Churchill

   On peut commencer par dire ce que ce long-métrage n'est pas : ni un biopic, ni un film d'histoire. On va voir qu'il en donne une version très biaisée, tout à l'honneur (ou presque) du personnage principal, le Premier ministre britannique.

   Qu'est-ce donc alors ? Une sorte de pièce de théâtre, filmée en partie en décors extérieurs. Elle nous présente les atermoiements du grrrand homme Churchill dans les jours et les heures qui ont précédé le débarquement du 6 juin 1944.

   Le film mérite le détour en raison de la prestation des acteurs, au premier rang desquels Brian Cox, très crédible en vieux bouledogue anglais, colérique, alcoolique et amateur de cigares. Il contribue à dresser la statue du grand homme, avec ses forces et ses faiblesses : il n'est plus aussi vaillant qu'autrefois, sa vie de couple part en sucette... et (quand on connaît la suite de l'histoire) il manque un peu de lucidité.

   Aux côtés de Cox se distinguent John Slattery (qui excelle à incarner l'Américain Eisenhower, en contraste complet avec le Britannique) et Julian Wadham, très bon en général Montgomery, quintessence de l'officier britannique... qui n'hésite pas à dire son fait à l'arrogant Premier ministre. Cela donne quelques scènes savoureuses... et une autre, empreinte d'émotion, entre le chef du gouvernement et le monarque bègue, James Purefoy ne parvenant toutefois pas à faire oublier le Colin Firth du Discours d'un roi.

   En dépit des quelques critiques formulées, cela reste globalement complaisant avec Churchill. De plus, la trame des événements qui se sont déroulés au début du mois de juin 1944 est tronquée, voire déformée. Si Churchill a émis des doutes sur le Débarquement, ce ne fut pas de manière aussi virulente. De surcroît, il manque un personnage dans la galerie des interlocuteurs du Premier ministre à l'époque : Charles de Gaulle. Celui-ci l'a rencontré à plusieurs reprises... mais il n'apparaît à aucun moment dans le film. Il aurait notamment dû figurer dans la scène où Eisenhower expose ses plans à ses alliés. (Même si ce n'est pas un monument d'objectivité, la lecture du deuxième tome des Mémoires de guerre s'impose, en particulier celle du chapitre VI "Diplomatie".)

   Le film se garde aussi d'expliquer que, si Churchill tient autant à la progression des troupes en Italie, c'est parce qu'il a un œil sur l'Europe centrale et les Balkans, où il redoute l'arrivée prochaine des Soviétiques. Il voudrait que les Anglo-américains y pénètrent le plus vite possible, quitte à délaisser un peu la France. Et puis le scénario n'aborde pas du tout l'enfumage réussi par les services secrets britanniques, qui sont parvenus, à l'aide (entre autres) d'agents retournés, à convaincre les nazis que le véritable débarquement devait avoir lieu dans le Pas-de-Calais, les opérations de juin 1944 ne constituant qu'un leurre. Le temps gagné grâce à ces manœuvres a contribué à la réussite d'Overlord.

   De tout cela il n'est pas question dans ce film partial et incomplet, pourtant servi par une bonne distribution.

Churchill

   On peut commencer par dire ce que ce long-métrage n'est pas : ni un biopic, ni un film d'histoire. On va voir qu'il en donne une version très biaisée, tout à l'honneur (ou presque) du personnage principal, le Premier ministre britannique.

   Qu'est-ce donc alors ? Une sorte de pièce de théâtre, filmée en partie en décors extérieurs. Elle nous présente les atermoiements du grrrand homme Churchill dans les jours et les heures qui ont précédé le débarquement du 6 juin 1944.

   Le film mérite le détour en raison de la prestation des acteurs, au premier rang desquels Brian Cox, très crédible en vieux bouledogue anglais, colérique, alcoolique et amateur de cigares. Il contribue à dresser la statue du grand homme, avec ses forces et ses faiblesses : il n'est plus aussi vaillant qu'autrefois, sa vie de couple part en sucette... et (quand on connaît la suite de l'histoire) il manque un peu de lucidité.

   Aux côtés de Cox se distinguent John Slattery (qui excelle à incarner l'Américain Eisenhower, en contraste complet avec le Britannique) et Julian Wadham, très bon en général Montgomery, quintessence de l'officier britannique... qui n'hésite pas à dire son fait à l'arrogant Premier ministre. Cela donne quelques scènes savoureuses... et une autre, empreinte d'émotion, entre le chef du gouvernement et le monarque bègue, James Purefoy ne parvenant toutefois pas à faire oublier le Colin Firth du Discours d'un roi.

   En dépit des quelques critiques formulées, cela reste globalement complaisant avec Churchill. De plus, la trame des événements qui se sont déroulés au début du mois de juin 1944 est tronquée, voire déformée. Si Churchill a émis des doutes sur le Débarquement, ce ne fut pas de manière aussi virulente. De surcroît, il manque un personnage dans la galerie des interlocuteurs du Premier ministre à l'époque : Charles de Gaulle. Celui-ci l'a rencontré à plusieurs reprises... mais il n'apparaît à aucun moment dans le film. Il aurait notamment dû figurer dans la scène où Eisenhower expose ses plans à ses alliés. (Même si ce n'est pas un monument d'objectivité, la lecture du deuxième tome des Mémoires de guerre s'impose, en particulier celle du chapitre VI "Diplomatie".)

   Le film se garde aussi d'expliquer que, si Churchill tient autant à la progression des troupes en Italie, c'est parce qu'il a un œil sur l'Europe centrale et les Balkans, où il redoute l'arrivée prochaine des Soviétiques. Il voudrait que les Anglo-américains y pénètrent le plus vite possible, quitte à délaisser un peu la France. Et puis le scénario n'aborde pas du tout l'enfumage réussi par les services secrets britanniques, qui sont parvenus, à l'aide (entre autres) d'agents retournés, à convaincre les nazis que le véritable débarquement devait avoir lieu dans le Pas-de-Calais, les opérations de juin 1944 ne constituant qu'un leurre. Le temps gagné grâce à ces manœuvres a contribué à la réussite d'Overlord.

   De tout cela il n'est pas question dans ce film partial et incomplet, pourtant servi par une bonne distribution.

K.O.

   Au sens littéral, le titre désigne l'état dans lequel se retrouvent certains participants à des combats de boxe (semi) clandestins, auxquels assiste le héros Antoine (Laurent Lafitte, magistral). Au sens figuré, le titre fait allusion à la sensation de chaos (un terme homophone du titre) qu'éprouve Antoine lorsqu'il sort du coma. L'une des clés de l'énigme est la cause de ce coma : est-ce une crise cardiaque ou une balle qui lui a été tirée dans la poitrine ? Nous voilà lancés dans la résolution d'une énigme psychologique, qui n'est pas sans rappeler Mulholland Drive de David Lynch. (C'est dire la qualité du scénario coécrit par Fabrice Gobert.)

   PARTIE 1 (environ 30 minutes)

   Antoine est un directeur de chaîne télévisée arrogant, déterminé, sans pitié. Tout ou presque lui réussit. Égocentrique, il ne se rend pas compte du malheur qu'il peut répandre autour de lui... jusqu'au jour où sa compagne (Chiara Mastroianni, assez bonne, pour une fois) décide d'écrire un roman à clés. En même temps, au boulot, les nuages s'accumulent... jusqu'à l'incident.

   Cette partie a le mérite de mettre en scène un prédateur et de pointer certaines des mauvaises habitudes du petit monde de l'audiovisuel, que l'auteur connaît bien. Au second degré, il y a peut-être aussi une dénonciation de la manière dont Vincent Bolloré a "repris en mains" le groupe Canal+.

 

   PARTIE 2 (environ 1h10)

   Antoine se réveille d'un long coma. Très vite, tout lui paraît bizarre. Certains visages familiers ne correspondent pas aux noms ou aux fonctions qu'il leur connaissait auparavant. Pire, il découvre qu'il n'est qu'un simple présentateur météo, en fin de course, et que ses diverses conquêtes ne semblent pas le connaître, à commencer par sa compagne !

   La satire sociale est toujours présente dans cette partie. Certaines personnes ont profité de l'absence du héros pour jouer leurs propres cartes. L'hypocrisie et l'ambition sont à leur comble. (Pour les acteurs, ça a dû être un bonheur d'incarner deux versions de leur personnage.)

   Plus étrange, certaines des répliques entendues dans la première partie refont leur apparition, prononcées par d'autres personnes, dans un contexte différent. Que se passe-t-il réellement ?

   On peut formuler quatre hypothèses.

   La première est qu'aucune des deux parties ne représente la réalité. Il s'agit de vies alternatives, créées par le cerveau du héros hospitalisé. Ses multiples pertes de conscience, suivies d'autant de réveils, penchent dans ce sens.

   La deuxième hypothèse est que les deux parties représentent la réalité. On en arrive à la conclusion que le héros a raison d'être paranoïaque : il est victime d'un complot. Mais qui l'a ourdi ? Et pourquoi ?

   La troisième hypothèse est que seule la partie 1 représente la réalité, la deuxième (cauchemardesque) se déroulant dans l'esprit du héros comateux : elle met en scène ses pires craintes.

   La quatrième hypothèse est le miroir de la précédente : seule la partie 2 représente la réalité, la première étant un fantasme du héros comateux, insatisfait de sa carrière télévisuelle comme de sa vie sentimentale.

 

   PARTIE 3 (environ 10 minutes)

   On retrouve l'Antoine de la partie 1... et l'on croit comprendre quelle est la bonne version... jusqu'aux trente dernières secondes, qui bouleversent à nouveau le schéma de l'intrigue. C'est passionnant... et tellement bien construit que cela a désarçonné une bonne partie de la critique et des spectateurs.

 

VOICI VENU LE MOMENT D'AIDER LES SPECTATEURS UN PEU MOUS DU BULBE OU CEUX QUI N'ONT PAS VOULU FOURNIR L'EFFORT DE RÉFLÉCHIR À CE QUI LEUR ÉTAIT MONTRÉ À L'ÉCRAN.

DONC, SI VOUS N'AVEZ PAS ENCORE VU LE FILM ET QUE VOUS DÉSIREZ PRÉSERVER LE CHARME DE LA DÉCOUVERTE, IL VAUT MIEUX ÉVITER DE LIRE CE QUI SUIT.

Là, je vois que vous avez ralenti sur la barre de déroulement, pensant que cette partie du texte, rédigée en caractères de taille plus réduite, allait vous donner la solution de l'énigme... Eh bien non ! Nananèreux !

JE COMPRENDS LA FRUSTRATION DES CINÉPHILES QUI, EN LISANT DES CRITIQUES DE SPECTATEURS, CHERCHENT UNIQUEMENT À SE FAIRE UNE OPINION (POUR DÉCIDER SI TEL FILM VAUT LA PEINE D'ÊTRE VU EN SALLE) ET QUI SE RETROUVENT AVEC UNE CHRONIQUE QUI EN EXPOSE LES MOINDRES DÉTAILS.

   Sans révéler le contenu des trente dernières secondes, je peux dire qu'elles incitent à penser que la partie 2 est la réalité, les parties 1 et 3 formant un seul bloc, celui d'une vie fantasmée par un homme qui a connu non pas un mais deux comas. De surcroît, pour que l'histoire soit bien lisible, il faudrait regarder le film dans un ordre différent : partie 2, puis parties 1 et 3. (Même si cela fonctionne aussi en gardant l'ordre des parties, je penche pour une déconstruction plus subtile.) Dans la réalité, Antoine se réveille après un premier coma (suite à sa crise cardiaque). C'est le coup de feu du policier qui le plonge dans le second, où il revit sa vie, de manière modifiée, imaginant que c'est son rival qui lui tire dessus et inversant leurs positions sociales par rapport à la réalité. C'est là que le choix de l'acteur est déterminant : on est tellement habitué à voir Laurent Lafitte interpréter des personnages puissants qu'on a tendance à penser que ce sont les parties 1 et 3 qui sont réelles.

   Il reste le cas des phrases répétées. On a visiblement demandé à Laurent Lafitte de réagir d'une certaine manière quand il est censé les entendre à nouveau, dans la partie 2. En réalité, ces phrases le marquent non pas parce qu'il les a déjà entendues mais parce que ce sont des formules chocs, souvent blessantes et qu'il en souffre. Dans la réalité alternative de son coma, il s'attribue les plus mordantes, se donnant un rôle de vainqueur.

