La Belle et la Bête

   Disney nous offre une nouvelle lecture du célèbre conte, avec, cette fois-ci, des personnages réels... et quantité d'effets numériques. Je laisse à chacun le loisir de comparer l'intrigue avec l'une des plus anciennes versions du conte (qui diffère quelque peu).

   Que dire ? D'abord, que les images sont superbes. C'est de la belle enluminure (je recommande les paysages), avec des incrustations numériques qui doivent "donner" en version 3D. J'ai adoré tous ces personnages formés à partir d'objets animés (qui sont en fait d'anciens humains, victimes comme la Bête de la malédiction). C'est à ces personnages que l'on doit d'ailleurs les quelques moments d'humour.

   Du côté des humains, c'est bien joué, avec la dose d'extravagance qui sied à ce genre d'histoire. Luke Evans (vu récemment dans High Rise et La Fille du train) incarne avec talent le méchant de l'histoire, un beauf bravache et sans scrupule, qui arrive à embobiner la plupart des habitants du village... mais pas ma Choupinette ! Hermione Granger Emma Watson poursuit sa carrière cinématographique, moins d'un an après l'intéressant Colonia. Ce rôle de fille modèle, serviable, attachée à son père (et à la lecture), lui va comme un gant. Face à elle, Dan Stevens est plus convaincant en Bête qu'en homme normal. Au détour d'une scène, on peut aussi remarquer la présence de tel ou tel acteur connu (comme Emma Thompson ou Ian McKellen, déjà à l'affiche du précédent film de Bill Condon, Mr Holmes).

   Les acteurs secondaires, qui interprètent les villageois, sont utilisés pour dénoncer l'intolérance et la beauferie dont sont capables les humains. Car, aussi étonnant cela puisse-t-il paraître, cette production (très) grand public contient pas mal de messages. Il y est question d'amour, de la famille, du respect, de la tolérance, de la place des femmes (eh oui !) et aussi de la lecture. L'héroïne aime se plonger dans les pièces de Shakespeare. Son séjour forcé au château de la Bête va lui faire découvrir une fabuleuse bibliothèque... et des points communs avec son geôlier.

   L'ensemble serait presque parfait si l'action n'était pas entrecoupée d'imbitables chansons niaiseuses... en français de surcroît, puisque je n'ai eu accès qu'à la version doublée du film. On m'a donc privé de la voix de Choupinette ! Shocking ! Pour me consoler, j'ai eu le plaisir de la voir surmonter toutes les difficultés, la dernière étant l'assaut du château, au cours duquel la vie de la Bête est en danger.

   Les chansons mises à part, c'est un très bon divertissement familial.

La Belle et la Bête

   Disney nous offre une nouvelle lecture du célèbre conte, avec, cette fois-ci, des personnages réels... et quantité d'effets numériques. Je laisse à chacun le loisir de comparer l'intrigue avec l'une des plus anciennes versions du conte (qui diffère quelque peu).

   Que dire ? D'abord, que les images sont superbes. C'est de la belle enluminure (je recommande les paysages), avec des incrustations numériques qui doivent "donner" en version 3D. J'ai adoré tous ces personnages formés à partir d'objets animés (qui sont en fait d'anciens humains, victimes comme la Bête de la malédiction). C'est à ces personnages que l'on doit d'ailleurs les quelques moments d'humour.

   Du côté des humains, c'est bien joué, avec la dose d'extravagance qui sied à ce genre d'histoire. Luke Evans (vu récemment dans High Rise et La Fille du train) incarne avec talent le méchant de l'histoire, un beauf bravache et sans scrupule, qui arrive à embobiner la plupart des habitants du village... mais pas ma Choupinette ! Hermione Granger Emma Watson poursuit sa carrière cinématographique, moins d'un an après l'intéressant Colonia. Ce rôle de fille modèle, serviable, attachée à son père (et à la lecture), lui va comme un gant. Face à elle, Dan Stevens est plus convaincant en Bête qu'en homme normal. Au détour d'une scène, on peut aussi remarquer la présence de tel ou tel acteur connu (comme Emma Thompson ou Ian McKellen, déjà à l'affiche du précédent film de Bill Condon, Mr Holmes).

   Les acteurs secondaires, qui interprètent les villageois, sont utilisés pour dénoncer l'intolérance et la beauferie dont sont capables les humains. Car, aussi étonnant cela puisse-t-il paraître, cette production (très) grand public contient pas mal de messages. Il y est question d'amour, de la famille, du respect, de la tolérance, de la place des femmes (eh oui !) et aussi de la lecture. L'héroïne aime se plonger dans les pièces de Shakespeare. Son séjour forcé au château de la Bête va lui faire découvrir une fabuleuse bibliothèque... et des points communs avec son geôlier.

   L'ensemble serait presque parfait si l'action n'était pas entrecoupée d'imbitables chansons niaiseuses... en français de surcroît, puisque je n'ai eu accès qu'à la version doublée du film. On m'a donc privé de la voix de Choupinette ! Shocking ! Pour me consoler, j'ai eu le plaisir de la voir surmonter toutes les difficultés, la dernière étant l'assaut du château, au cours duquel la vie de la Bête est en danger.

   Les chansons mises à part, c'est un très bon divertissement familial.

Alien : Covenant

   Cinq ans après Prometheus, Ridley Scott nous ressert une tranche de prequel d'Alien. L'action se déroule une vingtaine d'années plus tard. La scène du début nous présente l'androïde David (Michael Fassbender, l'un des rares à sauver dans une distribution médiocre), celui qui a participé à la mission précédente. Si le décor est soigné, la scène est prétentieuse, mal dialoguée.

   La suite est un peu à cette image. On découvre, après un petit bond dans le temps, une nouvelle expédition spatiale, celle-ci à but colonial. Les images sont magnifiques. On pense à 2001, L'Odyssée de l'espace, à Mission to Mars ou encore à Passengers. Évidemment, un incident va faire déraper le projet d'origine, pour conduire nos héros à leur funeste destin.

   A partir de là, cela devient prévisible de chez prévisible. C'est encore pire que dans Prometheus. On sent tout venir à des kilomètres. Certaines scènes m'ont semblé calquées sur celles des précédents films. De surcroît, ces militaires et scientifiques chevronnés, censés avoir été préparés à la mission, se transforment en chochottes avec une incroyable facilité. On pourrait aussi parler des invraisemblances scénaristiques, qui facilitent le déroulement des péripéties. Seuls surnagent les deux androïdes, faux jumeaux et tellement proches des humains... jusqu'à leurs défauts. L'autre personnage remarquable est Daniels (Katherine Waterston)... un clone d'Ellen Ripley.

   Il n'y a que deux moments qui m'ont paru emballants : le combat sur le vaisseau au décollage, très rythmé, et le rêve de David, qui, visuellement, nous replonge dans l'univers des "ingénieurs" découverts dans Prometheus. Il se murmure que l'on reverrait ceux-ci dans le prochain opus. J'espère qu'il fera preuve d'un peu plus d'imagination, parce que là, le recyclage de boîtes de conserve donne au film un arrière-goût déplaisant.

Alien : Covenant

   Cinq ans après Prometheus, Ridley Scott nous ressert une tranche de prequel d'Alien. L'action se déroule une vingtaine d'années plus tard. La scène du début nous présente l'androïde David (Michael Fassbender, l'un des rares à sauver dans une distribution médiocre), celui qui a participé à la mission précédente. Si le décor est soigné, la scène est prétentieuse, mal dialoguée.

   La suite est un peu à cette image. On découvre, après un petit bond dans le temps, une nouvelle expédition spatiale, celle-ci à but colonial. Les images sont magnifiques. On pense à 2001, L'Odyssée de l'espace, à Mission to Mars ou encore à Passengers. Évidemment, un incident va faire déraper le projet d'origine, pour conduire nos héros à leur funeste destin.

   A partir de là, cela devient prévisible de chez prévisible. C'est encore pire que dans Prometheus. On sent tout venir à des kilomètres. Certaines scènes m'ont semblé calquées sur celles des précédents films. De surcroît, ces militaires et scientifiques chevronnés, censés avoir été préparés à la mission, se transforment en chochottes avec une incroyable facilité. On pourrait aussi parler des invraisemblances scénaristiques, qui facilitent le déroulement des péripéties. Seuls surnagent les deux androïdes, faux jumeaux et tellement proches des humains... jusqu'à leurs défauts. L'autre personnage remarquable est Daniels (Katherine Waterston)... un clone d'Ellen Ripley.

   Il n'y a que deux moments qui m'ont paru emballants : le combat sur le vaisseau au décollage, très rythmé, et le rêve de David, qui, visuellement, nous replonge dans l'univers des "ingénieurs" découverts dans Prometheus. Il se murmure que l'on reverrait ceux-ci dans le prochain opus. J'espère qu'il fera preuve d'un peu plus d'imagination, parce que là, le recyclage de boîtes de conserve donne au film un arrière-goût déplaisant.

Braquage à l'ancienne

   L'un des nouveaux chouchous de Hollywood, Zach Braff, pilote cette nouvelle version de Going in style, sur un scénario de Theodore Melfi (qui a récemment réalisé Les Figures de l'ombre). Comme il s'appuie principalement sur une distribution d'octogénaires (Morgan Freeman, Michael Caine, Alan Arkin et même Christopher Lloyd), j'ai eu peur, dans un premier temps, qu'il s'agisse d'une nouvelle comédie vulgaire, où viennent cachetonner d'anciennes gloires qui n'arrivent pas à décrocher. Bref, un Last Vegas bis.

   Le début m'a rassuré. C'est emballant et drôle, avec notamment la première attaque de banque, au cours de laquelle on découvre l'un des savoureux seconds rôles de l'histoire, l'employé Chuck Lofton, bien interprété par Josh Pais.

