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dimanche, 01 mai 2016

Robinson Crusoé

   Ce dessin animé belge est a priori plutôt destiné aux enfants. Il n'a pas été bâclé pour autant. On y retrouve à l'oeuvre une partie de l'équipe technique du Manoir magique : Domonic Paris a travaillé au scénario des deux et le réalisateur Ben Stassen a produit Crusoé. C'est d'une grande qualité graphique, dans un style toutefois différent des productions Disney-Pixar et DreamWorks.

   D'un point de vue visuel, le personnage le plus réussi est le perroquet que Robinson va surnommer Mardi. Son plumage est superbe et ses mouvements (aussi bien ceux des ailes, ceux de la tête que ceux des pattes) sont rendus avec un talent certain, qui n'est pas sans rappeler Rio :

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   Les autres personnages animaliers sont bien campés. Les enfants peuvent facilement s'identifier à eux et ils sont sources de gags. Par contre, du côté des humains, si j'ai trouvé les pirates assez bien réussis (très classiques), j'ai été un peu déçu par Robinson, qui manque de relief. Autre regret : le rôle de méchants dévolu aux chats... moi qui aime tant les félins ! Bon, ceux-là sont vraiment laids et insupportables, mais quand même...

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   Le scénario est bien ficelé. Il ne fait que s'inspirer de l'oeuvre de Daniel Defoe. Les scénaristes ont visiblement voulu donner une coloration "roman d'aventures" et c'est réussi. (Notons que c'est le perroquet -et non l'humain- qui est le narrateur.) L'action est rythmée, soulignée par des mouvements de caméra "comme dans un vrai film". En dépit d'un drame survenu dans la première partie de l'histoire, le ton est globalement à la drôlerie. On passe un bon moment, on sourit souvent mais sans gros éclat de rire.

16:21 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

vendredi, 29 avril 2016

Antisémitisme ordinaire

   Hier, dans La Dépêche du Midi (mais l'information est parue dans d'autres journaux), une petite colonne, située en bas à gauche de la page 7, portait le titre : "Passé à tabac car juif et donc... riche". On pourrait se contenter de hausser les épaules et se dire que, dans le torrent de violence et d'incivilités qui marque notre époque, ce n'est qu'une goutte d'eau supplémentaire. Certains "esprits forts" pourraient même suggérer la prudence, puisque, ces dernières années, quelques unes (très rares) des agressions rapidement qualifiées d'antisémites se sont révélées fausses. (On pense notamment à la jeune femme du RER, en 2004, et à l'enseignant marseillais, en 2015.)

   Mais l'affaire qui nous occupe (et qui remonte à novembre 2015, pour l'agression) est éclairante à bien des égards. Elle est d'abord révélatrice des préjugés antisémites qui existent au sein d'une partie de la population française : l'employé de la serrurerie était présumé riche car juif. On retrouve ici le même type de préjugés que ceux qui ont été à l'oeuvre dans l'enlèvement puis le meurtre d'Ilan Halimi, en 2006. (Notons que la plupart des agresseurs sont déjà sortis de prison...) Le pire est que l'homme n'est pas juif, mais a été supposé tel parce que son patron avait fait de la publicité sur Radio J. Là, c'est révélateur d'un mode de raisonnement communautaire, une autre des plaies de notre époque : les juifs avec les juifs, les musulmans avec les musulmans etc.

   Le troisième élément qui saute aux yeux est une absence : celle de la moindre allusion à l'origine ou la culture des accusés. Les deux principaux sont qualifiés d'adolescents (ils ont 16 ans, mais en avaient 15 lors de l'agression). Ils habiteraient Bussy-Saint-Georges (ils sont scolarisés dans le lycée local), une ville de la banlieue parisienne, située dans une partie de la Seine-et-Marne proche de la Seine-Saint-Denis. Vous voyez où je veux en venir : on se demande si les agresseurs ne seraient pas musulmans. L'affirmer, à ce stade, est faire preuve de préjugés... mais aucun élément n'a été publié dans la presse permettant de se faire une idée sur la question (ni prénom, ni initiales, ni lieu d'habitation ou situation familiale). Je sais bien qu'il faut protéger l'identité des mineurs, mais là, il me semble que l'excès de précaution masque quelque chose...

   P.S.

   Le jeune homme agressé a récemment témoigné sur Europe 1.

mercredi, 27 avril 2016

Le (vrai) Livre de la jungle

   La sortie de la nouvelle adaptation de Disney m'a incité à me (re)plonger dans l'oeuvre de Rudyard Kipling, dont on parle souvent sans l'avoir lue. Dans ma jeunesse, je n'ai eu entre les mains qu'une version en bande dessinée du Livre de la jungle. Ce week-end, ce fut donc une quasi-découverte.

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   La première surprise est de constater que les aventures de Mowgli ne constituent qu'une partie du livre, une centaine de pages sur l'ensemble, qui est un recueil de "contes coloniaux". Les héros en sont le plus souvent des animaux, qui parlent. Ainsi, on suit les aventures d'un phoque blanc intrépide, puis d'une mangouste courageuse, d'un jeune dresseur d'éléphants et enfin de plusieurs petits troupeaux au service de l'armée britannique.

   Le plus étonnant est que ce n'est pas dans le premier, mais le second tome que les scénaristes du film ont puisé l'un des arguments principaux, à savoir la "trêve de l'eau", déclenchée quand un rocher apparaît à l'air libre dans un lac.

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   D'autres différences existent entre la version livresque et le film. Ce n'est pas Bagheera (la panthère) qui apporte le garçon aux loups. De plus, celle-ci est un ancien animal de cirque. Elle est présente dès la première réunion importante des loups (tout comme Baloo, l'ours). Ce sont d'ailleurs ces deux personnages emblématiques qui défendent la cause de Mowgli. L'ours devient rapidement l'instructeur du garçon, un instructeur autrement plus intransigeant que ce qui est montré dans les adaptations cinématographiques.

   Du côté des loups, on remarque que deux mâles adultes (et non pas un) jouent un rôle important : Akela le chef et Père Loup, le compagnon de la mère qui prend en charge Mowgli. D'autres personnages sont absents de l'adaptation : le chacal Tabaqi (proche du tigre Shere Khan) et le vautour Chil. On a aussi minoré les apparitions des éléphants (une excellente trouvaille du film d'animation de 1967) et coupé une partie de l'histoire concernant les singes.

   Mais le principal changement intervient au niveau des "méchants", Shere Khan et Kaa le python. Le premier n'est pas borgne, mais boite. Il apparaît finalement moins dangereux que le serpent, qui joue un rôle important dans la cité des singes. La récente adaptation a simplifié l'intrigue et fait de Shere Khan une sorte de serial killer, qui meurt dans des circonstances différentes, mais qui mettent tout autant en valeur l'ingéniosité de Mowgli. Dans la nouvelle, celui-ci devient vite très débrouillard... et il effectue un séjour chez les humains, avant de retourner dans la jungle. Peut-être nous garde-t-on cela pour un prochain film...

   Pour savoir ce qu'est devenu Mowgli, il faut lire le "prequel" (littéraire) Dans la jungle, écrit par Kipling avant les deux autres. On y découvre un jeune homme qui a grandi dans les bois et qui entre en contact avec des agents britanniques chargés de la gestion de la forêt.

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mardi, 26 avril 2016

Eva ne dort pas

   Cette Eva est Eva Peron, l'épouse du président argentin Juan Domingo Peron et véritable icône des classes populaires argentines encore aujourd'hui. Cette Eva, malgré les apparences, ne dort pas, parce qu'elle est morte (en 1952). Mais son cadavre embaumé donne l'impression qu'elle est toujours en vie. Quoi qu'il en soit, il fait l'objet de toute l'attention de la junte conservatrice qui a renversé Peron en 1955.

   Le début nous montre "Evita" vivante, avec la force du tribun politique que l'ancienne actrice était devenue. Le choix de discours qui stigmatisent le capitalisme financier et les "oligarques" argentins qui le soutiennent n'est à mon avis pas le fait du hasard : le réalisateur Pablo Aguero veut montrer que, par certains aspects, la situation de l'époque n'est pas sans évoquer celle du monde actuel.

   Comme l'intrigue est centrée sur le devenir de la dépouille d'Eva Peron, les paradoxes du "péronisme" ne sont pas abordés. Pour nous Français, cela semble être un mélange de gaullisme et de chavisme. Cela pourrait rappeler aussi le mouvement qui s'était constitué, sous la IIIe République, autour du général Boulanger. Peron lui-même était pétri de paradoxes : admirateur du premier Mussolini, en très bons termes avec Franco, il a laissé des milliers de nazis se cacher en Argentine, après la Seconde guerre mondiale. Dans le même temps, le pays s'orientait vers une véritable démocratie, avec (sous l'impulsion de son épouse, dit-on) le droit de vote pour les femmes et une série de mesures en faveur des classes populaires.

   Voilà pourquoi le narrateur de l'histoire, un officier conservateur, est aussi ordurier à propos d'Eva Peron. Ce contraste joue en faveur de la jeune femme, bien que ce narrateur soit incarné par Gael Garcia Bernal (que l'on a vu récemment dans Desierto).

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   La première partie traite de l'embaumement du corps. Il est effectué quasiment en catimini, par un personnage qui ne semble pas particulièrement apprécier la dame, de prime abord. Il ne va pas moins réaliser un travail remarquable. Signalons que c'est une actrice (Sabrina Macchi) et non un mannequin articulé qui incarne la défunte. Elle a dû subir un entraînement rigoureux pour pouvoir rester de longues minutes en immobilité totale (ou sans réagir quand elle est plongée dans un grand aquarium), le film étant tourné en plans-séquences. De ce point de vue, c'est assez virtuose.

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   La partie la plus pittoresque est le transport du corps momifié, de nuit, dans un camion anonyme, par un colonel qui a vu du pays. Le scénario (de manière volontairement erronée) en fait un ancien d'Indochine, sans peur et sans reproche. Il a les traits de Denis Lavant, vraiment excellent :

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   Dans son périple, il va côtoyer un jeune soldat argentin, qui a l'air bien innocent face au vieux briscard. Leur cohabitation va se révéler pleine de surprises.

   La dernière partie évoque la recherche de la dépouille d'Eva Peron. Des groupes révolutionnaires veulent mettre la main dessus. Ils ont enlevé l'ancien président anti-péroniste, Pedro Arumburu, qu'ils veulent juger. (Le film ne dit pas que ces péronistes de gauche voulaient sans doute aussi éviter qu'un éventuel retour au pouvoir de Peron ne se traduise par un rapprochement avec la droite, auquel travaillait Arumburu.) C'est à mon avis la partie la moins convaincante. L'idée du huis-clos est bonne, mais il aurait fallu rejouer certaines scènes.

   L'histoire se conclut avec le narrateur, au moment où la junte militaire a repris le pouvoir en Argentine (dans les années 1970). Bien que le corps ait été enterré sous plusieurs mètres de béton, le mythe d'Eva Peron est resté vivace.

   P.S.