   Je reconnais deux limites à ma théorie. La première est que, dans la partie 2, dès son réveil, le héros affirme que c'est son rival qui lui a tiré dessus, comme s'il fallait voir les parties dans un ordre chronologique. (On pourrait aussi affirmer que la partie 1, vue après la partie 2, ne fait que concrétiser dans le fantasme les préjugés du héros.) La seconde limite est l'arrivée du révolver entre les mains d'Antoine, un peu trop belle... ou alors il y a un truc qui m'échappe. (Cela pourrait accréditer l'hypothèse que tout est fantasmé... ou alors c'est que les scénaristes, à force de vouloir déjouer la sagacité des spectateurs, se sont un peu emmêlé les pinceaux.)

JE DOIS DIRE QUE JE SUIS ENTIÈREMENT D'ACCORD AVEC CE POINT DE VUE ET QUE RIEN NE M'AGACE PLUS QUE CES ABRUTI-E-S QUI DÉVOILENT TOUT D'UN FILM QU'ILS (ELLES) ONT VU AVANT LES AUTRES.

BON, SI VOUS ÊTES ARRIVÉS LÀ APRÈS AVOIR TOUT DÉROULÉ, PENSANT QUE LA SOLUTION SE TROUVAIT A LA FIN DU BILLET, VOUS ÊTES GROSJEAN COMME DEVANT. JE VOUS RECOMMANDE D'ALLER VOIR UN PEU PLUS HAUT. ;)

K.O.

   Au sens littéral, le titre désigne l'état dans lequel se retrouvent certains participants à des combats de boxe (semi) clandestins, auxquels assiste le héros Antoine (Laurent Lafitte, magistral). Au sens figuré, le titre fait allusion à la sensation de chaos (un terme homophone du titre) qu'éprouve Antoine lorsqu'il sort du coma. L'une des clés de l'énigme est la cause de ce coma : est-ce une crise cardiaque ou une balle qui lui a été tirée dans la poitrine ? Nous voilà lancés dans la résolution d'une énigme psychologique, qui n'est pas sans rappeler Mulholland Drive de David Lynch. (C'est dire la qualité du scénario coécrit par Fabrice Gobert.)

   PARTIE 1 (environ 30 minutes)

   Antoine est un directeur de chaîne télévisée arrogant, déterminé, sans pitié. Tout ou presque lui réussit. Égocentrique, il ne se rend pas compte du malheur qu'il peut répandre autour de lui... jusqu'au jour où sa compagne (Chiara Mastroianni, assez bonne, pour une fois) décide d'écrire un roman à clés. En même temps, au boulot, les nuages s'accumulent... jusqu'à l'incident.

   Cette partie a le mérite de mettre en scène un prédateur et de pointer certaines des mauvaises habitudes du petit monde de l'audiovisuel, que l'auteur connaît bien. Au second degré, il y a peut-être aussi une dénonciation de la manière dont Vincent Bolloré a "repris en mains" le groupe Canal+.

 

   PARTIE 2 (environ 1h10)

   Antoine se réveille d'un long coma. Très vite, tout lui paraît bizarre. Certains visages familiers ne correspondent pas aux noms ou aux fonctions qu'il leur connaissait auparavant. Pire, il découvre qu'il n'est qu'un simple présentateur météo, en fin de course, et que ses diverses conquêtes ne semblent pas le connaître, à commencer par sa compagne !

   La satire sociale est toujours présente dans cette partie. Certaines personnes ont profité de l'absence du héros pour jouer leurs propres cartes. L'hypocrisie et l'ambition sont à leur comble. (Pour les acteurs, ça a dû être un bonheur d'incarner deux versions de leur personnage.)

   Plus étrange, certaines des répliques entendues dans la première partie refont leur apparition, prononcées par d'autres personnes, dans un contexte différent. Que se passe-t-il réellement ?

   On peut formuler quatre hypothèses.

   La première est qu'aucune des deux parties ne représente la réalité. Il s'agit de vies alternatives, créées par le cerveau du héros hospitalisé. Ses multiples pertes de conscience, suivies d'autant de réveils, penchent dans ce sens.

   La deuxième hypothèse est que les deux parties représentent la réalité. On en arrive à la conclusion que le héros a raison d'être paranoïaque : il est victime d'un complot. Mais qui l'a ourdi ? Et pourquoi ?

   La troisième hypothèse est que seule la partie 1 représente la réalité, la deuxième (cauchemardesque) se déroulant dans l'esprit du héros comateux : elle met en scène ses pires craintes.

   La quatrième hypothèse est le miroir de la précédente : seule la partie 2 représente la réalité, la première étant un fantasme du héros comateux, insatisfait de sa carrière télévisuelle comme de sa vie sentimentale.

 

   PARTIE 3 (environ 10 minutes)

   On retrouve l'Antoine de la partie 1... et l'on croit comprendre quelle est la bonne version... jusqu'aux trente dernières secondes, qui bouleversent à nouveau le schéma de l'intrigue. C'est passionnant... et tellement bien construit que cela a désarçonné une bonne partie de la critique et des spectateurs.

 

VOICI VENU LE MOMENT D'AIDER LES SPECTATEURS UN PEU MOUS DU BULBE OU CEUX QUI N'ONT PAS VOULU FOURNIR L'EFFORT DE RÉFLÉCHIR À CE QUI LEUR ÉTAIT MONTRÉ À L'ÉCRAN.

DONC, SI VOUS N'AVEZ PAS ENCORE VU LE FILM ET QUE VOUS DÉSIREZ PRÉSERVER LE CHARME DE LA DÉCOUVERTE, IL VAUT MIEUX ÉVITER DE LIRE CE QUI SUIT.

Là, je vois que vous avez ralenti sur la barre de déroulement, pensant que cette partie du texte, rédigée en caractères de taille plus réduite, allait vous donner la solution de l'énigme... Eh bien non ! Nananèreux !

JE COMPRENDS LA FRUSTRATION DES CINÉPHILES QUI, EN LISANT DES CRITIQUES DE SPECTATEURS, CHERCHENT UNIQUEMENT À SE FAIRE UNE OPINION (POUR DÉCIDER SI TEL FILM VAUT LA PEINE D'ÊTRE VU EN SALLE) ET QUI SE RETROUVENT AVEC UNE CHRONIQUE QUI EN EXPOSE LES MOINDRES DÉTAILS.

   Sans révéler le contenu des trente dernières secondes, je peux dire qu'elles incitent à penser que la partie 2 est la réalité, les parties 1 et 3 formant un seul bloc, celui d'une vie fantasmée par un homme qui a connu non pas un mais deux comas. De surcroît, pour que l'histoire soit bien lisible, il faudrait regarder le film dans un ordre différent : partie 2, puis parties 1 et 3. (Même si cela fonctionne aussi en gardant l'ordre des parties, je penche pour une déconstruction plus subtile.) Dans la réalité, Antoine se réveille après un premier coma (suite à sa crise cardiaque). C'est le coup de feu du policier qui le plonge dans le second, où il revit sa vie, de manière modifiée, imaginant que c'est son rival qui lui tire dessus et inversant leurs positions sociales par rapport à la réalité. C'est là que le choix de l'acteur est déterminant : on est tellement habitué à voir Laurent Lafitte interpréter des personnages puissants qu'on a tendance à penser que ce sont les parties 1 et 3 qui sont réelles.

   Il reste le cas des phrases répétées. On a visiblement demandé à Laurent Lafitte de réagir d'une certaine manière quand il est censé les entendre à nouveau, dans la partie 2. En réalité, ces phrases le marquent non pas parce qu'il les a déjà entendues mais parce que ce sont des formules chocs, souvent blessantes et qu'il en souffre. Dans la réalité alternative de son coma, il s'attribue les plus mordantes, se donnant un rôle de vainqueur.

   Je reconnais deux limites à ma théorie. La première est que, dans la partie 2, dès son réveil, le héros affirme que c'est son rival qui lui a tiré dessus, comme s'il fallait voir les parties dans un ordre chronologique. (On pourrait aussi affirmer que la partie 1, vue après la partie 2, ne fait que concrétiser dans le fantasme les préjugés du héros.) La seconde limite est l'arrivée du révolver entre les mains d'Antoine, un peu trop belle... ou alors il y a un truc qui m'échappe. (Cela pourrait accréditer l'hypothèse que tout est fantasmé... ou alors c'est que les scénaristes, à force de vouloir déjouer la sagacité des spectateurs, se sont un peu emmêlé les pinceaux.)

JE DOIS DIRE QUE JE SUIS ENTIÈREMENT D'ACCORD AVEC CE POINT DE VUE ET QUE RIEN NE M'AGACE PLUS QUE CES ABRUTI-E-S QUI DÉVOILENT TOUT D'UN FILM QU'ILS (ELLES) ONT VU AVANT LES AUTRES.

BON, SI VOUS ÊTES ARRIVÉS LÀ APRÈS AVOIR TOUT DÉROULÉ, PENSANT QUE LA SOLUTION SE TROUVAIT A LA FIN DU BILLET, VOUS ÊTES GROSJEAN COMME DEVANT. JE VOUS RECOMMANDE D'ALLER VOIR UN PEU PLUS HAUT. ;)

La Momie

   Pour prendre goût à cette énième version de film d'aventures égyptolo-fantastiques, il faut s'affranchir de certains éléments. Tout d'abord, il faut croire en un gros mensonge : que la deuxième croisade serait passée par l'Egypte, au XIIe siècle. Or, c'est un siècle plus tard que des combattants de la foi européens se sont tournés vers l'Afrique du Nord... et ce n'étaient pas des Anglais, mais des Français. D'autre part, il faut accorder du crédit à une nouvelle légende mystérieuse mettant en scène les Templiers, qu'on aura décidément accommodés à toutes les sauces !

   Si vous passez outre ces réserves et si vous supportez qu'un scénariste continue, au XXIe siècle, à faire commettre des actes de la pire imprudence à certains de ses personnages, alors, vous pouvez commencer à profiter de la séance.

   Parce qu'il faut le reconnaître : c'est bigrement bien foutu. Les effets spéciaux déchirent (aussi bien dans les scènes égyptiennes que dans celles londoniennes, avec un pic de virtuosité dans l'accident d'avion). C'est visuellement très réussi, avec un gros travail sur les décors. (Il n'y a pas que du numérique. De surcroît, le film a été tourné sur pellicule.)

   J'ai aussi apprécié les pointes d'humour, souvent au détriment du personnage principal Nick Morton (Tom Cruise, dont le processus de vieillissement semble avoir été plus qu'enrayé... voilà un autre mystère à éclaircir...). Les scènes où il apparaît avec son meilleur ami donnent naissance à des moments cocasses, quand celui-ci est vivant... et plus encore quand il est mort ! Je pense notamment à leur discussion dans les toilettes pour dames d'un restaurant. Et puis il y a les relations compliquées que Nick entretient avec les femmes... deux en fait : la ravissante archéologue (Annabelle Wallis, un peu transparente) et, surtout la reine-déesse Ahmanet, superbement incarnée par Sofia Boutella, que j'avais découverte dans Kingsman. Si l'expression "beauté du diable" signifie quelque chose, c'est bien ici :

   Et quel joli costume !

   Quoi qu'il en soit, notre héros viril et gouailleur va se faire traiter comme du bétail par la dame, qui l'examine sous toutes les coutures pour vérifier qu'il a bien le potentiel pour être son "élu"... et, s'il lui prend l'idée de se rebeller contre elle, la déesse n'hésite pas à lui administrer une petite correction. Je vous laisse aussi découvrir dans quelles circonstances Nick se prend des coups de pompes dans la tronche...

   Je rassure les fans du fientologue : le scénario lui ménage quelques moments de bravoure... et une fin ouverte, puisque cet opus est sensé être le point de départ d'une série de films mettant en scène divers monstres. Les spectateurs attentifs repèreront la présence de Mister Hyde, du crâne d'un vampire et de quelques autres bricoles qui indiquent qu'on a songé à plusieurs suites potentielles.

   Après un bon repas, avec un peu d'indulgence, cela se regarde sans peine... et c'est moins consternant que Le Roi Arthur !