   Notons que le fond de l'intrigue se veut contestataire. Nos trois héros sont d'anciens ouvriers, dont les retraites complémentaires (vitales aux Etats-Unis, où le gouvernement fédéral n'assure que le minimum vieillesse) vont être "sucrées" par leur ancien employeur qui déménage avec armes et bagages au Vietnam. Ajoutez à cela que l'un d'entre eux a souscrit un emprunt à taux variable auprès de la banque qui va récupérer les actifs financiers de l'entreprise... et que ladite banque n'est pas très honnête avec ses clients.

   Là, je sens que le public militant risque de s'enthousiasmer pour cette histoire, dans laquelle nos amis mélenchonistes verront une illustration du capitalisme sans foi ni loi, tandis que nos voisins trumpo-lepénistes applaudiront à la dénonciation du "système" qui oppresse les travailleurs modestes. Un indice pour trancher entre les deux options : soyez attentifs aux relations interethniques.

   Quant aux spectateurs lambda, ils sont priés de fermer les yeux sur quelques grosses ficelles pour savourer des moments de comédie réussis. Le trio infernal va s'attaquer à une supérette, avant de songer à recourir au coaching d'un vrai truand. Evidemment, le jour dit, le braquage ne va pas se dérouler comme prévu. C'est l'occasion de revoir l'un des personnages secondaires du début, le policier du FBI incarné par Matt Dillon, qui va tenter de ne pas se faire rouler dans la farine par les papys braqueurs. Après coup, on découvre comment ceux-ci se sont forgé des alibis en béton.

   Voilà. On passe un agréable moment en compagnie de visages familiers. C'est hyper-balisé mais globalement bien joué.

Braquage à l'ancienne

   L'un des nouveaux chouchous de Hollywood, Zach Braff, pilote cette nouvelle version de Going in style, sur un scénario de Theodore Melfi (qui a récemment réalisé Les Figures de l'ombre). Comme il s'appuie principalement sur une distribution d'octogénaires (Morgan Freeman, Michael Caine, Alan Arkin et même Christopher Lloyd), j'ai eu peur, dans un premier temps, qu'il s'agisse d'une nouvelle comédie vulgaire, où viennent cachetonner d'anciennes gloires qui n'arrivent pas à décrocher. Bref, un Last Vegas bis.

   Le début m'a rassuré. C'est emballant et drôle, avec notamment la première attaque de banque, au cours de laquelle on découvre l'un des savoureux seconds rôles de l'histoire, l'employé Chuck Lofton, bien interprété par Josh Pais.

   Notons que le fond de l'intrigue se veut contestataire. Nos trois héros sont d'anciens ouvriers, dont les retraites complémentaires (vitales aux Etats-Unis, où le gouvernement fédéral n'assure que le minimum vieillesse) vont être "sucrées" par leur ancien employeur qui déménage avec armes et bagages au Vietnam. Ajoutez à cela que l'un d'entre eux a souscrit un emprunt à taux variable auprès de la banque qui va récupérer les actifs financiers de l'entreprise... et que ladite banque n'est pas très honnête avec ses clients.

   Là, je sens que le public militant risque de s'enthousiasmer pour cette histoire, dans laquelle nos amis mélenchonistes verront une illustration du capitalisme sans foi ni loi, tandis que nos voisins trumpo-lepénistes applaudiront à la dénonciation du "système" qui oppresse les travailleurs modestes. Un indice pour trancher entre les deux options : soyez attentifs aux relations interethniques.

   Quant aux spectateurs lambda, ils sont priés de fermer les yeux sur quelques grosses ficelles pour savourer des moments de comédie réussis. Le trio infernal va s'attaquer à une supérette, avant de songer à recourir au coaching d'un vrai truand. Evidemment, le jour dit, le braquage ne va pas se dérouler comme prévu. C'est l'occasion de revoir l'un des personnages secondaires du début, le policier du FBI incarné par Matt Dillon, qui va tenter de ne pas se faire rouler dans la farine par les papys braqueurs. Après coup, on découvre comment ceux-ci se sont forgé des alibis en béton.

   Voilà. On passe un agréable moment en compagnie de visages familiers. C'est hyper-balisé mais globalement bien joué.

L'Opéra

   Ce documentaire est signé Jean-Stéphane Bron, auquel on doit L'Expérience Blocher et surtout Cleveland contre Wall Street. Il est consacré à l'Opéra de Paris, une institution française s'étendant sur deux sites (Garnier et Bastille) et développant deux activités principales : la représentation lyrique et le ballet. C'est cet ensemble qui fait l'objet du film, toutefois davantage porté sur la partie opéra, durant la saison 2015-2016.

   Le début est un hommage à Paris, vue du dernier étage. Au premier plan est érigé un drapeau français. Au loin, on distingue l'église Notre-Dame, la Tour Eiffel et les immeubles du quartier de la Défense. C'est le repaire du directeur de l'établissement, Stéphane Lissner, qu'on saisit en pleine réunion. Le montage est habile : les propos tenus sont entrecoupés de fulgurances musicales, qui soulignent ce qui est dit ou viennent parfois en contrepoint. Dès le début, on sent qu'on a affaire à quelqu'un qui connaît son sujet.

   C'est d'ailleurs une constante dans le film. Bron manifeste un incontestable savoir-faire dans le choix de ses cadres. Le travail des différentes catégories de personnel est correctement mis en scène, avec une grande variété de plans. Je trouve par exemple que les coulisses sont très bien filmées, en interne ou pour montrer ce qui se passe sur la scène.

   Bien entendu, on entend du chant et de la musique. Du côté vocal, je garantis que, même en répétition, les artistes sont impressionnants. (La qualité du son est très bonne.) Notons que l'on voit et entend surtout des hommes, l'un d'entre eux, Mikhail Timoshenko, un Russe de 21 ans issu d'une bourgade du sud de l'Oural, bénéficiant de la couverture la plus étendue. Avec sa gueule d'ange, sa voix d'or et sa simplicité, gageons que c'est une future star de l'art lyrique. Comparée aux figures masculines, très positives, la seule grande chanteuse qui nous est présentée est limite antipathique. Elle se la joue diva. Certes, elle est belle et, quand on l'entend, on comprend tout de suite qu'elle a du talent. Mais on perçoit assez rapidement son narcissisme (à travers sa dépendance au téléphone portable) et son comportement un peu méprisant avec le "petit personnel".

   Celui-ci est mis en valeur par le réalisateur. On découvre les coiffeuses, les maquilleuses, les costumières (tardivement toutefois). On suit davantage les assistantes, au service des vedettes, discrètes, efficaces... et un peu mélomanes. Bien que le film dure 1h50, on n'a pas le temps de voir en détail toutes les corporations au travail, mais on a quand même un aperçu assez complet de la machinerie d'un opéra... en fait de plusieurs (contrairement à un autre documentaire, Traviata et nous, centré sur la préparation d'une seule oeuvre). Les extraits de représentation qui nous sont proposés permettent de se faire une idée de l'éclectisme de la programmation, qui, cette année-là, proposait aussi bien une relecture contemporaine de Moïse et Aaron qu'une nouvelle adaptation, haute en couleurs, des Maîtres Chanteurs de Nuremberg.

   Un détail cocasse semble avoir marqué J-S Bron : l'utilisation d'un vrai taureau comme figurant, sur scène, suscitant beaucoup d'inquiétude parmi la troupe. Signalons que ce "rôle" particulier a fait l'objet d'un casting, l'un des prétendants portant un nom de bon augure : "Fiasco" ! Pour la petite histoire, sachez que lauréat a pour identité "Easy Rider". Il a été davantage bichonné qu'un caniche chez le toiletteur ! Et quelle magnifique paire de couilles !

   Le hasard a voulu que la saison 2015-2016 soit particulièrement mouvementée. On perçoit les échos des massacres de Paris de novembre 2015 et des mouvements sociaux de 2016. Des tensions agitent le personnel, qu'on sent divisé mais représenté par des syndicats puissants. En simplifiant à l'extrême, il semblerait que les chanteurs-vedettes et les membres de l'orchestre (dirigé par le charismatique Philippe Jordan) soient des adeptes de l'art pour l'art, pour qui jouer/chanter est plus important que tout, alors que du côté du choeur et du ballet, on soit plus sensible à ce qu'il se passe de l'autre côté des murs.

   Cela m'amène à l'un de mes regrets : la faible présence à l'écran des ballerines et danseuses-étoiles. On les voit un petit peu au début puis, par fragrances, par la suite. A chaque fois, je suis touché par la grâce qui émane de leurs mouvements. Le réalisateur prend aussi soin de nous montrer le revers de la médaille : les pieds déformés d'une danseuse et l'épuisement d'une autre, juste après une scène. Il est aussi possible que les conflits qui ont agité la composante ballet de l'opéra aient perturbé la réalisation du documentaire. Sans être du sérail, on comprend que les relations entre l'enfant chéri des médias Benjamin Millepied (Monsieur Portman au civil) et la troupe de danseurs ont été houleuses.

   Mais tout cela nous fait rester dans un monde assez élitiste, un entre-soi encouragé par le prix élevé des places (aucun opéra à moins de 160 euros, à l'époque !). On voit la direction réfléchir au nécessaire élargissement du public, alors que, dans le même temps, l'Etat impose des compressions de personnel. Cela nous mène à une expérience intéressante, une classe "école et opéra", composée d'élèves du primaire appartenant tous aux "minorités visibles". (Au passage, il faudrait faire comprendre aux élites bien-pensantes que les descendants d'immigrés ne constituent pas le seul public exclu de la culture classique...) On est attendri en suivant ces bouilles enfantines presque gênées de manipuler des instruments d'une valeur faramineuse. Par contre, je déconseille l'audition de la production finale (un concert devant les familles) : ça fait mal aux oreilles ! (Pour une belle interprétation du deuxième mouvement de la septième symphonie de Beethoven, voir ici.)