   Le film, assez bref (il dure moins d'1h30), omet certains détails concernant le décès de la jeune femme (à 33 ans). La maladie qui l'a abattue est le cancer du col de l'utérus. Les derniers mois, elle souffrait tellement qu'on lui a fait subir une lobotomie, dont des traces auraient dû être visibles sur le front du cadavre. Dans le film, on n'en voit rien... peut-être parce que cela ferait surgir d'autres questions, plus polémiques encore. Un récent article avance l'hypothèse que la lobotomie avait aussi pour but de "calmer" Eva Peron, dont le tempérament révolutionnaire semblait s'intensifier avec la progression de la maladie. Il se pourrait même que l'intervention chirurgicale ait hâté sa fin...

   L'autre aspect passé sous silence est l'origine du cancer de l'utérus. Il est dû à des papillomavirus, transmis lors de rapports sexuels non protégés. Alors, soit Eva Duarte a contracté la maladie alors qu'elle était actrice (avant de rencontrer Peron), soit elle lui a été transmise par son mari... dont la première épouse est décédée du même mal... tiens donc ! De là à penser que l'officier avait jadis attrapé une "chose triste" en fréquentant un bordel et qu'il l'aurait transmise à ses deux épouses successives...

   De fil en aiguille, j'ai été amené à m'intéresser à la prostitution en Argentine. Je suis tombé sur un passionnant article, disponible sur le site d'une ONG (mondefemmes). On y apprend que, de 1875 à 1935, des "maisons de prostitution" (gérées par des femmes) ont eu pignon sur rue. On peut compléter cette lecture par celle d'un article de Slate qui, il y a un peu moins de trois ans, évoquait la situation d'Européennes de l'Est juives. Entre la fin du XIXe siècle et la Seconde guerre mondiale, des milliers d'entre elles ont été exploitées en Amérique du Sud.

dimanche, 24 avril 2016

Fritz Bauer, un héros allemand

   Ce film met l'accent sur une personne qui n'apparaissait qu'au second plan dans un autre film historique allemand, sorti en 2015, Le Labyrinthe du silence. Ici, ce n'est pas le procès des crimes commis à Auschwitz qui est au coeur de l'intrigue, mais la traque d'Adolf Eichmann, dans le contexte de la RFA au tournant des années 1950-1960.

   J'ai été frappé par le souci de reconstituer l'ambiance sociétale de l'époque. On est certes en pleine Guerre froide (après le blocus de Berlin mais avant la construction du Mur), mais on est surtout à une époque où règne une sorte d'ordre moral chrétien-démocrate auquel il vaut mieux ne pas déroger. Ainsi, le procureur Fritz Bauer cumule les handicaps, aux yeux de la "bonne société" : il est socialiste, juif... et homosexuel. De surcroît, il a fui le pays à l'époque nazie, pour ne revenir qu'en 1949. Mais il a du bagout, une réputation de sérieux et de gros bosseur. Il semble aussi plutôt bien passer à la télévision.

   Pourtant, le film n'en fait pas un modèle intouchable. Il fume comme un pompier, sans se soucier de la gêne que cela peut provoquer, boit beaucoup d'alcool et traite les gens assez durement. Bref, il est plutôt antipathique. Il a sous ses ordres une brochette de jeunes procureurs ambitieux... mais en général très prudents : ils sont prêts à le suivre jusqu'à un certain point. Le plus courageux d'entre eux semble être le beau gosse à la carrure d'athlète, marié à la (ravissante) fille d'un industriel qui n'a pas pâti du régime nazi... Peut-il s'en faire un allié ?

   C'est d'autant plus nécessaire que les magistrats finissent par comprendre qu'ils sont espionnés par la police de leur pays ! Est-il besoin de préciser que celle-ci est en partie composée d'anciens nazis, qu'on espère pas trop compromis dans le régime déchu ?

   Le côté "roman d'espionnage" est donc très développé, dans une ambiance jazzy assez étonnante, mais qui se marie bien avec l'obscurité présente dans de nombreuses scènes. On découvre ainsi Francfort by night, avec ses cabarets interlopes, où l'on contourne la législation en place... tant que la police le tolère.

   Tout est bouleversé à partir du moment où surgit un renseignement sur la résidence d'Adolf Eichmann, qu'on a cru voir un peu partout dans le monde. En fait, il se trouvait en Argentine, un pays qui, sous le gouvernement de Juan Peron, a accueilli beaucoup de nazis en fuite...

   Je vous laisse découvrir la suite de la traque, entre le pôle judiciaire allemand, le gouvernement du Land de Hesse, le Mossad israélien, le rôle trouble de la police et les péripéties argentines. Personne n'est sorti indemne de cette histoire, très forte et bien rendue à l'écran.

samedi, 23 avril 2016

Le Livre de la jungle

   La surprise n'est pas que Disney produise une adaptation avec acteur réel (on a déjà vu notamment Into the Woods et surtout Maléfique). La surprise est qu'elle en confie la direction à Jon Favreau (réalisateur, entre autres, d'Iron Man), dont les compétences se limitent généralement à la mise en images de bastons numérisées. C'est qu'ici on est dans un entre-deux, moitié film réel, moitié film en images de synthèse. On a capturé les mouvements des animaux et fabriqué des marionnettes à taille réelle de ceux-ci. Pour cela, on a eu recours au savoir-faire de la Jim Henson Company, qu'on a déjà vue à l'oeuvre par exemple dans Max et les maximonstres.

   Sans surprise, l'intrigue est calquée sur celle du film d'animation de 1967, avec quelques nuances. Ainsi, alors que le dessin animé baignait dans une ambiance bon enfant, pleine d'humour et de chansons, la nouvelle adaptation de l'oeuvre de Rudyard Kipling est plus sombre (et donc plus fidèle à l'original). Si l'humour n'en est pas absent, l'histoire est assez dure et comporte plusieurs épisodes violents. C'est donc à déconseiller aux tout petits.

   Du côté du casting, on ne peut que se féliciter du choix du jeune Neel Sethi pour incarner Mowgli. Il bouge très bien et m'a paru très convaincant en gamin débrouillard de la forêt. Je n'ai quasiment rien à reprocher aux voix de doublage (celles de la version française, que j'ai vue). Lambert Wilson est très bon en Baloo, le personnage qui apporte les plus franches touches d'humour. Il est de surcroît visuellement particulièrement réussi. Face à lui se détache aussi Eddy Mitchell, excellent en roi des singes Louie. (D'ailleurs, je me demande s'il n'aurait pas été tout aussi bon dans le rôle de Baloo.) Chez les dames, la composition de Leïla Beikhti (en serpent Kaa) m'a plus marqué que celle de Cécile de France, plus classique en mère-louve. La séquence qui confronte le python à la "grenouille" est l'un des plus beaux moments du film.

   Quant à la panthère Bagheera, elle est doublée par Bernard Gabay, l'acteur qui assure la voix française de Robert Downey Jr. Du coup, je n'ai pas arrêté de penser à ce dernier pendant le film... et ça m'a un peu gâché le plaisir, parce que je trouve que cela ne correspond pas trop au personnage de la panthère, que par ailleurs j'aime beaucoup. (Qui plus est, visuellement, ce n'est pas le plus réussi.)

   Le scénario est linéaire, limpide, s'éloignant quand il le faut de ce que Kipling a écrit. Les puristes regretteront le manque de respect de l'oeuvre littéraire, les autres se réjouiront que l'histoire soit accessible au jeune public. Cela donne un film d'aventures, rythmé, avec des rebondissements. Là, Jon Favreau est à l'aise et l'on comprend le choix de Disney. Dans une grande salle, on prend beaucoup de plaisir, avec, à l'écran, des images très soignées.

15:00 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

vendredi, 22 avril 2016

The Lady in the van

   Cette "lady" est une clocharde SDF assez âgée pour être à la retraite, viscéralement attachée à sa fourgonnette brinquebalante. (Par la suite, on découvre qu'elle en possède une seconde, plus récente, qu'elle a réussi à se faire payer par une bourgeoise compatissante... mais peu désireuse de la voir fréquenter son quartier.) Elle est incarnée par Maggie Smith qui, pour les jeunes générations, est l'inoubliable Minerva McGonagall dans la saga Harry Potter. Pour les cinéphiles confirmés, c'est une vieille connaissance, vue notamment dans des adaptations de pièces shakespeariennes et de romans d'Agatha Christie. Cette grande actrice n'hésita pas non plus à se commettre dans des productions grand public, comme le péplum Le Choc des Titans (celui de 1981), où elle prêta ses traits à la déesse Thétis :

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   C'est l'occasion de rappeler au jeune public que des comédiennes aujourd'hui grisonnantes et ridées ont souvent été jadis de (très) jolies femmes. Cela me rappelle une conversation que j'ai eue avec une adolescente, qui, sans doute influencée par certaines éructations médiatiques, sa gaussait du contraste entre le nom et l'apparence physique d'Eva Joly. Sachez mesdemoiselles à la peau douce, à la taille mince et aux chairs fermes, que la fleur de votre beauté se fanera un jour (peut-être pas si lointain) et que telle personnalité dont vous vous plaisez à vous moquer n'est pas plus laide que ce que vous deviendrez.

   Mais revenons à notre "lady". Le terme confine à l'antiphrase, tant le manque de propreté et le sans-gêne de Mary/Margareth la rapprochent peu (de prime abord) d'une personne distinguée. Notons toutefois qu'elle s'exprime dans une langue relevée, que l'on apprécie d'autant plus que le film est distribué en version originale sous-titrée. C'est un véritable bonheur que d'entendre parler du bon anglais, et pas cette bouillie mondialisée qui en est issue et qui nous est trop souvent servie par les médias anglo-saxons.

   Dans la première partie de l'histoire domine le ton de la comédie, avec l'irruption de cette mégère dans un quartier bourgeois de Londres. Comme les habitants se piquent de morale, ils n'osent pas la faire expulser. (Parmi ceux-ci, on reconnaîtra Roger Allam, alias l'inspecteur Thursday, le supérieur du jeune Morse dans la série qui raconte les débuts du célèbre enquêteur d'Oxford.) De temps à autre, ils lui font même de petits cadeaux, espérant qu'elle choisira de garer son fameux van à l'autre bout du quartier. Le plus drôle est que la "lady" ne leur en est nullement reconnaissante ! Elle va finalement échoir à un écrivain célibataire, très "maniéré" et qui reçoit de jeunes hommes tard le soir... à tel point que Mary se demande si un complot communiste n'est pas en train de se monter ! (L'action se déroule dans les années 1970-1980... et rappelons que c'est inspiré d'une histoire vraie)

   Concernant l'écrivain, la réalisation se fait originale, juxtaposant deux versions du personnage à l'écran, une vivant les épisodes racontés, l'autre les écrivant. C'est la source de nombreux gags, les deux versions de l'écrivain divergeant souvent sur la manière de se comporter avec la vieille dame !

