Hope

   L'espoir d'un avenir meilleur, ou d'un nouveau départ, peut-il surgir dans une petite ville portuaire, située dans le nord de la Corée du Sud, à proximité de l'ennemi intime nord-coréen ? Il faut plus de 2h30 à Na Hong-jin pour (tenter de) répondre à cette question, à l'issue d'un film spectaculaire, (parfois) ébouriffant, pétaradant, débordant, dégoulinant... gluant même.

   La petite ville de province est peuplée de retraités, de paysans, de pêcheurs, ainsi que de quelques petits artisans et commerçants. Ces habitants à revenus modestes vivent le plus souvent dans de petites maisons fragiles, à l'image de leurs existences. Le surgissement d'une créature va modifier leur quotidien à jamais.

   Au départ, tout le monde se demande ce qui a pu infliger d'aussi sévères blessures à un bœuf bien bâti. Est-ce un ours, un tigre de Sibérie... les membres d'un Black Block ? (Au niveau de la sauvagerie, c'est équivalent.) Le réalisateur (auquel on doit, entre autres, The Chaser et The Strangers) nous fait patienter près d'une heure avant de nous dévoiler "le monstre". Auparavant, il est hors champ. On l'entend, on voit les dégâts qu'il cause et la terreur qu'il inspire. C'est très habile, appuyé par un son travaillé et de bons décors.

   En revanche, comme souvent chez ce réalisateur, les acteurs sont incités à en faire des tonnes. Ainsi, le policier cowboy, impitoyable avec les chasseurs du coin, chie dans son froc dès qu'un danger sérieux semble se profiler. (Il va toutefois s'améliorer durant le film.) Le voilà qui plante sa voiture de fonction dans une rue vide et qui laisse tomber les trois quarts de ses cartouches, alors qu'aucun danger immédiat n'est en vue... Au niveau du principal personnage féminin (sa collègue policière), ce n'est guère mieux. La meuf débarque sur la scène de carnage avec un véhicule rempli d'armes de guerre (dont on se demande où elle a pu les trouver). Elle se révèle plus tenace que son supérieur hiérarchique... et elle a le temps de recharger cinq ou six fois son super-fusil alors que le monstre est en train de foncer sur elle...

   Le manque de vraisemblance semble parfois volontaire. Certaines scènes sont à prendre au premier degré, d'autres au second... d'autres encore au douzième ou treizième degré. Je pense que le public sud-coréen a dû voir cela comme une parodie, mais, pour moi, elle est un peu lourde, surjouée. Même l'humour scato est surligné, avec l'histoire du papy de la forêt. (J'ai préféré les chiures de dinosaures dans La Fin d'Oak Street.)

   La partie horrifique n'est donc pas la plus intéressante du film, même si elle est servie par de bons effets spéciaux. On va suivre deux groupes de traqueurs, l'un en ville, l'autre en forêt. Évidemment, assez rapidement, on comprend que le chasseur peut devenir la proie... et vice versa. C'est encore pire si les traqueurs se mettent à faire des groupes de quatre, puis de deux, puis de un... On se croirait presque dans un sketch de Bigard.

   Les références à des classiques de l'horreur et de la science-fiction sont nombreuses... mais je relève toutefois la volonté de tenter d'offrir une histoire un tant soit peu originale. Cela finit par arriver, parce que, dans la troisième partie, on va découvrir le point de vue des "monstres". Du coup, le film acquiert une épaisseur supplémentaire... et la fin nous incite à croire qu'un deuxième volet est en préparation.

 

 

   P.S.

 

ATTENTION

 

DIVULGÂCHAGES

 

   Je pense que les spectateurs d'Asie orientale perçoivent une couche d'interprétation supplémentaire, par rapport aux Occidentaux.

   En effet, l'ennemi monstrueux, tel qu'il est perçu du côté sud-coréen, est une métaphore de la Corée du Nord, dont le naufrage économique est matérialisé en toute fin de film. Humains comme "monstres" ont des sentiments et sont capables d'une très grande violence, chacun avec ses armes.

   On verra ce que donnera le deuxième volet, mais je suis prêt à parier qu'il va prôner la réconciliation.

Hope

   L'espoir d'un avenir meilleur, ou d'un nouveau départ, peut-il surgir dans une petite ville portuaire, située dans le nord de la Corée du Sud, à proximité de l'ennemi intime nord-coréen ? Il faut plus de 2h30 à Na Hong-jin pour (tenter de) répondre à cette question, à l'issue d'un film spectaculaire, (parfois) ébouriffant, pétaradant, débordant, dégoulinant... gluant même.

   La petite ville de province est peuplée de retraités, de paysans, de pêcheurs, ainsi que de quelques petits artisans et commerçants. Ces habitants à revenus modestes vivent le plus souvent dans de petites maisons fragiles, à l'image de leurs existences. Le surgissement d'une créature va modifier leur quotidien à jamais.

   Au départ, tout le monde se demande ce qui a pu infliger d'aussi sévères blessures à un bœuf bien bâti. Est-ce un ours, un tigre de Sibérie... les membres d'un Black Block ? (Au niveau de la sauvagerie, c'est équivalent.) Le réalisateur (auquel on doit, entre autres, The Chaser et The Strangers) nous fait patienter près d'une heure avant de nous dévoiler "le monstre". Auparavant, il est hors champ. On l'entend, on voit les dégâts qu'il cause et la terreur qu'il inspire. C'est très habile, appuyé par un son travaillé et de bons décors.

   En revanche, comme souvent chez ce réalisateur, les acteurs sont incités à en faire des tonnes. Ainsi, le policier cowboy, impitoyable avec les chasseurs du coin, chie dans son froc dès qu'un danger sérieux semble se profiler. (Il va toutefois s'améliorer durant le film.) Le voilà qui plante sa voiture de fonction dans une rue vide et qui laisse tomber les trois quarts de ses cartouches, alors qu'aucun danger immédiat n'est en vue... Au niveau du principal personnage féminin (sa collègue policière), ce n'est guère mieux. La meuf débarque sur la scène de carnage avec un véhicule rempli d'armes de guerre (dont on se demande où elle a pu les trouver). Elle se révèle plus tenace que son supérieur hiérarchique... et elle a le temps de recharger cinq ou six fois son super-fusil alors que le monstre est en train de foncer sur elle...

   Le manque de vraisemblance semble parfois volontaire. Certaines scènes sont à prendre au premier degré, d'autres au second... d'autres encore au douzième ou treizième degré. Je pense que le public sud-coréen a dû voir cela comme une parodie, mais, pour moi, elle est un peu lourde, surjouée. Même l'humour scato est surligné, avec l'histoire du papy de la forêt. (J'ai préféré les chiures de dinosaures dans La Fin d'Oak Street.)

   La partie horrifique n'est donc pas la plus intéressante du film, même si elle est servie par de bons effets spéciaux. On va suivre deux groupes de traqueurs, l'un en ville, l'autre en forêt. Évidemment, assez rapidement, on comprend que le chasseur peut devenir la proie... et vice versa. C'est encore pire si les traqueurs se mettent à faire des groupes de quatre, puis de deux, puis de un... On se croirait presque dans un sketch de Bigard.

   Les références à des classiques de l'horreur et de la science-fiction sont nombreuses... mais je relève toutefois la volonté de tenter d'offrir une histoire un tant soit peu originale. Cela finit par arriver, parce que, dans la troisième partie, on va découvrir le point de vue des "monstres". Du coup, le film acquiert une épaisseur supplémentaire... et la fin nous incite à croire qu'un deuxième volet est en préparation.

 

 

   P.S.

 

ATTENTION

 

DIVULGÂCHAGES

 

   Je pense que les spectateurs d'Asie orientale perçoivent une couche d'interprétation supplémentaire, par rapport aux Occidentaux.

   En effet, l'ennemi monstrueux, tel qu'il est perçu du côté sud-coréen, est une métaphore de la Corée du Nord, dont le naufrage économique est matérialisé en toute fin de film. Humains comme "monstres" ont des sentiments et sont capables d'une très grande violence, chacun avec ses armes.

   On verra ce que donnera le deuxième volet, mais je suis prêt à parier qu'il va prôner la réconciliation.

Wild Horse Nine

   C'est l'un des intérêts de ce film inégal : la découverte des chevaux sauvages de l'Ile de Pâques, où se rendent deux agents de la CIA, en 1973, quelques semaines avant le coup d’État militaire.

   Ces deux agents forment un duo de collègues et d'amis, John Malkovich incarnant le vétéran, très malade, Sam Rockwell son dernier partenaire en date, très efficace... mais qui a, à son "tableau de chasse", huit fois moins de victimes que son aîné. L'âge aidant, la mort approchant, celui-ci se découvre des scrupules, voire des regrets.

   C'est l'aspect buddy movie (film de potes) qui m'a le plus plu. Même si Malkovich cabotine de temps à autre, son association avec Rockwell fonctionne bien. L'acteur septuagénaire (à écouter absolument en version originale) excelle à interpréter des dialogues nourris de sous-entendus... et d'humour. J'ai aussi aimé les moments où la chamaillerie cède la place à l'émotion, les deux comédiens étant dans la retenue. C'est particulièrement prenant à la toute fin.

   En revanche, je suis resté assez insensible aux aspects politico-historiques, traités avec désinvolture. Ainsi, la situation interne du Chili du début des années 1970 est présentée de manière particulièrement schématique. Cela se dégrade au cours du film, puisque, petit à petit, on découvre un lien entre l'un des personnages et... l'assassinat de John Fitzgerald Kennedy. Là, c'est limite du sous-Oliver Stone... sans parler d'une certaine apologie de la violence aveugle. De la part du réalisateur de 3 Billboards, de 7 Psychopathes et de Bons Baisers de Bruges, je m'attendais à mieux.

   Il reste tout de même de beaux paysages, des chevaux empathiques, de bons moments de comédie et l'histoire d'une amitié qui inclut les piqûres de morphine et le (dé)chargement d'un pistolet.

Wild Horse Nine

   C'est l'un des intérêts de ce film inégal : la découverte des chevaux sauvages de l'Ile de Pâques, où se rendent deux agents de la CIA, en 1973, quelques semaines avant le coup d’État militaire.

   Ces deux agents forment un duo de collègues et d'amis, John Malkovich incarnant le vétéran, très malade, Sam Rockwell son dernier partenaire en date, très efficace... mais qui a, à son "tableau de chasse", huit fois moins de victimes que son aîné. L'âge aidant, la mort approchant, celui-ci se découvre des scrupules, voire des regrets.