 

L'Opéra

   Ce documentaire est signé Jean-Stéphane Bron, auquel on doit L'Expérience Blocher et surtout Cleveland contre Wall Street. Il est consacré à l'Opéra de Paris, une institution française s'étendant sur deux sites (Garnier et Bastille) et développant deux activités principales : la représentation lyrique et le ballet. C'est cet ensemble qui fait l'objet du film, toutefois davantage porté sur la partie opéra, durant la saison 2015-2016.

   Le début est un hommage à Paris, vue du dernier étage. Au premier plan est érigé un drapeau français. Au loin, on distingue l'église Notre-Dame, la Tour Eiffel et les immeubles du quartier de la Défense. C'est le repaire du directeur de l'établissement, Stéphane Lissner, qu'on saisit en pleine réunion. Le montage est habile : les propos tenus sont entrecoupés de fulgurances musicales, qui soulignent ce qui est dit ou viennent parfois en contrepoint. Dès le début, on sent qu'on a affaire à quelqu'un qui connaît son sujet.

   C'est d'ailleurs une constante dans le film. Bron manifeste un incontestable savoir-faire dans le choix de ses cadres. Le travail des différentes catégories de personnel est correctement mis en scène, avec une grande variété de plans. Je trouve par exemple que les coulisses sont très bien filmées, en interne ou pour montrer ce qui se passe sur la scène.

   Bien entendu, on entend du chant et de la musique. Du côté vocal, je garantis que, même en répétition, les artistes sont impressionnants. (La qualité du son est très bonne.) Notons que l'on voit et entend surtout des hommes, l'un d'entre eux, Mikhail Timoshenko, un Russe de 21 ans issu d'une bourgade du sud de l'Oural, bénéficiant de la couverture la plus étendue. Avec sa gueule d'ange, sa voix d'or et sa simplicité, gageons que c'est une future star de l'art lyrique. Comparée aux figures masculines, très positives, la seule grande chanteuse qui nous est présentée est limite antipathique. Elle se la joue diva. Certes, elle est belle et, quand on l'entend, on comprend tout de suite qu'elle a du talent. Mais on perçoit assez rapidement son narcissisme (à travers sa dépendance au téléphone portable) et son comportement un peu méprisant avec le "petit personnel".

   Celui-ci est mis en valeur par le réalisateur. On découvre les coiffeuses, les maquilleuses, les costumières (tardivement toutefois). On suit davantage les assistantes, au service des vedettes, discrètes, efficaces... et un peu mélomanes. Bien que le film dure 1h50, on n'a pas le temps de voir en détail toutes les corporations au travail, mais on a quand même un aperçu assez complet de la machinerie d'un opéra... en fait de plusieurs (contrairement à un autre documentaire, Traviata et nous, centré sur la préparation d'une seule oeuvre). Les extraits de représentation qui nous sont proposés permettent de se faire une idée de l'éclectisme de la programmation, qui, cette année-là, proposait aussi bien une relecture contemporaine de Moïse et Aaron qu'une nouvelle adaptation, haute en couleurs, des Maîtres Chanteurs de Nuremberg.

   Un détail cocasse semble avoir marqué J-S Bron : l'utilisation d'un vrai taureau comme figurant, sur scène, suscitant beaucoup d'inquiétude parmi la troupe. Signalons que ce "rôle" particulier a fait l'objet d'un casting, l'un des prétendants portant un nom de bon augure : "Fiasco" ! Pour la petite histoire, sachez que lauréat a pour identité "Easy Rider". Il a été davantage bichonné qu'un caniche chez le toiletteur ! Et quelle magnifique paire de couilles !

   Le hasard a voulu que la saison 2015-2016 soit particulièrement mouvementée. On perçoit les échos des massacres de Paris de novembre 2015 et des mouvements sociaux de 2016. Des tensions agitent le personnel, qu'on sent divisé mais représenté par des syndicats puissants. En simplifiant à l'extrême, il semblerait que les chanteurs-vedettes et les membres de l'orchestre (dirigé par le charismatique Philippe Jordan) soient des adeptes de l'art pour l'art, pour qui jouer/chanter est plus important que tout, alors que du côté du choeur et du ballet, on soit plus sensible à ce qu'il se passe de l'autre côté des murs.

   Cela m'amène à l'un de mes regrets : la faible présence à l'écran des ballerines et danseuses-étoiles. On les voit un petit peu au début puis, par fragrances, par la suite. A chaque fois, je suis touché par la grâce qui émane de leurs mouvements. Le réalisateur prend aussi soin de nous montrer le revers de la médaille : les pieds déformés d'une danseuse et l'épuisement d'une autre, juste après une scène. Il est aussi possible que les conflits qui ont agité la composante ballet de l'opéra aient perturbé la réalisation du documentaire. Sans être du sérail, on comprend que les relations entre l'enfant chéri des médias Benjamin Millepied (Monsieur Portman au civil) et la troupe de danseurs ont été houleuses.

   Mais tout cela nous fait rester dans un monde assez élitiste, un entre-soi encouragé par le prix élevé des places (aucun opéra à moins de 160 euros, à l'époque !). On voit la direction réfléchir au nécessaire élargissement du public, alors que, dans le même temps, l'Etat impose des compressions de personnel. Cela nous mène à une expérience intéressante, une classe "école et opéra", composée d'élèves du primaire appartenant tous aux "minorités visibles". (Au passage, il faudrait faire comprendre aux élites bien-pensantes que les descendants d'immigrés ne constituent pas le seul public exclu de la culture classique...) On est attendri en suivant ces bouilles enfantines presque gênées de manipuler des instruments d'une valeur faramineuse. Par contre, je déconseille l'audition de la production finale (un concert devant les familles) : ça fait mal aux oreilles ! (Pour une belle interprétation du deuxième mouvement de la septième symphonie de Beethoven, voir ici.)

 

Outsider

   Un peu par hasard (et parce que le cinéma de Rodez le propose aussi bien en version originale sous-titrée qu'en version doublée), je suis allé voir ce drôle de film, une sorte de biopic d'entrée de gamme sur l'un des plus méconnus des types très connus, Chuck Wepner.

   Ce boxeur poids-lourd a connu son heure de gloire dans les années 1970. A l'époque, il était le seul Blanc bien classé dans sa catégorie... et il a failli mettre au tapis Cassius Clay Mohamed Ali, qui venait pourtant de regagner son titre après un combat mythique contre George Foreman. Son parcours a d'ailleurs inspiré le personnage de Rocky à Sylvester Stallone.

   Le grand intérêt de ce film est de montrer l'envers de la légende. L'histoire de Rocky (la fictive) est une énième version du "Rêve américain", avec une fin heureuse. Celle de Chuck Wepner illustre la fragilité du succès. Elle ne cache pas les (nombreux) défauts de son héros, qui a rapidement sombré dans l'alcool, la drogue et les femmes vénales. Liev Schreiber excelle à incarner ce pauvre type pas très futé. Dans cette entreprise, il est (efficacement) épaulé par des seconds rôles de luxe : Elisabeth Moss (High-Rise, Truth), Naomi Watts (épatante en tenancière de bar) et Ron Perlman (l'inoubliable Salvatore du Nom de la rose).

   D'un point de vue filmique, on s'est efforcé de reconstituer l'ambiance des années 1970... avec la musique d'époque. Chouette ! Quant aux combats de boxe, ils sont très correctement mis en scène, de manière sobre et réaliste.

   Certaines mauvaises langues ont beau parler d'un "Raging Bull du pauvre", ce film n'en mérite pas moins le détour, ne serait-ce que pour mieux comprendre la saga des Rocky.

   P.S.

   Des fans ont créé une page Facebook en l'honneur de Chuck Wepner !

Outsider

   Un peu par hasard (et parce que le cinéma de Rodez le propose aussi bien en version originale sous-titrée qu'en version doublée), je suis allé voir ce drôle de film, une sorte de biopic d'entrée de gamme sur l'un des plus méconnus des types très connus, Chuck Wepner.

   Ce boxeur poids-lourd a connu son heure de gloire dans les années 1970. A l'époque, il était le seul Blanc bien classé dans sa catégorie... et il a failli mettre au tapis Cassius Clay Mohamed Ali, qui venait pourtant de regagner son titre après un combat mythique contre George Foreman. Son parcours a d'ailleurs inspiré le personnage de Rocky à Sylvester Stallone.

   Le grand intérêt de ce film est de montrer l'envers de la légende. L'histoire de Rocky (la fictive) est une énième version du "Rêve américain", avec une fin heureuse. Celle de Chuck Wepner illustre la fragilité du succès. Elle ne cache pas les (nombreux) défauts de son héros, qui a rapidement sombré dans l'alcool, la drogue et les femmes vénales. Liev Schreiber excelle à incarner ce pauvre type pas très futé. Dans cette entreprise, il est (efficacement) épaulé par des seconds rôles de luxe : Elisabeth Moss (High-Rise, Truth), Naomi Watts (épatante en tenancière de bar) et Ron Perlman (l'inoubliable Salvatore du Nom de la rose).

   D'un point de vue filmique, on s'est efforcé de reconstituer l'ambiance des années 1970... avec la musique d'époque. Chouette ! Quant aux combats de boxe, ils sont très correctement mis en scène, de manière sobre et réaliste.

   Certaines mauvaises langues ont beau parler d'un "Raging Bull du pauvre", ce film n'en mérite pas moins le détour, ne serait-ce que pour mieux comprendre la saga des Rocky.

   P.S.

   Des fans ont créé une page Facebook en l'honneur de Chuck Wepner !

Citoyen d'honneur

   Ce citoyen est Daniel Mantovani, un écrivain argentin (fictif), qui vient d'obtenir le prix Nobel de littérature. S'il a puisé son inspiration dans son enfance et sa jeunesse, passées dans un bourg argentin, il vit depuis des années en Europe, principalement à Barcelone, dans une somptueuse demeure. Il est sollicité de partout, mais s'inquiète surtout de son incapacité à se remettre au travail. Moitié pour échapper aux sollicitations, moitié par curiosité, il finit par accepter la proposition du maire de son village natal, qui veut le faire citoyen d'honneur, à l'issue de quatre jours de manifestations.