   La seconde partie de l'histoire est plus riche en émotion. On en apprend davantage sur le passé de l'héroïne, qui fut infirmière, bonne soeur... et même pianiste. On comprend que sa vie n'a pas été souvent heureuse. De son côté, Alan (l'écrivain) culpabilise parce qu'il s'est trop peu soucié de sa mère, désormais veuve et touchée par une maladie neuro-dégénérative. On s'achemine tout doucement vers une conclusion prévisible, très émouvante. (Par moments, j'ai pensé à Philomena, même si le contexte est très différent.) Fort heureusement, le scénario s'achève sur une pirouette qui nous remet du baume au coeur.

   Et quelle actrice !

22:31 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

jeudi, 21 avril 2016

Une "nouvelle" statue-menhir

   Elle a été découverte à la frontière du Tarn et de l'Aveyron (côté tarnais), dans la commune de Montirat, située grosso modo à mi-chemin de Villefranche-de-Rouergue et d'Albi :

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   A ma connaissance, c'est Centre Presse qui a sorti l'information en premier, dans son numéro de mardi :

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   L'article nous révèle deux autres choses, d'abord que la véritable découverte est beaucoup plus ancienne, ensuite que c'est parce qu'il était venu au (superbe) musée Fenaille qu'un chasseur du coin a compris l'importance de l'objet. (On peut aussi déplorer que ce modeste paragraphe n'ait pas été relu avec plus d'attention...)

   Pour savoir à quoi ressemble la statue-menhir, on peut se rendre sur le site de France 3 Midi-Pyrénées, qui en a parlé le même jour que Centre Presse (mais plus tard, dans l'après-midi) :

2016 a.jpg

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   On nous dit que la statue aurait environ 5 000 ans et qu'elle serait inachevée. La courte vidéo montre un archéologue examinant l'objet. Il penche pour une statue féminine, bien qu'il manque nombre de détails. Peut-être qu'après son nettoyage d'autres éléments (même ténus) apparaîtront.

   P.S.

   Rappelons qu'en 2013 une autre statue-menhir avait été découverte, à la limite de l'Hérault et du Tarn. A l'époque, on en a beaucoup parlé parce qu'elle a été trouvée enterrée (ce qui pourrait fournir de précieuses informations sur le contexte de sa création) et parce qu'elle comporte une bouche (ronde), une première chez une statue masculine :

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   P.S. II

   Quelques années auparavant (en 2010 ?), une autre statue avait été découverte dans le Tarn, à Montalet (du côté de Lacaune), pas très loin des rives du lac où la précédente était enfouie. Elle a fait l'objet d'une analyse détallée par Jean Gasco et Michel Maillé.

mercredi, 20 avril 2016

Cauval au bord du gouffre ?

   Le groupe d'ameublement français ne cesse de défrayer la chronique (économique). Il y a quelques années, on en a beaucoup parlé dans l'Aveyron, jusqu'à la déconfiture de l'usine de Sévérac-le-Château, au profit (pensait-on) de celle de Bar-sur-Aube. Les difficultés n'ont cependant pas cessé, avec, l'an dernier, un conflit avec les enseignes But à la clé. Du côté de la Champagne, on a aussi pu constater la baisse progressive des effectifs.

   Le patron Gilles Silberman était à la recherche de nouveaux partenaires et semblait avoir trouvé le bon, une société portugaise qui évolue dans le même secteur... mais qui s'est finalement désistée. Faute d'apport financier, le groupe a été placé en redressement judiciaire, dans l'attente d'un (ou plusieurs) repreneur(s). Les candidatures ne se sont pas fait attendre. On a parlé de six puis de dix repreneurs potentiels, aucun ne s'engageant à garder l'intégralité des sites, à l'exception de deux anciens cadres de Cauval, soutenus par un  fonds d'investissement.

   Certains (comme le suédois Hilding Anders ou Arcole Industries) semblent avoir peu de chances. On s'étonne aussi de voir figurer la holding Verdoso, contrôlée par... l'un des fondateurs de Cauval (Franck Ullmann). De très mauvaises langues se demandent s'il n'y aurait pas là une manoeuvre concertée avec G. Silberman, pour conserver le groupe Cauval après l'avoir "dégraissé" à moindres frais. Autre surprise : la candidature du portugais Aquinos... le partenaire avec lequel Cauval envisageait tout récemment de se "marier" ! Là, on se demande si le secteur de l'ameublement n'est pas devenu un lac aux requins. Aquinos est-il de bonne foi et a-t-il renoncé à l'alliance avec Cauval pour de bonnes raisons (la crainte d'avoir affaire à un partenaire peu scrupuleux) ? Ou bien le groupe portugais n'est-il qu'un opportuniste, qui a jugé que, devant les difficultés de Cauval, mieux valait laisser pourrir la situation, pour n'en garder que les bons morceaux ? C'est difficile à dire, d'autant plus qu'il est possible que les deux soient vrais !

   Cependant, il semble que ce soit un autre candidat qui tienne la corde : le groupe sud-africain Steinhoff. Il y a moins d'un mois, Le Monde a consacré un portrait plutôt flatteur à Christoffel Wiese, le premier actionnaire du groupe. Celui-ci est à la manoeuvre en France depuis au moins le début des années 2010, quand il a racheté Conforama au groupe Pinault (PPR). Cela a d'ailleurs contribué à dégrader la situation de Cauval, dont c'est l'un des principaux clients, qui s'est désormais davantage fourni ailleurs. On a récemment reparlé de Steinhoff, qui tente de souffler Darty à la FNAC. Pour la petite histoire, précisons que la FNAC est une autre ancienne pépite du groupe PPR (aujourd'hui Kering), dont le premier actionnaire reste la holding Artemis, qui gère les intérêts de la famille Pinault.

   Pour compléter ce mécano industriel, ajoutons que Darty est à l'origine une entreprise française, passée (dans les années 1990) sous la coupe du britannique Kingfisher... tout comme But, autre entreprise tricolore (et le principal concurrent de Conforama en France, après Ikea). Les deux ont été intégrées dans une filiale, Kesa, qui s'est séparée de But en 2008.

   L'autre indice qui me fait penser que c'est Steinhoff qui tient la corde dans la reprise de Cauval est que le groupe sud-africain a amélioré son offre (sur des conseils venus de France ?) : alors qu'il proposait, à l'origine, de ne reprendre que trois des usines, il est monté à quatre puis à cinq. Par contre, il ne garderait qu'un peu plus de la moitié des employés. C'est dû au fait qu'il laisse de côté le principal site de Cauval, l'usine de Bar-sur-Aube qui, malgré toutes les aides publiques versées depuis moins de dix ans, risque donc de fermer définitivement. Chez Cauval, c'est le secteur des matelas (et les marques) qui intéresse les éventuels repreneurs, pas celui des canapés et fauteuils.

   Un autre site est menacé de fermeture : celui de Flaviac, en Ardèche. Il y a quelques années, Cauval y avait arrêté la fabrication de matelas Simmons. Une soixantaine d'emplois avaient été maintenus grâce à la reconversion du site, devenu Ecoval, avec un projet innovant (autour du recyclage)... financé par de l'argent public, le groupe Cauval s'étant là encore débarrassé des locaux en les vendant à la communauté de communes.

   Qu'est-ce qu'il ressort de tout cela ? Que la gestion du groupe Cauval n'est pas des plus limpides. Même si le secteur de l'ameublement traverse une période difficile, il y a sans doute des causes internes aux problèmes du groupe. L'arrivée de Steinhoff pourrait se révéler bénéfique, si elle assure davantage de débouchés aux produits des usines. Mais peut-être vaudrait-il mieux que ce soit une équipe qui connaisse l'entreprise qui la reprenne. Il faudrait voir le détail du projet des anciens cadres, jugé crédible par la CGT.

   A une échelle beaucoup plus réduite, à Sévérac-le-Château, dans l'Aveyron, le site a naguère été relancé par d'anciens employés, qui ont fondé ITA Moulding Process. Il va de son bonhomme de chemin et communique, de temps à autre. Il sera partenaire du ROC Laissagais 2016, qui servira de support au championnat du monde de VTT marathon :

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Centre Presse, 19 avril 2016

   P.S.

   Pour en savoir plus sur le site de Sévérac-le-Château (et l'entreprise qui l'occupe actuellement), on peut lire les articles qui viennent de paraître dans Centre Presse.

   D'après un encadré présent dans la version papier, un livre et un DVD sont en préparation.

mardi, 19 avril 2016

Midnight Special

   Voici donc le dernier film de celui qui est présenté comme le nouveau prodige du cinéma états-unien, Jeff Nichols. Le scénario pourrait (largement) tenir sur une demi-feuille de format A4. Les parents d'un garçon doté de pouvoirs extraordinaires tentent de préserver celui-ci pour ce qu'ils croient être sa "mission". Face à eux se dressent les membres d'une secte millénariste (pour qui le môme est le nouveau Messie) et le gouvernement des Etats-Unis, qui voit dans le gamin un potentiel à exploiter. Et puis il y a une quatrième catégorie d'intervenants, mal définie au départ, mais qui prend de l'importance au fur et à mesure que l'on progresse dans l'histoire.

   C'est diablement bien filmé. Compte tenu de l'état du garçon (affublé d'un horrible prénom : Alton... non mais franchement, cette quête de l'originalité à tout prix est vraiment pathétique), les fuyards voyagent de nuit, ce qui nous vaut de magnifiques scènes bleutées ou ocres, auxquelles s'ajoutent parfois les lumières issues du corps de gamin. Le tout baigne dans une ambiance musicale étrange et fascinante. (Le compositeur est David Wingo.)

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   Est-il besoin de préciser que les acteurs (y compris le garçon) sont très bons ? Le père est incarné par Michael Shannon, une "gueule" habituée des seconds rôles... mais aussi l'acteur fétiche du réalisateur. Sa compagne est jouée par une Kirsten Dunst méconnaissable : elle a pris quelques kilos (je sais : je suis un goujat) et on l'a habillée avec des fripes qu'on a dû trouver dans une solderie... Bref, on a voulu en faire une mère américaine (très) moyenne. Mission accomplie ! Mais, surtout, elle nous touche par la justesse de son jeu.

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   Comme le temps passe un peu lentement, on a tout loisir d'observer les autres personnages, interprétés par des figures souvent connues mais sur lesquelles on n'arrive pas forcément à mettre un nom, à l'exception du scientifique un peu "geek", qui a les traits d'Adam Driver, plus convaincant que dans le dernier épisode de Star Wars.

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   Attention toutefois : Jeff Nichols est une sorte d'anti-Spielberg. Alors que celui-ci (quand il nous livre une oeuvre de science-fiction) utilise une vision stéréotypée de la famille et des rapports humains pour appuyer une intrigue en général assez fouillée, Nichols s'appuie sur un cadre fantastique sommaire pour faire l'éloge de la paternité (et de la maternité), dans une société oppressante. Cela donne une oeuvre originale, souvent prenante, mais un peu trop sentencieuse à mon goût.