   C'est l'aspect buddy movie (film de potes) qui m'a le plus plu. Même si Malkovich cabotine de temps à autre, son association avec Rockwell fonctionne bien. L'acteur septuagénaire (à écouter absolument en version originale) excelle à interpréter des dialogues nourris de sous-entendus... et d'humour. J'ai aussi aimé les moments où la chamaillerie cède la place à l'émotion, les deux comédiens étant dans la retenue. C'est particulièrement prenant à la toute fin.

   En revanche, je suis resté assez insensible aux aspects politico-historiques, traités avec désinvolture. Ainsi, la situation interne du Chili du début des années 1970 est présentée de manière particulièrement schématique. Cela se dégrade au cours du film, puisque, petit à petit, on découvre un lien entre l'un des personnages et... l'assassinat de John Fitzgerald Kennedy. Là, c'est limite du sous-Oliver Stone... sans parler d'une certaine apologie de la violence aveugle. De la part du réalisateur de 3 Billboards, de 7 Psychopathes et de Bons Baisers de Bruges, je m'attendais à mieux.

   Il reste tout de même de beaux paysages, des chevaux empathiques, de bons moments de comédie et l'histoire d'une amitié qui inclut les piqûres de morphine et le (dé)chargement d'un pistolet.

Moulin

   Il y a onze ans, Lázló Nemes avait marqué les esprits avec Le Fils de Saul, un des grands films sur la Shoah. Il tente de récidiver aujourd'hui, non pas avec un biopic sur Jean Moulin (erreur commise par nombre de critiques), mais par un portrait de la Résistance française à travers principalement les dernières semaines de la vie de Jean Moulin, plus ou moins modifiées.

   Le cinéaste tente de répondre à la question : qu'est-ce qu'un héros de la Résistance ? Ce n'est que rarement quelqu'un qui se bat les armes à la main. C'est plutôt quelqu'un de discret, qui fait du renseignement, du sabotage, de la contre-propagande... et qui œuvre à préparer la Libération du pays. Un échantillon de ces actes engagés nous est donné au tout début, à travers des images d'époque. La suite, fictionnée, nous en propose plusieurs développements.

   Gilles Lellouche est étonnant de sobriété et d'intériorité. Il est certes un peu vieux pour le rôle et il ne ressemble pas beaucoup au Jean Moulin historique, mais il est parfaitement crédible dans le rôle.

   Nemes a veillé à émailler le portrait de "Rex" / "Max" / "Jacques Martel" / "Patron" de détails authentiques (et parfois méconnus), comme sa passion pour l'art, son talent de dessinateur, sa vie de célibataire (après un mariage décevant)...

   Les cinquante premières minutes montrent les résistants en action, dans une semi-clandestinité où se croisent des personnes de (presque) toutes origines et opinions. La mise en scène de Nemes évoque les films noirs d'avant et d'après-guerre, avec une excellente utilisation de la semi-obscurité.

   La seconde partie évoque l'arrestation et le début de la détention, avant que les nazis n'identifient formellement "Max". Ce n'est pas la plus convaincante... d'autant plus, qu'en réalité, Moulin a sans doute été sévèrement malmené dès le deuxième ou troisième jour de détention. 

   La troisième partie a suscité des réactions horrifiées... et pourtant, ce qu'on nous y montre des tortures subies par les résistants est (pour qui connaît un peu cette période) au-dessous de la réalité... et bien moins gore que ce qu'on peut voir dans n'importe quel film d'horreur digne de ce nom (par exemple le récent Clayface). J'ai beaucoup aimé cette partie, qui montre le nazisme dans (presque) toute son horreur, alors que, de nos jours, on emploie les termes "fascisme" et "nazisme" à propos de tout et n'importe quoi.

   Alors, oui, certaines scènes ont été inventées (comme la venue de la comtesse dans les locaux de la Gestapo, la tentative de suicide de Moulin ou la mort de sa secrétaire). Mais ces personnages féminins ont un fond de réalité. Ils sont inspirés de femmes qui ont côtoyé Moulin, comme Suzanne Olivier, agent de liaison, Laure Diebold, sa secrétaire, Antoinette Sachs et Colette Pons, qui ont aidé à rendre crédible sa couverture de marchand d'art.

   De surcroît, Nemes réussit sa fin, grâce notamment à un double portrait biographique habilement construit, les photographies illustrant le côté Moulin s'arrêtant en 1943, celles illustrant le côté Barbie se poursuivant jusqu'en 1991...

   En dépit de quelques petits défauts, c'est pour moi un grand film sur la Résistance.

Moulin

   Il y a onze ans, Lázló Nemes avait marqué les esprits avec Le Fils de Saul, un des grands films sur la Shoah. Il tente de récidiver aujourd'hui, non pas avec un biopic sur Jean Moulin (erreur commise par nombre de critiques), mais par un portrait de la Résistance française à travers principalement les dernières semaines de la vie de Jean Moulin, plus ou moins modifiées.

   Le cinéaste tente de répondre à la question : qu'est-ce qu'un héros de la Résistance ? Ce n'est que rarement quelqu'un qui se bat les armes à la main. C'est plutôt quelqu'un de discret, qui fait du renseignement, du sabotage, de la contre-propagande... et qui œuvre à préparer la Libération du pays. Un échantillon de ces actes engagés nous est donné au tout début, à travers des images d'époque. La suite, fictionnée, nous en propose plusieurs développements.

   Gilles Lellouche est étonnant de sobriété et d'intériorité. Il est certes un peu vieux pour le rôle et il ne ressemble pas beaucoup au Jean Moulin historique, mais il est parfaitement crédible dans le rôle.

   Nemes a veillé à émailler le portrait de "Rex" / "Max" / "Jacques Martel" / "Patron" de détails authentiques (et parfois méconnus), comme sa passion pour l'art, son talent de dessinateur, sa vie de célibataire (après un mariage décevant)...

   Les cinquante premières minutes montrent les résistants en action, dans une semi-clandestinité où se croisent des personnes de (presque) toutes origines et opinions. La mise en scène de Nemes évoque les films noirs d'avant et d'après-guerre, avec une excellente utilisation de la semi-obscurité.

   La seconde partie évoque l'arrestation et le début de la détention, avant que les nazis n'identifient formellement "Max". Ce n'est pas la plus convaincante... d'autant plus, qu'en réalité, Moulin a sans doute été sévèrement malmené dès le deuxième ou troisième jour de détention. 

   La troisième partie a suscité des réactions horrifiées... et pourtant, ce qu'on nous y montre des tortures subies par les résistants est (pour qui connaît un peu cette période) au-dessous de la réalité... et bien moins gore que ce qu'on peut voir dans n'importe quel film d'horreur digne de ce nom (par exemple le récent Clayface). J'ai beaucoup aimé cette partie, qui montre le nazisme dans (presque) toute son horreur, alors que, de nos jours, on emploie les termes "fascisme" et "nazisme" à propos de tout et n'importe quoi.

   Alors, oui, certaines scènes ont été inventées (comme la venue de la comtesse dans les locaux de la Gestapo, la tentative de suicide de Moulin ou la mort de sa secrétaire). Mais ces personnages féminins ont un fond de réalité. Ils sont inspirés de femmes qui ont côtoyé Moulin, comme Suzanne Olivier, agent de liaison, Laure Diebold, sa secrétaire, Antoinette Sachs et Colette Pons, qui ont aidé à rendre crédible sa couverture de marchand d'art.

   De surcroît, Nemes réussit sa fin, grâce notamment à un double portrait biographique habilement construit, les photographies illustrant le côté Moulin s'arrêtant en 1943, celles illustrant le côté Barbie se poursuivant jusqu'en 1991...

   En dépit de quelques petits défauts, c'est pour moi un grand film sur la Résistance.

Shaun le mouton - La Bêêête d'Halloween

   Apparu sur nos écran en 2015, le petit mouton noir de la campagne anglaise ne cesse de nous surprendre, avec ses aventures aussi acrobatiques que loufoques. L'an dernier, pour nous faire patienter, on nous avait livré un florilège de courts-métrages. Cette fois-ci, on nous propose un "long" (1h20 environ), qui baigne dans une atmosphère doucement macabre. Le tout début (attention à ne pas arriver en retard...) nous plonge dans un univers qui n'est pas sans rappeler celui de Tim Burton avec, en bonus, la parodie d'une danse figurant dans le clip vidéo de Thriller.

   La suite est du même tonneau, construite autour des maladresses aussi bien du fermier (un vieux célibataire, ex-rocker, qui en pince pour la véto) que des moutons (Shaun jouant les apprentis-sorciers, tel un docteur Frankenstein des temps modernes).

   Dans la salle, les plus jeunes rient aux gags visuels, aux bêtises des moutons, aux dégringolades, pendant que les adultes savourent les nombreuses références... et les "petits détails qui tuent", preuves de la minutie avec laquelle les plans ont été construits. C'est à un point que j'envisage d'y retourner pour revoir certaines scènes particulièrement cocasses. En gros, une scène = (au moins) un gag + un clin d’œil cinéphilique. (En revanche, les tout petits risquent d'être un peu perdus.)

   On sort de là de très bonne humeur, loin de l'ambiance délétère dans laquelle des militants agressifs tentent de plonger notre pays.

Shaun le mouton - La Bêêête d'Halloween

   Apparu sur nos écran en 2015, le petit mouton noir de la campagne anglaise ne cesse de nous surprendre, avec ses aventures aussi acrobatiques que loufoques. L'an dernier, pour nous faire patienter, on nous avait livré un florilège de courts-métrages. Cette fois-ci, on nous propose un "long" (1h20 environ), qui baigne dans une atmosphère doucement macabre. Le tout début (attention à ne pas arriver en retard...) nous plonge dans un univers qui n'est pas sans rappeler celui de Tim Burton avec, en bonus, la parodie d'une danse figurant dans le clip vidéo de Thriller.

   La suite est du même tonneau, construite autour des maladresses aussi bien du fermier (un vieux célibataire, ex-rocker, qui en pince pour la véto) que des moutons (Shaun jouant les apprentis-sorciers, tel un docteur Frankenstein des temps modernes).