   Dans la première partie du séjour argentin du héros (parfaitement incarné par Oscar Martinez, qu'on a vu dans Les Nouveaux Sauvages), c'est le ton de la comédie qui domine. Le chauffeur qui vient chercher le grrrand écrivain à l'aéroport est assez limité sur le plan intellectuel (un peu à l'image des habitants du village) et Daniel réalise qu'en dépit des efforts fournis par ses hôtes, il va devoir supporter durant quelques jours des conditions de vie auxquelles il n'est plus habitué. (Soyez attentifs aux usages qui sont faits des pages d'un roman...)

   Le héros va revoir son premier amour et un ancien ami. Il va croiser les enfants de ceux qu'il a connus jadis... et faire de nouvelles rencontres, plus ou moins enthousiasmantes. C'est souvent bien vu, cocasse, pas très gentil pour les habitants de cette région reculée. L'écrivain, qui incarne le savoir, la culture, a le beau rôle.

   Mais, petit à petit, le voile se lève. Comme Daniel s'est beaucoup inspiré de ses souvenirs du village pour écrire ses romans, les habitants qui ont lu ceux-ci n'ont pas toujours apprécié de s'y retrouver, même sous la forme de personnages retouchés. Et puis le fossé culturel qui sépare même les élites locales (pleines de bonne volonté mais assez conservatrices) du littérateur mondialisé (qu'on sent plutôt de gauche... enfin d'une gauche "caviar") apparaît de plus en plus béant. Jusqu'où les apparences vont-elles craquer ?

   L'ensemble forme une très bonne satire à la fois du milieu littéraire et (surtout) du monde provincial. Dans ce village, l'alcool coule à flots, on ne se déplace quasiment qu'en voiture (la plus grosse possible), les femmes n'ont pas trop voix au chapitre et les hommes portent des armes. Du coup, l'intrigue subit une inflexion qui la tire vers le thriller... mais un thriller sud-américain parodique ! Les seconds rôles sont excellemment interprétés par des acteurs qui rendent totalement crédible une jolie bande de dingos !

Citoyen d'honneur

   Ce citoyen est Daniel Mantovani, un écrivain argentin (fictif), qui vient d'obtenir le prix Nobel de littérature. S'il a puisé son inspiration dans son enfance et sa jeunesse, passées dans un bourg argentin, il vit depuis des années en Europe, principalement à Barcelone, dans une somptueuse demeure. Il est sollicité de partout, mais s'inquiète surtout de son incapacité à se remettre au travail. Moitié pour échapper aux sollicitations, moitié par curiosité, il finit par accepter la proposition du maire de son village natal, qui veut le faire citoyen d'honneur, à l'issue de quatre jours de manifestations.

   Dans la première partie du séjour argentin du héros (parfaitement incarné par Oscar Martinez, qu'on a vu dans Les Nouveaux Sauvages), c'est le ton de la comédie qui domine. Le chauffeur qui vient chercher le grrrand écrivain à l'aéroport est assez limité sur le plan intellectuel (un peu à l'image des habitants du village) et Daniel réalise qu'en dépit des efforts fournis par ses hôtes, il va devoir supporter durant quelques jours des conditions de vie auxquelles il n'est plus habitué. (Soyez attentifs aux usages qui sont faits des pages d'un roman...)

   Le héros va revoir son premier amour et un ancien ami. Il va croiser les enfants de ceux qu'il a connus jadis... et faire de nouvelles rencontres, plus ou moins enthousiasmantes. C'est souvent bien vu, cocasse, pas très gentil pour les habitants de cette région reculée. L'écrivain, qui incarne le savoir, la culture, a le beau rôle.

   Mais, petit à petit, le voile se lève. Comme Daniel s'est beaucoup inspiré de ses souvenirs du village pour écrire ses romans, les habitants qui ont lu ceux-ci n'ont pas toujours apprécié de s'y retrouver, même sous la forme de personnages retouchés. Et puis le fossé culturel qui sépare même les élites locales (pleines de bonne volonté mais assez conservatrices) du littérateur mondialisé (qu'on sent plutôt de gauche... enfin d'une gauche "caviar") apparaît de plus en plus béant. Jusqu'où les apparences vont-elles craquer ?

   L'ensemble forme une très bonne satire à la fois du milieu littéraire et (surtout) du monde provincial. Dans ce village, l'alcool coule à flots, on ne se déplace quasiment qu'en voiture (la plus grosse possible), les femmes n'ont pas trop voix au chapitre et les hommes portent des armes. Du coup, l'intrigue subit une inflexion qui la tire vers le thriller... mais un thriller sud-américain parodique ! Les seconds rôles sont excellemment interprétés par des acteurs qui rendent totalement crédible une jolie bande de dingos !

Voyage of Time

   Dans son documentaire d'1h30, le cinéaste Terrence Malick ambitionne de nous raconter l'histoire de la vie sur Terre... et son sens. Pour ce faire, il s'est appuyé sur de nombreuses images de synthèse et des extraits d'autres oeuvres (j'ai reconnu au moins un passage d'Océans, de Jacques Perrin). Précisons tout de suite que le commentaire elliptique lu par Cate Blanchett n'est d'aucun intérêt.

   Le début évoque le big bang. Ne vous imaginez pas un feu d'artifice hyper-bruyant. Cela n'empêche pas les images d'être superbes. Elles introduisent les spectateurs dans le monde philosophique du réalisateur, à cheval entre animisme et panthéisme. A l'écran, il semble qu'on a volontairement fait prendre des formes vivantes à certains phénomènes astronomiques. J'ai ainsi en tête des explosions gigantesques formant comme des yeux... une scène à laquelle répond plus tard, de manière inversée, ce (superbe) très gros plan de l'oeil d'un reptile, dans lequel se reflète le ciel.

   On retrouve à plusieurs reprises cette volonté de relier les phénomènes naturels à des êtres vivants. Là, je pense à ces éruptions volcaniques sous-marines (sans doute tournées au niveau d'une dorsale océanique) ou encore à une coulée de lave finissante, aux reflets argentés, qui prend la forme d'un animal mourant couché sur le flanc.

   Pour les amateurs de documentaires nombre de ces images auront un goût de déjà-vu. Ceci dit, dans une grande salle, avec de la bonne musique classique en fond sonore, c'est assez chouette. L'apparition de la vie sur Terre nous conduit à des passages obligés, d'abord sous la mer, puis sur le sol, des poissons aux dinosaures, en passant par le dipneuste et les baleines. Celles-ci sont vraiment majestueuses, très lentes comparées à l'otarie facétieuse.

   Les mammifères constituent l'aboutissement de cette évolution. Dans sa partie chronologique, le film s'arrête aux hommes préhistoriques, présentés de manière succincte. Mais la trame du documentaire est entrecoupée de petites séquences contemporaines, d'une moins grande qualité filmique, mais porteuses de sens. D'un côté, Malick semble avoir voulu montrer la dignité de gens simples, comme cette femme au cimetière ou cette grand-mère (sans doute française) qui emmène ses cochons paître dans les prés. D'un autre côté, on sent la désolation du réalisateur devant la violence et la bêtise dont homo sapiens est parfois capable. Des bovins martyrisés aux sans-domicile abandonnés, l'auteur pointe certaines des imperfections des sociétés humaines, qui sont pourtant les héritières d'une évolution extrêmement longue, qui a mis en jeu des forces colossales.

   Dit comme cela, je donne peut-être l'impression d'avoir été passionné par ce film. En réalité non. Il est très inégal, comportant des moments magiques comme d'autres ennuyeux. (J'ai d'ailleurs piqué du nez une fois ou deux.) Le commentaire n'étant d'aucune utilité, c'est aux spectateurs de faire l'effort de réflexion pour trouver le sens que Malick a donné à son montage. Vous voilà prévenus !

Voyage of Time

   Dans son documentaire d'1h30, le cinéaste Terrence Malick ambitionne de nous raconter l'histoire de la vie sur Terre... et son sens. Pour ce faire, il s'est appuyé sur de nombreuses images de synthèse et des extraits d'autres oeuvres (j'ai reconnu au moins un passage d'Océans, de Jacques Perrin). Précisons tout de suite que le commentaire elliptique lu par Cate Blanchett n'est d'aucun intérêt.

   Le début évoque le big bang. Ne vous imaginez pas un feu d'artifice hyper-bruyant. Cela n'empêche pas les images d'être superbes. Elles introduisent les spectateurs dans le monde philosophique du réalisateur, à cheval entre animisme et panthéisme. A l'écran, il semble qu'on a volontairement fait prendre des formes vivantes à certains phénomènes astronomiques. J'ai ainsi en tête des explosions gigantesques formant comme des yeux... une scène à laquelle répond plus tard, de manière inversée, ce (superbe) très gros plan de l'oeil d'un reptile, dans lequel se reflète le ciel.

   On retrouve à plusieurs reprises cette volonté de relier les phénomènes naturels à des êtres vivants. Là, je pense à ces éruptions volcaniques sous-marines (sans doute tournées au niveau d'une dorsale océanique) ou encore à une coulée de lave finissante, aux reflets argentés, qui prend la forme d'un animal mourant couché sur le flanc.

   Pour les amateurs de documentaires nombre de ces images auront un goût de déjà-vu. Ceci dit, dans une grande salle, avec de la bonne musique classique en fond sonore, c'est assez chouette. L'apparition de la vie sur Terre nous conduit à des passages obligés, d'abord sous la mer, puis sur le sol, des poissons aux dinosaures, en passant par le dipneuste et les baleines. Celles-ci sont vraiment majestueuses, très lentes comparées à l'otarie facétieuse.