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lundi, 18 avril 2016

Truth : Le Prix de la Vérité

   Ce film nous replonge dans la présidence Bush (fils), plus précisément à la jonction de ses deux mandats, quand l'enquête menée par certains journalistes de télévision menaçait de faire basculer un scrutin qui s'annonçait serré (avec le démocrate John Kerry). C'est donc un hommage au travail du "quatrième pouvoir", cette fois-ci incarné par l'audiovisuel (et pas la presse écrite). On sent néanmoins les références aux Hommes du président, d'autant plus que les deux oeuvres ont en commun la présence de Robert Redford au générique.

   Mais c'est une femme qui occupe le premier plan, la journaliste et productrice Mary Mapes, incarnée par la sublime Cate Blanchett :

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   Au passage, si vous allez voir le film, quand vous serez à ce moment de l'action, vous trouverez sans doute la beauté de l'actrice encore plus grande. Il semblerait que quelques retouches numériques aient été pratiquées, afin de masquer les imperceptibles traces que le temps qui passe a laissées sur le visage encore superbe de Catounette.

   Mais elle n'est pas que belle à tomber. C'est une femme de tête, intelligente, qui se bat pour ses convictions, tout en tentant de mener de front sa vie de famille, en compagnie d'un mari compréhensif et d'un enfant adorable.

   La première partie de l'histoire nous conte la marche quasi triomphale d'une improbable équipe d'enquêteurs vers ce qui semble être le scoop de l'année : non seulement George W. Bush s'est fait pistonner pour éviter d'être envoyé au Vietnam, mais il a de plus sans doute déserté son poste pour travailler pour le compte d'un élu républicain.

   La réalisation, assez plate, se contente de mettre en valeur les principaux personnages, les journalistes bien sûr, mais aussi les témoins (plus ou moins volontaires) et les autres acteurs importants de la chaîne CBS, du PDG à la juriste en passant par le directeur de l'information. C'est assez instructif sur la manière dont fonctionne (à l'époque, en 2004) une grosse machine médiatique.

   Puis vient le retournement. On connaît déjà la fin de l'histoire (la réélection de Bush). On se demande donc comment tout a pu "capoter". On découvre la contre-attaque républicaine, la violence des commentaires sur internet (déjà), l'oppressante présence des caméras jusque dans la vie privée et le lynchage médiatique orchestré... sans oublier les pressions sur les témoins. Le documentaire se fait polar, pour notre plus grand plaisir. (Fort heureusement, de temps en temps, le personnage joué par Dennis Quaid apporte de plaisants moments d'humour.)

   Notons aussi que, même si le scénario accorde la part belle aux journalistes, il ne cache pas leurs maladresses voire leurs erreurs. Les arguments des adversaires font parfois mouche, même si l'on comprend que leur but n'est pas de faire éclater la vérité mais de protéger le président sortant.

   Dans la dernière partie, cela tourne quasiment au film judiciaire, puisque les enquêteurs vont subir une sorte de procès en sorcellerie déontologie journalistique. Symptomatiques sont les scènes qui confrontent Mary/Cate à la commission, exclusivement masculine... et presque entièrement d'obédience républicaine. La conclusion est assez pessimiste : à la télévision, l'infotainment remplace l'enquête de terrain. Soyez aussi attentifs à la toute fin, qui évoque le devenir de l'héroïne.

   P.S.

   Aussi étrange cela puisse-t-il paraître, l'Aveyron n'est pas absent de cette oeuvre américanissime. Ainsi, au cours de leur enquête, les journalistes vont trouver un document dans lequel il est question d'une fête agricole, avec des vaches Simmental (celles dont le lait constitue l'essentiel de la matière première du fromage Laguiole). Et puis, tout au long du film, je n'ai pas pu m'empêcher de penser à la troisième adjointe du maire de Rodez, Sarah Vidal,  chaque fois qu'est apparue à l'écran Elisabeth Scott, qui interprète l'un des membres de l'équipe d'enquêteurs :

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dimanche, 17 avril 2016

Grimsby, agent trop spécial

   Depuis The Dictator, Sacha baron Cohen me manquait un peu. Le voilà de retour au scénario et dans la peau du personnage principal, une sorte de Tuche britannique, fan de foot, alcoolique et bedonnant, défiguré par des rouflaquettes que même le plus ringard des fans de rock n'ose plus porter. Fidèle à son style, SBC joue sur le double langage : on peut aussi bien s'identifier à ce personnage débile (mais gentil, au fond) que jouir (avec mépris) de ses travers et de sa bêtise. Sa compagne est bien dans le t(h)on : elle est incarnée par Rebel Wilson, l'obèse vulgaire qui a réussi à faire croire à des Américains que le manque d'amour-propre pouvait faire office de talent. Mais je reconnais qu'elle est plutôt bien utilisée dans le film, en tout cas mieux que dans le dernier volet de La Nuit au musée. Je ne vais pas m'étendre sur les enfants du couple, dont les coupes de cheveux ont de quoi faire frémir les plus stupides footballeurs de Ligue 1.

   L'intrigue fonctionne sur l'effet de contraste entre les scènes d'action très bien foutues (le Frenchie Louis Leterrier est aux manettes) et les scènes d'humour trash, souvent drôles, parfois ratées... et parfois géniales. On en a un avant-goût dès les premières minutes du film, durant lesquelles on découvre le couple de beaufs en pleine action, puis le frère cadet du héros (Mark Strong, excellent) en agent secret impitoyablement efficace.

   On n'a vraiment pas mégoté sur les scènes d'action, qui dépotent, avec notamment l'utilisation de ce qui ressemble à des caméras gopro. Notons que les effets spéciaux sont très réussis. De son côté, l'aîné nous impressionne par sa capacité à faire intervenir un pénis, un vagin ou un anus... voire tout cela à la fois. J'ai évidemment goûté la parodie de Basic instinct, tout comme la séquence de "sucions". Mais les meilleurs moments sont sans conteste ceux passés aux côtés d'un troupeau d'éléphants. Je ne peux pas trop en dire, mais sachez que les gags y sont vraiment ENORMES !... dans tous les sens du terme !

   Je mets toutefois deux bémols à mon enthousiasme : le doublage n'est pas terrible et les retours en arrière sont trop premier degré. Si, dans un premier temps, on peut percevoir la volonté de tourner en ridicule un procédé scénaristique éculé, à la longue, on sent que le réalisateur y croit et tente d'ajouter (maladroitement) quelques touches d'émotion à son histoire. On aurait pu s'en passer, mais il est vrai que, même avec ces scènes sans intérêt, le film n'atteint pas l'heure et demie.

   A part cela, que dire d'autre ? Que le prolétariat britannique est vraiment mal barré dans la vie (que le Royaume-Uni soit dans l'UE ou pas). Que les méchants sont vraiment très méchants et que le foot est un sport qui abrutit les masses.

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vendredi, 15 avril 2016

Desierto

   Ce thriller franco-mexicain confronte un groupe de migrants clandestins pénétrant aux Etats-Unis à une série de menaces dont on aurait de la peine à déterminer quelle est la plus grande. Est-ce ce fameux désert (situé du côté de la Californie), peuplé de serpents venimeux et où règnent régulièrement des températures caniculaires ? Est-ce ce red neck américain, vieux solitaire qui ne se sépare presque jamais de son fusil à lunette ou bien n'est-ce pas plutôt son chien, un agile berger allemand, très bien dressé ?

   Les paysages de ce désert rocheux sont superbement filmés et les acteurs sont globalement bons. On a beaucoup parlé de Gael Garcia Bernal, jadis découvert dans Carnets de voyage et revu dans La Science des rêves et Babel. J'ai été davantage marqué par les prestations d'Alondra Hidalgo et de Jeffrey Dean Morgan (que l'on a pu voir notamment dans Hôtel Woodstock, Prémonitions et surtout The Salvation).

   C'est un bon suspense, marqué par plusieurs scènes très violentes, sans fard, et qui aborde une question sensible : la détresse des migrants économiques. Mais il le fait de manière assez prévisible, l'intrigue ne comportant guère de surprises pour un "vieux" cinéphile. De surcroît, le fiston Cuaron (eh, oui : papa a réalisé Gravity !) abuse des "juste-à-temps". On pourrait se dire qu'il s'agit là d'un péché de jeunesse, ou la conséquence de l'influence mal digérée de la mécanique hollywoodienne. Mais c'est aussi une marque de fabrique du style de papa...

   Autre défaut du film, son côté manichéen, dans plusieurs sens d'ailleurs. Ainsi, il n'y a pratiquement aucun recul sur les meurtres perpétrés par le cowboy alcoolique. Ce personnage de "loup solitaire" n'est pas assez creusé : on ne sait pas vraiment ce qui l'a conduit à se muer en tueur en série des frontières. De leur côté, les victimes sont rarement présentées avec empathie. On pourrait se féliciter que le réalisateur n'ait pas un point de vue angélique sur les migrants. En réalité, il défend mordicus leur cause, mais uniquement à travers les deux personnages les plus séduisants... Encore Hollywood ! (Il s'est aussi bien gardé d'évoquer les sévices que ces mêmes migrants ont pu subir du côté mexicain de la frontière...)

 

ATTENTION : LA SUITE EVOQUE DES ELEMENTS CLES DE L'INTRIGUE, QU'IL VAUT MIEUX NE PAS CONNAITRE AVANT D'ALLER VOIR LE FILM.

 

   L'un des paradoxes de la réalisation est de rendre la mort du chien (pourtant auparavant montré comme une impitoyable bête traqueuse) plus touchante que celle des migrants. Dans le même ordre d'idée, le renversement de position (auquel on s'attend : le chasseur devient la proie) est un peu téléphoné et n'est pas très bien géré. On sent que le réalisateur n'a pas trop su sur quel ton tourner certaines scènes.

   Je suis donc sorti de là un peu mitigé, satisfait malgré tout d'avoir vu une oeuvre bien filmée, comportant de bons moments de tension, mais pas tout à fait aboutie.

   P.S.

   Pour la petite histoire, sachez que Tracker (le chien) est incarné par trois canidés différents, nommés (d'après le générique de fin) Gaston, Neron et Kraken !

   P.S. II

   Ce n'est pas la seule information donnée par la bande défilante. On y apprend aussi que les acteurs principaux ont été accompagnés de gardes du corps sur les lieux du tournage... au Mexique. Ainsi, dans la réalité, le pays le plus violent n'est peut-être pas celui que l'on croit.

22:26 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

dimanche, 10 avril 2016

Merci patron !

   Le documentaire militant de François Ruffin est enfin arrivé à Rodez, pour une petite semaine de projection. C'est l'occasion de découvrir pourquoi cette piqûre de moustique (un film à diffusion confidentielle ayant coûté moins de 200 000 euros) a pu subir à sa sortie ce qui ressemble à une forme de censure médiatique... qui l'a finalement bien servi.

   C'est d'abord un film social, qui évoque la condition des ménages ouvriers des "Hauts-de-France" comme il faut dire maintenant. Ruffin et son équipe sont partis à la rescousse d'un couple d'ouvriers licenciés. Au passage, on découvre (ou pas) l'un des paradoxes de notre économie : l'un de ses fleurons du luxe (LVMH) a bâti sa prospérité sur l'exploitation d'une main-d'oeuvre mal payée, d'abord française, aujourd'hui polonaise ou autre. A cet égard, je conseille la scène qui voit le réalisateur essayer un costume dans une boutique du groupe, tout comme celle tournée dans une usine polonaise. Tendez l'oreille pour saisir les chiffres, en particulier l'écart entre le coût de la main-d'oeuvre et le prix d'un costume...