   Dans la salle, les plus jeunes rient aux gags visuels, aux bêtises des moutons, aux dégringolades, pendant que les adultes savourent les nombreuses références... et les "petits détails qui tuent", preuves de la minutie avec laquelle les plans ont été construits. C'est à un point que j'envisage d'y retourner pour revoir certaines scènes particulièrement cocasses. En gros, une scène = (au moins) un gag + un clin d’œil cinéphilique. (En revanche, les tout petits risquent d'être un peu perdus.)

   On sort de là de très bonne humeur, loin de l'ambiance délétère dans laquelle des militants agressifs tentent de plonger notre pays.

Ni vue, ni connue

   Imaginez un monde dans lequel Isabelle Huppert ne serait pas devenue une comédienne iconique, mais serait restée au stade de figurante, sous le nom de Corinne Maclou... Cependant, formée au théâtre, elle aurait des prétentions artistiques, aspirant, dans un premier temps, aux seconds rôles, rêvant, en secret, d'occuper le haut de l'affiche.

   Marc Fitoussi (un des réalisateurs de Dix pour cent, auteur, jadis, de Pauline détective) s'est lancé dans cette périlleuse aventure et nous propose une variation satirique sur le Septième Art français, en s'attachant au parcours de différentes comédiennes.

   J'ai trouvé particulièrement intéressante la mise en scène de la hiérarchie à l’œuvre dans ce milieu qui se veut tellement progressiste. Au sommet se trouvent les "divas", les actrices reconnues, sollicitées par les scénaristes, les réalisateurs, les journalistes, les publicitaires, les fans... et certaines collègues. Sandrine Kiberlain joue en théorie son propre rôle, mais son personnage pourrait aussi être un décalque de Catherine Deneuve, à sa grande époque. Cette "starisation" est présentée avec ironie, la vedette étant souvent "perchée"... et son nom mal prononcé, en dépit de la reconnaissance dont elle bénéficie.

   Dans la dernière partie, l'intrigue jusque-là franco-française acquiert une profondeur supplémentaire, à l'occasion du tournage d'un film au Maroc. Les "sans grade" du cinéma hexagonal (qui bénéficient toutefois du généreux statut d'intermittent du spectacle) se rendent compte qu'il existe bien plus précaire qu'eux... certains figurants reproduisant même, à leur échelle, le mépris de classe dont ils sont l'objet en France. A l'autre bout de l'échelle, on comprend qu'une fonction est encore plus valorisante qu'actrice-vedette, celle de comédienne-réalisatrice, incarnée par Emmanuelle Bercot.

   Les dialogues sont bien écrits, nourris de réflexions assassines, de petites vacheries. Ce n'est pas aussi cinglant ni aussi rythmé que De la Comédie-Française, mais cela rend la vision du film très agréable. Contrairement à Darondeau-Usclat, Fitoussi choisit de prendre son temps, pour creuser ses personnages. Ainsi, Kiberlain n'est pas (que) la pétasse prétentieuse qu'on semble nous présenter au début. Elle a bon fond et, si elle pense toujours à servir ses intérêts en premier, elle n'oublie pas les copines. En position intermédiaire se trouve Anne Marivin, qui "taffe" grâce aux séries télévisées, mais n'a pas réussi la grande carrière cinématographique qui lui était promise. La comédienne est vraiment excellente dans le rôle.

   Et Isabelle Huppert dans tout ça ? Elle est très bien, même si je dois reconnaître qu'au début, j'ai eu du mal à accepter de la voir incarner la figurante. Derrière elle, je voyais sans cesse la grande actrice. Cela s'améliore par la suite, notamment par ce que ses partenaires de tournage la traitent comme du menu fretin, et qu'Huppert est rentrée dans le rôle de sous-fifre. Dans le même temps, Fitoussi insère des clins d’œil à sa carrière, aussi bien théâtrale que cinématographique, avec, par exemple, des allusions à Madame Bovary (de Chabrol) et La Syndicaliste.

   Ce n'est certes pas un grand film, mais un plaisir de comédiennes, avec, en bonus, un peu de fond.

Ni vue, ni connue

   Imaginez un monde dans lequel Isabelle Huppert ne serait pas devenue une comédienne iconique, mais serait restée au stade de figurante, sous le nom de Corinne Maclou... Cependant, formée au théâtre, elle aurait des prétentions artistiques, aspirant, dans un premier temps, aux seconds rôles, rêvant, en secret, d'occuper le haut de l'affiche.

   Marc Fitoussi (un des réalisateurs de Dix pour cent, auteur, jadis, de Pauline détective) s'est lancé dans cette périlleuse aventure et nous propose une variation satirique sur le Septième Art français, en s'attachant au parcours de différentes comédiennes.

   J'ai trouvé particulièrement intéressante la mise en scène de la hiérarchie à l’œuvre dans ce milieu qui se veut tellement progressiste. Au sommet se trouvent les "divas", les actrices reconnues, sollicitées par les scénaristes, les réalisateurs, les journalistes, les publicitaires, les fans... et certaines collègues. Sandrine Kiberlain joue en théorie son propre rôle, mais son personnage pourrait aussi être un décalque de Catherine Deneuve, à sa grande époque. Cette "starisation" est présentée avec ironie, la vedette étant souvent "perchée"... et son nom mal prononcé, en dépit de la reconnaissance dont elle bénéficie.

   Dans la dernière partie, l'intrigue jusque-là franco-française acquiert une profondeur supplémentaire, à l'occasion du tournage d'un film au Maroc. Les "sans grade" du cinéma hexagonal (qui bénéficient toutefois du généreux statut d'intermittent du spectacle) se rendent compte qu'il existe bien plus précaire qu'eux... certains figurants reproduisant même, à leur échelle, le mépris de classe dont ils sont l'objet en France. A l'autre bout de l'échelle, on comprend qu'une fonction est encore plus valorisante qu'actrice-vedette, celle de comédienne-réalisatrice, incarnée par Emmanuelle Bercot.

   Les dialogues sont bien écrits, nourris de réflexions assassines, de petites vacheries. Ce n'est pas aussi cinglant ni aussi rythmé que De la Comédie-Française, mais cela rend la vision du film très agréable. Contrairement à Darondeau-Usclat, Fitoussi choisit de prendre son temps, pour creuser ses personnages. Ainsi, Kiberlain n'est pas (que) la pétasse prétentieuse qu'on semble nous présenter au début. Elle a bon fond et, si elle pense toujours à servir ses intérêts en premier, elle n'oublie pas les copines. En position intermédiaire se trouve Anne Marivin, qui "taffe" grâce aux séries télévisées, mais n'a pas réussi la grande carrière cinématographique qui lui était promise. La comédienne est vraiment excellente dans le rôle.

   Et Isabelle Huppert dans tout ça ? Elle est très bien, même si je dois reconnaître qu'au début, j'ai eu du mal à accepter de la voir incarner la figurante. Derrière elle, je voyais sans cesse la grande actrice. Cela s'améliore par la suite, notamment par ce que ses partenaires de tournage la traitent comme du menu fretin, et qu'Huppert est rentrée dans le rôle de sous-fifre. Dans le même temps, Fitoussi insère des clins d’œil à sa carrière, aussi bien théâtrale que cinématographique, avec, par exemple, des allusions à Madame Bovary (de Chabrol) et La Syndicaliste.

   Ce n'est certes pas un grand film, mais un plaisir de comédiennes, avec, en bonus, un peu de fond.

Clayface

   D'abord vendu comme film d'horreur, ce long-métrage se révèle plus étoffé que prévu, puisque son action se déroule à... Gotham City. La mention au générique de début de DC Comics aurait dû me mettre la puce à l'oreille. Il est vrai que, depuis sept-huit ans, du côté du monde des super-héros, les meilleures surprises sont plutôt venues de DC que de Marvel, avec Joker (mais surtout pas sa suite, Folie à deux), Birds of Prey et The Batman. Toutefois, ici, il n'est pas (encore) question de l'homme chauve-souris, mais l'esprit du Joker plane sur le destin du héros, Matt Hagen.

   Dans un premier temps, Tom Rhys Harries prête son physique avantageux (celui d'un beau blond musclé, au sourire éclatant) au personnage principal, jeune homme issu d'un quartier populaire, sur le point de devenir la nouvelle coqueluche d'Hollywood. Les projets de tournage s'enchaînent, l'argent coule à flots... et les filles tombent comme des mouches. Ce début, très tape-à-l’œil (limite complaisant avec ce qu'il montre), est rompu par un événement traumatique, que je ne vais pas raconter. Sachez juste que Matt perd sa belle gueule, au cours d'une scène qui ne nous épargne aucun détail. (Cœurs sensibles s'abstenir.) A la qualité de l'interprétation et des effets spéciaux (bluffants tout au long du film) s'ajoute une dénonciation salutaire du lynchage médiatique.

   La seconde partie voit le héros faire une connaissance déterminante, celle de Caitlyn Corr, une brillante scientifique, dont les travaux ne sont pas reconnus à leur juste valeur... quand ils ne sont pas pillés. Naomi Ackie (vue dans The Young Lady, Blink Twice et Mickey 17) est parfaite dans le rôle.

   Entre elle et Harries, l'alchimie fonctionne. Entre leurs personnages naît un doux et étrange compagnonnage, ces deux talentueux francs-tireurs se venant en aide mutuellement.

   C'est alors que les effets spéciaux se font les plus impressionnants. Matt subit plusieurs transformations, certaines temporaires, d'autres devenant permanentes. Il devient une sorte d'humain augmenté et décide d'utiliser ce nouveau pouvoir pour se venger.

   La troisième partie est plus attendue... et elle arrive d'ailleurs assez tardivement, le film prenant (à raison) le temps de dérouler son histoire. Elle est rythmée, assez gore... mais pas si marquée que cela par les giclées de sang. L'horreur est plutôt chirurgicale ou mutagène. Je laisse à chacun(e) le plaisir de découvrir comment le réalisateur James Watkins met cela en scène. La plus brillante des séquences est selon moi celle de la boîte de nuit, avec une utilisation astucieuse du montage et une excellente direction d'acteurs.

   On se demande comment tout cela va finir. L'intrigue semble louvoyer entre deux fins possibles... en sachant que la production envisage une suite.

Clayface

   D'abord vendu comme film d'horreur, ce long-métrage se révèle plus étoffé que prévu, puisque son action se déroule à... Gotham City. La mention au générique de début de DC Comics aurait dû me mettre la puce à l'oreille. Il est vrai que, depuis sept-huit ans, du côté du monde des super-héros, les meilleures surprises sont plutôt venues de DC que de Marvel, avec Joker (mais surtout pas sa suite, Folie à deux), Birds of Prey et The Batman. Toutefois, ici, il n'est pas (encore) question de l'homme chauve-souris, mais l'esprit du Joker plane sur le destin du héros, Matt Hagen.

