigue suit deux directions. D'un côté, elle s'inspire de certains films indépendants états-uniens (notamment pour les scènes de désert), de l'autre elle donne naissance à un improbable road movie, dans lequel un fourgon blanc joue un rôle capital. 

   Celui-ci, au départ conduit par une seule personne, va accueillir de plus en plus de passagers : une photographe, un couple de fiancés, un homme très perturbé... sans oublier le passager clandestin, que l'on voit très peu, mais qui est l'objet de toutes les conversations.

   Avant de prendre une décision draconienne, Vahid veut être certain de l'identité de son prisonnier, d'où la consultation d'un nombre de plus en plus grand de "personnes références"... qui, bien sûr, vont toutes avoir leur avis sur la question. Il y a donc un aspect comique à cette quête pourtant meurtrière.

   Au cœur des débats entre les personnages se trouve une question morale. Ces opposants à la dictature des mollahs brandissent des valeurs humanistes, celles des droits de l'homme. Du coup, doivent-ils appliquer ces beaux principes à leurs bourreaux, ou bien leur refuser la moindre bienveillance ? Vu que le film est une coproduction franco-allemande, primée à Cannes, je pense que la réponse n'est pas difficile à deviner...

   ... mais, fort heureusement (là encore), l'ultime scène vient contrebalancer ce que la séquence précédente avait de trop démonstratif (voire bien-pensant). L'humaniste est toujours présent derrière la caméra, mais il cède la place au cinéaste, pour un dernier plan aussi habile que signifiant.

Dalloway

   Dalloway est une intelligence artificielle... ou plutôt, c'est le nom donné par une romancière à la version d'une intelligence artificielle à laquelle elle est associée, dans le cadre d'une résidence, dans un immeuble ultra-moderne, ultra-chic, ultra-connecté... et peut-être ultra-dangereux.

   Comme la romancière se prénomme Clarissa et qu'elle écrit un livre sur le dernier jour de Virginia Woolf (auteure de... Mrs Dalloway), les références se croisent dans  cette intrigue qui mêle création littéraire et technologies de pointe, sous la houlette de Yann Gozlan qui, il y a quelques années de cela, nous avait livré une Boîte noire du plus bel effet.

   Dans la première partie, j'ai apprécié la progressive montée en tension. Sans être original, c'est une correcte mise en bouche, avec un immeuble en apparence bâti sur la transparence (vitrée), mais où les secrets sont nombreux. Une relation trouble se noue entre l'héroïne et l'IA. Le scénario joue sur une double possibilité. En effet, dans le roman de Virginia Woolf, la fameuse Mrs Dalloway se prénomme Clarissa. Du coup, on se demande si l'intelligence artificielle n'est pas en train de dupliquer/aspirer Clarissa, ou bien si c'est l'association de la romancière et de l'IA qui pourrait former une entité unique, reconstituant l'identité Clarissa Dalloway.

   Pour corser le tout, Gozlan ajoute une mystérieuse disparition et une vidéo-protection surveillance de plus en plus intrusive... sans parler des tout petits bruits nocturnes, qui perturbent l'héroïne. Que dire aussi de ces étranges traces poudreuses sur le plan de travail de la cuisine, là où elle a coutume de poser son verre ?... Est-elle l'objet d'une manipulation, ou bien ne serait-elle pas sur le point de sombrer dans la folie ? Hélas, le film explore peu cet aspect de l'intrigue.

   Il n'en reste pas moins très visible, bien joué, dans des décors inspirés. Sans trop en dire sur la conclusion de l'histoire (qui rapproche l'héroïne de son modèle), je peux tout de même révéler qu'elle témoigne des questionnements du cinéaste, qui fait sans doute partie de ceux qui se demandent si, à terme, les IA ne vont pas tuer la création artistique (en remplaçant les humains).

Dalloway

   Dalloway est une intelligence artificielle... ou plutôt, c'est le nom donné par une romancière à la version d'une intelligence artificielle à laquelle elle est associée, dans le cadre d'une résidence, dans un immeuble ultra-moderne, ultra-chic, ultra-connecté... et peut-être ultra-dangereux.

   Comme la romancière se prénomme Clarissa et qu'elle écrit un livre sur le dernier jour de Virginia Woolf (auteure de... Mrs Dalloway), les références se croisent dans  cette intrigue qui mêle création littéraire et technologies de pointe, sous la houlette de Yann Gozlan qui, il y a quelques années de cela, nous avait livré une Boîte noire du plus bel effet.

   Dans la première partie, j'ai apprécié la progressive montée en tension. Sans être original, c'est une correcte mise en bouche, avec un immeuble en apparence bâti sur la transparence (vitrée), mais où les secrets sont nombreux. Une relation trouble se noue entre l'héroïne et l'IA. Le scénario joue sur une double possibilité. En effet, dans le roman de Virginia Woolf, la fameuse Mrs Dalloway se prénomme Clarissa. Du coup, on se demande si l'intelligence artificielle n'est pas en train de dupliquer/aspirer Clarissa, ou bien si c'est l'association de la romancière et de l'IA qui pourrait former une entité unique, reconstituant l'identité Clarissa Dalloway.

   Pour corser le tout, Gozlan ajoute une mystérieuse disparition et une vidéo-protection surveillance de plus en plus intrusive... sans parler des tout petits bruits nocturnes, qui perturbent l'héroïne. Que dire aussi de ces étranges traces poudreuses sur le plan de travail de la cuisine, là où elle a coutume de poser son verre ?... Est-elle l'objet d'une manipulation, ou bien ne serait-elle pas sur le point de sombrer dans la folie ? Hélas, le film explore peu cet aspect de l'intrigue.

   Il n'en reste pas moins très visible, bien joué, dans des décors inspirés. Sans trop en dire sur la conclusion de l'histoire (qui rapproche l'héroïne de son modèle), je peux tout de même révéler qu'elle témoigne des questionnements du cinéaste, qui fait sans doute partie de ceux qui se demandent si, à terme, les IA ne vont pas tuer la création artistique (en remplaçant les humains).

On the line

   Ce long-métrage franco-américain n'est pas sorti dans les salles. En France, il a d'abord été diffusé sur Canal+, puis, ce week-end, sur TFX, une chaîne du groupe TF1. Il est donc accessible en replay. (Je conseille de choisir la version originale sous-titrée, la VF étant un peu faiblarde.)

   Elvis Cooney (Mel Gibson, en forme) est un animateur radio, dont l'émission de "libre antenne", diffusée à une heure tardive, choque souvent l'auditoire (ce qui contribue à son succès), mais semble sur le déclin. (Aux auditeurs français, cela rappellera l'émission de Maurice, qui fut un temps diffusée sur Skyrock.) Un soir, la veille de l'anniversaire de l'animateur, la situation dérape : un nouvel auditeur, qui passe à l'antenne, se montre particulièrement menaçant.

   Nous voilà partis pour un peu plus d'une heure de thriller, Elvis, accompagné du nouveau technicien son, tentant de sauver sa famille et de mettre la main sur son maître-chanteur. C'est assez prenant, bien joué... surtout après le coup de théâtre, qui nous invite à reconsidérer tout ce qu'on a vu depuis le début... et on nous en réserve un deuxième, pour la route !