   PS

   Histoire d'élever le niveau, je signale qu'au détour d'une scène, il arrive que le film délivre un ou deux messages. Le principal est la dénonciation du trafic d'antiquités. Mais l'on peut aussi voir une bande d'abrutis de Daech détruire des merveilles mésopotamiennes. Rien que pour cela, La Momie mérite notre bienveillance.

La Momie

   Pour prendre goût à cette énième version de film d'aventures égyptolo-fantastiques, il faut s'affranchir de certains éléments. Tout d'abord, il faut croire en un gros mensonge : que la deuxième croisade serait passée par l'Egypte, au XIIe siècle. Or, c'est un siècle plus tard que des combattants de la foi européens se sont tournés vers l'Afrique du Nord... et ce n'étaient pas des Anglais, mais des Français. D'autre part, il faut accorder du crédit à une nouvelle légende mystérieuse mettant en scène les Templiers, qu'on aura décidément accommodés à toutes les sauces !

   Si vous passez outre ces réserves et si vous supportez qu'un scénariste continue, au XXIe siècle, à faire commettre des actes de la pire imprudence à certains de ses personnages, alors, vous pouvez commencer à profiter de la séance.

   Parce qu'il faut le reconnaître : c'est bigrement bien foutu. Les effets spéciaux déchirent (aussi bien dans les scènes égyptiennes que dans celles londoniennes, avec un pic de virtuosité dans l'accident d'avion). C'est visuellement très réussi, avec un gros travail sur les décors. (Il n'y a pas que du numérique. De surcroît, le film a été tourné sur pellicule.)

   J'ai aussi apprécié les pointes d'humour, souvent au détriment du personnage principal Nick Morton (Tom Cruise, dont le processus de vieillissement semble avoir été plus qu'enrayé... voilà un autre mystère à éclaircir...). Les scènes où il apparaît avec son meilleur ami donnent naissance à des moments cocasses, quand celui-ci est vivant... et plus encore quand il est mort ! Je pense notamment à leur discussion dans les toilettes pour dames d'un restaurant. Et puis il y a les relations compliquées que Nick entretient avec les femmes... deux en fait : la ravissante archéologue (Annabelle Wallis, un peu transparente) et, surtout la reine-déesse Ahmanet, superbement incarnée par Sofia Boutella, que j'avais découverte dans Kingsman. Si l'expression "beauté du diable" signifie quelque chose, c'est bien ici :

   Et quel joli costume !

   Quoi qu'il en soit, notre héros viril et gouailleur va se faire traiter comme du bétail par la dame, qui l'examine sous toutes les coutures pour vérifier qu'il a bien le potentiel pour être son "élu"... et, s'il lui prend l'idée de se rebeller contre elle, la déesse n'hésite pas à lui administrer une petite correction. Je vous laisse aussi découvrir dans quelles circonstances Nick se prend des coups de pompes dans la tronche...

   Je rassure les fans du fientologue : le scénario lui ménage quelques moments de bravoure... et une fin ouverte, puisque cet opus est sensé être le point de départ d'une série de films mettant en scène divers monstres. Les spectateurs attentifs repèreront la présence de Mister Hyde, du crâne d'un vampire et de quelques autres bricoles qui indiquent qu'on a songé à plusieurs suites potentielles.

   Après un bon repas, avec un peu d'indulgence, cela se regarde sans peine... et c'est moins consternant que Le Roi Arthur !

   PS

   Histoire d'élever le niveau, je signale qu'au détour d'une scène, il arrive que le film délivre un ou deux messages. Le principal est la dénonciation du trafic d'antiquités. Mais l'on peut aussi voir une bande d'abrutis de Daech détruire des merveilles mésopotamiennes. Rien que pour cela, La Momie mérite notre bienveillance.

HHhH

   Derrière ce titre énigmatique se cache un acronyme, celui (en allemand) de la phrase "Le cerveau d'Himmler s'appelle Heydrich". C'est la reconnaissance du rôle de ce personnage méconnu, Reinhard Heydrich, une des pires ordures du IIIe Reich, dont la renommée n'a pas atteint, dans le grand public, celle de types comme Hitler, Himmler, Goebbels ou Göring. C'est en partie en raison de son assassinat par la résistance tchécoslovaque, en mai 1942. Le film propose à la fois une biographie du chef nazi et une analyse des tenants et aboutissants de son assassinat.

   La première partie est assez originale parce qu'elle nous montre l'ascension d'Heydrich, vue de l'intérieur. Le réalisateur Cédric Jimenez (auquel on doit La French) réussit à suivre de près le "héros" sans tomber dans la complaisance. L'excellente interprétation de Jason Clarke (vu récemment dans Enfant 44, Terminator Genisys et La Planète des singes : l'affrontement) aide aussi beaucoup. Bien qu'il ne ressemble guère au véritable Heydrich, il rend totalement crédible son personnage d'implacable nazi, "au cœur d'acier". Cependant, ceux qui (comme moi) verront le film en version française, pourront être gênés par le fait que Clarke ait la voix... d'Anthony DiNozzo (de NCIS), puisqu'il est doublé par Xavier Fagnon.

   L'intérêt de cette première partie est de montrer que rien n'est écrit d'avance. Heydrich est un de ces fils de bonne famille engagés dans l'armée (ici la marine), que la situation de l'Allemagne dans les années 1920 laisse sans grand espoir de carrière... surtout que le monsieur a beaucoup de mal à gérer ses pulsions. C'est un peu plus tard que l'on comprend l'insertion d'une scène un peu racoleuse, au début, mais qui finit par prendre tout son sens. La rencontre d'Heydrich avec sa future épouse fait basculer l'intrigue. Elle est remarquablement interprétée par Rosamund Pike (qui était fantastique dans Gone Girl). Elle nous permet de comprendre l'attitude d'une partie des élites allemandes, qui ont vu dans Hitler un sauveur, un homme capable de rendre au pays sa grandeur passée. Mais cette nazie convaincue est un peu trop séduisante à mon goût.

   Néanmoins, ce personnage est un bon exemple du rôle que les femmes ont pu jouer. Lui correspond, côté résistance tchécoslovaque, Anna Novak, qui a les traits de la talentueuse Mia Wasikowska (Albert Nobbs, Maps to the stars, Alice - De l'autre côté du miroir). A ses côtés, on peut souligner la présence de Céline Sallette, excellente en mère courage tchèque. Les autres acteurs masculins sont bien, mais ils m'ont moins marqué (allez savoir pourquoi).

   Ces personnages de résistants sont au cœur de la seconde partie du film, qui montre l'organisation et le déroulement de l'attentat, ainsi que ses conséquences (la répression et la traque menées par les nazis). Cela contribue à rééquilibrer l'histoire qui, sinon, aurait pu paraître un peu trop en empathie avec le couple nazi. A ce sujet, Jimenez a l'habileté de montrer l'évolution du rapport de force entre Heydrich et son épouse. Lors de leur rencontre et au début de leur mariage, c'est elle qui "porte la culotte". On pourrait même dire que c'est elle qui a "façonné" le futur dirigeant SS. A partir de la guerre, il est devenu le dominant et, si l'on suit le réalisateur, il s'est déshumanisé, complètement bouffé par l'idéologie nazie.

   Même si ce film comporte des facilités et, sur la fin, recourt un peu trop au mélodrame, il est une tentative originale de montrer ce que fut le nazisme. Une partie du public y découvrira les prémices de l'extermination des juifs et un très bel hommage à la résistance tchécoslovaque, dont on a peu parlé en Europe de l'Ouest.

HHhH

   Derrière ce titre énigmatique se cache un acronyme, celui (en allemand) de la phrase "Le cerveau d'Himmler s'appelle Heydrich". C'est la reconnaissance du rôle de ce personnage méconnu, Reinhard Heydrich, une des pires ordures du IIIe Reich, dont la renommée n'a pas atteint, dans le grand public, celle de types comme Hitler, Himmler, Goebbels ou Göring. C'est en partie en raison de son assassinat par la résistance tchécoslovaque, en mai 1942. Le film propose à la fois une biographie du chef nazi et une analyse des tenants et aboutissants de son assassinat.

   La première partie est assez originale parce qu'elle nous montre l'ascension d'Heydrich, vue de l'intérieur. Le réalisateur Cédric Jimenez (auquel on doit La French) réussit à suivre de près le "héros" sans tomber dans la complaisance. L'excellente interprétation de Jason Clarke (vu récemment dans Enfant 44, Terminator Genisys et La Planète des singes : l'affrontement) aide aussi beaucoup. Bien qu'il ne ressemble guère au véritable Heydrich, il rend totalement crédible son personnage d'implacable nazi, "au cœur d'acier". Cependant, ceux qui (comme moi) verront le film en version française, pourront être gênés par le fait que Clarke ait la voix... d'Anthony DiNozzo (de NCIS), puisqu'il est doublé par Xavier Fagnon.

   L'intérêt de cette première partie est de montrer que rien n'est écrit d'avance. Heydrich est un de ces fils de bonne famille engagés dans l'armée (ici la marine), que la situation de l'Allemagne dans les années 1920 laisse sans grand espoir de carrière... surtout que le monsieur a beaucoup de mal à gérer ses pulsions. C'est un peu plus tard que l'on comprend l'insertion d'une scène un peu racoleuse, au début, mais qui finit par prendre tout son sens. La rencontre d'Heydrich avec sa future épouse fait basculer l'intrigue. Elle est remarquablement interprétée par Rosamund Pike (qui était fantastique dans Gone Girl). Elle nous permet de comprendre l'attitude d'une partie des élites allemandes, qui ont vu dans Hitler un sauveur, un homme capable de rendre au pays sa grandeur passée. Mais cette nazie convaincue est un peu trop séduisante à mon goût.

   Néanmoins, ce personnage est un bon exemple du rôle que les femmes ont pu jouer. Lui correspond, côté résistance tchécoslovaque, Anna Novak, qui a les traits de la talentueuse Mia Wasikowska (Albert Nobbs, Maps to the stars, Alice - De l'autre côté du miroir). A ses côtés, on peut souligner la présence de Céline Sallette, excellente en mère courage tchèque. Les autres acteurs masculins sont bien, mais ils m'ont moins marqué (allez savoir pourquoi).

   Ces personnages de résistants sont au cœur de la seconde partie du film, qui montre l'organisation et le déroulement de l'attentat, ainsi que ses conséquences (la répression et la traque menées par les nazis). Cela contribue à rééquilibrer l'histoire qui, sinon, aurait pu paraître un peu trop en empathie avec le couple nazi. A ce sujet, Jimenez a l'habileté de montrer l'évolution du rapport de force entre Heydrich et son épouse. Lors de leur rencontre et au début de leur mariage, c'est elle qui "porte la culotte". On pourrait même dire que c'est elle qui a "façonné" le futur dirigeant SS. A partir de la guerre, il est devenu le dominant et, si l'on suit le réalisateur, il s'est déshumanisé, complètement bouffé par l'idéologie nazie.

   Même si ce film comporte des facilités et, sur la fin, recourt un peu trop au mélodrame, il est une tentative originale de montrer ce que fut le nazisme. Une partie du public y découvrira les prémices de l'extermination des juifs et un très bel hommage à la résistance tchécoslovaque, dont on a peu parlé en Europe de l'Ouest.

Psiconautas

   Cette animation espagnole est enfin sortie en France (et arrivée en Aveyron). Disons-le tout de suite : elle est à réserver aux adolescents et aux adultes, tant elle est macabre.

   L'action se déroule sur une île isolée du reste du monde, à la suite de ce qui ressemble à une explosion atomique (ou d'une usine chimique). Les principaux personnages sont des enfants, qui ont des têtes d'animaux (chien, porc, oiseau, souris, rat...). Il y a notamment Birdboy, le fils du gardien de phare qui a été assassiné et Dinky, qui voudrait devenir son amie... et surtout fuir une famille oppressante. Autour d'eux gravitent des enfants des rues, un marin-pêcheur, un apprenti-policier... et de mystérieuses lucioles.

   Le monde des adultes est montré comme une horreur pour ces enfants. C'est violent, sombre et les gamins eux-mêmes ne sont pas solidaires les uns des autres. C'est un peu chacun pour soi. Et puis il y a l'autre monde, auquel on accède par un passage secret, et où tout semble possible.