   Dans un premier temps, Tom Rhys Harries prête son physique avantageux (celui d'un beau blond musclé, au sourire éclatant) au personnage principal, jeune homme issu d'un quartier populaire, sur le point de devenir la nouvelle coqueluche d'Hollywood. Les projets de tournage s'enchaînent, l'argent coule à flots... et les filles tombent comme des mouches. Ce début, très tape-à-l’œil (limite complaisant avec ce qu'il montre), est rompu par un événement traumatique, que je ne vais pas raconter. Sachez juste que Matt perd sa belle gueule, au cours d'une scène qui ne nous épargne aucun détail. (Cœurs sensibles s'abstenir.) A la qualité de l'interprétation et des effets spéciaux (bluffants tout au long du film) s'ajoute une dénonciation salutaire du lynchage médiatique.

   La seconde partie voit le héros faire une connaissance déterminante, celle de Caitlyn Corr, une brillante scientifique, dont les travaux ne sont pas reconnus à leur juste valeur... quand ils ne sont pas pillés. Naomi Ackie (vue dans The Young Lady, Blink Twice et Mickey 17) est parfaite dans le rôle.

   Entre elle et Harries, l'alchimie fonctionne. Entre leurs personnages naît un doux et étrange compagnonnage, ces deux talentueux francs-tireurs se venant en aide mutuellement.

   C'est alors que les effets spéciaux se font les plus impressionnants. Matt subit plusieurs transformations, certaines temporaires, d'autres devenant permanentes. Il devient une sorte d'humain augmenté et décide d'utiliser ce nouveau pouvoir pour se venger.

   La troisième partie est plus attendue... et elle arrive d'ailleurs assez tardivement, le film prenant (à raison) le temps de dérouler son histoire. Elle est rythmée, assez gore... mais pas si marquée que cela par les giclées de sang. L'horreur est plutôt chirurgicale ou mutagène. Je laisse à chacun(e) le plaisir de découvrir comment le réalisateur James Watkins met cela en scène. La plus brillante des séquences est selon moi celle de la boîte de nuit, avec une utilisation astucieuse du montage et une excellente direction d'acteurs.

   On se demande comment tout cela va finir. L'intrigue semble louvoyer entre deux fins possibles... en sachant que la production envisage une suite.

Le Corset

   Dans les années 1980, on diagnostique un problème osseux à Christophe, l'un des fils d'un couple d'agriculteurs, dans la Beauce. Le gamin, préadolescent au début de l'histoire, doit alors passer la majorité du temps engoncé dans une sorte d'exosquelette, le fameux corset. Ce film d'animation (façon aquarelle) slalome entre relations familiales tendues, problèmes agricoles et éveil des sens.

   J'y suis allé un peu à reculons, d'abord parce que j'avais peur de me retrouver face à un tsunami de "bons sentiments" (avec lesquels on fait rarement de bons films), ensuite parce que la chanson fétiche du film (Ouragan, interprétée par Stéphanie de Monaco) ne m'a pas laissé que de bons souvenirs.

   Eh bien... j'avais tort. C'est d'abord une chronique familiale sensible, entre un père absorbé par un travail qu'il n'a pas vraiment choisi, un grand frère brut de décoffrage et une mère-courage qui fait ce qu'elle peut pour maintenir la famille à flots, malgré des revenus déclinants. Ce n'est pas misérabiliste, juste peut-être un peu trop pessimiste sur le métier d'agriculteur.

   On sent que le gamin a besoin de changer d'atmosphère, ce que l'animation transcrit plutôt bien. Cet air frais, il le trouve auprès d'un vieil organiste (qui va le prendre sous son aile) et de Clara, une fille de prof qui se la joue rebelle. (Petite faiblesse d'écriture : ce personnage est un poil cliché.) Tous deux ouvrent les horizons du gamin, qui demeure néanmoins attaché à sa famille d'agriculteurs, à laquelle il aimerait tant apporter son aide. En même temps, devenu adolescent, il a tendance à faire passer ses désirs avant le reste. Le film nous fait comprendre cela avec subtilité.

   La musique et le chant constituent une trame puissante dans l'intrigue. Le père est fan du "tube" de Stéphanie de Monaco, tandis que le héros découvre les beautés du classique... et le répertoire très varié de la chorale locale. (Restez bien à la fin pour entendre la réinterprétation d'un titre connu.) 

   Le recours à une animation aquarelliste permet l'insertion de scènes oniriques, voire fantastiques, en particulier quand les émotions de Christophe le submergent.

   Tout cela, ajouté à une représentation réaliste du handicap (qui évolue au cours du temps), constitue une belle leçon de vie, que peuvent recevoir aussi bien les enfants que les adultes.

Le Corset

   Dans les années 1980, on diagnostique un problème osseux à Christophe, l'un des fils d'un couple d'agriculteurs, dans la Beauce. Le gamin, préadolescent au début de l'histoire, doit alors passer la majorité du temps engoncé dans une sorte d'exosquelette, le fameux corset. Ce film d'animation (façon aquarelle) slalome entre relations familiales tendues, problèmes agricoles et éveil des sens.

   J'y suis allé un peu à reculons, d'abord parce que j'avais peur de me retrouver face à un tsunami de "bons sentiments" (avec lesquels on fait rarement de bons films), ensuite parce que la chanson fétiche du film (Ouragan, interprétée par Stéphanie de Monaco) ne m'a pas laissé que de bons souvenirs.

   Eh bien... j'avais tort. C'est d'abord une chronique familiale sensible, entre un père absorbé par un travail qu'il n'a pas vraiment choisi, un grand frère brut de décoffrage et une mère-courage qui fait ce qu'elle peut pour maintenir la famille à flots, malgré des revenus déclinants. Ce n'est pas misérabiliste, juste peut-être un peu trop pessimiste sur le métier d'agriculteur.

   On sent que le gamin a besoin de changer d'atmosphère, ce que l'animation transcrit plutôt bien. Cet air frais, il le trouve auprès d'un vieil organiste (qui va le prendre sous son aile) et de Clara, une fille de prof qui se la joue rebelle. (Petite faiblesse d'écriture : ce personnage est un poil cliché.) Tous deux ouvrent les horizons du gamin, qui demeure néanmoins attaché à sa famille d'agriculteurs, à laquelle il aimerait tant apporter son aide. En même temps, devenu adolescent, il a tendance à faire passer ses désirs avant le reste. Le film nous fait comprendre cela avec subtilité.

   La musique et le chant constituent une trame puissante dans l'intrigue. Le père est fan du "tube" de Stéphanie de Monaco, tandis que le héros découvre les beautés du classique... et le répertoire très varié de la chorale locale. (Restez bien à la fin pour entendre la réinterprétation d'un titre connu.) 

   Le recours à une animation aquarelliste permet l'insertion de scènes oniriques, voire fantastiques, en particulier quand les émotions de Christophe le submergent.

   Tout cela, ajouté à une représentation réaliste du handicap (qui évolue au cours du temps), constitue une belle leçon de vie, que peuvent recevoir aussi bien les enfants que les adultes.

Street Fighter

   Cette nouvelle adaptation du célèbre jeu vidéo est placée sous le signe de l'action et de la testostérone. En clair : on voit surtout des mecs très très musclés... et très très cons. Les scénaristes ont eu l'intelligence d'épicer la distribution avec quelques personnages féminins badass, la directrice de casting s'étant visiblement rincé l’œil en recrutant aussi bien les figurantes que les mecs musclés (abdos plaque de chocolat de rigueur)... Bref, il n'y a pas une once de subtilité dans cette meringue gavée d'effets numériques (avec un petit côté Sin City). Donc, soit on sort pour ne pas vomir, soit on laisse son cerveau au vestiaire.

   Deux types de scènes nous sont proposés. Celles avec les acteurs réels sont tournées au présent de narration, celles animées évoquent le passé... et, une fois, le futur... mais, pour voir cela, il ne faut pas quitter la salle trop vite.

   La compétition de sport de combat n'est qu'un prétexte, pour son organisateur (dans l'intrigue) comme pour le réalisateur. D'ailleurs (attention, divulgâchage), le vainqueur est un concurrent qui n'a affronté aucun adversaire ! C'est l'un des nombreux clins d’œil comiques qui émaillent cette histoire de burnes huilées, qui conviendra aussi bien à des mecs hétéros qu'à des homos, puisqu'il y a clairement une tension sexuelle entre certains personnages masculins.

   Côté "mascu", il faut signaler la présence de deux invités de marque : le rappeur 50cent (en as de la boxe) et Jason Momoa, qui incarne Blanka, un monstre vert très attaché à ses odeurs corporelles... et à sa maman. (Dommage qu'il ne fasse que quelques apparitions.)

   En revanche, je trouve que les deux "super-méchants" sont un peu ratés. Le premier est une figure éculée des séries d'animation (genre Ken le survivant). Le second est un psychopathe engoncé dans un uniforme, trop théâtral à mon goût... mais il est vrai que je ne constitue pas le public cible de ce genre de film. J'étais un peu le "papy" de la séance à laquelle j'ai assisté. (Les djeunses se sont toutefois bien comportés durant la projection, sans doute captivés comme moi par la plastique avantageuse des comédiennes...)

   Je suis passé un peu à côté de l'éloge de l'amitié indéfectible entre mecs. C'est bourrin, mais j'ai trouvé ce que j'étais venu chercher : un truc pas prise de tête, pour décompresser après une journée de boulot. (Et la zique est plutôt sympa.)

Street Fighter

   Cette nouvelle adaptation du célèbre jeu vidéo est placée sous le signe de l'action et de la testostérone. En clair : on voit surtout des mecs très très musclés... et très très cons. Les scénaristes ont eu l'intelligence d'épicer la distribution avec quelques personnages féminins badass, la directrice de casting s'étant visiblement rincé l’œil en recrutant aussi bien les figurantes que les mecs musclés (abdos plaque de chocolat de rigueur)... Bref, il n'y a pas une once de subtilité dans cette meringue gavée d'effets numériques (avec un petit côté Sin City). Donc, soit on sort pour ne pas vomir, soit on laisse son cerveau au vestiaire.