   Le scénario est malin, les acteurs convaincants. Ce petit film de genre fait passer une bonne soirée.

On the line

   Ce long-métrage franco-américain n'est pas sorti dans les salles. En France, il a d'abord été diffusé sur Canal+, puis, ce week-end, sur TFX, une chaîne du groupe TF1. Il est donc accessible en replay. (Je conseille de choisir la version originale sous-titrée, la VF étant un peu faiblarde.)

   Elvis Cooney (Mel Gibson, en forme) est un animateur radio, dont l'émission de "libre antenne", diffusée à une heure tardive, choque souvent l'auditoire (ce qui contribue à son succès), mais semble sur le déclin. (Aux auditeurs français, cela rappellera l'émission de Maurice, qui fut un temps diffusée sur Skyrock.) Un soir, la veille de l'anniversaire de l'animateur, la situation dérape : un nouvel auditeur, qui passe à l'antenne, se montre particulièrement menaçant.

   Nous voilà partis pour un peu plus d'une heure de thriller, Elvis, accompagné du nouveau technicien son, tentant de sauver sa famille et de mettre la main sur son maître-chanteur. C'est assez prenant, bien joué... surtout après le coup de théâtre, qui nous invite à reconsidérer tout ce qu'on a vu depuis le début... et on nous en réserve un deuxième, pour la route !

   Le scénario est malin, les acteurs convaincants. Ce petit film de genre fait passer une bonne soirée.

Classe moyenne

   C'est la catégorie socio-économique à laquelle la majorité de la population ambitionne d'appartenir. Toutefois, dans ce film-ci, aucune des deux familles ne peut vraiment y être rattachée. Le couple grand-bourgeois formé par la comédienne et l'avocat d'affaires s'apparente davantage aux classes supérieures, tandis que les gardiens sont plutôt chargés d'incarner les prolétaires (certes sous-payés, mais profitant seuls, neuf mois sur douze, d'une villa de folie).

   Amis de la finesse, il convient de passer votre chemin. Cette farce "engagée" n'y va pas avec le dos de la cuillère, bien servie ceci dit par un quatuor d'acteurs au poil. Ramzy (actuellement à l'affiche des Tourmentés) est l'homme à tout faire, serviable, pas très futé et qui ronge son frein. Laure Calamy est sa douce compagne, chargée d'arrondir les angles (mais qui réserve quelques surprises). En face, Élodie Bouchez interprète la comédienne sur le retour, une ancienne gloire qui a de beaux restes... et une tendance à la condescendance. Je pense que je n'étonnerai personne en ajoutant que Laurent Lafitte est une fois de plus impeccable en avocat cynique et méprisant, qui se pique d'art culinaire. Il est, avec Laure Calamy, le principal atout de cette comédie facile, dont la distribution est complétée par trois jeunes acteurs, Sami Outalbali me semblant mieux tirer son épingle du jeu que ses collègues féminines, il est vrai cantonnées dans des rôles caricaturaux.

   Le début nous présente les deux familles, chaque protagoniste en prenant (plus ou moins) pour son grade. L'ambiance est plutôt doucereuse, au départ, avant qu'un coup d'éclat ne bouleverse la situation. S'engage alors une véritable lutte des classes. C'est joyeusement malséant, bien que très appuyé. Pendant un peu plus d'1h15, on passe un agréable moment.

   Hélas, 15-20 minutes avant la fin, le ton devient plus sérieux. Le réalisateur-scénariste cède à la tentation de nous donner une leçon. Il a beau terminer par une dernière scène pirouette (qu'on sent venir d'assez loin), sa conclusion (le pognon avant tout, qu'on soit riche ou pauvre) tombe un peu à plat. C'est dommage, parce qu'auparavant, j'avais bien rigolé.

Classe moyenne

   C'est la catégorie socio-économique à laquelle la majorité de la population ambitionne d'appartenir. Toutefois, dans ce film-ci, aucune des deux familles ne peut vraiment y être rattachée. Le couple grand-bourgeois formé par la comédienne et l'avocat d'affaires s'apparente davantage aux classes supérieures, tandis que les gardiens sont plutôt chargés d'incarner les prolétaires (certes sous-payés, mais profitant seuls, neuf mois sur douze, d'une villa de folie).

   Amis de la finesse, il convient de passer votre chemin. Cette farce "engagée" n'y va pas avec le dos de la cuillère, bien servie ceci dit par un quatuor d'acteurs au poil. Ramzy (actuellement à l'affiche des Tourmentés) est l'homme à tout faire, serviable, pas très futé et qui ronge son frein. Laure Calamy est sa douce compagne, chargée d'arrondir les angles (mais qui réserve quelques surprises). En face, Élodie Bouchez interprète la comédienne sur le retour, une ancienne gloire qui a de beaux restes... et une tendance à la condescendance. Je pense que je n'étonnerai personne en ajoutant que Laurent Lafitte est une fois de plus impeccable en avocat cynique et méprisant, qui se pique d'art culinaire. Il est, avec Laure Calamy, le principal atout de cette comédie facile, dont la distribution est complétée par trois jeunes acteurs, Sami Outalbali me semblant mieux tirer son épingle du jeu que ses collègues féminines, il est vrai cantonnées dans des rôles caricaturaux.

   Le début nous présente les deux familles, chaque protagoniste en prenant (plus ou moins) pour son grade. L'ambiance est plutôt doucereuse, au départ, avant qu'un coup d'éclat ne bouleverse la situation. S'engage alors une véritable lutte des classes. C'est joyeusement malséant, bien que très appuyé. Pendant un peu plus d'1h15, on passe un agréable moment.

   Hélas, 15-20 minutes avant la fin, le ton devient plus sérieux. Le réalisateur-scénariste cède à la tentation de nous donner une leçon. Il a beau terminer par une dernière scène pirouette (qu'on sent venir d'assez loin), sa conclusion (le pognon avant tout, qu'on soit riche ou pauvre) tombe un peu à plat. C'est dommage, parce qu'auparavant, j'avais bien rigolé.

Exit 8

   La « sortie 8 » du métro est celle que doit atteindre le héros pour s'extirper d'un cercle vicieux, une boucle qui, s'il ne repère pas l'anomalie (ou l'absence d'anomalie) dans le couloir souterrain, le ramène toujours au même point.

   Cette quête prend la forme d'une série d'épreuves, pour passer de la « sortie 0 » à la « sortie 1 », puis à la « sortie 2 », la « sortie 3 »... sachant que toute erreur le ramène à la « sortie 0 ». L'intrigue revêt donc un aspect ludique, puisque, tout comme le héros, les spectateurs sont invités à analyser chaque nouvelle version du même couloir, pour vérifier que les affiches publicitaires, les portes, les bouches d'aération, les lumières, le bloc de casiers, le photomaton... et même le passant sont (ou pas) identiques à ceux qu'on vient de voir.

   Au bout de trois quarts d'heure, l'histoire connaît un joli rebondissement (suivi d'un second, du même genre) qui nous invite à nous interroger sur qui est l'anomalie de qui.