   C'est aussi une satire politique, la "gauche de la gauche" ne se privant pas d'égratigner au passage la "gauche de gouvernement" (le PS), à travers la personne d'un élu socialiste, très proche de Bernard Arnault et bien vu de François Hollande.

   Mais c'est surtout une excellente comédie satirique, dans laquelle, le plus souvent, Ruffin adopte l'antiphrase et se fait passer pour un benêt (faussement) admirateur de Bernard Arnault, aussi bien devant l'ancienne déléguée CGT que devant les employés de LVMH. Il y a comme une parenté avec le style de l'humoriste Guillaume Meurice. On sent aussi l'influence de Pierre Carles.

   Au coeur du film se trouve une grosse entourloupe, la menace proférée par le couple d'ouvriers de lancer une campagne médiatique contre Bernard Arnault s'il ne les aide pas à rompre la spirale de l'endettement. Ce ménage, dont les ressources plafonnent à quelques centaines d'euros, en a des milliers à payer, la maison, construction d'une vie, risquant d'être saisie. Les deux ouvriers se prêtent de bon coeur à la manoeuvre de François Ruffin, qui a placé des caméras et des micros à leur domicile.

   Cela nous vaut certaines des plus belles scènes du film, avec une sorte d'homme à tout faire du groupe LVMH, un ancien policier engagé pour gérer les problèmes d'image qui peuvent se poser. Au départ méfiant, l'homme finit par s'exprimer avec une franchise déconcertante devant un couple qu'il sous-estime. Il n'est d'ailleurs lui-même pas méchant au fond. Il est le sbire d'un homme puissant, qu'il sert sans état d'âme, ce qui ne l'empêche pas d'être lucide.

   C'est donc drôle, militant, rageant parfois, accompagné d'une musique entraînante, d'où se détache une chanson méconnue des Charlots.

   P.S.

   Une soirée débat est programmée au Cap Cinéma de Rodez lundi 11 avril, à 20h :

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(La Dépêche du Midi, 8 avril 2016)

vendredi, 08 avril 2016

Gods of Egypt

   C'est le péplum du moment, réalisé par Alex Proyas, pas un spécialiste du genre, mais quand même auteur de Dark City et I, Robot. Au niveau du casting, on n'a pas cherché à faire preuve d'originalité : les mecs ont passé des heures sur le banc de musculation et les femmes portent d'invraisemblables tenues, qui ne permettent pas d'ignorer à quel point elles sont super bien gaulées.

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   Les acteurs les plus jeunes ne me sont pas connus. Il semblerait qu'ils se soient révélés dans des séries télévisées que je ne regarde pas. Du côté féminin, notons la présence d'une ravissante Frenchie, Elodie Yung, très crédible en déesse de l'amour.

   D'autres interprètes sont plus familiers aux "vieux" cinéphiles. L'architecte du dieu-roi est incarné par Rufus Sewell, découvert jadis dans Dark City. Le méchant Seth a les traits de Gerard Butler, vu naguère dans 300. On retrouve aussi avec plaisir Chadwick Boseman, remarqué dans Get on up, le biopic consacré à James Brown. Tous ces acteurs sont bons. Le personnage du méchant est particulièrement réussi, même si j'ai trouvé les scènes avec l'érudit et orgueilleux Thot (Boseman) plus savoureuses. La séquence qui se déroule dans sa cité-bibliothèque est excellente et le personnage en lui-même mérite le détour. J'ai par contre été déçu par la prestation de Geoffrey Rush, très poussif dans le rôle du dieu Râ.

   L'intrigue est des plus classiques. C'est une histoire d'amour(s) et de pouvoir. On la suit à deux niveaux : celui des dieux et celui des humains, qui s'entremêlent, au grand étonnement des divinités, peu habituées à frayer au quotidien avec ces créatures inférieures. A l'écran, c'est rendu par la juxtaposition de deux plans, qui permet de faire figurer ensemble des personnages aux tailles différentes, les dieux et déesses étant 1,5 à 2 fois plus grands que les humains. C'est évidemment une source de gags, notamment quand les deux héros masculins sont de la partie. J'ai beaucoup aimé ce duo improbable, formé par Horus le borgne et Bek le voleur, tous deux amoureux et courageux.

   Mais le principal atout du film est sans conteste ses effets spéciaux. Ajoutés aux costumes, aux décors et à la joaillerie, ils donnent beaucoup d'éclat aux scènes urbaines et, surtout, ils permettent d'introduire de spectaculaires moments d'action. Cela rend indulgent pour la faiblesse de certains dialogues et pour la médiocrité de certains scènes, dont on comprend immédiatement qu'elles ont été tournées devant un fond vert.

   Franchement, je n'ai pas vu les deux heures passer. Même si le film n'est pas du niveau d'un Gladiator ou d'Exodus, il est meilleur que le récent Pompéi et constitue un agréable divertissement, sans prise de tête.

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jeudi, 07 avril 2016

Remember

   Se souvenir est l'enjeu principal de cette histoire, dont le "héros" est frappé de sénilité (à éclipses). Chaque matin, il se réveille en cherchant son épouse, décédée depuis peu. Mais la mémoire est aussi celle d'un passé beaucoup plus lointain, qui remonte au début des années 1940, en Allemagne et en Pologne : Zev et son ami Max sont les derniers survivants d'un "block" d'Auschwitz. Les responsables de la mort des membres de leurs familles n'ont jamais été retrouvés... jusqu'à aujourd'hui.

   Max étant handicapé moteur, c'est Zev qui est chargé de "rendre justice". Comme il perd régulièrement le fil de ses pensées, Max lui a écrit un petit mémo, qu'il conserve dans la poche intérieure droite de sa veste... et qu'il doit relire régulièrement. L'autre problème est l'incertitude qui pèse sur l'identité du principal bourreau, qui s'est jadis enfui aux Etats-Unis, où il entré sous un faux nom. A la suite d'une longue enquête, Max est parvenu à resserrer les fils : il reste quatre candidats potentiels. Ce sont ces quatre personnes que Zev est chargé de contacter, l'une d'entre elles étant vouée à la mort.

   Il s'agit donc d'un film à suspens, d'autant plus prenant que le nouvel ange exterminateur évolue à son rythme. Bien qu'encore vaillant et déterminé, il commet quelques bévues, qui nuisent à sa mission. Il est quand même suffisamment malin pour passer la douane entre les Etats-Unis et le Canada et pour se faire accepter partout où il va sonner.

   L'un des intérêts de l'intrigue réside dans les rencontres que fait le héros. Les scènes tournées avec les jeunes enfants (le garçon dans le train, la fille à l'hôpital) sont assez touchantes. Mais on attend surtout la rencontre avec les quatre cibles potentielles. Qui est l'ancien SS d'Auschwitz ? Le père du policier raciste ? L'ancien militaire ? Le papy gâteau ? Le malade en phase terminale, cloué sur son lit ? Aucune des rencontres ne se déroule comme prévu. Le scénario est vraiment bien conçu (on découvre le passé par morceaux, comme dans un puzzle), ménageant des surprises, jusqu'à l'avant-dernière séquence, qui a tellement choqué certains critiques, mais qui est cohérente avec le reste de l'histoire.

   Au niveau de l'ambiance, on oscille entre l'humour, l'émotion et la tension. Atom Egoyan (le réalisateur) et Christopher Plummer (Zev) nous font ressentir ce que vit le héros, que la moindre contrariété dans le déroulement de sa vie quotidienne peut plonger dans un abyme de perplexité. L'angoisse du survivant de la guerre nous est transmise à travers certains éléments (pas toujours judicieusement choisis) : le pommeau d'une douche (...), la sirène d'alarme d'une carrière, les aboiements d'un berger allemand... Beaucoup de choses passent par les images. Il faut quand même rester vigilant, Egoyan étant passé maître dans les faux semblants. (Rappelez-vous Captives.)

   Cela donne un "thriller du troisième âge", très tendu et remarquablement interprété.

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dimanche, 03 avril 2016

La Passion d'Augustine

   Les religieuses sont à l'honneur sur le grand écran, ces temps derniers. A ceux qui ne l'auraient pas encore vue, on peut conseiller de se précipiter à une projection des Innocentes, une excellente coproduction franco-polonaise. Ici, il s'agit d'une histoire québécoise, dont l'action se situe dans les années 1960, après le concile Vatican II. Les héroïnes sont les religieuses et les adolescentes d'un couvent réputé pour sa formation musicale, une orientation choisie jadis par la nouvelle mère, soeur Augustine, incarnée avec talent par Céline Bonnier.

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   La caméra s'attarde donc sur ces enseignantes et travailleuses du couvent, aux personnalités affirmées. Il y a bien sûr Augustine, dont la passion mêlée de rigorisme pour la musique masque un passé trouble. Il y a soeur Lise, plus pète-sec et traditionaliste... et donc l'objet des moqueries des élèves les plus rebelles. Il y aussi une soeur syndicaliste (la meilleure amie d'Augustine), une autre un peu farfelue (particulièrement bonne dans la scène de jeu de ballon et celle du cirage du parquet !), une autre cuisinière perfectible etc. Cela compose un tableau assez pittoresque de femmes finalement assez modernes pour leur époque... au contraire de la nouvelle mère supérieure de l'ordre auquel elles appartiennent.

   Cela nous mène aux menaces qui pèsent sur le couvent. Les plus sérieuses viennent apparemment du gouvernement laïc, prêt à investir dans l'enseignement public et donc désireux de récupérer certains élèves... notamment les jeunes filles. Mais, au cours de l'histoire, on découvre qu'il y a matière à négociations... La direction de l'ordre du Sacré-Coeur ne semble pas aussi flexible. Le couvent dirigé par Augustine est un peu trop hors-normes et l'héroïne est elle-même perçue comme un électron libre, que l'on veut soumettre. Les difficultés financières de l'ordre vont être le prétexte à une reprise en mains.

   Le salut pourrait venir des parents d'élèves, certains très fortunés (et influents). Le couvent mêle toutefois des publics divers, certaines filles étant d'origine modeste, souvent issues de familles nombreuses et croyantes, sur lesquelles pèse une juridiction inflexible, l'avortement étant considéré comme un crime. (Ce fut le cas jusqu'en 1988.)

   L'intrigue met ainsi au premier plan tour à tour les religieuses et les adolescentes, elles aussi très bien interprétées. On a beaucoup parlé de Lysandre Ménard, pianiste exceptionnelle que l'on voit à l'oeuvre, comme ses camarades, sans aucun trucage. C'est la force de ce film que d'insérer dans l'histoire des morceaux de musique classique, dont les airs sont connus du grand public, même s'il ne sait pas toujours mettre un nom ou un titre sur chaque morceau.