   Deux types de scènes nous sont proposés. Celles avec les acteurs réels sont tournées au présent de narration, celles animées évoquent le passé... et, une fois, le futur... mais, pour voir cela, il ne faut pas quitter la salle trop vite.

   La compétition de sport de combat n'est qu'un prétexte, pour son organisateur (dans l'intrigue) comme pour le réalisateur. D'ailleurs (attention, divulgâchage), le vainqueur est un concurrent qui n'a affronté aucun adversaire ! C'est l'un des nombreux clins d’œil comiques qui émaillent cette histoire de burnes huilées, qui conviendra aussi bien à des mecs hétéros qu'à des homos, puisqu'il y a clairement une tension sexuelle entre certains personnages masculins.

   Côté "mascu", il faut signaler la présence de deux invités de marque : le rappeur 50cent (en as de la boxe) et Jason Momoa, qui incarne Blanka, un monstre vert très attaché à ses odeurs corporelles... et à sa maman. (Dommage qu'il ne fasse que quelques apparitions.)

   En revanche, je trouve que les deux "super-méchants" sont un peu ratés. Le premier est une figure éculée des séries d'animation (genre Ken le survivant). Le second est un psychopathe engoncé dans un uniforme, trop théâtral à mon goût... mais il est vrai que je ne constitue pas le public cible de ce genre de film. J'étais un peu le "papy" de la séance à laquelle j'ai assisté. (Les djeunses se sont toutefois bien comportés durant la projection, sans doute captivés comme moi par la plastique avantageuse des comédiennes...)

   Je suis passé un peu à côté de l'éloge de l'amitié indéfectible entre mecs. C'est bourrin, mais j'ai trouvé ce que j'étais venu chercher : un truc pas prise de tête, pour décompresser après une journée de boulot. (Et la zique est plutôt sympa.)

La Maison de nos rêves

   Claude Zidi Jr enchaîne les films (souvent avec Kev Adams), pour le meilleur (Maison de retraite 2) et pour le pire (Jour J). Ma crainte ici était que les bons moments nous aient été livrés dans la bande-annonce.

   Cette crainte est (en partie) démentie par la première demi-heure, qui montre, dans un premier temps, le couple de jeunes héros se dépatouiller dans sa vie professionnelle et visiter une série de maisons. Leur agent immobilier étant incarné par Jonathan Lambert (drôle, mais qui en fait un peu trop), ils auraient dû se méfier. Ce début nous vaut quelques moments cocasses.

   On attend évidemment le moment où ils vont se faire arnaquer par Nicolette, la (fausse) vieille dame en détresse. Je trouve que les deux jeunes acteurs (Kev Adams et Camille Aguilar) en font des tonnes, alors que Chantal Ladesou est paradoxalement plus sobre. Au fur et à mesure que l'intrigue progresse, les deux nigauds vont aller de déception en déception...

   C'est finalement au second degré que l'histoire est la plus intéressante. En effet, les scénaristes ont mis en scène un conflit de générations. Les vingtenaires et trentenaires (principalement les deux héros) sont présentés comme tirant le diable par la queue (même si, au début, chacun a un emploi stable) et exploités par des sexagénaires ou septuagénaires fortunés (de la pharmacienne au patron du golf, en passant par l'héritière). On est en pleine caricature (Gen Z contre boomers), même si l'introduction d'un couple de nouveaux riches apporte un peu de nuance.

   Un belle brochette d'invités donne de la consistance à certaines scènes outrancières. Michel Jonasz, Bernard Farcy et Daniel Prévost font le job et évitent le naufrage. Mais l'ensemble est trop prévisible et hyper-souligné.

   J'ai quand même ri quatre-cinq fois. J'ai vu pire, mais aussi bien meilleur.

La Maison de nos rêves

   Claude Zidi Jr enchaîne les films (souvent avec Kev Adams), pour le meilleur (Maison de retraite 2) et pour le pire (Jour J). Ma crainte ici était que les bons moments nous aient été livrés dans la bande-annonce.

   Cette crainte est (en partie) démentie par la première demi-heure, qui montre, dans un premier temps, le couple de jeunes héros se dépatouiller dans sa vie professionnelle et visiter une série de maisons. Leur agent immobilier étant incarné par Jonathan Lambert (drôle, mais qui en fait un peu trop), ils auraient dû se méfier. Ce début nous vaut quelques moments cocasses.

   On attend évidemment le moment où ils vont se faire arnaquer par Nicolette, la (fausse) vieille dame en détresse. Je trouve que les deux jeunes acteurs (Kev Adams et Camille Aguilar) en font des tonnes, alors que Chantal Ladesou est paradoxalement plus sobre. Au fur et à mesure que l'intrigue progresse, les deux nigauds vont aller de déception en déception...

   C'est finalement au second degré que l'histoire est la plus intéressante. En effet, les scénaristes ont mis en scène un conflit de générations. Les vingtenaires et trentenaires (principalement les deux héros) sont présentés comme tirant le diable par la queue (même si, au début, chacun a un emploi stable) et exploités par des sexagénaires ou septuagénaires fortunés (de la pharmacienne au patron du golf, en passant par l'héritière). On est en pleine caricature (Gen Z contre boomers), même si l'introduction d'un couple de nouveaux riches apporte un peu de nuance.

   Un belle brochette d'invités donne de la consistance à certaines scènes outrancières. Michel Jonasz, Bernard Farcy et Daniel Prévost font le job et évitent le naufrage. Mais l'ensemble est trop prévisible et hyper-souligné.

   J'ai quand même ri quatre-cinq fois. J'ai vu pire, mais aussi bien meilleur.

Englouti

   Une fois n'est pas coutume, je trouve le titre français plus porteur que l'original anglo-saxon. Celui-ci fait allusion à une sorte d'échouage de baleine (ce que je me garderai d'expliciter, pour ne pas déflorer l'intrigue).

   Il est donc bien question d'un homme et d'un cétacé, plus précisément un cachalot, le seul capable d'engloutir un humain... quitte à rapidement le recracher, comme c'est arrivé l'an dernier à un kayakiste chilien... et il y a cinq ans à un pêcheur états-unien. (En revanche, l'histoire de James Bartley, qui remonterait à 1891, est sans doute bidon.) 

   Sans surprise, quand il a été question de la sortie de ce film, nombre de critiques ont fait allusion à un épisode biblique, que l'on trouve dans le Livre de Jonas : le héros est avalé par "un gros poisson" et passe trois jours à l'intérieur... ce qui est impossible... mais c'est bien entendu métaphorique. (On y retrouve le chiffre trois, très présent dans l'Ancien comme le Nouveau Testament.) 

   Tout cela pour dire que je trouvais l'histoire a priori alléchante, avec, au générique, le jeune Austin Abrams (à l'affiche du récent Resident Evil) et Josh Brolin, qui incarne son père, gravement malade.

   J'ai été "douché" par le début, mal joué, parfois languissant. On se fout un peu de la relation père-fils (limite toxique) et on attend que cela se mette à bouger.

   On est heureusement servi ensuite, avec la séquence de plongée, bien filmée. Le jeune héros Jay explore d'abord l'espace côtier, puis le fond océanique proche, avant de s'approcher des abysses. De ce trou de balle marin, sombre et velu, peut surgir à peu près tout et n'importe quoi... dont un énorme cachalot, qui avale donc Jay. Sur grand écran, en immersion, avec un bon travail sur le son, c'est assez impressionnant...

   ... d'autant que le jeune homme ne se retrouve pas tout seul dans l'estomac du cétacé. Il lui faut donc affronter de multiples périls, entre les mouvements d'estomac, le manque progressif d'oxygène, diverses bestioles... et les sucs gastriques, dont j'attendais avec impatience l'arrivée. C'est effrayant... et parfois (involontairement ?) comique, puisqu'à plusieurs reprises, j'ai eu l'impression que Jay rampait entre d'énormes hémorroïdes...

   Je m'attendais donc à ce que la suite se résume à un survival, avec montée en tension, rebondissements... eh ben non... à part la séquence avec les orques. L'intrigue prend un tour essentiellement psychologique, autour de la relation père-fils. Alors qu'il est à demi mourant, Jay se rappelle les bons et les mauvais moments passés avec son casse-couilles de père, qui avait pourtant de si belles leçons de vie à lui transmettre. S'ajoute à cela une ambiance panthéiste new age (autour de la baleine)... et même un aspect psychanalytique, puisque pour devenir (enfin) un véritable adulte, Jay va devoir "tuer le père".

   Au final, même si les séquences d'action sont spectaculaires (et la représentation de l'enfermement réussie), je trouve que le film ne tient pas tout à fait ses promesses.

Englouti

   Une fois n'est pas coutume, je trouve le titre français plus porteur que l'original anglo-saxon. Celui-ci fait allusion à une sorte d'échouage de baleine (ce que je me garderai d'expliciter, pour ne pas déflorer l'intrigue).

   Il est donc bien question d'un homme et d'un cétacé, plus précisément un cachalot, le seul capable d'engloutir un humain... quitte à rapidement le recracher, comme c'est arrivé l'an dernier à un kayakiste chilien... et il y a cinq ans à un pêcheur états-unien. (En revanche, l'histoire de James Bartley, qui remonterait à 1891, est sans doute bidon.) 

   Sans surprise, quand il a été question de la sortie de ce film, nombre de critiques ont fait allusion à un épisode biblique, que l'on trouve dans le Livre de Jonas : le héros est avalé par "un gros poisson" et passe trois jours à l'intérieur... ce qui est impossible... mais c'est bien entendu métaphorique. (On y retrouve le chiffre trois, très présent dans l'Ancien comme le Nouveau Testament.) 

   Tout cela pour dire que je trouvais l'histoire a priori alléchante, avec, au générique, le jeune Austin Abrams (à l'affiche du récent Resident Evil) et Josh Brolin, qui incarne son père, gravement malade.

   J'ai été "douché" par le début, mal joué, parfois languissant. On se fout un peu de la relation père-fils (limite toxique) et on attend que cela se mette à bouger.

   On est heureusement servi ensuite, avec la séquence de plongée, bien filmée. Le jeune héros Jay explore d'abord l'espace côtier, puis le fond océanique proche, avant de s'approcher des abysses. De ce trou de balle marin, sombre et velu, peut surgir à peu près tout et n'importe quoi... dont un énorme cachalot, qui avale donc Jay. Sur grand écran, en immersion, avec un bon travail sur le son, c'est assez impressionnant...