   Malheureusement, ce petit jeu cérébral est pollué par quelques grosses ficelles, sans doute ajoutées pour étirer le film qui, sans cela, dépasserait à peine l'heure de durée. Ainsi, un coup le héros fait une crise d'asthme en pleine épreuve, un coup il laisse tomber son inhalateur au pire moment, un coup il a très soif, un coup il trébuche... et ne parlons pas de la faiblesse intellectuelle des personnages piégés dans ce ruban de Möbius, dont on se demande comment il est possible qu'ils ne comprennent pas qu'ils sont face à une énorme anomalie... Le temps m'est apparu parfois un peu long.

   En sous-texte se trouve un questionnement existentiel. A l'image de ce qu'on a pu voir récemment dans Comme un lundi et En boucle, les Japonais du XXIe siècle se demandent quel sens a une vie limitée au métro-boulot-dodo. S'ajoute, pour le principal personnage masculin, une décision cruciale à prendre, en relation avec le coup de fil reçu juste avant qu'il n'entre dans la boucle. Cet aspect-là permet de comprendre certaines des scènes surréalistes qui surgissent au détour d'un couloir du métro.

   Du coup, même s'il y a des facilités, même si le film est inégal, je le recommande, en raison de son architecture astucieuse, bien servie par la mise en scène... et le Boléro de Ravel.

Exit 8

   La « sortie 8 » du métro est celle que doit atteindre le héros pour s'extirper d'un cercle vicieux, une boucle qui, s'il ne repère pas l'anomalie (ou l'absence d'anomalie) dans le couloir souterrain, le ramène toujours au même point.

   Cette quête prend la forme d'une série d'épreuves, pour passer de la « sortie 0 » à la « sortie 1 », puis à la « sortie 2 », la « sortie 3 »... sachant que toute erreur le ramène à la « sortie 0 ». L'intrigue revêt donc un aspect ludique, puisque, tout comme le héros, les spectateurs sont invités à analyser chaque nouvelle version du même couloir, pour vérifier que les affiches publicitaires, les portes, les bouches d'aération, les lumières, le bloc de casiers, le photomaton... et même le passant sont (ou pas) identiques à ceux qu'on vient de voir.

   Au bout de trois quarts d'heure, l'histoire connaît un joli rebondissement (suivi d'un second, du même genre) qui nous invite à nous interroger sur qui est l'anomalie de qui.

   Malheureusement, ce petit jeu cérébral est pollué par quelques grosses ficelles, sans doute ajoutées pour étirer le film qui, sans cela, dépasserait à peine l'heure de durée. Ainsi, un coup le héros fait une crise d'asthme en pleine épreuve, un coup il laisse tomber son inhalateur au pire moment, un coup il a très soif, un coup il trébuche... et ne parlons pas de la faiblesse intellectuelle des personnages piégés dans ce ruban de Möbius, dont on se demande comment il est possible qu'ils ne comprennent pas qu'ils sont face à une énorme anomalie... Le temps m'est apparu parfois un peu long.

   En sous-texte se trouve un questionnement existentiel. A l'image de ce qu'on a pu voir récemment dans Comme un lundi et En boucle, les Japonais du XXIe siècle se demandent quel sens a une vie limitée au métro-boulot-dodo. S'ajoute, pour le principal personnage masculin, une décision cruciale à prendre, en relation avec le coup de fil reçu juste avant qu'il n'entre dans la boucle. Cet aspect-là permet de comprendre certaines des scènes surréalistes qui surgissent au détour d'un couloir du métro.

   Du coup, même s'il y a des facilités, même si le film est inégal, je le recommande, en raison de son architecture astucieuse, bien servie par la mise en scène... et le Boléro de Ravel.

Les Tourmentés

   A première vue, le titre désigne les deux personnages principaux masculins, deux anciens légionnaires, des frères d'armes, que la vie a séparés... et qui vont se retrouver dans des circonstances un peu particulières. Niels Schneider incarne (le verbe me semble ici particulièrement approprié) Skender, ex-soldat de la troupe tombé dans la clochardisation. Le concernant, j'ai trouvé que les scènes du début étaient particulièrement misérabilistes, avec un côté tire-larmes que je ne connaissais pas à Lucas Belvaux, qui m'a habitué à plus de subtilité.

   L'ancien gradé (sergent), Max, est interprété par Ramzy Bedia. Cela m'a fait plaisir de voir l'acteur dans un registre autre que celui de la comédie bas-de-gamme. Il est bien (sans être parfait) dans son rôle, qui nécessite qu'il ne dise pas tout, qu'il fasse passer des choses par sa gestuelle et les subtilités de ses expressions. L'ancien militaire est devenu l'homme à (presque) tout faire d'une richissime femme d'affaires, une veuve qu'on soupçonne d'être un peu misanthrope. La relation professionnelle nouée entre ces deux-là est source d'ambiguïtés.

   Je trouve que c'est à partir du moment où la multimillionnaire apparaît à l'écran que le film décolle. C'est peut-être lié à la qualité de son interprétation, par Linh-Dan Pham, qui apporte une profondeur supplémentaire à l'intrigue : elle aussi est une tourmentée, mais pour des raisons différentes. 

   On les découvre progressivement, à l'aide de retours en arrière (où apparaît Jérôme Robart). Ceux-ci alternent avec des "visions du futur" (des flash-forward, dans la langue de Donald Trump)... ou bien des éclairs de ce qui se pourrait se passer. C'est l'un des ressors du suspens créé par le montage : on se demande quelles visions vont se réaliser et quelles sont celles qui sont uniquement de l'ordre du fantasme.

   L'essentiel du film tourne, de manière surprenante, autour de la période de l'entre-deux : après la signature du "contrat de chasse" (Skender s'engageant à devenir le gibier de "Madame") et le début de la traque. Durant ces six mois, on s'attend à ce que les futurs participants s'entraînent... ce qu'ils font, mais pas forcément de la manière dont chacun(e) l'avait programmé. De son côté, l'ex-soldat profite de l'occasion qui lui est donnée (pour un temps limité, il est vrai) pour tenter de renouer avec sa vie d'avant, avec femme et enfants, le tout sous le regard de Max, dont la position évolue au cours de l'intrigue. Au départ, l'ancien sergent est le mieux placé : il est sorti de sa condition militaire par le haut, gagne très bien sa vie, au service d'une personne qui le respecte... et lui permet d'accéder à un univers culturel dont il se pensait exclu. Le retour de Skender perturbe tout cela, son ancien subordonné étant un combattant d'exception (peut-être meilleur que lui)... et il a construit une famille, contrairement à Max.

   Le rythme est donc plus lent que ce que le synopsis pourrait laisser croire. Ce n'est pas un film 100 % adrénaline, même si Belvaux a inséré quelques scènes coup-de-poing. Le dernier quart d'heure réserve de nouvelles surprises. Je suis toutefois resté un peu sur ma faim, le principal personnage féminin n'étant pas aussi creusé que ceux des deux protagonistes masculins.

Les Tourmentés

   A première vue, le titre désigne les deux personnages principaux masculins, deux anciens légionnaires, des frères d'armes, que la vie a séparés... et qui vont se retrouver dans des circonstances un peu particulières. Niels Schneider incarne (le verbe me semble ici particulièrement approprié) Skender, ex-soldat de la troupe tombé dans la clochardisation. Le concernant, j'ai trouvé que les scènes du début étaient particulièrement misérabilistes, avec un côté tire-larmes que je ne connaissais pas à Lucas Belvaux, qui m'a habitué à plus de subtilité.