   C'est évidemment un film à message(s)... mais Dieu que c'est lourd et déprimant ! Un conseil : avant d'y aller, chez vous, mettez les armes sous clé, débarrassez-vous des cordes et fermez le gaz !

Psiconautas

   Cette animation espagnole est enfin sortie en France (et arrivée en Aveyron). Disons-le tout de suite : elle est à réserver aux adolescents et aux adultes, tant elle est macabre.

   L'action se déroule sur une île isolée du reste du monde, à la suite de ce qui ressemble à une explosion atomique (ou d'une usine chimique). Les principaux personnages sont des enfants, qui ont des têtes d'animaux (chien, porc, oiseau, souris, rat...). Il y a notamment Birdboy, le fils du gardien de phare qui a été assassiné et Dinky, qui voudrait devenir son amie... et surtout fuir une famille oppressante. Autour d'eux gravitent des enfants des rues, un marin-pêcheur, un apprenti-policier... et de mystérieuses lucioles.

   Le monde des adultes est montré comme une horreur pour ces enfants. C'est violent, sombre et les gamins eux-mêmes ne sont pas solidaires les uns des autres. C'est un peu chacun pour soi. Et puis il y a l'autre monde, auquel on accède par un passage secret, et où tout semble possible.

   C'est évidemment un film à message(s)... mais Dieu que c'est lourd et déprimant ! Un conseil : avant d'y aller, chez vous, mettez les armes sous clé, débarrassez-vous des cordes et fermez le gaz !

Le Roi Arthur - La Légende d'Excalibur

   C'est à Guy Ritchie (réalisateur de Sherlock Holmes et, surtout, d'Agents très spéciaux) qu'a échu la tâche de revivifier la légende arthurienne, dans ce qui semble être le premier opus d'une série en construction. Il a imprimé sa marque sur l'histoire, lui donnant un tour furieux, parfois hyperviolent, le tout servi par d'excellents effets spéciaux et une musique clinquante (un peu comme dans 300).

   Incontestablement, il y a du savoir-faire. Les amateurs d'imagerie médiévale à la sauce jeux vidéo seront comblés, ainsi que ceux que régaleront les péripéties du scénario... à condition de ne (presque) rien connaître de la légende arthurienne.

   C'est là un gros problème. Sous prétexte de moderniser l'intrigue, on a littéralement saccagé les récits de chevalerie. Dès le début, dans une séquence pourtant éblouissante sur le plan visuel (avec de gigantesques éléphants démoniaques), on est dans la supercherie, avec un "méchant" appelé Mordred... mais qui est un mage maléfique, non le fils d'Arthur... et pour cause, puisqu'il a pour rival Uther Pendragon qui, selon les mythes, était le père d'Arthur. La mort de ce père s'écarte aussi des schémas légendaires, dans le but de mettre valeur le personnage de Vortigern (Jude Law, très très vilain).

   Mais le pire est à venir. L'origine de l'épée Excalibur n'est pas vraiment expliquée. Si j'ai plutôt bien aimé la représentation de son pouvoir magique, le lien avec la Dame du Lac arrive comme un cheveu sur la soupe, de manière très scolaire, comme une obligation par laquelle il fallait passer mais dont on n'a pas trop su quoi faire.

   Et Merlin dans tout cela, me demanderez-vous ? Ben, rien, ou presque. Il est bien question de mages dans l'histoire et il est même fait allusion à l'un d'entre eux, mais nulle part il n'apparaît physiquement dans le film, alors qu'il est intimement lié à Excalibur. Par contre, on nous présente une sorte de "Merline" (bien interprétée par Astrid Bergès-Frisbey, une Frenchie remarquée dans Pirates des Caraïbes IV)... mais il s'agit en réalité de Guenièvre, qui n'a rien d'une magicienne dans la légende arthurienne !

   Si vous êtes capables de faire abstraction du gloubi-boulga mythologique que constitue le scénario, vous pourrez prendre du plaisir à ce film d'action violent (et quasiment sans humour), sinon... attendez plutôt la sortie de Baywatch !

Le Roi Arthur - La Légende d'Excalibur

   C'est à Guy Ritchie (réalisateur de Sherlock Holmes et, surtout, d'Agents très spéciaux) qu'a échu la tâche de revivifier la légende arthurienne, dans ce qui semble être le premier opus d'une série en construction. Il a imprimé sa marque sur l'histoire, lui donnant un tour furieux, parfois hyperviolent, le tout servi par d'excellents effets spéciaux et une musique clinquante (un peu comme dans 300).

   Incontestablement, il y a du savoir-faire. Les amateurs d'imagerie médiévale à la sauce jeux vidéo seront comblés, ainsi que ceux que régaleront les péripéties du scénario... à condition de ne (presque) rien connaître de la légende arthurienne.

   C'est là un gros problème. Sous prétexte de moderniser l'intrigue, on a littéralement saccagé les récits de chevalerie. Dès le début, dans une séquence pourtant éblouissante sur le plan visuel (avec de gigantesques éléphants démoniaques), on est dans la supercherie, avec un "méchant" appelé Mordred... mais qui est un mage maléfique, non le fils d'Arthur... et pour cause, puisqu'il a pour rival Uther Pendragon qui, selon les mythes, était le père d'Arthur. La mort de ce père s'écarte aussi des schémas légendaires, dans le but de mettre valeur le personnage de Vortigern (Jude Law, très très vilain).

   Mais le pire est à venir. L'origine de l'épée Excalibur n'est pas vraiment expliquée. Si j'ai plutôt bien aimé la représentation de son pouvoir magique, le lien avec la Dame du Lac arrive comme un cheveu sur la soupe, de manière très scolaire, comme une obligation par laquelle il fallait passer mais dont on n'a pas trop su quoi faire.

   Et Merlin dans tout cela, me demanderez-vous ? Ben, rien, ou presque. Il est bien question de mages dans l'histoire et il est même fait allusion à l'un d'entre eux, mais nulle part il n'apparaît physiquement dans le film, alors qu'il est intimement lié à Excalibur. Par contre, on nous présente une sorte de "Merline" (bien interprétée par Astrid Bergès-Frisbey, une Frenchie remarquée dans Pirates des Caraïbes IV)... mais il s'agit en réalité de Guenièvre, qui n'a rien d'une magicienne dans la légende arthurienne !

   Si vous êtes capables de faire abstraction du gloubi-boulga mythologique que constitue le scénario, vous pourrez prendre du plaisir à ce film d'action violent (et quasiment sans humour), sinon... attendez plutôt la sortie de Baywatch !

Je danserai si je veux

   C'est le bouche-à-oreille qui m'a poussé à aller voir ce long-métrage signé par une Palestinienne et produit par l'Israélien Shlomi Elkabetz, auquel on doit Le Procès de Viviane Amsalem. Après avoir vu le film, on comprend ce qui réunit ses promoteurs, qu'ils soient musulmans, juifs ou chrétiens : la dénonciation des sociétés patriarcales en général et du machisme en particulier.

   L'intrigue se situe dans un univers méconnu par le public occidental, celui des Arabes israéliens, les descendants des Palestiniens qui ont continué à vivre dans les limites de l'Etat israélien créé en 1948-1949. Les cinéphiles en ont déjà rencontré au cinéma, dans Ajami, Héritage et, plus récemment, le documentaire Dancing in Jaffa. (Pour la petite histoire, sachez que le comédien qui interprète le héros du récent Chanteur de Gaza est lui-même un Arabe israélien.) L'action se déroule à Tel-Aviv, la grande ville laïque de la côte méditerranéenne, où toutes les populations se mélangent et tous les comportements sont possibles...

   On va plus particulièrement suivre trois femmes, très différentes, mais qui, toutes, vont se retrouver confrontées à la domination masculine. En réalité, elles sont quatre, puisque la meilleure amie de deux d'entre elles (et cousine de la troisième) se marie dans la première partie du film. Celui-ci débute par les conseils à la future mariée : sois belle et obéis, un mantra qui nous paraît inacceptable dans un monde civilisé.

   Je trouve que la caractérisation des trois héroïnes est un peu manichéenne. Laila est une avocate célibataire, libre comme l'air et belle à tomber. Salma, adepte du piercing, travaille dans un restaurant, est un petit peu moins jolie, mais mène sa vie privée comme elle l'entend. Nour est une étudiante en informatique boulotte, issue d'une famille musulmane intégriste. Elle est promise en mariage à un cousin, visiblement proche des idées du Hamas palestinien. En gros, moins l'héroïne est jolie, moins elle est libre.

   Cela devient intéressant quand, une fois le dispositif mis en place, les choses commencent à évoluer. L'avocate en a un peu assez de sa vie de patachon et cherche à se caser... sans se renier. Salma la chrétienne se cherche, écartelée entre ses désirs et la pression de ses parents plutôt conservateurs, qui n'imaginent pas quelle vie mène leur fille à Tel-Aviv. Quant à Nour, venue de la campagne, elle découvre un monde nouveau... et la camaraderie féminine.

   Car ces trois femmes que beaucoup de choses séparent vont finir par s'entraider. Je ne peux révéler pourquoi, mais sachez que l'une d'entre elles va subir un traumatisme. A un moment, j'ai craint que l'on tombe dans le film de vengeance, mais c'est plus subtil que cela, la réalisatrice Maysaloun Hamoud tenant visiblement à donner sa chance à chacun de ses personnages, y compris masculins.

   Au-delà du contexte palestinien, elle a créé un film de portée universelle, qui parlera aussi bien aux gamines de banlieue française qu'aux hindoues de Delhi... et aux hommes du monde entier !

Je danserai si je veux

   C'est le bouche-à-oreille qui m'a poussé à aller voir ce long-métrage signé par une Palestinienne et produit par l'Israélien Shlomi Elkabetz, auquel on doit Le Procès de Viviane Amsalem. Après avoir vu le film, on comprend ce qui réunit ses promoteurs, qu'ils soient musulmans, juifs ou chrétiens : la dénonciation des sociétés patriarcales en général et du machisme en particulier.

   L'intrigue se situe dans un univers méconnu par le public occidental, celui des Arabes israéliens, les descendants des Palestiniens qui ont continué à vivre dans les limites de l'Etat israélien créé en 1948-1949. Les cinéphiles en ont déjà rencontré au cinéma, dans Ajami, Héritage et, plus récemment, le documentaire Dancing in Jaffa. (Pour la petite histoire, sachez que le comédien qui interprète le héros du récent Chanteur de Gaza est lui-même un Arabe israélien.) L'action se déroule à Tel-Aviv, la grande ville laïque de la côte méditerranéenne, où toutes les populations se mélangent et tous les comportements sont possibles...

   On va plus particulièrement suivre trois femmes, très différentes, mais qui, toutes, vont se retrouver confrontées à la domination masculine. En réalité, elles sont quatre, puisque la meilleure amie de deux d'entre elles (et cousine de la troisième) se marie dans la première partie du film. Celui-ci débute par les conseils à la future mariée : sois belle et obéis, un mantra qui nous paraît inacceptable dans un monde civilisé.

   Je trouve que la caractérisation des trois héroïnes est un peu manichéenne. Laila est une avocate célibataire, libre comme l'air et belle à tomber. Salma, adepte du piercing, travaille dans un restaurant, est un petit peu moins jolie, mais mène sa vie privée comme elle l'entend. Nour est une étudiante en informatique boulotte, issue d'une famille musulmane intégriste. Elle est promise en mariage à un cousin, visiblement proche des idées du Hamas palestinien. En gros, moins l'héroïne est jolie, moins elle est libre.

   Cela devient intéressant quand, une fois le dispositif mis en place, les choses commencent à évoluer. L'avocate en a un peu assez de sa vie de patachon et cherche à se caser... sans se renier. Salma la chrétienne se cherche, écartelée entre ses désirs et la pression de ses parents plutôt conservateurs, qui n'imaginent pas quelle vie mène leur fille à Tel-Aviv. Quant à Nour, venue de la campagne, elle découvre un monde nouveau... et la camaraderie féminine.

   Car ces trois femmes que beaucoup de choses séparent vont finir par s'entraider. Je ne peux révéler pourquoi, mais sachez que l'une d'entre elles va subir un traumatisme. A un moment, j'ai craint que l'on tombe dans le film de vengeance, mais c'est plus subtil que cela, la réalisatrice Maysaloun Hamoud tenant visiblement à donner sa chance à chacun de ses personnages, y compris masculins.