   ... d'autant que le jeune homme ne se retrouve pas tout seul dans l'estomac du cétacé. Il lui faut donc affronter de multiples périls, entre les mouvements d'estomac, le manque progressif d'oxygène, diverses bestioles... et les sucs gastriques, dont j'attendais avec impatience l'arrivée. C'est effrayant... et parfois (involontairement ?) comique, puisqu'à plusieurs reprises, j'ai eu l'impression que Jay rampait entre d'énormes hémorroïdes...

   Je m'attendais donc à ce que la suite se résume à un survival, avec montée en tension, rebondissements... eh ben non... à part la séquence avec les orques. L'intrigue prend un tour essentiellement psychologique, autour de la relation père-fils. Alors qu'il est à demi mourant, Jay se rappelle les bons et les mauvais moments passés avec son casse-couilles de père, qui avait pourtant de si belles leçons de vie à lui transmettre. S'ajoute à cela une ambiance panthéiste new age (autour de la baleine)... et même un aspect psychanalytique, puisque pour devenir (enfin) un véritable adulte, Jay va devoir "tuer le père".

   Au final, même si les séquences d'action sont spectaculaires (et la représentation de l'enfermement réussie), je trouve que le film ne tient pas tout à fait ses promesses.

Naza

   Deux soirs de suite, lundi et mardi derniers, ce documentaire israélien (une coproduction anglo-saxonne, en réalité) a fait salle comble au cinéma CGR de Rodez. En 1h15 environ, il tente de faire le point sur la réponse disproportionnée de l'armée israélienne au pogrom du 7 octobre 2023.

   La majorité des images sont contemporaines (des années 2020). Sont adjoints quelques extraits plus anciens, datant des années 1970-1980. On y voit notamment des agents du renseignement en formation... ou encore le futur Premier ministre israélien, Benyamin Netanyahou, beaucoup plus jeune qu'aujourd'hui, dénonçant le terrorisme palestinien, en lui donnant une définition que les réalisateurs du documentaire font plutôt concorder avec l'action de l'armée israélienne...

   C'est habile de leur part... et cela indique le parti-pris de ce film. Si, la majorité du temps, il prend la forme d'un exposé pondéré, fondé sur des entretiens avec des militaires israéliens, de temps en temps pointe une orientation plus polémique, dont je reparlerai plus loin.

   Une vingtaine de militaires israéliens témoigne. Ils sont filmés le soir, sur le toit d'un immeuble de Tel Aviv. Leur visage comme leur voix ont été modifiés à l'aide d'une intelligence artificielle. C'est le premier problème. Si l'on peut comprendre la volonté de protéger des sources, cette anonymisation quasi totale pose un problème de fiabilité : comment vérifier la crédibilité des affirmations (parfois gravissimes) ? De surcroît, la méthode d'anonymisation rend difficile l'individualisation des témoignages. Il me semble que certains militaires ne sont montrés qu'une fois, d'autres deux, d'autres davantage...

   Le face-à-face avec l'un des auteurs alterne avec des vues de la métropole israélienne, qui ressemble tellement à une ville occidentale. Son apparente opulence contraste avec les zones de destruction de Gaza. Le choix d'une ambiance nocturne est peut-être aussi dû à la volonté de dénoncer ce qui, jusqu'à présent, était tenu secret.

   On apprend donc plus ou moins de choses au cours de ces entretiens. Tout d'abord, je signale que la majorité des témoins ne sont pas des combattants, plutôt des analystes, des techniciens ou des agents de renseignement. De leur part, on rencontre une assez grande diversité d'attitudes : certains se disent dégoûtés de ce à quoi ils ont participé, d'autres sont dans le déni ou tentent de minimiser leur rôle, tandis qu'une minorité assume sans le moindre regret.

   Ces entretiens permettent de constater, une fois de plus, quel degré de perfectionnement technique (et organisationnel) l'armée israélienne a atteint. Ainsi, l'entièreté du territoire gazaoui avait été cartographié, au mètre près. Les agents disposaient d'un modèle numérique du territoire, avec l'emplacement et la taille des bâtiments, y compris le nombre d'étages, la forme des appartements et l'identité des occupants. (Quelques croquis illustrent les propos, parfois pas tout à fait clairs.) Sans surprise, c'est l'exploitation des informations piratées sur les smartphones qui a rendu un grand service aux Israéliens... mais davantage les téléphones des proches (conjoints, enfants) que celui des militants du Hamas, qui, en général, se montraient prudents. Cela a conduit à des "bavures", comme lorsqu'est déclenché un bombardement qui n'a finalement provoqué que des victimes non-combattantes, le membre du Hamas ayant quitté son logement en y "oubliant" son téléphone.

   Le terme Naza désigne ces victimes collatérales, qui, dès le début des opérations militaires, ont été intégrées à la modélisation s'appuyant sur des intelligences artificielles. Les programmes prenaient en compte des "taux de pertes" variables : de 1 à des centaines de civils tués pour éradiquer la menace d'un seul terroriste... D'après l'un des témoignages (source unique de cette information), le commandement aurait envisagé l'élimination des 40 000 membres du Hamas, avec un taux de "dommages collatéraux" pouvant atteindre 1 pour 20... ce qui aurait pu conduire au massacre d'un tiers de la population gazaouie (800 000 sur 2 à 2,5 millions). Finalement, la mort d'environ 72 000 Palestiniens (chiffres du ministère de la santé de Gaza... c'est-à-dire du Hamas) apparaît comme une réponse moins radicale que ce qu'elle aurait pu être.

   C'est pourquoi l'utilisation du terme "génocide" par les auteurs du documentaire m'apparaît infondée. Attention toutefois : il apparaît clairement que l'armée israélienne a commis de multiples crimes de guerre, mais, à mes yeux, il n'y a pas de volonté délibérée d'exterminer la population palestinienne (quelles que soient les déclarations -souvent montées en épingle en France- de politiciens israéliens fascisants). J'ai aussi peu goûté le rapprochement effectué avec Shoah, de Claude Lanzmann : les millions d'Européens juifs exterminés par les nazis et leurs collaborateurs n'avaient lancé une attaque meurtrière contre l'Allemagne... Qui plus est, ce massacre-ci se place à une tout autre échelle.

   Peut-être les auteurs ont-ils eu l'intuition que leur argumentation ne toucherait pas le grand public, ne convainquant que les convaincus. Du coup, à la toute fin, ils renoncent au dispositif initial (très sobre) pour nous livrer des images chocs, sollicitant plus l'émotion que la raison.

Naza

   Deux soirs de suite, lundi et mardi derniers, ce documentaire israélien (une coproduction anglo-saxonne, en réalité) a fait salle comble au cinéma CGR de Rodez. En 1h15 environ, il tente de faire le point sur la réponse disproportionnée de l'armée israélienne au pogrom du 7 octobre 2023.

   La majorité des images sont contemporaines (des années 2020). Sont adjoints quelques extraits plus anciens, datant des années 1970-1980. On y voit notamment des agents du renseignement en formation... ou encore le futur Premier ministre israélien, Benyamin Netanyahou, beaucoup plus jeune qu'aujourd'hui, dénonçant le terrorisme palestinien, en lui donnant une définition que les réalisateurs du documentaire font plutôt concorder avec l'action de l'armée israélienne...

   C'est habile de leur part... et cela indique le parti-pris de ce film. Si, la majorité du temps, il prend la forme d'un exposé pondéré, fondé sur des entretiens avec des militaires israéliens, de temps en temps pointe une orientation plus polémique, dont je reparlerai plus loin.

   Une vingtaine de militaires israéliens témoigne. Ils sont filmés le soir, sur le toit d'un immeuble de Tel Aviv. Leur visage comme leur voix ont été modifiés à l'aide d'une intelligence artificielle. C'est le premier problème. Si l'on peut comprendre la volonté de protéger des sources, cette anonymisation quasi totale pose un problème de fiabilité : comment vérifier la crédibilité des affirmations (parfois gravissimes) ? De surcroît, la méthode d'anonymisation rend difficile l'individualisation des témoignages. Il me semble que certains militaires ne sont montrés qu'une fois, d'autres deux, d'autres davantage...

   Le face-à-face avec l'un des auteurs alterne avec des vues de la métropole israélienne, qui ressemble tellement à une ville occidentale. Son apparente opulence contraste avec les zones de destruction de Gaza. Le choix d'une ambiance nocturne est peut-être aussi dû à la volonté de dénoncer ce qui, jusqu'à présent, était tenu secret.

   On apprend donc plus ou moins de choses au cours de ces entretiens. Tout d'abord, je signale que la majorité des témoins ne sont pas des combattants, plutôt des analystes, des techniciens ou des agents de renseignement. De leur part, on rencontre une assez grande diversité d'attitudes : certains se disent dégoûtés de ce à quoi ils ont participé, d'autres sont dans le déni ou tentent de minimiser leur rôle, tandis qu'une minorité assume sans le moindre regret.

   Ces entretiens permettent de constater, une fois de plus, quel degré de perfectionnement technique (et organisationnel) l'armée israélienne a atteint. Ainsi, l'entièreté du territoire gazaoui avait été cartographié, au mètre près. Les agents disposaient d'un modèle numérique du territoire, avec l'emplacement et la taille des bâtiments, y compris le nombre d'étages, la forme des appartements et l'identité des occupants. (Quelques croquis illustrent les propos, parfois pas tout à fait clairs.) Sans surprise, c'est l'exploitation des informations piratées sur les smartphones qui a rendu un grand service aux Israéliens... mais davantage les téléphones des proches (conjoints, enfants) que celui des militants du Hamas, qui, en général, se montraient prudents. Cela a conduit à des "bavures", comme lorsqu'est déclenché un bombardement qui n'a finalement provoqué que des victimes non-combattantes, le membre du Hamas ayant quitté son logement en y "oubliant" son téléphone.

   Le terme Naza désigne ces victimes collatérales, qui, dès le début des opérations militaires, ont été intégrées à la modélisation s'appuyant sur des intelligences artificielles. Les programmes prenaient en compte des "taux de pertes" variables : de 1 à des centaines de civils tués pour éradiquer la menace d'un seul terroriste... D'après l'un des témoignages (source unique de cette information), le commandement aurait envisagé l'élimination des 40 000 membres du Hamas, avec un taux de "dommages collatéraux" pouvant atteindre 1 pour 20... ce qui aurait pu conduire au massacre d'un tiers de la population gazaouie (800 000 sur 2 à 2,5 millions). Finalement, la mort d'environ 72 000 Palestiniens (chiffres du ministère de la santé de Gaza... c'est-à-dire du Hamas) apparaît comme une réponse moins radicale que ce qu'elle aurait pu être.