   L'ancien gradé (sergent), Max, est interprété par Ramzy Bedia. Cela m'a fait plaisir de voir l'acteur dans un registre autre que celui de la comédie bas-de-gamme. Il est bien (sans être parfait) dans son rôle, qui nécessite qu'il ne dise pas tout, qu'il fasse passer des choses par sa gestuelle et les subtilités de ses expressions. L'ancien militaire est devenu l'homme à (presque) tout faire d'une richissime femme d'affaires, une veuve qu'on soupçonne d'être un peu misanthrope. La relation professionnelle nouée entre ces deux-là est source d'ambiguïtés.

   Je trouve que c'est à partir du moment où la multimillionnaire apparaît à l'écran que le film décolle. C'est peut-être lié à la qualité de son interprétation, par Linh-Dan Pham, qui apporte une profondeur supplémentaire à l'intrigue : elle aussi est une tourmentée, mais pour des raisons différentes. 

   On les découvre progressivement, à l'aide de retours en arrière (où apparaît Jérôme Robart). Ceux-ci alternent avec des "visions du futur" (des flash-forward, dans la langue de Donald Trump)... ou bien des éclairs de ce qui se pourrait se passer. C'est l'un des ressors du suspens créé par le montage : on se demande quelles visions vont se réaliser et quelles sont celles qui sont uniquement de l'ordre du fantasme.

   L'essentiel du film tourne, de manière surprenante, autour de la période de l'entre-deux : après la signature du "contrat de chasse" (Skender s'engageant à devenir le gibier de "Madame") et le début de la traque. Durant ces six mois, on s'attend à ce que les futurs participants s'entraînent... ce qu'ils font, mais pas forcément de la manière dont chacun(e) l'avait programmé. De son côté, l'ex-soldat profite de l'occasion qui lui est donnée (pour un temps limité, il est vrai) pour tenter de renouer avec sa vie d'avant, avec femme et enfants, le tout sous le regard de Max, dont la position évolue au cours de l'intrigue. Au départ, l'ancien sergent est le mieux placé : il est sorti de sa condition militaire par le haut, gagne très bien sa vie, au service d'une personne qui le respecte... et lui permet d'accéder à un univers culturel dont il se pensait exclu. Le retour de Skender perturbe tout cela, son ancien subordonné étant un combattant d'exception (peut-être meilleur que lui)... et il a construit une famille, contrairement à Max.

   Le rythme est donc plus lent que ce que le synopsis pourrait laisser croire. Ce n'est pas un film 100 % adrénaline, même si Belvaux a inséré quelques scènes coup-de-poing. Le dernier quart d'heure réserve de nouvelles surprises. Je suis toutefois resté un peu sur ma faim, le principal personnage féminin n'étant pas aussi creusé que ceux des deux protagonistes masculins.

Downton Abbey III

   Ce long-métrage est censé clore la saga, commencée sous la forme d'une série à succès. L'action se déroule un ou deux ans après celle du précédent film, en 1930. La crise frappe les Etats-Unis, mais n'a pas encore atteint la "vieille Europe", où toutefois les familles aristocratiques voient leur petit monde se transformer, pas forcément pour le meilleur.

   Au centre de l'intrigue se trouve Lady Mary (Michelle Dockery... mmm), dont une péripétie de la vie personnelle va attirer l'attention des médias. Dans le même temps, elle se pose des questions sur son avenir et celui de la famille. Ces petits soucis ne l'empêchent nullement d'éclabousser de sa beauté froide le plus petit dîner, la moindre soirée mondaine, au cours desquels elle parvient à se mouvoir avec un naturel confondant, même quand elle porte cette incroyable robe rouge... qui ne permet pas d'ignorer à quel point elle est bien gaulée.

   Deux thématiques traversent l'histoire, la principale étant le passage de témoin, au niveau de la gestion du manoir comme au sein des cuisines et de la direction des domestiques. Dans le même temps, les interactions humaines deviennent moins formalistes, certaines règles s'assouplissent, en conformité avec le temps présent.

   Je rassure les amateurs de l'ambiance désuètement british : c'est toujours guindé, parfois coincé, avec de petites vacheries, souvent dites avec le sourire. Cela manque toutefois de venin, la matriarche (interprétée par Maggie Smith) étant décédée à la fin du précédent épisode... mais son portrait géant trône en majesté, à l'entrée du manoir.

   L'autre faiblesse du film est sa prévisibilité. Les histoires liées aux passages de témoin sont cousues de fil blanc (même si les interprètes sont impeccables) et seuls les plus endormis des spectateurs ne repèreront pas l'arrivée d'un renard au milieu du poulailler. On a du mal à comprendre comment autant de personnes se font duper.

   Du coup, je suis un peu déçu. C'est bien mis en images, bien joué, avec ce délicieux accent anglais dans la version originale, mais cela manque de sel.

Downton Abbey III

   Ce long-métrage est censé clore la saga, commencée sous la forme d'une série à succès. L'action se déroule un ou deux ans après celle du précédent film, en 1930. La crise frappe les Etats-Unis, mais n'a pas encore atteint la "vieille Europe", où toutefois les familles aristocratiques voient leur petit monde se transformer, pas forcément pour le meilleur.

   Au centre de l'intrigue se trouve Lady Mary (Michelle Dockery... mmm), dont une péripétie de la vie personnelle va attirer l'attention des médias. Dans le même temps, elle se pose des questions sur son avenir et celui de la famille. Ces petits soucis ne l'empêchent nullement d'éclabousser de sa beauté froide le plus petit dîner, la moindre soirée mondaine, au cours desquels elle parvient à se mouvoir avec un naturel confondant, même quand elle porte cette incroyable robe rouge... qui ne permet pas d'ignorer à quel point elle est bien gaulée.

   Deux thématiques traversent l'histoire, la principale étant le passage de témoin, au niveau de la gestion du manoir comme au sein des cuisines et de la direction des domestiques. Dans le même temps, les interactions humaines deviennent moins formalistes, certaines règles s'assouplissent, en conformité avec le temps présent.

   Je rassure les amateurs de l'ambiance désuètement british : c'est toujours guindé, parfois coincé, avec de petites vacheries, souvent dites avec le sourire. Cela manque toutefois de venin, la matriarche (interprétée par Maggie Smith) étant décédée à la fin du précédent épisode... mais son portrait géant trône en majesté, à l'entrée du manoir.

   L'autre faiblesse du film est sa prévisibilité. Les histoires liées aux passages de témoin sont cousues de fil blanc (même si les interprètes sont impeccables) et seuls les plus endormis des spectateurs ne repèreront pas l'arrivée d'un renard au milieu du poulailler. On a du mal à comprendre comment autant de personnes se font duper.

   Du coup, je suis un peu déçu. C'est bien mis en images, bien joué, avec ce délicieux accent anglais dans la version originale, mais cela manque de sel.

La Ferme en folie

   Ainsi s'intitule le troisième volet des aventures de Shaun le mouton (découvert en 2015), six ans après La Ferme contre-attaque. Attention toutefois : il ne s'agit pas d'une histoire unique, mais de quatre courts-métrages, l'ensemble durant environ trois quarts d'heure.