   Au-delà du contexte palestinien, elle a créé un film de portée universelle, qui parlera aussi bien aux gamines de banlieue française qu'aux hindoues de Delhi... et aux hommes du monde entier !

Le Chanteur de Gaza

   A partir d'une histoire vraie, le réalisateur Hany Abu-Assad (connu pour Le Mariage de Rana, Paradise Now et Omar) a bâti une fiction à caractère documentaire. Son originalité réside dans sa première partie, qui décrit l'enfance du héros à Gaza. On y (re)découvre les galères du quotidien et l'art de la débrouille d'une bande de copains qui rêve de faire carrière dans la musique. Ce n'est pas toujours très bien joué, mais il y a un certain souffle.

   L'arrière-plan politique est présent mais pas de manière ostensible. A plusieurs occasions, il est fait allusion au blocus israélien. On sent aussi les tensions entre Palestiniens, selon qu'ils penchent pour l'OLP ou le Hamas. La famille du héros se trouve visiblement dans le premier camp : dans la chambre du fils, on ne peut pas ne pas remarquer le poster de Yasser Arafat. A travers plusieurs détails, on cherche à nous faire comprendre que cette famille est celle de "Palestiniens moyens", pas franchement traditionalistes.

   La seconde partie nous transporte à l'époque récente, lorsque le héros est devenu adulte. Pour gagner sa vie, il fait le taxi, mais il espère toujours percer dans la chanson. Notons que l'acteur qui incarne Mohammed Assaf est un beau gosse, qui a de la voix... et, pour ce qu'on peut en voir (et entendre) à la toute fin du film, c'est conforme à la réalité. Le réalisateur n'en fait pas un saint pour autant. Le jeune homme est caractériel, un peu capricieux. Mais il étouffe à Gaza, où il ne se voit aucun avenir, à cause du blocus israélien... et de la férule du Hamas, qui ne nous est montrée que sous le prisme de la méfiance des religieux pour les chansons profanes.

   L'objectif du réalisateur est plutôt de montrer ce qui unit les Palestiniens que ce qui les divise. Il évite donc d'insister sur la dictature religieuse exercée par le Hamas... et de montrer trop de femmes (intégralement) voilées. Pour incarner la petite amie du héros, il a choisi une actrice que l'on pourrait prendre pour une Européenne... et qui s'habille avec une liberté que bien des femmes de la région lui envieraient. Et puis il y a ce détail... oh, pas grand chose, juste un pendentif, une sorte de porte-bonheur que le héros a attaché au rétroviseur intérieur de sa voiture-taxi : il a la forme d'une carte, celle de la Palestine mandataire (ante-1948). C'est indirectement la revendication (pour les Palestiniens) de l'intégralité de ce territoire et l'expression du désir de voir disparaître Israël.

   La suite de l'histoire prend un tour sirupeux. Tout va finalement contribuer à la réussite du jeune homme, des douaniers du Hamas finalement compréhensifs aux organisateurs du concours égyptien, vite emballés par ce chanteur palestinien, dont on sent qu'il pourrait contribuer à doper l'audience de l'émission (un aspect de son parcours que le réalisateur se garde de souligner). Là, franchement, c'est souvent mal joué et très appuyé. Le seul moment de cinéma est la séquence qui voit le héros douter, assailli par la responsabilité qui pèse sur ses épaules : les médias ont fait de lui (qui ne rêve que de chanter) le porte-parole de la Palestine. Le film a au moins le mérite de nous faire comprendre qu'une émission de divertissement plutôt bas-du-plafond peut comporter des enjeux géopolitiques qui la dépassent. Mais on est très loin des précédentes œuvres du réalisateur.

Le Chanteur de Gaza

   A partir d'une histoire vraie, le réalisateur Hany Abu-Assad (connu pour Le Mariage de Rana, Paradise Now et Omar) a bâti une fiction à caractère documentaire. Son originalité réside dans sa première partie, qui décrit l'enfance du héros à Gaza. On y (re)découvre les galères du quotidien et l'art de la débrouille d'une bande de copains qui rêve de faire carrière dans la musique. Ce n'est pas toujours très bien joué, mais il y a un certain souffle.

   L'arrière-plan politique est présent mais pas de manière ostensible. A plusieurs occasions, il est fait allusion au blocus israélien. On sent aussi les tensions entre Palestiniens, selon qu'ils penchent pour l'OLP ou le Hamas. La famille du héros se trouve visiblement dans le premier camp : dans la chambre du fils, on ne peut pas ne pas remarquer le poster de Yasser Arafat. A travers plusieurs détails, on cherche à nous faire comprendre que cette famille est celle de "Palestiniens moyens", pas franchement traditionalistes.

   La seconde partie nous transporte à l'époque récente, lorsque le héros est devenu adulte. Pour gagner sa vie, il fait le taxi, mais il espère toujours percer dans la chanson. Notons que l'acteur qui incarne Mohammed Assaf est un beau gosse, qui a de la voix... et, pour ce qu'on peut en voir (et entendre) à la toute fin du film, c'est conforme à la réalité. Le réalisateur n'en fait pas un saint pour autant. Le jeune homme est caractériel, un peu capricieux. Mais il étouffe à Gaza, où il ne se voit aucun avenir, à cause du blocus israélien... et de la férule du Hamas, qui ne nous est montrée que sous le prisme de la méfiance des religieux pour les chansons profanes.

   L'objectif du réalisateur est plutôt de montrer ce qui unit les Palestiniens que ce qui les divise. Il évite donc d'insister sur la dictature religieuse exercée par le Hamas... et de montrer trop de femmes (intégralement) voilées. Pour incarner la petite amie du héros, il a choisi une actrice que l'on pourrait prendre pour une Européenne... et qui s'habille avec une liberté que bien des femmes de la région lui envieraient. Et puis il y a ce détail... oh, pas grand chose, juste un pendentif, une sorte de porte-bonheur que le héros a attaché au rétroviseur intérieur de sa voiture-taxi : il a la forme d'une carte, celle de la Palestine mandataire (ante-1948). C'est indirectement la revendication (pour les Palestiniens) de l'intégralité de ce territoire et l'expression du désir de voir disparaître Israël.

   La suite de l'histoire prend un tour sirupeux. Tout va finalement contribuer à la réussite du jeune homme, des douaniers du Hamas finalement compréhensifs aux organisateurs du concours égyptien, vite emballés par ce chanteur palestinien, dont on sent qu'il pourrait contribuer à doper l'audience de l'émission (un aspect de son parcours que le réalisateur se garde de souligner). Là, franchement, c'est souvent mal joué et très appuyé. Le seul moment de cinéma est la séquence qui voit le héros douter, assailli par la responsabilité qui pèse sur ses épaules : les médias ont fait de lui (qui ne rêve que de chanter) le porte-parole de la Palestine. Le film a au moins le mérite de nous faire comprendre qu'une émission de divertissement plutôt bas-du-plafond peut comporter des enjeux géopolitiques qui la dépassent. Mais on est très loin des précédentes œuvres du réalisateur.

Conspiracy

   Ce thriller complotiste bénéficie d'une distribution haut-de-gamme avec Lisbeth Salander Noomi Rapace (bondissante comme jamais), Toni Collette (en femme de pouvoir), Michael Douglas (en vieux routier qui en a sous la semelle), John Malkovich (auquel le rôle de chef d'antenne de la CIA convient parfaitement) et Orlando Bloom (excellent en cambrioleur plus ou moins gentleman).

   Le début suit la trame classique de la lutte des services secrets contre l'islamo-fascisme. C'est bien fichu et prenant... sauf, qu'au bout d'environ une demi-heure, l'héroïne (puis les spectateurs) comprend que quelque chose cloche. A ce moment-là, l'intrigue bascule dans du sous-Greengrass. Force est de constater que, comme metteur en scène, Michael Apted n'arrive pas à la cheville du modèle.

   Evidemment, il y a un traître. Evidemment, il y a de la baston dans l'air. Evidemment, l'héroïne va être blessée (mais pas trop quand même, hein). Evidemment, elle va être trompée. Evidemment, elle va être aidée. Evidemment, elle va finir par triompher.

   On pourrait se dire que ce ne sont que des resucées mais, qu'après tout, il reste le plaisir de découvrir qui a monté cette conspiration. Ben, là aussi, c'est décevant. Je ne voudrais pas avoir l'air de me vanter, mais j'ai vite compris à propos de qui il y avait anguille sous roche. On s'en rend compte quand, au cours d'une scène d'action filmée en plans rapprochés, tout à coup, la caméra s'éloigne pour filmer un événement pourtant capital pour la suite de l'histoire. Aux amateurs de littérature policière, je conseille de rechercher du côté de Dix Petits Nègres...

   Tout ça pour quoi ? Pour suggérer que, derrière les attentats islamistes, il y a de méchants Occidentaux et qu'il existe de "gentils" intégristes... On n'est pas obligé de souscrire à cette géopolitique de comptoir.

Conspiracy

   Ce thriller complotiste bénéficie d'une distribution haut-de-gamme avec Lisbeth Salander Noomi Rapace (bondissante comme jamais), Toni Collette (en femme de pouvoir), Michael Douglas (en vieux routier qui en a sous la semelle), John Malkovich (auquel le rôle de chef d'antenne de la CIA convient parfaitement) et Orlando Bloom (excellent en cambrioleur plus ou moins gentleman).

   Le début suit la trame classique de la lutte des services secrets contre l'islamo-fascisme. C'est bien fichu et prenant... sauf, qu'au bout d'environ une demi-heure, l'héroïne (puis les spectateurs) comprend que quelque chose cloche. A ce moment-là, l'intrigue bascule dans du sous-Greengrass. Force est de constater que, comme metteur en scène, Michael Apted n'arrive pas à la cheville du modèle.

   Evidemment, il y a un traître. Evidemment, il y a de la baston dans l'air. Evidemment, l'héroïne va être blessée (mais pas trop quand même, hein). Evidemment, elle va être trompée. Evidemment, elle va être aidée. Evidemment, elle va finir par triompher.

   On pourrait se dire que ce ne sont que des resucées mais, qu'après tout, il reste le plaisir de découvrir qui a monté cette conspiration. Ben, là aussi, c'est décevant. Je ne voudrais pas avoir l'air de me vanter, mais j'ai vite compris à propos de qui il y avait anguille sous roche. On s'en rend compte quand, au cours d'une scène d'action filmée en plans rapprochés, tout à coup, la caméra s'éloigne pour filmer un événement pourtant capital pour la suite de l'histoire. Aux amateurs de littérature policière, je conseille de rechercher du côté de Dix Petits Nègres...

   Tout ça pour quoi ? Pour suggérer que, derrière les attentats islamistes, il y a de méchants Occidentaux et qu'il existe de "gentils" intégristes... On n'est pas obligé de souscrire à cette géopolitique de comptoir.

Django

   La critique a fait la fine bouche devant ce portrait du musicien tsigane pendant la Seconde guerre mondiale. Je me suis décidé à aller voir ce film pour plusieurs raisons : la présence d'acteurs que j'apprécie au générique, l'envie d'entendre la musique "manouche" et l'intuition qu'Etienne Comar (le réalisateur) n'avait pas fait un travail de sagouin.

   Je reconnais qu'il y a quelques maladresses, peut-être dues au montage. Le film durant déjà presque deux heures, on a visiblement pratiqué quelques coupes, pas toujours judicieusement choisies. Ainsi, durant la scène qui voit l'un des musiciens du groupe parisien de Django refuser de le suivre en Suisse, les deux hommes sont d'abord assis face-à-face, avant que le musicien ne se lève. L'instant d'après, il est dans les bras de Django, que l'on n'a pas vu se lever. Cela fait une drôle d'impression. Un peu plus loin, c'est la découverte puis l'inhumation du cadavre d'un petit personnage qui est traitée de manière cavalière, au point que cela nuit à la compréhension de ce moment de l'histoire.

   Ces réserves émises, le film est de bonne facture, avec quelques effets de mise en scène, notamment dans l'excellente séquence du dîner-spectacle, dans la riche demeure des bords du lac Léman. Je pense, entre autres, à l'arrivée des musiciens, que l'on voit déboucher en haut d'un escalier puis entrer dans une pièce où les attend une sorte de maître d'hôtel, dont on ne voit que le visage, par reflet, dans un miroir. C'est dire toute la distance symbolique qui le sépare des Tsiganes pourtant si proches de lui à cet instant. Peu avant le concert, c'est le jeu des pieds qui transmet certains sentiments.