   Les mammifères constituent l'aboutissement de cette évolution. Dans sa partie chronologique, le film s'arrête aux hommes préhistoriques, présentés de manière succincte. Mais la trame du documentaire est entrecoupée de petites séquences contemporaines, d'une moins grande qualité filmique, mais porteuses de sens. D'un côté, Malick semble avoir voulu montrer la dignité de gens simples, comme cette femme au cimetière ou cette grand-mère (sans doute française) qui emmène ses cochons paître dans les prés. D'un autre côté, on sent la désolation du réalisateur devant la violence et la bêtise dont homo sapiens est parfois capable. Des bovins martyrisés aux sans-domicile abandonnés, l'auteur pointe certaines des imperfections des sociétés humaines, qui sont pourtant les héritières d'une évolution extrêmement longue, qui a mis en jeu des forces colossales.

   Dit comme cela, je donne peut-être l'impression d'avoir été passionné par ce film. En réalité non. Il est très inégal, comportant des moments magiques comme d'autres ennuyeux. (J'ai d'ailleurs piqué du nez une fois ou deux.) Le commentaire n'étant d'aucune utilité, c'est aux spectateurs de faire l'effort de réflexion pour trouver le sens que Malick a donné à son montage. Vous voilà prévenus !

The Young Lady

   Cet étonnant film mélange chronique de l'Angleterre rurale victorienne et drame shakespearien (son titre anglais est Lady Macbeth). Dès le début, l'ambiance est plantée, quelque part entre les romans de Balzac et Les Hauts de Hurlevent. Katherine, une jeune (ravissante) oie blanche, est "offerte" en mariage à un homme beaucoup plus âgé qu'elle, qui vit lui-même sous l'autorité d'un père autoritaire. La nouvelle épouse, qui dispose de serviteurs, est confinée dans les bâtiments du manoir, alors qu'elle rêve de se perdre dans la lande voisine.

   La mise en scène, rigoureuse, minutieuse, nous fait sentir le poids de la domination qui s'exerce sur la jeune femme, ainsi que sur les serviteurs, avec lesquels elle commence d'ailleurs à prendre de l'assurance. C'est le moment de signaler l'excellente composition de deux actrices, Florence Pugh (stupéfiante dans le rôle de Katherine) et Naomi Ackie (excellente dans la peau d'une servante).

   La jeune épouse va profiter de l'absence conjuguée des deux maîtres de maison pour sortir de sa coquille. Elle se risque enfin à l'extérieur... et va découvrir des plaisirs auxquels son mari a été incapable de l'initier. Et voilà que ce qui n'était qu'une chronique sociale bascule dans la passion froide. La mise en scène s'adapte parfaitement à ce changement... et tend à nous montrer que ce qui apparaît, dans un premier temps, comme une libération, pourrait se révéler tout aussi étouffant que la domination initiale.

   De victime, l'héroïne Katherine va se muer en prédatrice, brisant un à un une série de tabous que je laisse à chacun le plaisir de découvrir. Je peux juste vous dire que l'une des scènes de la seconde partie, pourtant allusive, a choqué certains spectateurs de la salle où je me trouvais.

   Si vous aimez de temps à autre prendre une bonne claque au cinéma, ruez-vous sur ce film, brillant écrin pour une grande actrice en devenir.

The Young Lady

   Cet étonnant film mélange chronique de l'Angleterre rurale victorienne et drame shakespearien (son titre anglais est Lady Macbeth). Dès le début, l'ambiance est plantée, quelque part entre les romans de Balzac et Les Hauts de Hurlevent. Katherine, une jeune (ravissante) oie blanche, est "offerte" en mariage à un homme beaucoup plus âgé qu'elle, qui vit lui-même sous l'autorité d'un père autoritaire. La nouvelle épouse, qui dispose de serviteurs, est confinée dans les bâtiments du manoir, alors qu'elle rêve de se perdre dans la lande voisine.

   La mise en scène, rigoureuse, minutieuse, nous fait sentir le poids de la domination qui s'exerce sur la jeune femme, ainsi que sur les serviteurs, avec lesquels elle commence d'ailleurs à prendre de l'assurance. C'est le moment de signaler l'excellente composition de deux actrices, Florence Pugh (stupéfiante dans le rôle de Katherine) et Naomi Ackie (excellente dans la peau d'une servante).

   La jeune épouse va profiter de l'absence conjuguée des deux maîtres de maison pour sortir de sa coquille. Elle se risque enfin à l'extérieur... et va découvrir des plaisirs auxquels son mari a été incapable de l'initier. Et voilà que ce qui n'était qu'une chronique sociale bascule dans la passion froide. La mise en scène s'adapte parfaitement à ce changement... et tend à nous montrer que ce qui apparaît, dans un premier temps, comme une libération, pourrait se révéler tout aussi étouffant que la domination initiale.

   De victime, l'héroïne Katherine va se muer en prédatrice, brisant un à un une série de tabous que je laisse à chacun le plaisir de découvrir. Je peux juste vous dire que l'une des scènes de la seconde partie, pourtant allusive, a choqué certains spectateurs de la salle où je me trouvais.

   Si vous aimez de temps à autre prendre une bonne claque au cinéma, ruez-vous sur ce film, brillant écrin pour une grande actrice en devenir.

Les Figures de l'ombre

   Ce film est enfin arrivé à Rodez et il est disponible aussi bien en version originale qu'en version doublée. Il décrit le parcours de trois femmes hors du commun, qui ont su s'imposer dans le monde de la recherche spatiale des années 1960. Un monde très masculin... et quasi exclusivement blanc, alors que les héroïnes sont "colored" :

   De gauche à droite on a d'abord Dorothy Vaughn (Octavia Spencer encore une fois excellente, tout comme dans Get on up et La Couleur des sentiments), la mieux placée au début de l'histoire, mais qui se heurte au double plafond de verre, qui bloque la progression de carrière des femmes et des Noirs.

   Au centre se trouve la plus brillante du groupe, Katherine Johnson, mathématicienne experte, incarnée avec talent par Taraji P. Henson, remarquée notamment dans la série Person of interest. A droite se trouve la beauté du groupe, Mary Jackson (Janelle Monae, pétulante), qui ambitionne de devenir ingénieure.

   Dès le début, on est cueilli par une superbe scène "vintage" montrant la jeune Katherine épatant ses camarades et son professeur de mathématiques, alors qu'elle est haute comme trois pommes. On la retrouve des années plus tard, en compagnie des deux autres héroïnes, dans une voiture qui tombe en panne sur la route des bureaux de la Nasa. Là se déroule l'un des moments d'anthologie du film, avec l'arrivée d'un policier blanc redneck. On est en Virginie, au début des années 1960. On sent immédiatement que la situation pourrait déraper. Le réalisateur (Theodore Melfi) retourne la scène avec habileté... et un incontestable sens du comique.

   C'est la marque de fabrique de ce film. Il aborde des questions graves (la misogynie, la ségrégation) sur un ton volontiers caustique. Cela culmine dans l'utilisation des toilettes : rien n'a été prévu pour la nouvelle calculatrice noire du centre névralgique, ce qui contraint l'héroïne à pratiquer une épuisante gymnastique.

   De leur côté, les hommes, blancs comme noirs, en prennent pour leur grade. Chez les Noirs, le réalisateur pointe un comportement patriarcal, mais susceptible d'évoluer. (On est à Hollywood, man !) Chez les Blancs, les racistes crétins font pâle (!) figure à côté des gentils pleins de charme, représentés par le débonnaire Kevin Costner (le directeur du centre de recherche) et le souriant Glen Powell (chargé d'incarner une des légendes américaines, John Glenn).

   On peut aussi signaler la performance de Kirsten Dunst, dans un rôle un peu ingrat.

   Signalons toutefois qu'au niveau de la lutte pour les droits civiques, le film reste très allusif. D'abord parce que l'accent est mis sur des membres de la bourgeoisie noire, qui veulent s'intégrer à l'élite américaine. Ensuite parce que le réalisateur se place clairement du côté de Martin Luther King, égratignant à l'occasion les partisans de méthodes revendicatives plus violentes.

   Quoi qu'il en soit, si l'on ajoute à cette narration maîtrisée la qualité de la photographie et une bande-son entraînante, on obtient un très bon divertissement, de surcroît intelligent. L'atmosphère de la Guerre froide tout comme le contexte de la ségrégation sont très bien restitués... et c'est un film féministe, dans le meilleur sens du terme.

Les Figures de l'ombre

   Ce film est enfin arrivé à Rodez et il est disponible aussi bien en version originale qu'en version doublée. Il décrit le parcours de trois femmes hors du commun, qui ont su s'imposer dans le monde de la recherche spatiale des années 1960. Un monde très masculin... et quasi exclusivement blanc, alors que les héroïnes sont "colored" :

   De gauche à droite on a d'abord Dorothy Vaughn (Octavia Spencer encore une fois excellente, tout comme dans Get on up et La Couleur des sentiments), la mieux placée au début de l'histoire, mais qui se heurte au double plafond de verre, qui bloque la progression de carrière des femmes et des Noirs.

   Au centre se trouve la plus brillante du groupe, Katherine Johnson, mathématicienne experte, incarnée avec talent par Taraji P. Henson, remarquée notamment dans la série Person of interest. A droite se trouve la beauté du groupe, Mary Jackson (Janelle Monae, pétulante), qui ambitionne de devenir ingénieure.

   Dès le début, on est cueilli par une superbe scène "vintage" montrant la jeune Katherine épatant ses camarades et son professeur de mathématiques, alors qu'elle est haute comme trois pommes. On la retrouve des années plus tard, en compagnie des deux autres héroïnes, dans une voiture qui tombe en panne sur la route des bureaux de la Nasa. Là se déroule l'un des moments d'anthologie du film, avec l'arrivée d'un policier blanc redneck. On est en Virginie, au début des années 1960. On sent immédiatement que la situation pourrait déraper. Le réalisateur (Theodore Melfi) retourne la scène avec habileté... et un incontestable sens du comique.