   C'est pourquoi l'utilisation du terme "génocide" par les auteurs du documentaire m'apparaît infondée. Attention toutefois : il apparaît clairement que l'armée israélienne a commis de multiples crimes de guerre, mais, à mes yeux, il n'y a pas de volonté délibérée d'exterminer la population palestinienne (quelles que soient les déclarations -souvent montées en épingle en France- de politiciens israéliens fascisants). J'ai aussi peu goûté le rapprochement effectué avec Shoah, de Claude Lanzmann : les millions d'Européens juifs exterminés par les nazis et leurs collaborateurs n'avaient lancé une attaque meurtrière contre l'Allemagne... Qui plus est, ce massacre-ci se place à une tout autre échelle.

   Peut-être les auteurs ont-ils eu l'intuition que leur argumentation ne toucherait pas le grand public, ne convainquant que les convaincus. Du coup, à la toute fin, ils renoncent au dispositif initial (très sobre) pour nous livrer des images chocs, sollicitant plus l'émotion que la raison.

Digger

   Cela faisait plus de dix ans (depuis The Revenant) que je n'avais pas vu un film d'Alejandro Gonzalez Iñarritu en salles. Après Leonardo DiCaprio, c'est au tour d'un Tom Cruise méconnaissable de se livrer à la caméra du réalisateur mexicain.

   Dans la première partie, on découvre ce Digger, entrepreneur pétrolier richissime, ami des puissants, impitoyable avec ses employés, fuyant avec sa demi-sœur (Sandra Hüller, très bien). Il a une gouaille formidable, est souvent ordurier... sauf avec sa chatte, son sac à puces adoré, âgé de près de... quarante ans et qu'il tente de maintenir en vie par tous les moyens. Tom Cruise sort de sa zone de confort pour nous livrer un sacré numéro. La farce politique est bien servie par les acteurs secondaires, au premier rang desquels je place John Goodman, qui incarne un président états-unien pathétique, mélange de Ronald Reagan et de Donald Trump.

   Pendant 40-45 minutes, on se régale avec cette intrigue apocalyptique, qui voit l'humanité menacée par les conséquences des forages pétroliers d'une entreprise de Digger, au Groenland. Et puis soudain, au bout de trois quarts d'heure...

 

 

SURPRISE !

 

 

   Celle-là, je ne l'avais pas vue venir. Voilà pourquoi je vais rester très allusif, pour permettre à celles et ceux qui ne savent pas ce qui les attend de profiter du retournement. (Je conseille donc d'aller voir ce film en en sachant le moins possible.)

   Que dire qui ne déflore pas trop l'intrigue ? Eh bien qu'Iñarritu croise ses questionnements personnels avec les inquiétudes de son époque. Par certains aspects, cela n'est pas sans rappeler Birdman.

   Le retournement qui survient à la fin de cette première partie donne une profondeur supplémentaire à l'intrigue, profondeur qui va s'accroître au fur et à mesure que l'histoire se déroule, les deux arcs narratifs se croisant à nouveau. Un personnage, absent de la séquence initiale et ne jouant apparemment qu'un rôle de figurant au début de la deuxième partie, va se révéler plus important que prévu.

   Moi, j'ai adoré. C'est brillant, souvent outrancier, en prise avec notre époque. Cela change de l'eau tiède que l'on nous sert trop souvent. Mon (futur) palmarès 2026 vient de s'enrichir d'une nouvelle pépite.

Digger

   Cela faisait plus de dix ans (depuis The Revenant) que je n'avais pas vu un film d'Alejandro Gonzalez Iñarritu en salles. Après Leonardo DiCaprio, c'est au tour d'un Tom Cruise méconnaissable de se livrer à la caméra du réalisateur mexicain.

   Dans la première partie, on découvre ce Digger, entrepreneur pétrolier richissime, ami des puissants, impitoyable avec ses employés, fuyant avec sa demi-sœur (Sandra Hüller, très bien). Il a une gouaille formidable, est souvent ordurier... sauf avec sa chatte, son sac à puces adoré, âgé de près de... quarante ans et qu'il tente de maintenir en vie par tous les moyens. Tom Cruise sort de sa zone de confort pour nous livrer un sacré numéro. La farce politique est bien servie par les acteurs secondaires, au premier rang desquels je place John Goodman, qui incarne un président états-unien pathétique, mélange de Ronald Reagan et de Donald Trump.

   Pendant 40-45 minutes, on se régale avec cette intrigue apocalyptique, qui voit l'humanité menacée par les conséquences des forages pétroliers d'une entreprise de Digger, au Groenland. Et puis soudain, au bout de trois quarts d'heure...

 

 

SURPRISE !

 

 

   Celle-là, je ne l'avais pas vue venir. Voilà pourquoi je vais rester très allusif, pour permettre à celles et ceux qui ne savent pas ce qui les attend de profiter du retournement. (Je conseille donc d'aller voir ce film en en sachant le moins possible.)

   Que dire qui ne déflore pas trop l'intrigue ? Eh bien qu'Iñarritu croise ses questionnements personnels avec les inquiétudes de son époque. Par certains aspects, cela n'est pas sans rappeler Birdman.

   Le retournement qui survient à la fin de cette première partie donne une profondeur supplémentaire à l'intrigue, profondeur qui va s'accroître au fur et à mesure que l'histoire se déroule, les deux arcs narratifs se croisant à nouveau. Un personnage, absent de la séquence initiale et ne jouant apparemment qu'un rôle de figurant au début de la deuxième partie, va se révéler plus important que prévu.

   Moi, j'ai adoré. C'est brillant, souvent outrancier, en prise avec notre époque. Cela change de l'eau tiède que l'on nous sert trop souvent. Mon (futur) palmarès 2026 vient de s'enrichir d'une nouvelle pépite.

Prime Time

   Cette fiction américaine s'inspire de l'émission de télé-réalité To Catch a Predator, qui date d'une vingtaine d'années. Au centre de l'intrigue se trouve Chris Hansen, l'animateur-vedette qui a des ambitions de journaliste. Il se sert de ce programme racoleur pour accroître sa popularité : à défaut de sauver des victimes de guerre, il protège des mineurs de violeurs potentiels.

   Dans le rôle, j'ai trouvé Robert Pattinson excellent, ambigu à souhait. On comprend très vite que son statut de justicier médiatique est une posture. C'est un arriviste, que certes révulse l'abus des mineurs... mais ce père-la-morale n'est lui-même pas tout blanc, comme on va finir par le découvrir.

   Un autre intérêt de ce film est la composition de deux acteurs méconnus. Merritt Wever incarne Andie Bender, le bras droit de Chris, une femme dynamique, méthodique, sans guère de scrupules non plus, qui est la véritable cheville ouvrière du show, Hansen ayant pour fonction d'attirer la lumière.

   Skyler Gisondo est une révélation. Il incarne Dan Plumb, un jeune homme aux traits juvéniles qui, en alternance avec une collaboratrice de Hansen, joue le rôle d'appât. Ce personnage est plus riche qu'il n'en a l'air. C'est d'abord un comédien au chômage, qui rêve de percer et candidate pour le show en espérant lancer sa carrière. Mais, très vite, il se pose des questions sur ce qu'on lui fait jouer... mais, quand l'occasion se présente, il est capable de prendre des initiatives. (Très bonne séquence qui le voit jouer le premier rôle, quand l'animateur vedette a un coup de mou.)

   Sur le fond, c'est assez glauque... et la photographie, souvent sombre et granuleuse, accompagne bien cette ambiance. Le scénario semble construit autour de l'idée que les promoteurs de cette télé-poubelle ne valent pas beaucoup mieux que les pauvres types qui traquent les préadolescents sur internet. Sur ce point, je ne suivrais pas le film, que je trouve trop gentil (ou pas assez virulent) avec ces prédateurs.

   L'histoire n'en est pas moins prenante, sans être menée sur un rythme trépidant.

Prime Time

   Cette fiction américaine s'inspire de l'émission de télé-réalité To Catch a Predator, qui date d'une vingtaine d'années. Au centre de l'intrigue se trouve Chris Hansen, l'animateur-vedette qui a des ambitions de journaliste. Il se sert de ce programme racoleur pour accroître sa popularité : à défaut de sauver des victimes de guerre, il protège des mineurs de violeurs potentiels.

   Dans le rôle, j'ai trouvé Robert Pattinson excellent, ambigu à souhait. On comprend très vite que son statut de justicier médiatique est une posture. C'est un arriviste, que certes révulse l'abus des mineurs... mais ce père-la-morale n'est lui-même pas tout blanc, comme on va finir par le découvrir.

   Un autre intérêt de ce film est la composition de deux acteurs méconnus. Merritt Wever incarne Andie Bender, le bras droit de Chris, une femme dynamique, méthodique, sans guère de scrupules non plus, qui est la véritable cheville ouvrière du show, Hansen ayant pour fonction d'attirer la lumière.

   Skyler Gisondo est une révélation. Il incarne Dan Plumb, un jeune homme aux traits juvéniles qui, en alternance avec une collaboratrice de Hansen, joue le rôle d'appât. Ce personnage est plus riche qu'il n'en a l'air. C'est d'abord un comédien au chômage, qui rêve de percer et candidate pour le show en espérant lancer sa carrière. Mais, très vite, il se pose des questions sur ce qu'on lui fait jouer... mais, quand l'occasion se présente, il est capable de prendre des initiatives. (Très bonne séquence qui le voit jouer le premier rôle, quand l'animateur vedette a un coup de mou.)

   Sur le fond, c'est assez glauque... et la photographie, souvent sombre et granuleuse, accompagne bien cette ambiance. Le scénario semble construit autour de l'idée que les promoteurs de cette télé-poubelle ne valent pas beaucoup mieux que les pauvres types qui traquent les préadolescents sur internet. Sur ce point, je ne suivrais pas le film, que je trouve trop gentil (ou pas assez virulent) avec ces prédateurs.

   L'histoire n'en est pas moins prenante, sans être menée sur un rythme trépidant.

The Social Reckoning

   Le titre de ce long-métrage fait évidemment penser à celui de David Fincher (The Social Network). Une quinzaine d'années plus tard, Facebook est devenue une entreprise tentaculaire, dont l'image cool et bienveillante se fissure. 