   C'est de plus bien joué. Reda Kateb est très bon en Django, dont il a tenté d'imiter la gestuelle musicale, de manière convaincante. Face à lui, Cécile de France se débrouille bien, malgré le mauvais traitement que subit son personnage. C'est une mondaine, qui évolue entre résistance et collaboration "horizontale". Son personnage aurait mérité d'être un peu plus fouillé. C'est une autre femme qui rayonne sur le film : la mère du héros, incarnée par Bimbam Merstein, un mélange de babouchka et de mère juive polyglotte, possessive et caractérielle... adorable !

   Notons que le film ne fait pas du musicien un saint. Celui-ci pense essentiellement à son art, à l'alcool et au poker. Il est présenté comme égocentrique et, au départ, peu soucieux du contexte politique dans lequel il évolue. Incidemment, l'intrigue montre que l'occupation allemande a servi sa carrière : dans le Paris de l'époque, les jazzmen américains sont interdits, tout comme les musiciens juifs...

   Ce film réunit donc les qualités de plusieurs genres : le film de guerre (avec des nazis redoutables... et des collabos minables), le film musical (excellent), le film d'amour (moyen) et le film à suspense, cette histoire étant relativement méconnue. C'est aussi l'occasion de rappeler que deux génocides ont été perpétrés pendant la guerre : celui des juifs et celui des Tsiganes.

Django

   La critique a fait la fine bouche devant ce portrait du musicien tsigane pendant la Seconde guerre mondiale. Je me suis décidé à aller voir ce film pour plusieurs raisons : la présence d'acteurs que j'apprécie au générique, l'envie d'entendre la musique "manouche" et l'intuition qu'Etienne Comar (le réalisateur) n'avait pas fait un travail de sagouin.

   Je reconnais qu'il y a quelques maladresses, peut-être dues au montage. Le film durant déjà presque deux heures, on a visiblement pratiqué quelques coupes, pas toujours judicieusement choisies. Ainsi, durant la scène qui voit l'un des musiciens du groupe parisien de Django refuser de le suivre en Suisse, les deux hommes sont d'abord assis face-à-face, avant que le musicien ne se lève. L'instant d'après, il est dans les bras de Django, que l'on n'a pas vu se lever. Cela fait une drôle d'impression. Un peu plus loin, c'est la découverte puis l'inhumation du cadavre d'un petit personnage qui est traitée de manière cavalière, au point que cela nuit à la compréhension de ce moment de l'histoire.

   Ces réserves émises, le film est de bonne facture, avec quelques effets de mise en scène, notamment dans l'excellente séquence du dîner-spectacle, dans la riche demeure des bords du lac Léman. Je pense, entre autres, à l'arrivée des musiciens, que l'on voit déboucher en haut d'un escalier puis entrer dans une pièce où les attend une sorte de maître d'hôtel, dont on ne voit que le visage, par reflet, dans un miroir. C'est dire toute la distance symbolique qui le sépare des Tsiganes pourtant si proches de lui à cet instant. Peu avant le concert, c'est le jeu des pieds qui transmet certains sentiments.

   C'est de plus bien joué. Reda Kateb est très bon en Django, dont il a tenté d'imiter la gestuelle musicale, de manière convaincante. Face à lui, Cécile de France se débrouille bien, malgré le mauvais traitement que subit son personnage. C'est une mondaine, qui évolue entre résistance et collaboration "horizontale". Son personnage aurait mérité d'être un peu plus fouillé. C'est une autre femme qui rayonne sur le film : la mère du héros, incarnée par Bimbam Merstein, un mélange de babouchka et de mère juive polyglotte, possessive et caractérielle... adorable !

   Notons que le film ne fait pas du musicien un saint. Celui-ci pense essentiellement à son art, à l'alcool et au poker. Il est présenté comme égocentrique et, au départ, peu soucieux du contexte politique dans lequel il évolue. Incidemment, l'intrigue montre que l'occupation allemande a servi sa carrière : dans le Paris de l'époque, les jazzmen américains sont interdits, tout comme les musiciens juifs...

   Ce film réunit donc les qualités de plusieurs genres : le film de guerre (avec des nazis redoutables... et des collabos minables), le film musical (excellent), le film d'amour (moyen) et le film à suspense, cette histoire étant relativement méconnue. C'est aussi l'occasion de rappeler que deux génocides ont été perpétrés pendant la guerre : celui des juifs et celui des Tsiganes.

Full Metal Jacket

   Le cinéma de Rodez, dans le cadre de son programme "patrimoine", rediffuse de temps à autre un "bon vieux film", que seuls les spectateurs les plus âgés ont pu voir dans une salle. Ces derniers temps, on a eu droit à La Grande Vadrouille, L'Histoire officielle ou encore Chantons sous la pluie. Va donc pour l’œuvre de Kubrick sur grand écran, en version originale sous-titrée.

   J'ai retrouvé la puissance des 45 premières minutes, celles qui décrivent la formation des recrues, sous la férule de l'instructeur Hartman, un personnage devenu emblématique du cinéma de guerre, d'autant plus qu'il était incarné par un acteur non-professionnel, l'ancien marine Ronald Lee Ermey (qui a servi au Vietnam).

   Cette partie est aussi l'occasion de découvrir Vincent d'Onofrio à ses débuts, dans le rôle marquant d'un apprenti-soldat grassouillet, gentil comme tout au début, mais qui va devenir le souffre-douleur de l'instructeur et de ses camarades. Les téléspectateurs le connaissent surtout sous les traits de l'inspecteur Goren, dans la série New York, section criminelle.

   Cette première partie a le grand avantage de permettre d'enrichir son vocabulaire en insultes discriminatoires, tant le langage d'Hartman est fleuri... et politiquement incorrect. Il est sexiste et homophobe, mais se défend de tout racisme... puisque, noires comme blanches, toutes ses recrues sont des lopettes !

   C'est évidemment hilarant, mais aussi, parfois subrepticement subversif : au moment de leur incorporation, les recrues passent chez le coiffeur. Quand on observe les mains de l'homme qui s'occupe de la tignasse des jeunes, on remarque que les Blancs se font souvent tondre par un Noir et les Noirs toujours par un Blanc...

   La seconde partie, qui se déroule au Vietnam, est un chef-d’œuvre de tension. Il n'y a de violent que le strict nécessaire, mais avec un tel art dans l'enrobage qu'on a l'impression de suivre une troupe au front. Kubrick dénonce l'absurdité de la guerre, sur fond de fumée rougeâtre et d'incendies, donnant un cadre somptueusement infernal aux déambulations de ces soldats perdus de l'Amérique.

   Quel film !

   P.S.

   A Rodez, plusieurs séances supplémentaires sont programmées les après-midi de cette semaine.

Full Metal Jacket

   Le cinéma de Rodez, dans le cadre de son programme "patrimoine", rediffuse de temps à autre un "bon vieux film", que seuls les spectateurs les plus âgés ont pu voir dans une salle. Ces derniers temps, on a eu droit à La Grande Vadrouille, L'Histoire officielle ou encore Chantons sous la pluie. Va donc pour l’œuvre de Kubrick sur grand écran, en version originale sous-titrée.

   J'ai retrouvé la puissance des 45 premières minutes, celles qui décrivent la formation des recrues, sous la férule de l'instructeur Hartman, un personnage devenu emblématique du cinéma de guerre, d'autant plus qu'il était incarné par un acteur non-professionnel, l'ancien marine Ronald Lee Ermey (qui a servi au Vietnam).

   Cette partie est aussi l'occasion de découvrir Vincent d'Onofrio à ses débuts, dans le rôle marquant d'un apprenti-soldat grassouillet, gentil comme tout au début, mais qui va devenir le souffre-douleur de l'instructeur et de ses camarades. Les téléspectateurs le connaissent surtout sous les traits de l'inspecteur Goren, dans la série New York, section criminelle.

   Cette première partie a le grand avantage de permettre d'enrichir son vocabulaire en insultes discriminatoires, tant le langage d'Hartman est fleuri... et politiquement incorrect. Il est sexiste et homophobe, mais se défend de tout racisme... puisque, noires comme blanches, toutes ses recrues sont des lopettes !

   C'est évidemment hilarant, mais aussi, parfois subrepticement subversif : au moment de leur incorporation, les recrues passent chez le coiffeur. Quand on observe les mains de l'homme qui s'occupe de la tignasse des jeunes, on remarque que les Blancs se font souvent tondre par un Noir et les Noirs toujours par un Blanc...

   La seconde partie, qui se déroule au Vietnam, est un chef-d’œuvre de tension. Il n'y a de violent que le strict nécessaire, mais avec un tel art dans l'enrobage qu'on a l'impression de suivre une troupe au front. Kubrick dénonce l'absurdité de la guerre, sur fond de fumée rougeâtre et d'incendies, donnant un cadre somptueusement infernal aux déambulations de ces soldats perdus de l'Amérique.

   Quel film !

   P.S.

   A Rodez, plusieurs séances supplémentaires sont programmées les après-midi de cette semaine.

Les Gardiens de la galaxie 2

   Je n'ai pas vu le premier volet et je ne connaissais pas ces héros parodiques de l'univers Marvel. Mais, un soir, porté par le bouche-à-oreille et l'envie de voir un film moins déprimant que Glory, je me suis glissé dans l'une des grandes salles du multiplexe ruthénois... et je ne l'ai pas regretté.

   Le début est "gonflé". Le générique s'enclenche en plein milieu d'une baston qui a dû coûter un bras à mettre en scène, l'un des personnages se déhanchant devant la caméra (sur un fond musical tonique), pendant que ses acolytes risquent leur peau face à un horrible monstre de l'espace.

   Cela donne le ton du film, survitaminé aux effets spéciaux et adepte d'un humour transgressif qui ravira petits et grands. Pour le dire autrement, c'est pipi-caca-vomi. Pour le pipi, il y a une formidable rupture de ton au cours d'une scène père-fils très solennelle. Pour le caca, il y a la menace proférée par le renard putois raton-laveur, qui promet de venir déposer un joli cadeau sur l'oreiller de l'un de ses camarades. Pour le vomi, il y a la réaction d'un des membres de l'équipe après un vol mouvementé...

   C'est donc une histoire rythmée, pleine de bruit et de fureur... et de couleurs. C'est très beau à voir sur grand écran, avec des teintes bleutées, orangées, dorées, des effets luminescents avec une flèche perforante et ces vaisseaux scintillants en forme de capsules.

   Par contre, il ne faut pas trop s'attarder sur les dialogues. En général, ils sont d'une grande banalité. A quelques occasions, ils soulignent le comique d'une scène particulièrement réussie, comme la capture d'une partie des membres de l'équipe, la recherche par ceux-ci d'un moyen pour s'enfuir et, finalement, leur échappée du vaisseau des pirates de l'espace.

   Je n'ai guère goûté les considération familiales, tout comme celles sur l'amitié qui se noue entre ces personnages au départ si dissemblables (voire ennemis). C'est banal et même parfois gnangnan. Au niveau des acteurs, c'est évidemment surjoué. Chris Pratt ne fait pas d'étincelles. Il est peut-être moins bon que dans Passengers. Je préfère nettement le personnage de Rocket. Mais ce sont les dames qui m'ont le plus touché. Celle qui nous offre la meilleure composition d'actrice est à mon avis Karen Gillan en Nebula. Pom Klementieff est très bien aussi en Mantis, tout comme Elizabeth Debicki en Ayesha. (On avait remarqué celle-ci dans Agents très spéciaux.)

   Franchement, les deux heures passent rapidement et on en a pour son argent.

Les Gardiens de la galaxie 2

   Je n'ai pas vu le premier volet et je ne connaissais pas ces héros parodiques de l'univers Marvel. Mais, un soir, porté par le bouche-à-oreille et l'envie de voir un film moins déprimant que Glory, je me suis glissé dans l'une des grandes salles du multiplexe ruthénois... et je ne l'ai pas regretté.

   Le début est "gonflé". Le générique s'enclenche en plein milieu d'une baston qui a dû coûter un bras à mettre en scène, l'un des personnages se déhanchant devant la caméra (sur un fond musical tonique), pendant que ses acolytes risquent leur peau face à un horrible monstre de l'espace.