   C'est la marque de fabrique de ce film. Il aborde des questions graves (la misogynie, la ségrégation) sur un ton volontiers caustique. Cela culmine dans l'utilisation des toilettes : rien n'a été prévu pour la nouvelle calculatrice noire du centre névralgique, ce qui contraint l'héroïne à pratiquer une épuisante gymnastique.

   De leur côté, les hommes, blancs comme noirs, en prennent pour leur grade. Chez les Noirs, le réalisateur pointe un comportement patriarcal, mais susceptible d'évoluer. (On est à Hollywood, man !) Chez les Blancs, les racistes crétins font pâle (!) figure à côté des gentils pleins de charme, représentés par le débonnaire Kevin Costner (le directeur du centre de recherche) et le souriant Glen Powell (chargé d'incarner une des légendes américaines, John Glenn).

   On peut aussi signaler la performance de Kirsten Dunst, dans un rôle un peu ingrat.

   Signalons toutefois qu'au niveau de la lutte pour les droits civiques, le film reste très allusif. D'abord parce que l'accent est mis sur des membres de la bourgeoisie noire, qui veulent s'intégrer à l'élite américaine. Ensuite parce que le réalisateur se place clairement du côté de Martin Luther King, égratignant à l'occasion les partisans de méthodes revendicatives plus violentes.

   Quoi qu'il en soit, si l'on ajoute à cette narration maîtrisée la qualité de la photographie et une bande-son entraînante, on obtient un très bon divertissement, de surcroît intelligent. L'atmosphère de la Guerre froide tout comme le contexte de la ségrégation sont très bien restitués... et c'est un film féministe, dans le meilleur sens du terme.

Ils ne savaient pas que c'était une guerre

   Ce documentaire, d'abord destiné à la télévision, circule en salles depuis un peu plus d'un mois. Il est consacré aux jeunes Français qui ont effectué leur service militaire en Algérie, pendant la guerre (entre 1954 et 1962). L'auteur a rencontré une quinzaine de papys, qu'il a interrogés devant la caméra, dans un ancien cinéma. Les entretiens sont entrecoupés d'images d'époque.

   A priori, je suis client de ce genre de film, m'étant intéressé (pour des raisons familiales) à la guerre d'Algérie. C'est bien là le problème. Quand on a lu et vu pas mal de choses sur le sujet, en particulier La Guerre sans nom, l'excellent documentaire de Patrick Rotman et Bertrand Tavernier (sorti il y a plus de vingt ans), on n'apprend pas grand chose.

   Néanmoins, le film n'est pas désagréable à suivre. Il est organisé selon une forme chronologique. On part de la métropole, où la population civile ignore grosso modo ce qui se passe de l'autre côté de la Méditerranée. On suit ensuite les appelés du contingent dans leur formation puis dans leurs débuts en Algérie (voyage compris). C'est là que les questions sensibles sont évoquées : les relations avec les "indigènes", la violence, la torture. Le parcours s'achève par les conséquences du cessez-le-feu officiel et leur retour en métropole.

   Pour un public qui ne connaît pas grand chose à ce conflit, c'est une première approche pas déshonorante, mais pas enthousiasmante. L'image n'est de plus pas de grande qualité. Mais les 52 minutes passent assez vite.

   P.S.

   Le site internet dédié propose une intéressante galerie de photographies.

Ils ne savaient pas que c'était une guerre

   Ce documentaire, d'abord destiné à la télévision, circule en salles depuis un peu plus d'un mois. Il est consacré aux jeunes Français qui ont effectué leur service militaire en Algérie, pendant la guerre (entre 1954 et 1962). L'auteur a rencontré une quinzaine de papys, qu'il a interrogés devant la caméra, dans un ancien cinéma. Les entretiens sont entrecoupés d'images d'époque.

   A priori, je suis client de ce genre de film, m'étant intéressé (pour des raisons familiales) à la guerre d'Algérie. C'est bien là le problème. Quand on a lu et vu pas mal de choses sur le sujet, en particulier La Guerre sans nom, l'excellent documentaire de Patrick Rotman et Bertrand Tavernier (sorti il y a plus de vingt ans), on n'apprend pas grand chose.

   Néanmoins, le film n'est pas désagréable à suivre. Il est organisé selon une forme chronologique. On part de la métropole, où la population civile ignore grosso modo ce qui se passe de l'autre côté de la Méditerranée. On suit ensuite les appelés du contingent dans leur formation puis dans leurs débuts en Algérie (voyage compris). C'est là que les questions sensibles sont évoquées : les relations avec les "indigènes", la violence, la torture. Le parcours s'achève par les conséquences du cessez-le-feu officiel et leur retour en métropole.

   Pour un public qui ne connaît pas grand chose à ce conflit, c'est une première approche pas déshonorante, mais pas enthousiasmante. L'image n'est de plus pas de grande qualité. Mais les 52 minutes passent assez vite.

   P.S.

   Le site internet dédié propose une intéressante galerie de photographies.

Le Procès du siècle

   Ce titre ronflant s'éloigne de l'original Denial (que nos amis québécois ont simplement traduit par Déni), qui pointe directement le noeud de l'affaire, le négationnisme de "l'historien" britannique David Irving (admirateur d'Hitler), qui a jadis poursuivi en justice, à Londres, une spécialiste américaine de la Shoah.

   Qu'on ne s'y trompe pas. Il ne s'agit pas d'un énième film sur l'extermination des juifs par les nazis et leurs collaborateurs. C'est d'abord un film de prétoire, sur le déroulement et les à-côtés d'un procès hors-norme, qui a fait dépendre la réputation de deux personnes (et plus que cela, d'ailleurs) de la décision d'un juge unique, dans une enceinte vieillotte. Cela donne un caractère surréaliste à l'histoire : l'universitaire américaine, adepte du jogging, utilisatrice d'un smartphone, va dépendre d'un énigmatique juge à perruque... et de son équipe d'avocats.

   Cet aspect théâtral de l'intrigue donne beaucoup d'importance au jeu des acteurs, qui sont excellents. Rachel Weisz (Agora, The Lobster...) mêle fragilité et détermination pour incarner cette historienne américaine juive, pour qui la plongée dans l'univers juridique britannique est une expérience déroutante. Du côté de ses avocats, il faut signaler les performances de Tom Wilkinson (vu récemment dans Snowden) en vieux briscard énigmatique et d'Andrew Scott (le Moriarty de Sherlock/Cumberbatch) en jeune loup brillant et manipulateur. (A ce sujet, comme j'ai pu voir le film en version originale sous-titrée, à Rodez, j'ai pu constater que la véritable voix de l'acteur britannique n'a rien à voir à celle qu'on peut entendre dans la version doublée de Sherlock... et c'est tant mieux, parce que celle-ci nuit au personnage de Moriarty, pas le plus réussi de la série.)

   Enfin, pour une bonne histoire, il faut un bon méchant. Timothy Spall (qui incarna naguère le peintre Turner) est brillantissime dans le rôle du négationniste, un autodidacte qui avait acquis une certaine réputation en matière d'histoire militaire, avant de sombrer dans la négation du génocide juif. Le film est assez subtil dans sa manière de dépeindre le grand méchant de l'histoire, un type très habile, parti de rien... et d'une mauvaise foi incroyable.

   Cela donne un film un peu sentencieux, très sérieux, au cours duquel la séquence à Auschwitz (tournée là-bas) constitue un réel bol d'air, malgré le poids de l'histoire.

   P.S.

   Le site internet officiel mérite le détour.

Le Procès du siècle

   Ce titre ronflant s'éloigne de l'original Denial (que nos amis québécois ont simplement traduit par Déni), qui pointe directement le noeud de l'affaire, le négationnisme de "l'historien" britannique David Irving (admirateur d'Hitler), qui a jadis poursuivi en justice, à Londres, une spécialiste américaine de la Shoah.

   Qu'on ne s'y trompe pas. Il ne s'agit pas d'un énième film sur l'extermination des juifs par les nazis et leurs collaborateurs. C'est d'abord un film de prétoire, sur le déroulement et les à-côtés d'un procès hors-norme, qui a fait dépendre la réputation de deux personnes (et plus que cela, d'ailleurs) de la décision d'un juge unique, dans une enceinte vieillotte. Cela donne un caractère surréaliste à l'histoire : l'universitaire américaine, adepte du jogging, utilisatrice d'un smartphone, va dépendre d'un énigmatique juge à perruque... et de son équipe d'avocats.

   Cet aspect théâtral de l'intrigue donne beaucoup d'importance au jeu des acteurs, qui sont excellents. Rachel Weisz (Agora, The Lobster...) mêle fragilité et détermination pour incarner cette historienne américaine juive, pour qui la plongée dans l'univers juridique britannique est une expérience déroutante. Du côté de ses avocats, il faut signaler les performances de Tom Wilkinson (vu récemment dans Snowden) en vieux briscard énigmatique et d'Andrew Scott (le Moriarty de Sherlock/Cumberbatch) en jeune loup brillant et manipulateur. (A ce sujet, comme j'ai pu voir le film en version originale sous-titrée, à Rodez, j'ai pu constater que la véritable voix de l'acteur britannique n'a rien à voir à celle qu'on peut entendre dans la version doublée de Sherlock... et c'est tant mieux, parce que celle-ci nuit au personnage de Moriarty, pas le plus réussi de la série.)

   Enfin, pour une bonne histoire, il faut un bon méchant. Timothy Spall (qui incarna naguère le peintre Turner) est brillantissime dans le rôle du négationniste, un autodidacte qui avait acquis une certaine réputation en matière d'histoire militaire, avant de sombrer dans la négation du génocide juif. Le film est assez subtil dans sa manière de dépeindre le grand méchant de l'histoire, un type très habile, parti de rien... et d'une mauvaise foi incroyable.

   Cela donne un film un peu sentencieux, très sérieux, au cours duquel la séquence à Auschwitz (tournée là-bas) constitue un réel bol d'air, malgré le poids de l'histoire.