   La première historiette a pour titre "Lapin". On y croise une charmante gamine (nièce ou petite-fille du paysan), venue passer le week-end à la ferme. Hélas ! Hélas ! Trois fois hélas ! Le doudou de la gamine disparaît ! Shaun le mouton et Bitzer (le chien régisseur de la ferme) se lancent à la recherche de la peluche perdue, en utilisant des méthodes (supposées) rigoureuses...

   Dans "Alerte aux canards", les animaux de la ferme sont confrontés à une invasion insidieuse. Au début, cela se passe dans la douceur, mais, très vite, la situation dégénère en guerre de tranchées. Les moutons se fâchent. En clair : ça va chier !

   "Un problème épineux" fait intervenir des hérissons. C'est mignon tout plein, tendrement drôle :

   La quatrième historiette, "Les lamas du fermier", est la plus longue... et la plus riche de sens. Dans des circonstances que je me garderai de révéler, le fermier acquiert un trio de lamas assez remuants...

   Il sont coiffés à la mode (Laquelle ? Mystère...), aiment faire la fête et ne pas suivre les règles fixées par les humains (c'est-à-dire : les grandes personnes). Au départ, les moutons (i.e. les enfants) apprécient ces énergumènes joyeux, qu'ils trouvent très cools. Mais ce trio de pique-assiette prend de plus en plus ses aises, révèlant sa vraie nature (antipathique) et il devient urgent de s'en débarrasser. Pour cela, il faut trouver son point faible...

   Visuellement, c'est très correct, sans être éblouissant. Les gags sont surtout visuels, destinés aux enfants mais les adultes apprécieront les clins d’œil... et la présence de quelques leçons de morale. Autre qualité du film : sa brièveté, qui permet d'éviter l'envie de pissou en pleine séance !

La Ferme en folie

   Ainsi s'intitule le troisième volet des aventures de Shaun le mouton (découvert en 2015), six ans après La Ferme contre-attaque. Attention toutefois : il ne s'agit pas d'une histoire unique, mais de quatre courts-métrages, l'ensemble durant environ trois quarts d'heure.

   La première historiette a pour titre "Lapin". On y croise une charmante gamine (nièce ou petite-fille du paysan), venue passer le week-end à la ferme. Hélas ! Hélas ! Trois fois hélas ! Le doudou de la gamine disparaît ! Shaun le mouton et Bitzer (le chien régisseur de la ferme) se lancent à la recherche de la peluche perdue, en utilisant des méthodes (supposées) rigoureuses...

   Dans "Alerte aux canards", les animaux de la ferme sont confrontés à une invasion insidieuse. Au début, cela se passe dans la douceur, mais, très vite, la situation dégénère en guerre de tranchées. Les moutons se fâchent. En clair : ça va chier !

   "Un problème épineux" fait intervenir des hérissons. C'est mignon tout plein, tendrement drôle :

   La quatrième historiette, "Les lamas du fermier", est la plus longue... et la plus riche de sens. Dans des circonstances que je me garderai de révéler, le fermier acquiert un trio de lamas assez remuants...

   Il sont coiffés à la mode (Laquelle ? Mystère...), aiment faire la fête et ne pas suivre les règles fixées par les humains (c'est-à-dire : les grandes personnes). Au départ, les moutons (i.e. les enfants) apprécient ces énergumènes joyeux, qu'ils trouvent très cools. Mais ce trio de pique-assiette prend de plus en plus ses aises, révèlant sa vraie nature (antipathique) et il devient urgent de s'en débarrasser. Pour cela, il faut trouver son point faible...

   Visuellement, c'est très correct, sans être éblouissant. Les gags sont surtout visuels, destinés aux enfants mais les adultes apprécieront les clins d’œil... et la présence de quelques leçons de morale. Autre qualité du film : sa brièveté, qui permet d'éviter l'envie de pissou en pleine séance !

Fils de

   Pour son premier long-métrage, Carlos Abascal Peiro s'est voulu ambitieux, entremêlant une tumultueuse relation père-fils à la description scabreuse des arcanes de la vie politique française, en y ajoutant une histoire d'amour à rebondissements.

   Grosso modo, pendant une heure, cela fonctionne, pour deux raisons : le ton de comédie farcesque assumé (les répliques ciselées accompagnant quelques situations... embarrassantes) et le talent des acteurs, plutôt ceux incarnant les seconds rôles. J'ai ainsi beaucoup aimé Karin Viard en conseillère de l'ombre (personnage qui pourrait résulter de la fusion de plusieurs personnes réelles, une ancienne secrétaire générale adjointe de l’Élysée, une ancienne ministre d'Emmanuel Macron et une conseillère en com' naguère très en cour). Chez les messieurs, c'est incontestablement Alex Lutz qui tire le mieux son épingle du jeu, en (potentiel) ministre de l'Intérieur intrigant et sans scrupule. (Sa coupe de cheveux et son style m'ont rappelé Frédéric Lefebvre jeune, alors sarkozyste, depuis converti au macronisme.)

   D'autres personnages annexes sont bien campés, comme celui de l'ancienne policière un brin déjantée (Émilie Gavois-Kahn), ou encore celui du vieux routard de la politique, magouilleur au possible (Vincent Grass, dont la voix paraîtra plus familière que le visage aux amateurs de séries américaines doublées). De ce marécage nauséabond émerge le personnage de la journaliste, bien interprété par Sawsan Abès. 

   A travers le duo amoureux que celle-ci forme avec l'apprenti-politique, il y a clairement une référence au couple Salamé-Glucksmann. Un autre personnage est une allusion à une vedette de notre vie politique : Isabelle Barrère, directrice du FMI pressentie pour devenir Première ministre, est un décalque évident de Christine Lagarde.

   Plus difficile est de repérer le modèle de Lionel Perrin (François Cluzet), le père du héros. En tant que socialiste breton (assez âgé), avec un passé gauchiste, ayant exercé des fonctions politiques, sans réussir à devenir Premier ministre, il fait bigrement penser à Jean-Yves Le Drian (le physique mis à part). Mais il est sans doute le résultat d'un mélange plus élaboré.

   Quoi qu'il en soit, la relation père-fils n'est pas le point fort de ce film. Quand les choses dérapent entre les deux (au moment de l'entretien télévisé puis de la scène de parking souterrain), cela sonne faux, sans être drôle, la scène du coffre étant franchement ridicule. C'est aussi le moment où la satire joyeuse cède le pas à une forme de prêchi-prêcha guère convaincant. La romance journalistico-politique prend elle aussi un tour plus convenu.

   Je me disais que le réalisateur n'allait pas parvenir à conclure correctement son histoire lorsque deux petits coups de théâtre sont survenus. Ce n'est finalement pas si mal que cela, avec de bons moments de rigolade dans la première partie.

Fils de

   Pour son premier long-métrage, Carlos Abascal Peiro s'est voulu ambitieux, entremêlant une tumultueuse relation père-fils à la description scabreuse des arcanes de la vie politique française, en y ajoutant une histoire d'amour à rebondissements.