   Cela donne le ton du film, survitaminé aux effets spéciaux et adepte d'un humour transgressif qui ravira petits et grands. Pour le dire autrement, c'est pipi-caca-vomi. Pour le pipi, il y a une formidable rupture de ton au cours d'une scène père-fils très solennelle. Pour le caca, il y a la menace proférée par le renard putois raton-laveur, qui promet de venir déposer un joli cadeau sur l'oreiller de l'un de ses camarades. Pour le vomi, il y a la réaction d'un des membres de l'équipe après un vol mouvementé...

   C'est donc une histoire rythmée, pleine de bruit et de fureur... et de couleurs. C'est très beau à voir sur grand écran, avec des teintes bleutées, orangées, dorées, des effets luminescents avec une flèche perforante et ces vaisseaux scintillants en forme de capsules.

   Par contre, il ne faut pas trop s'attarder sur les dialogues. En général, ils sont d'une grande banalité. A quelques occasions, ils soulignent le comique d'une scène particulièrement réussie, comme la capture d'une partie des membres de l'équipe, la recherche par ceux-ci d'un moyen pour s'enfuir et, finalement, leur échappée du vaisseau des pirates de l'espace.

   Je n'ai guère goûté les considération familiales, tout comme celles sur l'amitié qui se noue entre ces personnages au départ si dissemblables (voire ennemis). C'est banal et même parfois gnangnan. Au niveau des acteurs, c'est évidemment surjoué. Chris Pratt ne fait pas d'étincelles. Il est peut-être moins bon que dans Passengers. Je préfère nettement le personnage de Rocket. Mais ce sont les dames qui m'ont le plus touché. Celle qui nous offre la meilleure composition d'actrice est à mon avis Karen Gillan en Nebula. Pom Klementieff est très bien aussi en Mantis, tout comme Elizabeth Debicki en Ayesha. (On avait remarqué celle-ci dans Agents très spéciaux.)

   Franchement, les deux heures passent rapidement et on en a pour son argent.

Glory

   Le titre "français" de ce film gréco-bulgare gagne en clarté ce qu'il perd en subtilité par rapport à l'original, Slava. Celui-ci est à double voire triple (quadruple ?) détente : il signifie "gloire", en russe (et sans doute aussi en bulgare) et c'est la marque de la montre (de fabrication russe) du héros, l'aile de papillon qui va déclencher une série de péripéties ubuesques. Mais c'est aussi une allusion à la population (et à l'âme) slave... et à l'esclavage, c'est-à-dire la domination que subit un peuple victime d'une élite corrompue.

   C'est vous dire qu'on est ici dans le film à thèse, avec une morale à la clé. Le scénario est bigrement bien ficelé, mais, sur le fond, il est très ambigu.

  Les scènes du début plantent bien le décor. Il est d'abord question d'une fraude aux marchés publics (voilà pour la corruption des élites) puis du siphonnage du réservoir d'une motrice de la SNCF locale... par des cheminots (voilà pour la corruption du peuple). Entre les deux se trouve le héros, le cantonnier Tsanko Petrov, pas bien riche mais avec des valeurs, comme l'honnêteté.

   Assez vite, il entre en contact avec le principal personnage féminin de l'histoire, Julia, la directrice de communication du ministre des Transports, incarnée avec beaucoup de talent par Margita Gosheva. Cette superbe quadragénaire, travailleuse et ambitieuse, n'a que du mépris pour l'honnête cantonnier qui avertit les autorités quand il découvre un sac de billets éventré sur l'une des voies qu'il est chargé d'entretenir. Lui aussi est présenté de manière caricaturale : c'est un vieux garçon, solitaire, sale et bègue. (N'en jetez plus !) Mais c'est la cérémonie de congratulations qui fait déraper l'histoire : Julia lui prend temporairement sa vieille montre (le ministre va lui en offrir une neuve, devant les caméras)... mais elle oublie de la lui rendre et ne se rappelle plus où elle peut bien être... alors que c'est la seule chose qui importe à Tsanko (la montre lui a été offerte par son père, avec une inscription). A partir de là, progressivement, les ennuis s'enchaînent, pour la directrice de com' et pour le cantonnier, pris dans un tourbillon médiatique qu'ils n'ont pas vu venir.

   C'est habilement mis en scène, mais pas aussi drôle que ce qui a été dit. Surtout, le portrait qui est brossé de cette Julia est presque uniquement à charge... et un peu puant sur les bords. Elle incarne la femme moderne, "occidentale" dans son mode de vie... et indépendante. Elle règne sur un bureau où les hommes sont aux ordres... jusqu'à quitter leur pantalon pour obéir à celle qui "porte la culotte" (dans des circonstances que je vous laisse découvrir). La même idée est illustrée un peu plus loin, lorsqu'une de ses assistantes force un caméraman à prêter sa chemise au héros, non par compassion, mais pour qu'il passe mieux à l'écran ! Quant au mari, c'est un gentil nounours qu'elle mène par le bout du nez. (On nous suggère même qu'elle a sans doute eu quelques aventures extra-conjugales.) Le message est clair : messieurs les Bulgares, l'occidentalisation de la société vous fait perdre vos couilles ! C'est d'autant plus gênant que les personnages les plus antipathiques sont montrés couverts par le drapeau européen, jusque dans une scène grotesque, qui voit l'héroïne se faire une injection fertilisante cachée derrière l'emblème communautaire. C'est, pour les auteurs, une autre manière de dénigrer cette femme moderne, qui, à quarante ans, n'a toujours pas d'enfant, ayant sans doute choisi de privilégier sa carrière (et alors, de quoi je me mêle ?). Mis bout à but, ces éléments constituent un tableau qui manque de nuance... sauf, peut-être sur la fin.

 

ATTENTION :

LA SUITE DU BILLET RÉVÈLE DES ÉLÉMENTS CLÉS DE L'INTRIGUE

 

   La fin est assez habilement amenée. Quand on a compris les présupposés idéologiques des auteurs, on se dit qu'un événement dramatique (et vengeur) risque de survenir. Dans un premier temps, le suspens est maintenu. On est tenté de croire que Julia va perdre les embryons qu'elle a eu tellement de mal à obtenir. Eh bien, non ! Elle amorce même un changement d'attitude, devenant plus compassionnelle, après une cuite pitoyable où elle est filmée de manière dégradante. Elle finit par retrouver la montre de Tsanko, mais c'est en voulant la lui rendre en personne qu'elle subit son châtiment, des mains de sa victime (indirecte). Pendant qu'elle se fait tuer, son compagnon écoute tranquillement du jazz dans sa belle voiture. Les "bobos" sont bien punis... Par contre, ni les dirigeants corrompus, ni les flics véreux ni les cheminots magouilleurs (et ultraviolents) ne subissent un tel sort. Uniquement la femme, l'intermédiaire. D'un côté, on pense que les auteurs ont voulu montrer l'impunité dont jouissent certaines castes. De l'autre, on se dit qu'il est tout de même étrange que, dans cette fiction, un type de personnage en prenne plein la figure (au propre comme au figuré).

Glory

   Le titre "français" de ce film gréco-bulgare gagne en clarté ce qu'il perd en subtilité par rapport à l'original, Slava. Celui-ci est à double voire triple (quadruple ?) détente : il signifie "gloire", en russe (et sans doute aussi en bulgare) et c'est la marque de la montre (de fabrication russe) du héros, l'aile de papillon qui va déclencher une série de péripéties ubuesques. Mais c'est aussi une allusion à la population (et à l'âme) slave... et à l'esclavage, c'est-à-dire la domination que subit un peuple victime d'une élite corrompue.

   C'est vous dire qu'on est ici dans le film à thèse, avec une morale à la clé. Le scénario est bigrement bien ficelé, mais, sur le fond, il est très ambigu.

  Les scènes du début plantent bien le décor. Il est d'abord question d'une fraude aux marchés publics (voilà pour la corruption des élites) puis du siphonnage du réservoir d'une motrice de la SNCF locale... par des cheminots (voilà pour la corruption du peuple). Entre les deux se trouve le héros, le cantonnier Tsanko Petrov, pas bien riche mais avec des valeurs, comme l'honnêteté.

   Assez vite, il entre en contact avec le principal personnage féminin de l'histoire, Julia, la directrice de communication du ministre des Transports, incarnée avec beaucoup de talent par Margita Gosheva. Cette superbe quadragénaire, travailleuse et ambitieuse, n'a que du mépris pour l'honnête cantonnier qui avertit les autorités quand il découvre un sac de billets éventré sur l'une des voies qu'il est chargé d'entretenir. Lui aussi est présenté de manière caricaturale : c'est un vieux garçon, solitaire, sale et bègue. (N'en jetez plus !) Mais c'est la cérémonie de congratulations qui fait déraper l'histoire : Julia lui prend temporairement sa vieille montre (le ministre va lui en offrir une neuve, devant les caméras)... mais elle oublie de la lui rendre et ne se rappelle plus où elle peut bien être... alors que c'est la seule chose qui importe à Tsanko (la montre lui a été offerte par son père, avec une inscription). A partir de là, progressivement, les ennuis s'enchaînent, pour la directrice de com' et pour le cantonnier, pris dans un tourbillon médiatique qu'ils n'ont pas vu venir.

   C'est habilement mis en scène, mais pas aussi drôle que ce qui a été dit. Surtout, le portrait qui est brossé de cette Julia est presque uniquement à charge... et un peu puant sur les bords. Elle incarne la femme moderne, "occidentale" dans son mode de vie... et indépendante. Elle règne sur un bureau où les hommes sont aux ordres... jusqu'à quitter leur pantalon pour obéir à celle qui "porte la culotte" (dans des circonstances que je vous laisse découvrir). La même idée est illustrée un peu plus loin, lorsqu'une de ses assistantes force un caméraman à prêter sa chemise au héros, non par compassion, mais pour qu'il passe mieux à l'écran ! Quant au mari, c'est un gentil nounours qu'elle mène par le bout du nez. (On nous suggère même qu'elle a sans doute eu quelques aventures extra-conjugales.) Le message est clair : messieurs les Bulgares, l'occidentalisation de la société vous fait perdre vos couilles ! C'est d'autant plus gênant que les personnages les plus antipathiques sont montrés couverts par le drapeau européen, jusque dans une scène grotesque, qui voit l'héroïne se faire une injection fertilisante cachée derrière l'emblème communautaire. C'est, pour les auteurs, une autre manière de dénigrer cette femme moderne, qui, à quarante ans, n'a toujours pas d'enfant, ayant sans doute choisi de privilégier sa carrière (et alors, de quoi je me mêle ?). Mis bout à but, ces éléments constituent un tableau qui manque de nuance... sauf, peut-être sur la fin.

 

ATTENTION :

LA SUITE DU BILLET RÉVÈLE DES ÉLÉMENTS CLÉS DE L'INTRIGUE

 

   La fin est assez habilement amenée. Quand on a compris les présupposés idéologiques des auteurs, on se dit qu'un événement dramatique (et vengeur) risque de survenir. Dans un premier temps, le suspens est maintenu. On est tenté de croire que Julia va perdre les embryons qu'elle a eu tellement de mal à obtenir. Eh bien, non ! Elle amorce même un changement d'attitude, devenant plus compassionnelle, après une cuite pitoyable où elle est filmée de manière dégradante. Elle finit par retrouver la montre de Tsanko, mais c'est en voulant la lui rendre en personne qu'elle subit son châtiment, des mains de sa victime (indirecte). Pendant qu'elle se fait tuer, son compagnon écoute tranquillement du jazz dans sa belle voiture. Les "bobos" sont bien punis... Par contre, ni les dirigeants corrompus, ni les flics véreux ni les cheminots magouilleurs (et ultraviolents) ne subissent un tel sort. Uniquement la femme, l'intermédiaire. D'un côté, on pense que les auteurs ont voulu montrer l'impunité dont jouissent certaines castes. De l'autre, on se dit qu'il est tout de même étrange que, dans cette fiction, un type de personnage en prenne plein la figure (au propre comme au figuré).

L'Homme aux mille visages

   Cet homme n'est ni un pro du déguisement, ni un être surnaturel doté de pouvoirs de transformation. C'est un entremetteur, limite barbouze, utilisé par le gouvernement espagnol ou des particuliers fortunés pour réaliser des opérations "discrètes", évidemment aux franges de la légalité...