   P.S.

   Le site internet officiel mérite le détour.

Corporate

   Cette fiction explore une partie du monde entrepreneurial, celui du siège parisien d'une firme transnationale, à la tête duquel se trouve Stéphane Froncart, un ancien prof de fac devenu une sorte de gourou managérial (Lambert Wilson, excellent, dans un rôle qui n'est pas sans ressemblance avec celui qu'il a interprété dans Tout de suite maintenant).

   L'héroïne Emilie (Céline Sallette, encore plus étonnante que dans Cessez-le-feu) est un pur produit de l'élitisme français. Très diplômée, polyglotte, classieuse et rigoureuse à l'extrême, elle rappelle un peu la Miss Sloane récemment incarnée par Jessica Chastain. Elle veut tout contrôler, des plis de son chemisier aux mèches de sa coiffure, en passant par le début de transpiration qui apparaît à la mi-journée. Maigre et droite comme un I, elle nous est, de prime abord, présentée comme l'exacte opposée de l'inspectrice du travail (Violaine Fumeau, plus douce, aux formes voluptueuses) qui vient enquêter après le suicide d'un employé que la direction cherchait à pousser vers la sortie.

   Grosso modo, c'est un portrait uniquement à charge de la gestion d'une partie du personnel (les cadres), l'intrigue ne lésinant pas sur les facilités pour faire progresser l'action dans le sens voulu. Mais c'est vraiment bien joué, par les "têtes d'affiche" comme par les "seconds couteaux".

   Il y a quand même parfois un peu de subtilité. L'une des premières scènes montre la DRH en plein "entretien d'évaluation comportementale", celui-ci ayant pour but de pousser l'employée mise sur le gril dans la voie choisie pour elle. Tout est dans le non-dit et dans l'emploi des formules calibrées. Une autre scène marquante est le faux entretien d'embauche que l'héroïne fait passer à son conjoint, un soir, au siège. Elle utilise son langage professionnel codé pour tenter de faire passer son ressenti à son époux... qui finit par comprendre (mais après les spectateurs, toutefois).

   Ces quelques moments brillants rehaussent l'intérêt du film, qui s'inspire visiblement d'au moins deux traditions cinématographiques. On peut y déceler la trace du film sociétal à la française (Ressources humaines, L'Emploi du temps, De bon matin, L'Outsider...) mais aussi l'influence du cinéma hollywoodien, notamment dans le dénouement de l'intrigue. Je pense que ce n'est évidemment pas un hasard s'il est sorti en pleine campagne présidentielle...

Corporate

   Cette fiction explore une partie du monde entrepreneurial, celui du siège parisien d'une firme transnationale, à la tête duquel se trouve Stéphane Froncart, un ancien prof de fac devenu une sorte de gourou managérial (Lambert Wilson, excellent, dans un rôle qui n'est pas sans ressemblance avec celui qu'il a interprété dans Tout de suite maintenant).

   L'héroïne Emilie (Céline Sallette, encore plus étonnante que dans Cessez-le-feu) est un pur produit de l'élitisme français. Très diplômée, polyglotte, classieuse et rigoureuse à l'extrême, elle rappelle un peu la Miss Sloane récemment incarnée par Jessica Chastain. Elle veut tout contrôler, des plis de son chemisier aux mèches de sa coiffure, en passant par le début de transpiration qui apparaît à la mi-journée. Maigre et droite comme un I, elle nous est, de prime abord, présentée comme l'exacte opposée de l'inspectrice du travail (Violaine Fumeau, plus douce, aux formes voluptueuses) qui vient enquêter après le suicide d'un employé que la direction cherchait à pousser vers la sortie.

   Grosso modo, c'est un portrait uniquement à charge de la gestion d'une partie du personnel (les cadres), l'intrigue ne lésinant pas sur les facilités pour faire progresser l'action dans le sens voulu. Mais c'est vraiment bien joué, par les "têtes d'affiche" comme par les "seconds couteaux".

   Il y a quand même parfois un peu de subtilité. L'une des premières scènes montre la DRH en plein "entretien d'évaluation comportementale", celui-ci ayant pour but de pousser l'employée mise sur le gril dans la voie choisie pour elle. Tout est dans le non-dit et dans l'emploi des formules calibrées. Une autre scène marquante est le faux entretien d'embauche que l'héroïne fait passer à son conjoint, un soir, au siège. Elle utilise son langage professionnel codé pour tenter de faire passer son ressenti à son époux... qui finit par comprendre (mais après les spectateurs, toutefois).

   Ces quelques moments brillants rehaussent l'intérêt du film, qui s'inspire visiblement d'au moins deux traditions cinématographiques. On peut y déceler la trace du film sociétal à la française (Ressources humaines, L'Emploi du temps, De bon matin, L'Outsider...) mais aussi l'influence du cinéma hollywoodien, notamment dans le dénouement de l'intrigue. Je pense que ce n'est évidemment pas un hasard s'il est sorti en pleine campagne présidentielle...

Cessez-le-feu

   Le titre évoque la fin des combats (au cours de la Première guerre mondiale). Mais, si la séquence introductive (dans les tranchées) dure moins de dix minutes, les conséquences de ce qu'ont vécu les soldats s'étendent sur tout le film. La majorité de ceux qu'on va voir à l'écran sont revenus en apparence intacts (physiquement), mais ravagés sur le plan intérieur. Il y a une dizaine d'années, la même thématique était au coeur des Fragments d'Antonin.

   Des trois frères, deux sont revenus vivants, Georges et Marcel. Le premier (Romain Duris, meilleur encore que dans La Confession), le plus dynamique, l'ancien officier, a préféré quitter la France pour l'Afrique, où il côtoie un ancien camarade des tranchées, tirailleur sénégalais à l'impressionnante faconde (Wabinlé Nabié remarquable). Le deuxième, Marcel (Grégory Gadebois, un habitué des seconds rôles), est inexplicablement devenu sourd-muet et dépressif, au désespoir de sa mère, qui a aussi perdu son mari.

   Nous voilà projetés en 1923. Trois personnes vont tenter de redonner le goût de vivre à Marcel. Il y a tout d'abord Hélène, une infirmière sur le point de divorcer, imaginative et pétulante. Céline Sallette (déjà remarquée dans La French, Saint Amour et Corporate) excelle à incarner ce personnage déroutant, forte et fragile à la fois. Le coeur de Marcel va balancer entre elle et une jeune veuve de guerre, tendre et délicate, parfaitement incarnée par Julie-Marie Parmentier, aperçue il y a quelques années dans Les Adieux à la reine.

   Là-dessus, voilà que débarque Georges, qui a connu des déboires en Afrique. (Il va falloir plusieurs retours en arrière pour qu'on en connaisse tous les détails.) Lui, c'est avec son caractère abrupt et fantasque qu'il tente de surmonter le traumatisme de la guerre. Le retour en famille va provoquer des étincelles, de colère mais aussi de bonheur.

   Cela donne un film avec des ruptures de ton. On passe de l'émotion au rire, aux larmes, de la sensualité à la colère. C'est très bien filmé, dans des genres différents. La partie introductive (dans les tranchées) est formidable, sous la forme d'un habile plan-séquence. La suite, qui se déroule en Afrique, est brillante, avec d'excellents figurants. Le retour en France métropolitaine est mis en scène de manière plus classique mais, comme c'est très bien interprété, cela reste très agréable à suivre.

   Face à la pléiade de "comédies" bas-du-plafond qu'on nous propose actuellement, ce film redore le blason d'un cinéma français souvent peu imaginatif.

   P.S.

   Le dossier de presse mis en ligne propose des entretiens très instructifs.

Cessez-le-feu

   Le titre évoque la fin des combats (au cours de la Première guerre mondiale). Mais, si la séquence introductive (dans les tranchées) dure moins de dix minutes, les conséquences de ce qu'ont vécu les soldats s'étendent sur tout le film. La majorité de ceux qu'on va voir à l'écran sont revenus en apparence intacts (physiquement), mais ravagés sur le plan intérieur. Il y a une dizaine d'années, la même thématique était au coeur des Fragments d'Antonin.

   Des trois frères, deux sont revenus vivants, Georges et Marcel. Le premier (Romain Duris, meilleur encore que dans La Confession), le plus dynamique, l'ancien officier, a préféré quitter la France pour l'Afrique, où il côtoie un ancien camarade des tranchées, tirailleur sénégalais à l'impressionnante faconde (Wabinlé Nabié remarquable). Le deuxième, Marcel (Grégory Gadebois, un habitué des seconds rôles), est inexplicablement devenu sourd-muet et dépressif, au désespoir de sa mère, qui a aussi perdu son mari.

   Nous voilà projetés en 1923. Trois personnes vont tenter de redonner le goût de vivre à Marcel. Il y a tout d'abord Hélène, une infirmière sur le point de divorcer, imaginative et pétulante. Céline Sallette (déjà remarquée dans La French, Saint Amour et Corporate) excelle à incarner ce personnage déroutant, forte et fragile à la fois. Le coeur de Marcel va balancer entre elle et une jeune veuve de guerre, tendre et délicate, parfaitement incarnée par Julie-Marie Parmentier, aperçue il y a quelques années dans Les Adieux à la reine.

   Là-dessus, voilà que débarque Georges, qui a connu des déboires en Afrique. (Il va falloir plusieurs retours en arrière pour qu'on en connaisse tous les détails.) Lui, c'est avec son caractère abrupt et fantasque qu'il tente de surmonter le traumatisme de la guerre. Le retour en famille va provoquer des étincelles, de colère mais aussi de bonheur.

   Cela donne un film avec des ruptures de ton. On passe de l'émotion au rire, aux larmes, de la sensualité à la colère. C'est très bien filmé, dans des genres différents. La partie introductive (dans les tranchées) est formidable, sous la forme d'un habile plan-séquence. La suite, qui se déroule en Afrique, est brillante, avec d'excellents figurants. Le retour en France métropolitaine est mis en scène de manière plus classique mais, comme c'est très bien interprété, cela reste très agréable à suivre.