   Grosso modo, pendant une heure, cela fonctionne, pour deux raisons : le ton de comédie farcesque assumé (les répliques ciselées accompagnant quelques situations... embarrassantes) et le talent des acteurs, plutôt ceux incarnant les seconds rôles. J'ai ainsi beaucoup aimé Karin Viard en conseillère de l'ombre (personnage qui pourrait résulter de la fusion de plusieurs personnes réelles, une ancienne secrétaire générale adjointe de l’Élysée, une ancienne ministre d'Emmanuel Macron et une conseillère en com' naguère très en cour). Chez les messieurs, c'est incontestablement Alex Lutz qui tire le mieux son épingle du jeu, en (potentiel) ministre de l'Intérieur intrigant et sans scrupule. (Sa coupe de cheveux et son style m'ont rappelé Frédéric Lefebvre jeune, alors sarkozyste, depuis converti au macronisme.)

   D'autres personnages annexes sont bien campés, comme celui de l'ancienne policière un brin déjantée (Émilie Gavois-Kahn), ou encore celui du vieux routard de la politique, magouilleur au possible (Vincent Grass, dont la voix paraîtra plus familière que le visage aux amateurs de séries américaines doublées). De ce marécage nauséabond émerge le personnage de la journaliste, bien interprété par Sawsan Abès. 

   A travers le duo amoureux que celle-ci forme avec l'apprenti-politique, il y a clairement une référence au couple Salamé-Glucksmann. Un autre personnage est une allusion à une vedette de notre vie politique : Isabelle Barrère, directrice du FMI pressentie pour devenir Première ministre, est un décalque évident de Christine Lagarde.

   Plus difficile est de repérer le modèle de Lionel Perrin (François Cluzet), le père du héros. En tant que socialiste breton (assez âgé), avec un passé gauchiste, ayant exercé des fonctions politiques, sans réussir à devenir Premier ministre, il fait bigrement penser à Jean-Yves Le Drian (le physique mis à part). Mais il est sans doute le résultat d'un mélange plus élaboré.

   Quoi qu'il en soit, la relation père-fils n'est pas le point fort de ce film. Quand les choses dérapent entre les deux (au moment de l'entretien télévisé puis de la scène de parking souterrain), cela sonne faux, sans être drôle, la scène du coffre étant franchement ridicule. C'est aussi le moment où la satire joyeuse cède le pas à une forme de prêchi-prêcha guère convaincant. La romance journalistico-politique prend elle aussi un tour plus convenu.

   Je me disais que le réalisateur n'allait pas parvenir à conclure correctement son histoire lorsque deux petits coups de théâtre sont survenus. Ce n'est finalement pas si mal que cela, avec de bons moments de rigolade dans la première partie.

Fantôme utile

   Un homme mystérieux, censé être réparateur d'électroménager, se met à raconter une bien étrange histoire, celle de fantômes. Il y a tout d'abord celui d'une jeune épouse défunte, dont l'esprit se retrouve piégé dans... un aspirateur. Il y a aussi celui d'un ouvrier, qui décède dans l'usine où il travaille, et se met à la hanter.

   Dans un premier temps, c'est le ton de la comédie (fantastique) qui domine, le jeune veuf se montrant très épris de l'aspirateur, tandis que le fonctionnement de l'usine est très perturbé par l'action de l'ouvrier fantôme. En sous-texte se trouvent deux critiques sociales, une des entrepreneurs qui ne prennent pas soin de leurs employés (il est question de poussières mortelles), l'autre d'une famille (au départ) richissime, qui semble avoir mené la vie dure à la nouvelle belle-fille (qui, de surcroît, n'a pas pu avoir d'enfant). Le côté comique est réussi. C'est délicieusement cocasse, bien joué (notamment par l'aspirateur). En revanche, la critique sociale m'est apparue un peu convenue, pas très mordante.

   Dans un deuxième temps, l'une des fantômes va reprendre forme. En quelque sorte, elle trahit son camp, pour rendre service à un personnage important (un ministre, plutôt sympathique de prime abord) et pour se faire accepter de la belle-famille. D'objet, ce personnage devient sujet. C'est assez intéressant et bien mis en scène.

   La troisième partie voit l'intrigue bifurquer dans un sens plus ouvertement politique. L'un des arguments de l'histoire est que les disparus ne meurent vraiment que lorsque leur souvenir s'efface de la mémoire de ceux qui les ont aimés. Au départ, c'est l'application romantique de ce principe qui est illustrée, mais, assez vite, on comprend qu'une partie des fantômes qui hantent la Thaïlande contemporaine sont des victimes d'assassinats politiques ou d'exécutions... et que le pouvoir en place (incarné par le ministre, entouré d'une petite cour, composée notamment de militaires) aimerait bien en faire disparaître le souvenir. Pour le public local, c'est sans doute plus évident que pour des spectateurs occidentaux : les victimes sont des "chemises rouges", des partisans de l'ancien Premier ministre Thaksin Shinawatra.

   Du coup, le film, un peu lent et (en apparence) inoffensif au début, devient plus militant et plus animé sur la fin. C'est pour moi plutôt une bonne surprise. Je pense qu'on ne risque pas de voir une autre œuvre de ce style cette année.

Fantôme utile

   Un homme mystérieux, censé être réparateur d'électroménager, se met à raconter une bien étrange histoire, celle de fantômes. Il y a tout d'abord celui d'une jeune épouse défunte, dont l'esprit se retrouve piégé dans... un aspirateur. Il y a aussi celui d'un ouvrier, qui décède dans l'usine où il travaille, et se met à la hanter.

   Dans un premier temps, c'est le ton de la comédie (fantastique) qui domine, le jeune veuf se montrant très épris de l'aspirateur, tandis que le fonctionnement de l'usine est très perturbé par l'action de l'ouvrier fantôme. En sous-texte se trouvent deux critiques sociales, une des entrepreneurs qui ne prennent pas soin de leurs employés (il est question de poussières mortelles), l'autre d'une famille (au départ) richissime, qui semble avoir mené la vie dure à la nouvelle belle-fille (qui, de surcroît, n'a pas pu avoir d'enfant). Le côté comique est réussi. C'est délicieusement cocasse, bien joué (notamment par l'aspirateur). En revanche, la critique sociale m'est apparue un peu convenue, pas très mordante.

   Dans un deuxième temps, l'une des fantômes va reprendre forme. En quelque sorte, elle trahit son camp, pour rendre service à un personnage important (un ministre, plutôt sympathique de prime abord) et pour se faire accepter de la belle-famille. D'objet, ce personnage devient sujet. C'est assez intéressant et bien mis en scène.

   La troisième partie voit l'intrigue bifurquer dans un sens plus ouvertement politique. L'un des arguments de l'histoire est que les disparus ne meurent vraiment que lorsque leur souvenir s'efface de la mémoire de ceux qui les ont aimés. Au départ, c'est l'application romantique de ce principe qui est illustrée, mais, assez vite, on comprend qu'une partie des fantômes qui hantent la Thaïlande contemporaine sont des victimes d'assassinats politiques ou d'exécutions... et que le pouvoir en place (incarné par le ministre, entouré d'une petite cour, composée notamment de militaires) aimerait bien en faire disparaître le souvenir. Pour le public local, c'est sans doute plus évident que pour des spectateurs occidentaux : les victimes sont des "chemises rouges", des partisans de l'ancien Premier ministre Thaksin Shinawatra.

   Du coup, le film, un peu lent et (en apparence) inoffensif au début, devient plus militant et plus animé sur la fin. C'est pour moi plutôt une bonne surprise. Je pense qu'on ne risque pas de voir une autre œuvre de ce style cette année.