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   Et puis il y a les affres de l'adolescence. Ces jeunes femmes ont entre 15 et 18 ans. Elles sentent que leur corps change. Elles sont attirées par les garçons, qu'elles croisent à de rares occasions, notamment à la messe, où l'on voit officier un curé qui aurait pu figurer dans La Vie est un long fleuve tranquille. L'arrivée d'Alice sert de détonateur : la rebelle talentueuse apporte une bouffée d'air frais dans l'internat-caserne, contribuant à épanouir le vilain petit canard du groupe, une brune complexée qui bégaie. Cette dernière est jouée par une jeune actrice remarquable, souvent drôle ne serait-ce que par les expressions de son visage... et qui nous réserve une belle surprise (chantée) dans la dernière partie du film.

   Bref, j'ai été emballé par ce film qui ne rentre dans aucune case... et c'est très bien ainsi !

   P.S.

   Pour en savoir plus, on peut lire le dossier de presse mis en ligne par le distributeur KMBO.

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samedi, 02 avril 2016

Good Luck Algeria

   Voilà un titre anglais pour un film français traitant de "l'algéritude". En voyant la bande-annonce, j'ai immédiatement pensé à Rasta Rockett. Une fois dans la salle, d'autres similitudes me sont apparues, notamment avec Ma Petite Entreprise et Mémoires d'immigrés. Du coup, parfois, les "vieux" cinéphiles auront comme une impression de déjà-vu. L'assemblage des styles et des thématiques n'en demeure pas moins original, d'autant plus que le scénario s'appuie sur une histoire vraie, celle du frère du réalisateur Farid Bentoumi.

   C'est d'abord l'histoire d'une PME qui se retrouve au bord de la faillite. Notons que la vie des employés au quotidien est très bien mise en scène. On sent l'amour du travail bien fait (la fabrication de skis haut-de-gamme), dans une ambiance pas tout à fait familiale, mais où règne une grande proximité entre les différents membres de l'entreprise. Les passages par la banque ne manquent pas non plus de saveur, sans être caricaturaux. Les acteurs sont bons. Sami Bouajila (Sam) se détache, lui qu'on avait déjà apprécié il y a quelques années dans Hors-la-loi et Omar m'a tuer.

   C'est aussi une bonne comédie, surtout dans la première partie. Les débuts des deux acolytes (Sam et Stéphane, dont les skis portent le nom) dans la préparation des Jeux Olympiques d'hiver sont souvent cocasses. Il y a bien sûr la difficulté de l'entraînement. Il y a aussi, dans un premier temps, les efforts déployés pour masquer leur projet. Il y a encore la participation aux épreuves de coupe du monde et (enfin) la rencontre avec l'Algérie réelle (le pays d'origine du père du héros, pour lequel il va tenter de concourir). L'une des séquences balance quelques "piques" bienvenues sur la bureaucratie et la corruption du régime boutéflikien.

   Cela nous amène au "sous-texte" de l'intrigue : le fait d'être à cheval sur deux mondes, le français urbain et l'algérien rural. Pour le père (formidablement joué par un inconnu, Bouchakor Chakor Djaltia), c'est le pays des racines qui prime, même si la famille passe avant tout. Il a rallié son épouse française (Hélène Vincent, impeccable) à ses vues. Par contre, ses deux enfants, le garçon comme la fille, se sentent français et regardent les projets de leur père comme de dangereuses lubies. Un séjour "au pays" va débloquer pas mal de choses.

   Et la pratique du ski dans tout ça ? Elle fait l'objet de plusieurs scènes. Il faut reconnaître que voir de grands gaillards en costumes moulants glisser plus ou moins habilement sur de la neige n'est pas des plus passionnants. Mais, derrière, il y a l'enjeu de la qualification pour les Jeux et celui de la notoriété d'une entreprise au bord du gouffre. C'est une belle histoire, moins hilarante que celle de La Vache, mais plus ancrée dans la réalité.

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jeudi, 31 mars 2016

The Assassin

   Je pense que l'on peut aborder ce film de deux manières extrêmement différentes : soit, de crainte de n'y rien comprendre, on se renseigne un maximum avant la séance, et, durant celle-ci, l'on s'efforce de suivre attentivement les méandres de l'intrigue politique, soit on décide de ne pas chercher à tout comprendre et l'on se laisse porter par la mise en scène et l'interprétation.

   Il est vrai que cette histoire de rébellion n'est pas présentée de manière limpide. Il en est de même du versant sentimental, jusqu'à ce qu'une scène d'exposition un peu plan-plan ne vienne éclaircir la lanterne des spectateurs lambdas... au bout de trois quarts d'heure. S'ajoutent à cela une crise de couple, sur fond d'intrigues de cour... et diverses péripéties pas toujours compréhensibles. Comme, de surcroît, plusieurs personnages (féminins et masculins) se ressemblent physiquement, vous réalisez quel peut être le désarroi des spectateurs un peu mous du bulbe (ou tout simplement fatigués par une journée de boulot).

   Malgré ce refus de la simplicité de Hou Hsiao Hsien, il reste les images magnifiques, les plans brillamment construits, certains mouvements de caméras comme d'acteurs étant orchestrés avec brio, en particulier lors des affrontements au sabre et au poignard.

   Il faut souligner le talent de ces acteurs, sans doute formés au théâtre, en particulier Shu Qi, sorte de samouraï chinoise vouée à la solitude et à la mélancolie... mais combattante redoutable qui, malgré son tout petit couteau, met leur race à toute une floppée de mâles un peu trop fiers de leurs grands sabres dressés....

   Au-delà du plaisir que l'on éprouve à visionner cette oeuvre contemplative, il y a l'intérêt de pouvoir suivre plusieurs grilles de lecture. Au premier degré, ce n'est que la mise en images d'un drame historique. En réalité, c'est bien plus que cela. Je regrette quand même le rythme un peu trop lent.

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mercredi, 30 mars 2016

"Le Monde" coquinou

   Je fais partie des lecteurs du "quotidien de référence" qui apprécient modérément le supplément magazine du samedi. Celui-ci est essentiellement constitué de publicités tape-à-l'oeil pour des produits moches et chers. Sont intercalés des articles d'intérêt extrêmement variable. Parfois, ce sont des entretiens lèche-cul, parfois, ce sont des reportages originaux. Du coup, en général, je survole les pages en papier glacé, réservant mon attention au véritable contenu rédactionnel, celui imprimé sur les feuilles pourries qui tachent les doigts.

   Ce week-end, en mettant un peu d'ordre dans les vieux journaux avant de les apporter à la borne dédiée, je me suis replongé dans certains exemplaires, dont le magazine du samedi 12 mars 2016. Je suis retombé sur des photographies de mode d'un Japonais excentrique qui, dans la plupart de ses clichés, avait associé des objets anodins ou des poupées démembrées à des accessoires de mode. L'une des photographies faisait exception : on pouvait y voir un sac à main sans doute onéreux, que l'on pourrait qualifier de bien membré :

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dimanche, 27 mars 2016

Médecin de campagne

   Avec l'instituteur laïc, le facteur à vélo, le pompier volontaire et l'employé d'EDF, le médecin de campagne fait partie de la mythologie républicaine française. Thomas Lilti, auquel on doit notamment Hippocrate, rend hommage à cette espèce en voie de disparition, en s'appuyant sur l'excellent François Cluzet, épaulé par Marianne Denicourt et une brochette de seconds rôles plus vrais que nature.

   Le cinéaste, qui a une formation médicale, a visiblement tenu à ce que les scènes d'auscultation soient irréprochables sur le plan du réalisme. Je pense donc ne pas être le seul spectateur à avoir revécu par écran interposé des moments passés dans un cabinet (ou à domicile) comme patient ou en compagnie d'un-e proche.

   C'est filmé avec une empathie évidente, une bienveillance qui débouche sur des instants d'humour ou d'émotion, sans voyeurisme aucun. Par contraste, les scènes d'extérieur procurent parfois d'appréciables bouffées d'oxygène, avec ces vues de la campagne normando-francilienne.

   Le scénario est de plus riche des thématiques abordées. Il y a bien sûr la désertification rurale, avec la disparition progressive des services privés et publics de base. Les habitants de ce bout de France abandonnée sont très dignes, bien que pas trop photogéniques. On y est un peu plus gros que la moyenne, un peu moins riche, un peu moins diplômé... un peu plus vieux aussi.

   C'est donc aussi un portrait social d'une France d'en-bas, celle de petits Blancs ruraux qui cachent leurs problèmes et vivotent à côté du monde moderne qui brille de mille feux. Habilement, le film pose aussi la question de la place des femmes dans cet univers. Les mentalités sont encore très patriarcales... même chez les jeunes. Il n'est donc a priori pas facile pour une doctoresse de s'imposer, surtout quand celui qu'elle supplée est un modèle de dévouement à ses paroissiens patients. Marianne Denicourt est formidable dans le rôle de cette ancienne infirmière citadine, un peu abîmée par la vie (et la chirurgie esthétique...), qui tente de refaire sa vie dans ce coin de l'Hexagone où l'animation du siècle est une soirée country, un peu à l'image de celle que l'on a pu voir dans Les Cowboys.

   Et puis il y a ce médecin exemplaire, nouvelle incarnation du cordonnier mal chaussé, puisqu'il découvre qu'il est atteint d'une tumeur cérébrale. Evidemment, il va vouloir le cacher à son entourage. Evidemment, il va être aidé un peu malgré lui. Evidemment, la relation au départ tendue avec sa remplaçante va progressivement s'adoucir. Mais cela ne va pas se faire sans mal.

   Entre ces deux points, on aura suivi les missionnaires médicaux dans leurs aventures quotidiennes et d'autres, plus exceptionnelles. Cela donne un "beau" film, plein d'humanité. Si l'humour domine dans la première partie, l'émotion l'emporte dans la seconde. Certains trouveront peut-être cela "cucul-la-praline", mais, moi, j'ai marché.

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vendredi, 25 mars 2016

Je ne suis pas un salaud

   Emmanuel Finkiel est un réalisateur un peu à la marge du monde du cinéma. Il ne cherche pas à tourner à tout prix et aborde des sujets d'une grande diversité. Je l'avais découvert en 1999 avec l'étonnant Voyages. Dans Je ne suis pas un salaud, il se place dans la continuité du "film français soci(ét)al", qui a repris de la vigueur l'an dernier, avec des oeuvres comme La Loi du marché, Jamais de la vie ou encore Fatima. En remontant un peu plus dans le temps, on tomberait sur Le Couperet (de Costa-Gavras), De bon matin (avec Jean-Pierre Darroussin) ainsi que certains des films de Laurent Cantet, Ressources humaines et L'Emploi du temps.

   C'est dire qu'il n'est pas facile d'innover dans ce genre. Finkiel y parvient, d'abord parce qu'il a un sujet, inspiré d'une histoire vraie (qu'il a retouchée dans un sens que je me garderai de révéler). L'intrigue est servie par une brochette d'acteurs au poil, les seconds comme les premiers rôles. On ne peut pas ne pas souligner la performance des deux principaux interprètes, Mélanie Thierry et Nicolas Duvauchelle. Ils se sont glissés avec une facilité déconcertante dans la peau de deux "petits Blancs", que nombre de spectateurs ont déjà dû croiser dans la vraie vie.