   Face à la pléiade de "comédies" bas-du-plafond qu'on nous propose actuellement, ce film redore le blason d'un cinéma français souvent peu imaginatif.

   P.S.

   Le dossier de presse mis en ligne propose des entretiens très instructifs.

La Jeune Fille et son aigle

   Ce documentaire (un brin fictionné) a pour cadre les confins de la Mongolie, de la Chine et du Kazakhstan, dans cette Asie rurale et montagneuse où survivent des (semi) nomades qui perpétuent des traditions millénaires. Parmi celles-ci, il y a la chasse à l'aigle, prérogative des mâles.

   Cet animal fascine Aisholpan... qui est une fille, mais dont le père n'est pas obscurantiste. Convaincu par la ténacité de sa progéniture, il décide de l'initier au dressage des aigles avec, en ligne de mire, la participation à un concours renommé.

   Toute la partie documentaire est fascinante. Dans un premier temps, on découvre le mode de vie des héros... et une scène étonnante : le retour à la liberté d'un animal qui a bien servi son maître, pendant sept ans. Celui-ci le traite avec beaucoup de respect.

   Très vite intervient la séquence de capture de l'aiglon (une aiglonne, en réalité), suivie de la période de dressage. Mais le moment le plus marquant est sans conteste le concours d'aigles, qui attire des spectateurs des milliers de kilomètres à la ronde. Il reste une ultime séquence marquante, celle de la première chasse réelle de l'animal dressé, en milieu extrême.

   Dans une grande salle, confortablement installé, on se régale. Malheureusement, ce plaisir est gâché par la médiocrité de la version française. Le commentaire est dit sur un ton fade et les personnages ont des voix d'Occidentaux, ce qui sonne terriblement faux ! Enfin, l'aspect ethnographique est très édulcoré, notamment par rapport à des fictions comme Le Chien jaune de Mongolie, Le Mariage de Tuya ou encore Tulpan. Quant à la qualité filmique, elle m'a semblé un peu moins bonne que dans le récent L'Aigle et l'enfant.

   Cela reste un film à voir, bien qu'il s'agisse à mon avis d'un produit de niche destiné à un public occidental amateur d'exotisme.

La Jeune Fille et son aigle

   Ce documentaire (un brin fictionné) a pour cadre les confins de la Mongolie, de la Chine et du Kazakhstan, dans cette Asie rurale et montagneuse où survivent des (semi) nomades qui perpétuent des traditions millénaires. Parmi celles-ci, il y a la chasse à l'aigle, prérogative des mâles.

   Cet animal fascine Aisholpan... qui est une fille, mais dont le père n'est pas obscurantiste. Convaincu par la ténacité de sa progéniture, il décide de l'initier au dressage des aigles avec, en ligne de mire, la participation à un concours renommé.

   Toute la partie documentaire est fascinante. Dans un premier temps, on découvre le mode de vie des héros... et une scène étonnante : le retour à la liberté d'un animal qui a bien servi son maître, pendant sept ans. Celui-ci le traite avec beaucoup de respect.

   Très vite intervient la séquence de capture de l'aiglon (une aiglonne, en réalité), suivie de la période de dressage. Mais le moment le plus marquant est sans conteste le concours d'aigles, qui attire des spectateurs des milliers de kilomètres à la ronde. Il reste une ultime séquence marquante, celle de la première chasse réelle de l'animal dressé, en milieu extrême.

   Dans une grande salle, confortablement installé, on se régale. Malheureusement, ce plaisir est gâché par la médiocrité de la version française. Le commentaire est dit sur un ton fade et les personnages ont des voix d'Occidentaux, ce qui sonne terriblement faux ! Enfin, l'aspect ethnographique est très édulcoré, notamment par rapport à des fictions comme Le Chien jaune de Mongolie, Le Mariage de Tuya ou encore Tulpan. Quant à la qualité filmique, elle m'a semblé un peu moins bonne que dans le récent L'Aigle et l'enfant.

   Cela reste un film à voir, bien qu'il s'agisse à mon avis d'un produit de niche destiné à un public occidental amateur d'exotisme.

Split

   Depuis le très décevant Phénomènes, je n'avais plus vu un film de Shyamalan. Mais là, après plusieurs semaines, comme le bouche-à-oreille est bon et que les extraits que j'ai vus sont convaincants, j'ai tenté l'expérience.

   Le titre fait allusion à l'éclatement de la personnalité du "héros" en une multitude d'identités, la plupart du temps concurrentes les unes des autres. Je dois reconnaître que James McAvoy (pourtant peu convaincant en professeur Xavier jeune, chez les X-Men) réussit avec brio cet exercice de style, qui consiste à incarner ces identités à l'écran. On ne voit pas les 23, mais pas loin d'une dizaine... et il y a l'identité-mystère, dont on se demande si elle existe... et à quoi elle pourrait correspondre dans le film.

   L'intrigue ne tiendrait pas la route si les autres interprètes n'étaient pas au niveau. Deux femmes se distinguent : Betty Bucklet excelle en psychiatre intuitive ; Anya Taylor-Joy (révélée par The Witch) nous éblouit en adolescente perturbée, qui va se montrer particulièrement tenace face à l'adversité.

   Au passage, notons que les trois jeunes femmes que l'une des identités de Kevin enlève sont plutôt canons. Hasard du scénario, l'une d'entre elles va rapidement se retrouver en petite culotte, une autre en soutien-gorge. Est-il besoin de préciser qu'elle est dotée d'une poitrine généreuse ? Quant à la troisième, Casey (Anya), elle conserve un haut moulant, pigeonnant et translucide, qui ne laisse pas ignorer combien elle est bien gaulée.

   On le voit, M. Night Shyamalan a dû se plier à certains codes hollywoodiens. On note d'ailleurs, vers la fin, un petit recours au "juste à temps". On pourra aussi regretter qu'un scénario au départ très maîtrisé se conclue de manière aussi traditionnelle, alors que beaucoup d'éléments de la première partie incitent les spectateurs les plus futés à chercher un possible retournement. Hélas, l'aboutissement des retours en arrière (sur l'enfance de Casey), pour utile qu'il soit à l'histoire, est décevant.

   Il reste quand même la mise en scène de Shyamalan. Dès le début, on retrouve sa "patte" de géomètre. On sent qu'on a affaire à un type qui sait où placer sa caméra. La présentation du huis-clos qui pèse sur les trois victimes est brillante (et n'est pas sans rappeler le récent 10 Cloverfield Lane). On en regrette d'autant plus que son style maîtrisé, dépouillé, propre à utiliser de petits riens pour susciter l'angoisse, sombre plus tard dans la démesure.

   Cela nous vaut un film inégal, mais où l'on retrouve un peu du talent dont le réalisateur a su jadis faire preuve.

   P.S.

   La toute fin nous offre une petite surprise, avec le retour d'un personnage issu d'un précédent film de Shyamalan. Il y a de la suite dans l'air...

Split

   Depuis le très décevant Phénomènes, je n'avais plus vu un film de Shyamalan. Mais là, après plusieurs semaines, comme le bouche-à-oreille est bon et que les extraits que j'ai vus sont convaincants, j'ai tenté l'expérience.

   Le titre fait allusion à l'éclatement de la personnalité du "héros" en une multitude d'identités, la plupart du temps concurrentes les unes des autres. Je dois reconnaître que James McAvoy (pourtant peu convaincant en professeur Xavier jeune, chez les X-Men) réussit avec brio cet exercice de style, qui consiste à incarner ces identités à l'écran. On ne voit pas les 23, mais pas loin d'une dizaine... et il y a l'identité-mystère, dont on se demande si elle existe... et à quoi elle pourrait correspondre dans le film.

   L'intrigue ne tiendrait pas la route si les autres interprètes n'étaient pas au niveau. Deux femmes se distinguent : Betty Bucklet excelle en psychiatre intuitive ; Anya Taylor-Joy (révélée par The Witch) nous éblouit en adolescente perturbée, qui va se montrer particulièrement tenace face à l'adversité.

   Au passage, notons que les trois jeunes femmes que l'une des identités de Kevin enlève sont plutôt canons. Hasard du scénario, l'une d'entre elles va rapidement se retrouver en petite culotte, une autre en soutien-gorge. Est-il besoin de préciser qu'elle est dotée d'une poitrine généreuse ? Quant à la troisième, Casey (Anya), elle conserve un haut moulant, pigeonnant et translucide, qui ne laisse pas ignorer combien elle est bien gaulée.

   On le voit, M. Night Shyamalan a dû se plier à certains codes hollywoodiens. On note d'ailleurs, vers la fin, un petit recours au "juste à temps". On pourra aussi regretter qu'un scénario au départ très maîtrisé se conclue de manière aussi traditionnelle, alors que beaucoup d'éléments de la première partie incitent les spectateurs les plus futés à chercher un possible retournement. Hélas, l'aboutissement des retours en arrière (sur l'enfance de Casey), pour utile qu'il soit à l'histoire, est décevant.

   Il reste quand même la mise en scène de Shyamalan. Dès le début, on retrouve sa "patte" de géomètre. On sent qu'on a affaire à un type qui sait où placer sa caméra. La présentation du huis-clos qui pèse sur les trois victimes est brillante (et n'est pas sans rappeler le récent 10 Cloverfield Lane). On en regrette d'autant plus que son style maîtrisé, dépouillé, propre à utiliser de petits riens pour susciter l'angoisse, sombre plus tard dans la démesure.

   Cela nous vaut un film inégal, mais où l'on retrouve un peu du talent dont le réalisateur a su jadis faire preuve.

   P.S.

   La toute fin nous offre une petite surprise, avec le retour d'un personnage issu d'un précédent film de Shyamalan. Il y a de la suite dans l'air...