Le Roi Soleil

   Ce bar-tabac, situé à Versailles, est le théâtre d'un drame, qui succède à une immense joie, celle d'un retraité qui découvre qu'il a décroché le super gros lot au dernier tirage (de ce qui doit être l'Euromillions), quelque chose comme 300 millions d'euros... de quoi faire rêver... et susciter des convoitises.

   Le début semble toutefois traiter d'une tout autre histoire (autour de la vie de Casanova), à tel point que certains spectateurs ont pu se demander s'ils ne s'étaient pas trompés de salle. Placée à l'origine en fin de film, cette séquence a été remontée pour servir d'introduction... et je valide ce choix.

   La suite nous replonge dans le monde contemporain et un petit puzzle de versions pas toujours concordantes (celles des clients du bar... et celles issues de l'imagination de certains personnages), nous faisant découvrir la mentalité de chaque protagoniste, des deux flics en fin de service au patron (chinois) du bar, en passant par son employée, le retraité veinard, un secouriste, un spéculateur, un type louche (enfin, encore plus que les autres)... une bien belle faune à laquelle va se joindre une emmerdeuse, à savoir la propriétaire de l'établissement, délicieusement incarnée par Maria de Medeiros.

   Quand vous saurez que le spéculateur s'est réfugié dans le bar après s'être enfui du château de Versailles, vous aurez compris que l'intrigue (du moins, dans la première partie) a un petit côté "marabout-de-ficelle", une scène rebondissant sur la précédente.

   C'est bien joué, sinueux à souhait, avec, en bonus, une très bonne utilisation des locaux, qui prennent parfois l'apparence d'un labyrinthe, notamment en sous-sol.

   La morale est que l'argent fait perdre la tête des gens, même les plus recommandables et que ce qui semble être un petit mensonge, au départ, prend des proportions insoupçonnées. Les dérapages successifs sont bien amenés, même si je regrette quelques longueurs, dans la seconde partie. De surcroît, je n'aime pas trop la manière dont les scénaristes concluent leur histoire. Le film n'en demeure pas moins hautement recommandable, entre jeu intellectuel cinéphile et comédie de mœurs (noire, très noire).

Le Roi Soleil

   Ce bar-tabac, situé à Versailles, est le théâtre d'un drame, qui succède à une immense joie, celle d'un retraité qui découvre qu'il a décroché le super gros lot au dernier tirage (de ce qui doit être l'Euromillions), quelque chose comme 300 millions d'euros... de quoi faire rêver... et susciter des convoitises.

   Le début semble toutefois traiter d'une tout autre histoire (autour de la vie de Casanova), à tel point que certains spectateurs ont pu se demander s'ils ne s'étaient pas trompés de salle. Placée à l'origine en fin de film, cette séquence a été remontée pour servir d'introduction... et je valide ce choix.

   La suite nous replonge dans le monde contemporain et un petit puzzle de versions pas toujours concordantes (celles des clients du bar... et celles issues de l'imagination de certains personnages), nous faisant découvrir la mentalité de chaque protagoniste, des deux flics en fin de service au patron (chinois) du bar, en passant par son employée, le retraité veinard, un secouriste, un spéculateur, un type louche (enfin, encore plus que les autres)... une bien belle faune à laquelle va se joindre une emmerdeuse, à savoir la propriétaire de l'établissement, délicieusement incarnée par Maria de Medeiros.

   Quand vous saurez que le spéculateur s'est réfugié dans le bar après s'être enfui du château de Versailles, vous aurez compris que l'intrigue (du moins, dans la première partie) a un petit côté "marabout-de-ficelle", une scène rebondissant sur la précédente.

   C'est bien joué, sinueux à souhait, avec, en bonus, une très bonne utilisation des locaux, qui prennent parfois l'apparence d'un labyrinthe, notamment en sous-sol.

   La morale est que l'argent fait perdre la tête des gens, même les plus recommandables et que ce qui semble être un petit mensonge, au départ, prend des proportions insoupçonnées. Les dérapages successifs sont bien amenés, même si je regrette quelques longueurs, dans la seconde partie. De surcroît, je n'aime pas trop la manière dont les scénaristes concluent leur histoire. Le film n'en demeure pas moins hautement recommandable, entre jeu intellectuel cinéphile et comédie de mœurs (noire, très noire).

Pris au piège

   Je n'avais pas vu d’œuvre de Darren Aronofsky depuis son Noé... en 2014. Je me suis laissé tenter par ce qui semblait être une ambiance "indé", un peu trash. C'est à nuancer, le film se divisant grosso modo en deux parties.

   La première est la plus cliché, avec un anti-héros à la fois beau gosse et loser : Hank (Austin Butler).  C'est un ancien sportif prometteur, qu'un accident a privé d'une brillante carrière et qui, depuis, baigne dans l'alcool et les histoires sans lendemain. Tout pourrait changer, pour le meilleur avec l'irruption d'Yonne dans sa vie, pour le pire à cause de son voisin, parti aux obsèques de son père et lui ayant laissé la garde de Bud, son chat (de race sibérienne). Celui-ci est présenté comme ayant tendance à mordre les inconnus... mais, au fur et à mesure que l'intrigue se déroule, on comprend que le matou a les canines sélectives. (Pour la petite histoire, je signale que, le voisin du héros étant coiffé en Iroquois, il est le représentant d'une espèce humaine rarissime : le "punk à chat".)

   Très vite, sans savoir pourquoi, le héros se retrouve confronté à divers mafieux : russes, porto-ricains, hassidiques... Cela pourrait être très drôle, à la manière des frères Coen, mais j'ai trouvé cela plutôt ennuyeux, déjà-vu, voire convenu. Heureusement que le chat est là, ainsi que les deux juifs hassidiques (que l'on voit davantage dans la seconde partie). Ils sont interprétés par Liev Schreiber et Vincent d'Onofrio, qui se sont visiblement beaucoup amusés.

   Du côté des spectateurs, il faut attendre le petit coup de théâtre placé à la moitié du film pour que cela devienne jouissif. L'histoire part un peu en sucette, avec davantage d'humour et de violence. La suite est moins prévisible, d'autant qu'un second coup de théâtre survient vers la fin, qui change la manière dont semblait devoir se conclure l'intrigue.

   Du coup, je suis sorti de là assez content, même si tout le film n'est pas réussi.

   P.S.

   Ne quittez pas la salle avant de voir à quelle comédienne correspond la voix de la mère du héros, un personnage qui, durant le film, n'intervient qu'au téléphone. Je vous promets une petite surprise.

Pris au piège

   Je n'avais pas vu d’œuvre de Darren Aronofsky depuis son Noé... en 2014. Je me suis laissé tenter par ce qui semblait être une ambiance "indé", un peu trash. C'est à nuancer, le film se divisant grosso modo en deux parties.