   Nous sommes en présence d'un de ces films-dossiers à l'américaine, comme Révélations (à propos de l'industrie du tabac), Citizenfour (centré sur Edward Snowden),  Pentagon Papers ou encore Dark Waters (sur le Téflon).

   Deux individus qu'au départ beaucoup de choses séparent vont unir leurs forces pour dénoncer les manipulations auxquelles se livre l'entreprise de Mark Zuckerberg. Frances est une ingénieure informaticienne, plutôt solitaire, un peu geek. Au départ, elle croit fermement en sa mission, au sein de la cellule de veille civique de Facebook. Jeff est un journaliste qui a déjà de la bouteille... mais à l'ancienne, plutôt technophobe. Il est amené à s'intéresser à l'entreprise pour des raisons politiques.

   Comme ce journaliste ne connaît pas grand chose au fonctionnement des réseaux sociaux, le film se révèle pédagogique pour les spectateurs non spécialistes. Grâce à ce qui est montré à l'écran et à ce que l'héroïne révèle progressivement à son correspondant secret, on comprend comment fonctionne la machinerie informatique.

   L'aridité de certaines démonstrations est contrebalancée par des décors soignés (avec une bonne utilisation visuelle des bécanes) et un humour aussi vachard que salutaire, distillé à intervalle régulier par différents personnages. Ainsi, Frances a parfois la dent dure pour le journaliste, qu'elle juge lent à la comprenette. (Dans le même temps, progressivement, une complicité naît entre eux.) D'autres scènes sont piquantes, notamment au sein de la rédaction du Wall Street Journal, la patronne ne ménageant pas son personnel. Enfin, on peut aussi profiter des séances de media training suivies par Zuckerberg, entouré de conseillers. Jeremy Strong incarne (très bien) un monstre froid, calculateur... et adepte d'un humour pince-sans-rire. Le tout est à savourer de préférence en version originale sous-titrée.

   Je dois ajouter que le charme des deux interprètes principaux contribue à l'intérêt du film. Jeremy Allen White campe un enquêteur scrupuleux et beau gosse. Concernant Mikey Madison (Frances), il est impossible d'ignorer son charme fou, auquel Jeff pourrait bien succomber...

   L'histoire est encadrée par deux moments particulièrement forts. L'introduction met en scène une automobiliste états-unienne blanche, en panne, rejointe par une patrouille de police. La manière dont la scène dérape révèle une grande maîtrise, des acteurs, des dialoguistes comme du réalisateur... (On en comprend mieux le sens, plus tard.) A l'autre bout du film, on suit la tentative de putsch des trumpistes, en 2021, à partir de la War Room de Facebook. C'est un peu appuyé, mais très prenant.

   Sans que ce soit un chef-d’œuvre, je dois dire que j'ai du mal à trouver des défauts à ce film, que je considère comme un beau travail d'éducation civique.

   P.S.

   J'attends avec impatience que nous soient proposées des œuvres du même genre sur X ou encore TikTok, la nouvelle entreprise de décervelage des jeunes.

The Social Reckoning

   Le titre de ce long-métrage fait évidemment penser à celui de David Fincher (The Social Network). Une quinzaine d'années plus tard, Facebook est devenue une entreprise tentaculaire, dont l'image cool et bienveillante se fissure. 

   Nous sommes en présence d'un de ces films-dossiers à l'américaine, comme Révélations (à propos de l'industrie du tabac), Citizenfour (centré sur Edward Snowden),  Pentagon Papers ou encore Dark Waters (sur le Téflon).

   Deux individus qu'au départ beaucoup de choses séparent vont unir leurs forces pour dénoncer les manipulations auxquelles se livre l'entreprise de Mark Zuckerberg. Frances est une ingénieure informaticienne, plutôt solitaire, un peu geek. Au départ, elle croit fermement en sa mission, au sein de la cellule de veille civique de Facebook. Jeff est un journaliste qui a déjà de la bouteille... mais à l'ancienne, plutôt technophobe. Il est amené à s'intéresser à l'entreprise pour des raisons politiques.

   Comme ce journaliste ne connaît pas grand chose au fonctionnement des réseaux sociaux, le film se révèle pédagogique pour les spectateurs non spécialistes. Grâce à ce qui est montré à l'écran et à ce que l'héroïne révèle progressivement à son correspondant secret, on comprend comment fonctionne la machinerie informatique.

   L'aridité de certaines démonstrations est contrebalancée par des décors soignés (avec une bonne utilisation visuelle des bécanes) et un humour aussi vachard que salutaire, distillé à intervalle régulier par différents personnages. Ainsi, Frances a parfois la dent dure pour le journaliste, qu'elle juge lent à la comprenette. (Dans le même temps, progressivement, une complicité naît entre eux.) D'autres scènes sont piquantes, notamment au sein de la rédaction du Wall Street Journal, la patronne ne ménageant pas son personnel. Enfin, on peut aussi profiter des séances de media training suivies par Zuckerberg, entouré de conseillers. Jeremy Strong incarne (très bien) un monstre froid, calculateur... et adepte d'un humour pince-sans-rire. Le tout est à savourer de préférence en version originale sous-titrée.

   Je dois ajouter que le charme des deux interprètes principaux contribue à l'intérêt du film. Jeremy Allen White campe un enquêteur scrupuleux et beau gosse. Concernant Mikey Madison (Frances), il est impossible d'ignorer son charme fou, auquel Jeff pourrait bien succomber...

   L'histoire est encadrée par deux moments particulièrement forts. L'introduction met en scène une automobiliste états-unienne blanche, en panne, rejointe par une patrouille de police. La manière dont la scène dérape révèle une grande maîtrise, des acteurs, des dialoguistes comme du réalisateur... (On en comprend mieux le sens, plus tard.) A l'autre bout du film, on suit la tentative de putsch des trumpistes, en 2021, à partir de la War Room de Facebook. C'est un peu appuyé, mais très prenant.

   Sans que ce soit un chef-d’œuvre, je dois dire que j'ai du mal à trouver des défauts à ce film, que je considère comme un beau travail d'éducation civique.

   P.S.

   J'attends avec impatience que nous soient proposées des œuvres du même genre sur X ou encore TikTok, la nouvelle entreprise de décervelage des jeunes.

Justin le Juste

   1915. Justin est un métayer analphabète, exploité par son propriétaire et incapable de se révolter. Ce n'est que lorsque des gendarmes viennent le chercher pour qu'il contribue à la défense de la patrie envahie qu'il renâcle. A partir de ce moment, il est emporté dans un flot d'aventures souvent abracadabrantesques... et c'est tout à fait normal, puisque ce film est une fable.

   Elle nous est racontée à la façon de retours en arrière, lors d'un entretien entre une journaliste du tout jeune Canard enchaîné (Alexandra Lamy, qui semble à peine sortie du tournage de Louise Violet) et un Justin barricadé dans une mairie. Dans le rôle, Alban Ivanov est assez convaincant.

   Je pense que ce montage inversé, pour classique qu'il soit, était nécessaire pour ne pas désarçonner une partie du public. En effet, au départ, Justin n'a rien du héros traditionnel. Au combat, il passe sans problème du côté allemand et il aide même un "Boche" à zigouiller une bande de tirailleurs sénégalais. Je rassure mes lecteurs progressistes : il va progressivement acquérir une conscience civique et même se faire un ami du seul tirailleur rescapé (qui parle français comme un Parisien du XXIe siècle).

   Dresser la liste des incohérences et des invraisemblances serait fastidieux, d'autant que c'est assumé par le réalisateur Eric Barbier (que j'ai connu plus inspiré avec La Promesse de l'aube).

   Petit à petit, Justin le non-patriote, l'autocentré, fait preuve de réelles qualités humaines, notamment le courage et la solidarité. Son parcours nous mène au cœur du propos du film (et du livre qui l'a inspiré), qui concerne les soldats mutinés et les fusillés pour l'exemple. Aux poilus d'origine paysanne et ouvrière du roman, Barbier a ajouté la journaliste féministe et le soldat colonial (incarné, bien entendu, par un acteur afrodescendant). Et voilà comment un film se déroulant pendant la Première Guerre mondiale prend le tour d'un tract intersectionnel.

   C'est anti-militariste, anti-clérical et anti-bourgeois. C'est parfois drôle, mais c'est souvent très convenu, très prévisible, "dans l'air du temps".

Justin le Juste

   1915. Justin est un métayer analphabète, exploité par son propriétaire et incapable de se révolter. Ce n'est que lorsque des gendarmes viennent le chercher pour qu'il contribue à la défense de la patrie envahie qu'il renâcle. A partir de ce moment, il est emporté dans un flot d'aventures souvent abracadabrantesques... et c'est tout à fait normal, puisque ce film est une fable.

   Elle nous est racontée à la façon de retours en arrière, lors d'un entretien entre une journaliste du tout jeune Canard enchaîné (Alexandra Lamy, qui semble à peine sortie du tournage de Louise Violet) et un Justin barricadé dans une mairie. Dans le rôle, Alban Ivanov est assez convaincant.

   Je pense que ce montage inversé, pour classique qu'il soit, était nécessaire pour ne pas désarçonner une partie du public. En effet, au départ, Justin n'a rien du héros traditionnel. Au combat, il passe sans problème du côté allemand et il aide même un "Boche" à zigouiller une bande de tirailleurs sénégalais. Je rassure mes lecteurs progressistes : il va progressivement acquérir une conscience civique et même se faire un ami du seul tirailleur rescapé (qui parle français comme un Parisien du XXIe siècle).

   Dresser la liste des incohérences et des invraisemblances serait fastidieux, d'autant que c'est assumé par le réalisateur Eric Barbier (que j'ai connu plus inspiré avec La Promesse de l'aube).

   Petit à petit, Justin le non-patriote, l'autocentré, fait preuve de réelles qualités humaines, notamment le courage et la solidarité. Son parcours nous mène au cœur du propos du film (et du livre qui l'a inspiré), qui concerne les soldats mutinés et les fusillés pour l'exemple. Aux poilus d'origine paysanne et ouvrière du roman, Barbier a ajouté la journaliste féministe et le soldat colonial (incarné, bien entendu, par un acteur afrodescendant). Et voilà comment un film se déroulant pendant la Première Guerre mondiale prend le tour d'un tract intersectionnel.

   C'est anti-militariste, anti-clérical et anti-bourgeois. C'est parfois drôle, mais c'est souvent très convenu, très prévisible, "dans l'air du temps".