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   Eddie est un trentenaire au chômage. Il voudrait travailler dans la vente mais, franchement, il n'a pas trop le sens du contact. De plus, en dépit d'un physique plutôt avenant (sur lequel il a dû beaucoup se reposer dans sa jeunesse), il présente plutôt mal... et, au moins à une reprise, on sent que les nombreux tatouages qu'il porte le desservent dans sa quête d'emploi valorisant. Ajoutez à cela un penchant assez prononcé pour l'alcool et, vu de l'extérieur, pas grand monde ne s'étonnera de sa situation précaire. Pourtant, lui voit les choses d'une tout autre manière. Il se sent victime d'injustices.

   Il a quand même conscience d'avoir un peu "merdé" avec son épouse, qui s'est séparée de lui. Karine est une mère célibataire comme on en rencontre au détour d'une grande surface. Elle exerce un métier  qui n'a pas nécessité de longues études, mais elle est sérieuse, motivée, agréable avec la clientèle. Elle a de l'avenir dans sa boîte... et même plus qu'elle ne l'imagine, puisque son patron éprouve sans doute plus que de l'estime pour elle.

   L'agression dont est victime Eddie va changer sa vie. C'est d'abord une soirée qui se termine mal, avec la "rencontre" d'une bande de délinquants issus d'une cité voisine. Au réveil, à l'hôpital, le "héros" constate qu'on le traite avec douceur et respect, chose qui ne lui arrivait plus dans la vie quotidienne. Il va considérer cette agression comme sa bouée de secours, un tremplin pour récupérer son épouse, un travail régulier et peut-être des dommages et intérêts. Mais, pour cela, encore faudrait-il que ses agresseurs soient retrouvés et condamnés.

   L'intrigue bascule en même temps que la vie d'un autre jeune homme est chamboulée. Ahmed est sur le point de se mettre en ménage avec sa charmante copine. Bien qu'issu d'un quartier difficile, il a réussi sur le plan professionnel et décroché un CDI. Il est même montré en exemple à d'autres... et c'est lui qu'Eddie désigne comme étant l'un de ses principaux agresseurs.

   Nous voici donc partis pour plus d'une heure de tension. On a mal pour ces personnages qui gâchent parfois bêtement leur vie... et l'on se demande comment tout cela va se terminer. Notons que la musique se marie parfaitement aux images. Elle est l'oeuvre d'une artiste que je ne connaissais pas : Chloé.

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mercredi, 23 mars 2016

Seul contre tous

   Le "rêve américain" est au coeur de cette histoire vraie, celle d'un médecin nigérian émigré aux Etats-Unis, amoureux de sa seconde patrie, d'une indécrottable conscience professionnelle, et dont le travail va contribuer à dévoiler certains aspects peu reluisants du sport-spectacle d'outre-Atlantique.

   Le scénario entremêle habilement les intrigues. On suit avec plaisir ce médecin africain tiré à quatre épingles, qui parle aux cadavres qu'il autopsie (comme Ducky dans NCIS) et écoute de la musique noire grand public pendant qu'il charcute méticuleusement ses "clients". Du côté de sa vie privée, on sent que c'est le calme plat... jusqu'à ce qu'une ravissante immigrée kényane ne surgisse à la sortie d'une église.

   Mais le coeur de l'histoire est constitué par sa découverte progressive des ravages provoqués par la pratique intensive du football américain. On les voit d'ailleurs dès le début, à travers le personnage de l'ancienne gloire des stades Mike Webster, un géant au crâne et aux doigts déformés, prématurément vieilli. Dans le rôle, David Morse est sensationnel. On peut en dire autant des acteurs qui incarnent les autres éclopés de la vie que sont les anciens joueurs vedettes. Quant à Will Smith, il assure, étonnamment sobre.

   Commence alors une lutte du pot de terre contre le pot de fer. C'est l'occasion pour le héros de vérifier quels sont ses vrais amis. On prend aussi conscience du pouvoir économique de la Ligue de football américain. Le film invite les spectateurs à se demander qui est authentiquement américain : les défenseurs de ce sport identitaire (et, n'ayons pas peur de le dire, sans intérêt) ou l'étranger insensible à la beauté du spectacle qui dénonce le non-respect des valeurs fondamentales.

   C'est globalement assez prenant. Mais la réalisation est d'un classicisme limite ennuyeux. Toutefois, par instants, une scène tranche par son intensité dramatique (avec les anciens joueurs) ou, plus rarement,  par son inventivité formelle (pour démontrer les effets des chocs subis pendant les matchs).

 

ATTENTION : LA SUITE DEVOILE LA FIN DE L'HISTOIRE

 

   Si le docteur Omalu finit par faire reconnaître la validité de son diagnostic, le milieu sportif échappe à la remise en cause qui pourtant semblait s'imposer. Ainsi, Seul contre tous ne suit pas la trame convenue du combat douloureux qui s'achève par le triomphe du héros. Le football américain reste un sport ultra-violent, qui détruit à long terme la santé de ceux qui le pratiquent à haute dose.

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samedi, 19 mars 2016

10 Cloverfield Lane

   C'est à cette adresse que va se dérouler une grande partie de l'histoire qui nous est contée. C'est à la fois un huis-clos, un thriller et (peut-être) une oeuvre de science-fiction. Le mystère plane longtemps sur la réalité d'une attaque nucléaire ou d'une invasion extra-terrestre. On se demande aussi à quel point l'ancien militaire (incarné à la perfection par John Goodman) est givré, altruiste ou dangereux. C'est le grand talent de ce film que de ne pas se limiter à un genre cinématographique, laissant les spectateurs dans l'expectative.

   C'est d'abord un film de dialogues (parfois drôles), même si, à plusieurs reprises, ceux-ci sont absents de moments clés de l'intrigue. C'est donc un film d'acteurs, qui repose principalement sur les performances de John Goodman et de Mary Elizabeth Winstead, une illustre inconnue allez-vous me dire... sauf si vous avez vu Die Hard 4, dans lequel elle joue la fille rebelle de cette tête de lard de John McLane.

   Son personnage connaît d'ailleurs une évolution intéressante. Au départ, on nous présente Michelle comme une jeune femme fragile puis une victime. Petit à petit, elle va prendre de l'assurance, ses talents de styliste-couturière se révélant fort utiles à l'occasion. La dernière partie de l'histoire la voit passer un stade supplémentaire, que je me garderai de révéler.

   Le huis-clos, au fond du bunker, est parfaitement maîtrisé. Chapeau aux décorateurs ! La musique (parfois un peu trop présente) souligne les moments de tension, voire les suggère, se superposant aux dialogues. Le montage associe habilement les épisodes violents aux périodes de calme relatif, au cours desquelles il se passe pourtant tellement de choses...

   Mine de rien, on est pris par cette intrigue inhabituelle et, de temps à autre, on sursaute un peu. C'est un bon film de genre, pas trop long, idéal pour se changer les idées.

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jeudi, 17 mars 2016

Triple 9

   Prenez un scénario retors. Ajoutez de très bons acteurs-vedettes, suppléés par des seconds rôles chevronnés. Lardez de rebondissements. Aspergez d'un peu de sang. Assaisonnez d'une musique oppressante. Mélangez le tout. Secouez bien fort... et vous obtenez un excellent divertissement de soirée (pour adultes).

   Kate Winslet est presque méconnaissable en marraine du milieu russo-israélien, tout comme Chiwetel Ejiofor (qui a pris un petit coup de vieux depuis 12 Years a Slave). Casey Affleck fait oublier certaines prestations médiocres (comme dans le récent The Finest Hours)... même si j'ai souvent eu l'envie de lui claquer le beignet tant son personnage m'énervait à force de mâcher du chewing-gum. Quant à Woody Harrelson... il fait du Woody Harrelson... et il le fait bigrement bien.

   Côté action, on est servi. Cela commence par un hold-up dont on apprécie le caractère millimétré, avant qu'un petit détail ne vienne enrayer une machine au départ parfaitement huilée. C'est une mise en abyme, puisque l'intrigue est à l'image de cette péripétie : des individus opiniâtres et très bien organisés croient pouvoir tromper leur petit monde et arriver à leurs fins... Presque tous vont se faire rattraper par le destin.

    En attendant ces moments salvateurs, on suit avec intensité la police d'Atlanta de Los Angeles batailler contre les gangs, dans ce qui ressemble à une véritable guerre urbaine. J'ai été particulièrement marqué par l'intervention des flics dans un quartier interlope, où ils ne savent pas qu'un traquenard a été tendu à l'un d'entre eux. C'est de surcroît excellemment bien filmé.

   Et comme le scénario est hyper malin, j'ai été emballé. C'est l'une des bonnes surprises de cette fin d'hiver, comme l'ont été naguère Sicario et Equalizer.

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mercredi, 16 mars 2016

Saint Amour

   On m'avait déconseillé cette nouvelle oeuvre du duo Delépine-Kervern... eh ben j'y suis zallé quand même ! J'ai gardé de bons souvenirs de Louise Michel, Mammuth et Le Grand Soir, même si ces films ne sont pas sans imperfection. On est un peu dans la même problématique ici, sauf qu'à la revendication sociale a succédé la recherche du bonheur, à travers la dégustation de pinard... et la baise.

   L'action démarre au Salon de l'agriculture, où l'on a sans doute tourné en prise directe, sans même avertir les visiteurs. Cette séquence inaugurale permet à ceux qui en doutaient d'être convaincus que Benoît Poelvoorde est l'un des plus grands acteurs de sa génération. Ici, il incarne un vieux garçon, fils unique d'un agriculteur veuf inconsolable (plus ou moins bien joué par Depardieu) et amateur de liquides fermentés. Les allées du Salon deviennent le théâtre d'une cuite mémorable, d'où le personnage de Bruno ne sort pas grandi. Mais Poelvoorde est aussi bon dans le pathétique que dans la gouaille. On sent que, par son engagement, il force un Depardieu un peu stoïque à rentrer dans le jeu.

   La suite est un pèlerinage oenologique à travers la France, en compagnie d'un chauffeur auto-entrepreneur limite tête-à-claques, très bien interprété par Vincent Lacoste. En chemin, l'improbable trio va faire d'étonnantes rencontres. Cela commence par une nuit chez l'habitant, que je ne peux pas raconter intégralement ici. Sachez que les héros sont reçus par le propriétaire, joué par un Michel Houellebecq plus dépressif que jamais... et un brin inquiétant ! C'est révélateur du style des réalisateurs : les saynètes sont construites de manière à nous emmener dans une direction, avant qu'une chute inattendue n'en change le sens.

   Cela se vérifie dans la séquence de la serveuse (pas la plus réussie toutefois) mais surtout celle de l'agence immobilière (avec Ovidie), qui commence de manière pitoyable pour Bruno/Poelvoorde, avant qu'elle ne prenne un tour invraisemblable... l'explication finale étant assez tordante.