   La première est la plus cliché, avec un anti-héros à la fois beau gosse et loser : Hank (Austin Butler).  C'est un ancien sportif prometteur, qu'un accident a privé d'une brillante carrière et qui, depuis, baigne dans l'alcool et les histoires sans lendemain. Tout pourrait changer, pour le meilleur avec l'irruption d'Yonne dans sa vie, pour le pire à cause de son voisin, parti aux obsèques de son père et lui ayant laissé la garde de Bud, son chat (de race sibérienne). Celui-ci est présenté comme ayant tendance à mordre les inconnus... mais, au fur et à mesure que l'intrigue se déroule, on comprend que le matou a les canines sélectives. (Pour la petite histoire, je signale que, le voisin du héros étant coiffé en Iroquois, il est le représentant d'une espèce humaine rarissime : le "punk à chat".)

   Très vite, sans savoir pourquoi, le héros se retrouve confronté à divers mafieux : russes, porto-ricains, hassidiques... Cela pourrait être très drôle, à la manière des frères Coen, mais j'ai trouvé cela plutôt ennuyeux, déjà-vu, voire convenu. Heureusement que le chat est là, ainsi que les deux juifs hassidiques (que l'on voit davantage dans la seconde partie). Ils sont interprétés par Liev Schreiber et Vincent d'Onofrio, qui se sont visiblement beaucoup amusés.

   Du côté des spectateurs, il faut attendre le petit coup de théâtre placé à la moitié du film pour que cela devienne jouissif. L'histoire part un peu en sucette, avec davantage d'humour et de violence. La suite est moins prévisible, d'autant qu'un second coup de théâtre survient vers la fin, qui change la manière dont semblait devoir se conclure l'intrigue.

   Du coup, je suis sorti de là assez content, même si tout le film n'est pas réussi.

   P.S.

   Ne quittez pas la salle avant de voir à quelle comédienne correspond la voix de la mère du héros, un personnage qui, durant le film, n'intervient qu'au téléphone. Je vous promets une petite surprise.

Les Orphelins

   Ce film d'action, en apparence basique, réserve quelques agréables surprises. Il commence d'ailleurs de manière étonnante, puisque pendant grosso modo les dix premières minutes, il n'est pas question des deux héros musclés qui occupent le haut de l'affiche, mais de trois femmes. Il y a évidemment une raison à cela, mais, étant donné que la testostérone va se déverser à grands flots par la suite, cette entame féminine est la bienvenue, mettant de surcroît en avant trois beaux personnages féminins : une mère prévenante, sa fille "vénère" et la directrice d'un orphelinat.

   Côté négatif, je relève un certain manichéisme, les principales victimes de l'histoire étant d'ascendance maghrébine, les "méchants" appartenant à une riche famille de Blancs. Il y aussi un sous-entendu raciste à la manière dont nous est montrée la compétition de sport de combat à laquelle participe Leïla. (Le juge -blanc- la désavantage, au profit de son adversaire, dont on ne découvre le visage qu'à la fin de la scène.) C'est toutefois davantage une lutte des classes qui est mise en scène... et elle est nuancée par la suite.

   Sonia Faidi est la bonne surprise de ce film : son personnage d'adolescente rebelle (encore une...), de prime abord agaçant, acquiert une belle épaisseur. Elle est épaulée par Anouk Grinberg (la directrice de l'orphelinat), dont la douceur s'évertue à refermer les plaies, celles de sa jeune protégée, mais aussi celles de ses anciens gamins abandonnés, qui débarquent après des années d'absence.

   Alban Lenoir et Dali Benssalah incarnent très bien deux mâles alphas, bruts de décoffrage, ne disposant que de quelques centaines de mots à leur vocabulaire. A priori, la tendresse et l'empathie ne sont pas vraiment au programme... et c'est très bien comme ça (du moins, dans un premier temps). Jadis, les deux potes se sont brouillés à mort, à cause d'une histoire de fille... la mère de Leïla. Chacun des deux croit être son père... et va chercher à rattraper les années d'absence.

   Cela tombe fichtrement bien, parce que la gamine va rapidement avoir besoin d'eux. Nous voilà embarqués dans un mélange de buddy movie et de film de vengeance, dans lequel des mecs peu causants et très musclés ne pensent qu'à se tirer dessus et à se flanquer des pains. Les combats comme les poursuites en voiture sont bien chorégraphiés (c'est un ton au-dessus de Badh, par exemple). Pris par l'action, on ne s'offusquera pas que les héros échappent miraculeusement aux centaines de balles projetées contre eux, tandis qu'eux-mêmes blessent et tuent leurs cibles avec une incontestable facilité. (Du côté des antagonistes, je signale la présence de Romain Levi, en gros dur à cuire.)

   C'est rythmé, émaillé d'humour et conclu en 1h30 environ. Cela permet de digérer agréablement un bon repas.

Les Orphelins

   Ce film d'action, en apparence basique, réserve quelques agréables surprises. Il commence d'ailleurs de manière étonnante, puisque pendant grosso modo les dix premières minutes, il n'est pas question des deux héros musclés qui occupent le haut de l'affiche, mais de trois femmes. Il y a évidemment une raison à cela, mais, étant donné que la testostérone va se déverser à grands flots par la suite, cette entame féminine est la bienvenue, mettant de surcroît en avant trois beaux personnages féminins : une mère prévenante, sa fille "vénère" et la directrice d'un orphelinat.

   Côté négatif, je relève un certain manichéisme, les principales victimes de l'histoire étant d'ascendance maghrébine, les "méchants" appartenant à une riche famille de Blancs. Il y aussi un sous-entendu raciste à la manière dont nous est montrée la compétition de sport de combat à laquelle participe Leïla. (Le juge -blanc- la désavantage, au profit de son adversaire, dont on ne découvre le visage qu'à la fin de la scène.) C'est toutefois davantage une lutte des classes qui est mise en scène... et elle est nuancée par la suite.

   Sonia Faidi est la bonne surprise de ce film : son personnage d'adolescente rebelle (encore une...), de prime abord agaçant, acquiert une belle épaisseur. Elle est épaulée par Anouk Grinberg (la directrice de l'orphelinat), dont la douceur s'évertue à refermer les plaies, celles de sa jeune protégée, mais aussi celles de ses anciens gamins abandonnés, qui débarquent après des années d'absence.

   Alban Lenoir et Dali Benssalah incarnent très bien deux mâles alphas, bruts de décoffrage, ne disposant que de quelques centaines de mots à leur vocabulaire. A priori, la tendresse et l'empathie ne sont pas vraiment au programme... et c'est très bien comme ça (du moins, dans un premier temps). Jadis, les deux potes se sont brouillés à mort, à cause d'une histoire de fille... la mère de Leïla. Chacun des deux croit être son père... et va chercher à rattraper les années d'absence.

   Cela tombe fichtrement bien, parce que la gamine va rapidement avoir besoin d'eux. Nous voilà embarqués dans un mélange de buddy movie et de film de vengeance, dans lequel des mecs peu causants et très musclés ne pensent qu'à se tirer dessus et à se flanquer des pains. Les combats comme les poursuites en voiture sont bien chorégraphiés (c'est un ton au-dessus de Badh, par exemple). Pris par l'action, on ne s'offusquera pas que les héros échappent miraculeusement aux centaines de balles projetées contre eux, tandis qu'eux-mêmes blessent et tuent leurs cibles avec une incontestable facilité. (Du côté des antagonistes, je signale la présence de Romain Levi, en gros dur à cuire.)

   C'est rythmé, émaillé d'humour et conclu en 1h30 environ. Cela permet de digérer agréablement un bon repas.