   L'histoire (vraie) nous est contée par l'un des personnages fictifs (l'ami pilote), dans un grand retour en arrière, qui nous entraîne dans l'Espagne des années 1980-1990, quand sévissait le terrorisme de l'ETA... et le contre-terrorisme des GAL, une mystérieuse organisation dont les ramifications remontaient jusqu'au sommet du pouvoir. C'est l'occasion pour certains de s'enrichir éhontément. Là est le noeud du problème (l'argent), plutôt que le meurtre politique.

   L'intrigue a donc l'apparence d'un polar, avec tant de mystères qu'on a parfois l'impression de se trouver dans un film d'espionnage façon Guerre froide. La photographie accentue cette impression. Les tons rouges-ocres-marrons sont très présents, en particulier dans les scènes d'intérieur. On retrouve le talent du réalisateur de La Isla minima, l'un des meilleurs polars de ces dernières années.

   L'esprit de certains des protagonistes est tortueux, à l'image de l'intrigue. Voilà pourquoi il convient de ne pas perdre une miette du spectacle, surtout si, comme moi, on n'entrave pas grand chose à la langue de Cervantès. Beaucoup de choses passent dans la communication non-verbale (les regards, les attitudes), les dialogues étant visiblement remplis de sous-entendus.

   Sans qu'un seul coup de feu ne soit montré à l'écran, on est pris dans une montée de tension progressive, le réalisateur nous laissant volontairement dans l'expectative quant à la réalité de certaines menaces. Le scénario, habile, nous fait aussi sentir l'importance de la vie affective de certains protagonistes et les conséquences que les activités illicites ont sur elle. Et puis il y a la grosse arnaque en cours, qui s'appuie sur un réseau de banques "compréhensives". Le film est aussi une dénonciation de la malhonnêteté en politique, même si je le trouve complaisant envers certains personnages à la moralité douteuse. Il n'en constitue pas moins un excellent divertissement, plutôt du genre cérébral.

   P.S.

   Certains spectateurs seront peut-être surpris de l'importance de la place accordée à la France dans cette histoire. Ce n'est pas une coquetterie liée à la production, mais la stricte représentation de la réalité : la lutte contre l'ETA a entremêlé la vie politique des deux pays, pour le meilleur et pour le pire...

L'Homme aux mille visages

   Cet homme n'est ni un pro du déguisement, ni un être surnaturel doté de pouvoirs de transformation. C'est un entremetteur, limite barbouze, utilisé par le gouvernement espagnol ou des particuliers fortunés pour réaliser des opérations "discrètes", évidemment aux franges de la légalité...

   L'histoire (vraie) nous est contée par l'un des personnages fictifs (l'ami pilote), dans un grand retour en arrière, qui nous entraîne dans l'Espagne des années 1980-1990, quand sévissait le terrorisme de l'ETA... et le contre-terrorisme des GAL, une mystérieuse organisation dont les ramifications remontaient jusqu'au sommet du pouvoir. C'est l'occasion pour certains de s'enrichir éhontément. Là est le noeud du problème (l'argent), plutôt que le meurtre politique.

   L'intrigue a donc l'apparence d'un polar, avec tant de mystères qu'on a parfois l'impression de se trouver dans un film d'espionnage façon Guerre froide. La photographie accentue cette impression. Les tons rouges-ocres-marrons sont très présents, en particulier dans les scènes d'intérieur. On retrouve le talent du réalisateur de La Isla minima, l'un des meilleurs polars de ces dernières années.

   L'esprit de certains des protagonistes est tortueux, à l'image de l'intrigue. Voilà pourquoi il convient de ne pas perdre une miette du spectacle, surtout si, comme moi, on n'entrave pas grand chose à la langue de Cervantès. Beaucoup de choses passent dans la communication non-verbale (les regards, les attitudes), les dialogues étant visiblement remplis de sous-entendus.

   Sans qu'un seul coup de feu ne soit montré à l'écran, on est pris dans une montée de tension progressive, le réalisateur nous laissant volontairement dans l'expectative quant à la réalité de certaines menaces. Le scénario, habile, nous fait aussi sentir l'importance de la vie affective de certains protagonistes et les conséquences que les activités illicites ont sur elle. Et puis il y a la grosse arnaque en cours, qui s'appuie sur un réseau de banques "compréhensives". Le film est aussi une dénonciation de la malhonnêteté en politique, même si je le trouve complaisant envers certains personnages à la moralité douteuse. Il n'en constitue pas moins un excellent divertissement, plutôt du genre cérébral.

   P.S.

   Certains spectateurs seront peut-être surpris de l'importance de la place accordée à la France dans cette histoire. Ce n'est pas une coquetterie liée à la production, mais la stricte représentation de la réalité : la lutte contre l'ETA a entremêlé la vie politique des deux pays, pour le meilleur et pour le pire...

Pirates des Caraïbes - La Vengeance de Salazar

   Et c'est reparti pour un tour ! Six ans après La Fontaine de jouvence, le grand manège Disney revient avec ses vedettes et de petits (voire grands) nouveaux, dans une intrigue qui, a priori, sent un peu le réchauffé : on nous sort du chapeau un vieil ennemi de Jack Sparrow (dont on n'avait jamais entendu parler auparavant), encore plus terrible que les précédents. Reconnaissons toutefois que, dans le rôle de l'infâme Salazar, Javier Bardem (pourtant pas le premier choix de la production) est excellent.

   On est aussi rapidement cueilli par deux séquences fort bien ficelées : la première attaque menée par les pirates fantômes et le braquage de la banque par un Sparrow aussi imbibé d'alcool que le fut Johnny Depp sur le tournage ! Précisons immédiatement que, dans le déroulement des péripéties, il ne faut pas espérer trouver une qualité d'enchaînement et une vraisemblance à toute épreuve : on est d'abord là pour s'amuser ! Il convient donc de se laisser plonger dans ce bain d'imagination furieuse, où les combats de navires sont de retour... et avec quel brio !

   Cela compense certaines scènes de dialogues, notamment au début. La rencontre entre Will Turner et son fils devenu adulte est d'une platitude sans nom. Même Javier Bardem rate un peu son entrée, quand, s'approchant du commandant du navire qu'il vient d'aborder, il affirme, gravement et pompeusement "Je suis... la mort !" Heureusement, cela s'arrange par la suite. C'est l'occasion de saluer le travail fait au niveau des effets spéciaux : les pirates fantômes sont très réussis et les séquences maritimes, qui mêlent images réelles et d'autres de synthèse, sont aussi bluffantes que celles du troisième volet de la franchise.

   Que reste-t-il en mémoire ? Outre les séquences déjà mentionnées, celle de l'arrivée des pirates sur une île mystérieuse et, surtout, la bataille du fond des mers, dans la tombe de Poséidon, presque un chef-d'œuvre.

   Et l'humour dans tout ça ? Il m'a paru moins présent que dans les films précédents. On peut néanmoins goûter certaines répliques, de Johnny Depp mais aussi du principal personnage féminin (Carina), présumée sorcière mais surtout authentique scientifique... et fille de pirate ! C'est d'ailleurs l'un des intérêts de l'histoire, qui révèle quelques secrets... notamment l'origine du costume de Jack, lors d'un brillant retour en arrière qui nous fait découvrir un clone de Johnny Depp jeune.

   Ah, oui, j'oubliais : les allusions sexuelles (et scabreuses) ! Cette production Disney se dessale un peu (un comble, pour un film marin !), au grand plaisir des petits et des grands. On retiendra un bonheur de traduction : le quiproquo né de la mauvaise compréhension, par les pirates (et le public illettré de la salle), de l'adjectif "putative", qui n'évoque, pour les esprits faibles, qu'un commerce charnel un peu trop rapide. (Dans la version originale, je crois qu'il y a un jeu de mots entre "horlogy" et "whore"... n'oublions pas que Carina est une experte du chronomètre...) Je recommande aussi la scène du mariage de Jack et sa rencontre avec... des cochons !

   Je rassure les âmes vertueuses : la morale est sauve. Aucun des horribles pirates alcooliques et assoiffés de sexe ne tente d'abuser de la jeune scientifique au décolleté pigeonnant et, sur la fin, on a droit à un bel éloge de la monogamie hétérosexuelle, à travers deux couples, l'un d'entre eux faisant son retour dans la série...

   P.S.

   Ne faites pas comme la masse du troupeau incrédule des spectateurs lambda, qui quittent très tôt la salle. Comme à son habitude, la production nous réserve une petite scène d'annonce, au bout du bout du générique... On n'en a pas encore fini avec les Pirates !

Pirates des Caraïbes - La Vengeance de Salazar

   Et c'est reparti pour un tour ! Six ans après La Fontaine de jouvence, le grand manège Disney revient avec ses vedettes et de petits (voire grands) nouveaux, dans une intrigue qui, a priori, sent un peu le réchauffé : on nous sort du chapeau un vieil ennemi de Jack Sparrow (dont on n'avait jamais entendu parler auparavant), encore plus terrible que les précédents. Reconnaissons toutefois que, dans le rôle de l'infâme Salazar, Javier Bardem (pourtant pas le premier choix de la production) est excellent.

   On est aussi rapidement cueilli par deux séquences fort bien ficelées : la première attaque menée par les pirates fantômes et le braquage de la banque par un Sparrow aussi imbibé d'alcool que le fut Johnny Depp sur le tournage ! Précisons immédiatement que, dans le déroulement des péripéties, il ne faut pas espérer trouver une qualité d'enchaînement et une vraisemblance à toute épreuve : on est d'abord là pour s'amuser ! Il convient donc de se laisser plonger dans ce bain d'imagination furieuse, où les combats de navires sont de retour... et avec quel brio !

   Cela compense certaines scènes de dialogues, notamment au début. La rencontre entre Will Turner et son fils devenu adulte est d'une platitude sans nom. Même Javier Bardem rate un peu son entrée, quand, s'approchant du commandant du navire qu'il vient d'aborder, il affirme, gravement et pompeusement "Je suis... la mort !" Heureusement, cela s'arrange par la suite. C'est l'occasion de saluer le travail fait au niveau des effets spéciaux : les pirates fantômes sont très réussis et les séquences maritimes, qui mêlent images réelles et d'autres de synthèse, sont aussi bluffantes que celles du troisième volet de la franchise.

   Que reste-t-il en mémoire ? Outre les séquences déjà mentionnées, celle de l'arrivée des pirates sur une île mystérieuse et, surtout, la bataille du fond des mers, dans la tombe de Poséidon, presque un chef-d'œuvre.

   Et l'humour dans tout ça ? Il m'a paru moins présent que dans les films précédents. On peut néanmoins goûter certaines répliques, de Johnny Depp mais aussi du principal personnage féminin (Carina), présumée sorcière mais surtout authentique scientifique... et fille de pirate ! C'est d'ailleurs l'un des intérêts de l'histoire, qui révèle quelques secrets... notamment l'origine du costume de Jack, lors d'un brillant retour en arrière qui nous fait découvrir un clone de Johnny Depp jeune.

   Ah, oui, j'oubliais : les allusions sexuelles (et scabreuses) ! Cette production Disney se dessale un peu (un comble, pour un film marin !), au grand plaisir des petits et des grands. On retiendra un bonheur de traduction : le quiproquo né de la mauvaise compréhension, par les pirates (et le public illettré de la salle), de l'adjectif "putative", qui n'évoque, pour les esprits faibles, qu'un commerce charnel un peu trop rapide. (Dans la version originale, je crois qu'il y a un jeu de mots entre "horlogy" et "whore"... n'oublions pas que Carina est une experte du chronomètre...) Je recommande aussi la scène du mariage de Jack et sa rencontre avec... des cochons !

   Je rassure les âmes vertueuses : la morale est sauve. Aucun des horribles pirates alcooliques et assoiffés de sexe ne tente d'abuser de la jeune scientifique au décolleté pigeonnant et, sur la fin, on a droit à un bel éloge de la monogamie hétérosexuelle, à travers deux couples, l'un d'entre eux faisant son retour dans la série...

   P.S.

   Ne faites pas comme la masse du troupeau incrédule des spectateurs lambda, qui quittent très tôt la salle. Comme à son habitude, la production nous réserve une petite scène d'annonce, au bout du bout du générique... On n'en a pas encore fini avec les Pirates !