   Les moments les plus poétiques sont peut-être ceux qui mettent en scène Depardieu et une veuve pas farouche (Andréa Ferréol épatante), qu'il rencontre à l'occasion d'un petit-déjeuner volé. Même le personnage du jeune chauffeur nous réserve quelques surprises, bien servi par un scénario qui sort des sentiers battus. L'apothéose est atteinte chez une étrange cavalière, qui se prend d'affection pour le trio de pieds-nickelés.

   Par contre, je regrette la mièvrerie de la fin. Il me semble avoir lu quelque part que les auteurs ont dû changer la conclusion de leur histoire (qui s'achevait au départ sur un suicide). Ils ont visiblement peiné à la réécrire. Mais l'ensemble mérite incontestablement le détour.

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samedi, 12 mars 2016

Les Innocentes

   Anne Fontaine est une réalisatrice au style particulier. Je l'avais découverte dans les années 1990, avec l'étonnant Augustin (sur un jeune homme quasi autiste). Dix ans plus tard, j'avais pu constater que son talent s'était affiné avec Entre ses mains (avec Isabelle Carré et Benoît Poelvoorde). Dans Les Innocentes, elle s'attaque à un sujet délicat (et méconnu) : le viol de religieuses polonaises par les soldats de l'Armée rouge, à la fin de la Seconde guerre mondiale... et les conséquences.

   Cette coproduction franco-polonaise repose sur d'excellentes actrices (surtout polonaises). Celles qui incarnent les nonnes, enceintes ou pas, sont vraiment criantes de vérité. Elles font croire à leur personnage et elles nous font toucher du doigt le dilemme de ces jeunes femmes, vouées pour la plupart à la virginité et qui, non seulement ont perdu celle-ci, mais se retrouvent mères. Impressionnantes sont les scènes d'accouchement, dans lesquelles s'illustre aussi Lou de Laâge, la soignante française athée et sans doute communiste qui va se prendre d'affection pour ces incarnations d'une société conservatrice.

   Par contre, j'ai été moins convaincu par la prestation de Vincent Macaigne, pas totalement crédible en médecin juif revenu de tout. Ce personnage a au moins le mérite d'introduire un peu de rugosité dans une intrigue qui serait sinon un peu trop prévisible. On n'a pas cherché à en faire une victime, alors qu'il a perdu presque toute sa famille dans le génocide, et l'on découvre peu à peu que derrière le mec cynique se cache un homme sensible, capable d'altruisme.

   Les moments les plus forts n'en restent pas moins ceux tournés dans le couvent, un lieu éminemment cinématographique, dont la réalisatrice a su tirer pleinement parti. Dans la réalité, l'Eglise polonaise n'ayant pas autorisé le tournage dans un véritable couvent, c'est un monastère désaffecté qui a servi de cadre à cette histoire. (Les bénédictines polonaises ont d'ailleurs mal accueilli la sortie du film.) Par la rigueur de son cadrage et l'intensité qui se dégage de certaines scènes, Les Innocentes n'est pas sans rappeler Ida, l'un des éblouissements de l'année 2014 (et Oscar mérité du meilleur film étranger en 2015).

   Le résultat est une oeuvre poignante, faite d'amour et de rage, dans laquelle l'aspect documentaire finit par passer au second plan. On est captivé par cette aventure de femmes, jeunes et moins jeunes, polonaises et françaises.

   P.S.

   Les Polonaises ne sont pas les seules à avoir subi des viols massifs à cette époque. Les Allemandes en ont été tout autant victimes (par les soldats de l'Armée rouge). Sur le front Ouest, les GI n'ont pas été irréprochables non plus, même si, de ce côté, les crimes n'ont pas eu un aspect aussi systématique que dans les territoires "libérés" par les troupes soviétiques.

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vendredi, 11 mars 2016

Les Premiers, les Derniers

   Je me suis décidé à voir le film de Bouli Lanners, un réalisateur qui ne m'emballe pas particulièrement (je le préfère en acteur), notamment en raison de la présence d'Albert Dupontel au générique. Il est indéniablement l'une des attractions de cette fiction décalée, tournée dans le plat pays de la région Centre.

   Fort heureusement, d'autres très bons comédiens viennent compléter la distribution. Serge Riaboukine et Lionel Abelanski incarnent avec fougue les petits chefs d'une sorte de tribu rurale, tandis que Max von Sydow et Michael Lonsdale donnent une saveur particulière à l'activité de croque-mort et au logement chez l'habitant.

   Je signale aussi la qualité des personnages féminins, deux en particulier, incarnés par Suzanne Clément et surtout Aurore Broutin, excellente en jeune femme fragile, un peu attardée.

   L'intrigue est celle d'un polar. C'est évidemment un prétexte à péripéties plus ou moins improbables, du vol d'un téléphone portable haut-de-gamme à la découverte d'un cadavre momifié, en passant par la description de la solitude des temps modernes. Le scénario rend hommage à des "gens de peu", SDF, femmes de ménage, artisans, alors que nombre de films mettent en exergue des bourgeois bien installés, dont les affres existentielles sont censées nous faire vibrer au tréfonds de notre âme. C'est l'une des manières de comprendre le titre, inspiré de la fin du chapitre 19 de l'Evangile de Matthieu. On n'est donc pas très surpris de voir débarquer un dénommé Jésus (Philippe Rebbot), un Messie pas trop dans le moule : s'il possède bien des stigmates, il n'hésite pas à se servir d'un pistolet !

   Cela donne une oeuvre très personnelle, vraiment belle sur le plan formel, un peu triste au fond.

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jeudi, 03 mars 2016

Georges Rouquier sur France Inter

   Aujourd'hui, sur la radio publique, l'émission La Marche de l'histoire a rendu hommage au cinéaste héraulto-aveyronnais, notamment à travers ses oeuvres les plus connues, Farrebique et Biquefarre. Rouquier fut peut-être l'inventeur du documentaire-fiction, un genre qui ne connut pas le succès immédiat, mais qui était appelé à un grand avenir.

   L'émission a le mérite de revenir sur la vie d'un homme intègre, habité par son art, mais qui n'avait pas oublié ses racines paysannes. Rappelons que le mythique Farrebique fut tourné sur plus d'un an chez les cousins aveyronnais du réalisateur. D'abord exclu de la sélection du premier festival de cinéma de Cannes, en 1946, il a été projeté hors compétition et, devant la qualité de l'oeuvre, récompensé d'un prix créé pour l'occasion.

   L'animateur Jean Lebrun n'est pas qu'historien. Journaliste, il a jadis couvert la sortie du deuxième opus, Biquefarre. Il apporte son témoignage dans la suite de l'émission qu'il présente. Il semble toutefois hésiter quant à la prononciation du nom de la commune où se trouve la ferme (Goutrens) : on entend tantôt "Goutrince", tantôt "Goutrence". (C'est évidemment la première qu'il faut choisir.)

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   Son invité est l'universitaire Dominique Auzel auteur d'un chouette livre sur le cinéaste, publié aux éditions du Rouergue :

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   Ceux qui se sont déjà intéressés à la vie et à l'oeuvre de Georges Rouquier n'apprendront pas grand chose de l'émission. Pour les autres, elle sera peut-être l'occasion de découvrir des films remarquables. Les anecdotes  (aussi bien celles de Lebrun que celles d'Auzel) donnent de la couleur aux propos. J'en profite pour rectifier une erreur de Dominique Auziel : lors de la première projection de Farrebique à l'opéra de Paris, en 1947, le président du Conseil de l'époque était présent... et pour cause, puisqu'il s'agissait de Paul Ramadier (et non pas Georges), longtemps député de l'Aveyron et maire de Decazeville.

   P.S.

   Sur la commune de Goutrens a été construit un musée qui permet de mieux connaître l'oeuvre du cinéaste.

dimanche, 28 février 2016

Le Garçon et la bête

   Trois ans et demi après Les Enfants Loups, Mamoru Hosoda revient avec un film d'animation qui puise dans la tradition japonaise. Ainsi, le garçon en question (que l'on voit grandir au cours de l'histoire) va devenir l'apprenti d'un ours-samouraï. Dans les scènes de combat, on perçoit nettement l'influence de l'univers du sumo et, lorsqu'un personnage quasi divin apparaît, c'est le fond bouddho-shintoïste des croyances qui est mis à contribution. L'histoire est aussi connectée au monde actuel, à travers un quartier du Tokyo d'aujourd'hui, celui dans lequel a d'abord vécu Ren (bientôt renommé Kyuta).

   De prime abord, on serait tenté de penser que la bipartition de l'intrigue suit un schéma binaire : monde réel / monde fictif, monde civilisé / monde sauvage ou monde de la raison / monde de l'imagination. C'est beaucoup plus subtil que cela, en réalité. Le monde moderne, celui des humains, est parfois d'une grande dureté avec les individus : le garçon a perdu sa mère et sa famille le coupe de son père ; il est aussi question de harcèlement à l'école. Toutefois, c'est dans ce monde que l'adolescent va pouvoir se construire un avenir.

   Dans l'autre monde ne vivent que des animaux, tous bipèdes, qui ont renoncé à dégainer le sabre et s'efforcent de vaincre leurs mauvais penchants. Le pouvoir suprême, perçu comme bienveillant, est l'enjeu d'un combat lorsque le titulaire sent qu'il est temps qu'il laisse la place. Le futur maître du garçon, ours irascible et solitaire, ambitionne de remporter ce combat. Face à lui risque de se dresser un adversaire modèle, pondéré et apprécié, qui a lui fondé une famille. Il y a donc tout un contexte sociétal à cette partie de l'intrigue.

   Mais c'est d'abord une bonne comédie, où l'on retrouve le ton de certains mangas destinés à la jeunesse. On note la présence d'un petit animal domestique, une boule de poils qui s'attache à Ren/Kyuta et trouve refuge dans son abondante chevelure ! Mais la principale source de gags est la cohabitation du jeune apprenti humain et du maître grincheux. Dans la version française, les dialogues ne sont pas "politiquement corrects". Les deux personnages jurent copieusement et même s'insultent... pour le plus grand plaisir des enfants présents dans la salle.

   Evidemment, une relation forte va se nouer entre le maître et l'élève. Le premier se lasse peut-être de sa vie de marginal, alors que le second est en quête d'une figure paternelle. L'intrigue est de ce point de vue assez originale, puisqu'elle dépasse le traditionnel rapport maître/élève : le second va aussi apprendre beaucoup au premier, signe que les adultes devraient de temps en temps écouter un peu ce que les jeunes ont à leur dire.

   La dernière demi-heure voit l'histoire basculer dans un fantastique plus convenu, très réussi sur le plan visuel (avec l'intervention d'une baleine !). On sent que l'auteur s'est évertué à concilier la violence (plus présente dans cette partie) et des aspects plus rassurants pour le jeune public.

   Cela donne une oeuvre originale, visible par les grands et les (pas trop) petits.

15:14 Publié dans Cinéma, Japon | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films