Boîte noire

   Même si son aspect extérieur est rouge, on continue à appeler ainsi le système d'enregistrement en vol, dont la récupération (en bon état) est un enjeu majeur des enquêtes succédant à un accident aérien.

   Il convient d'être attentif dès le début, durant la séquence tournée à l'intérieur de l'avion (avec un beau travelling arrière). En apparence, il s'agit d'un vol ordinaire (entre Dubaï et Paris), avec certes quelques turbulences, mais a priori rien de grave. Dans la suite de l'histoire, on entend et réentend la partie son de cette séquence, sous différents angles, au fur et à mesure que les enquêteurs tentent de décrypter tous les bruits émis dans l'appareil.

   Avant cela, on découvre le fonctionnement du B.E.A. (Bureau d'enquêtes et d'analyses), de manière quasi documentaire. Le réalisateur Yann Gozlan réussit à rendre passionnante la vision d'un travail administratif souvent fastidieux. Les technologies numériques sont très bien intégrées à l'intrigue : on constate la place qu'elles prennent aussi bien dans la vie privée que dans le travail des personnages principaux.

   Le début plante aussi le décor, présentant de manière claire les relations entre les différents protagonistes. Pierre Niney incarne avec sobriété Matthieu Vasseur, un jeune enquêteur minutieux, doté d'une ouïe extraordinaire. C'est une autre qualité à porter au crédit du film : la mise en scène du travail sur le son, au cours d'une enquête. Parfois, on n'est pas très loin du Chant du loup. En raison de la manière dont le héros exploite le moindre détail du corpus audio qu'il analyse, certains cinéphiles seront tentés de penser aussi au Blow up d'Antonioni ou au Blow out de Brian de Palma.

   À la lecture de ces prestigieuses références, vous aurez compris que j'ai été emballé par ce film. C'est d'abord un excellent polar. On se demande longtemps quelle est la cause réelle du crash : une défaillance technique ? un attentat islamiste ? autre chose ? Dessus se greffe une enquête sur la disparition du supérieur hiérarchique du héros (très bien incarné par Olivier Rabourdin, vu récemment dans Benedetta). On sent Matthieu devenir petit à petit un brin paranoïaque, à tel point qu'on se demande, à l'instar de certains de ses collègues, s'il ne s'est pas fourvoyé.

   Les réponses à de nombreuses questions seront trouvées dans une mystérieuse maison, où Matthieu est amené à se rendre à deux reprises.

   C'est prenant, haletant même dans la dernière demi-heure. Les seconds rôles sont très bien interprétés, par une foultitude de guests (André Dussolier, Aurélien Recoing, Gregori Derangère...). Si vous ajoutez à cela une musique intrigante sans être trop présente, vous obtenez l'un des meilleurs films de l'année.

Boîte noire

   Même si son aspect extérieur est rouge, on continue à appeler ainsi le système d'enregistrement en vol, dont la récupération (en bon état) est un enjeu majeur des enquêtes succédant à un accident aérien.

   Il convient d'être attentif dès le début, durant la séquence tournée à l'intérieur de l'avion (avec un beau travelling arrière). En apparence, il s'agit d'un vol ordinaire (entre Dubaï et Paris), avec certes quelques turbulences, mais a priori rien de grave. Dans la suite de l'histoire, on entend et réentend la partie son de cette séquence, sous différents angles, au fur et à mesure que les enquêteurs tentent de décrypter tous les bruits émis dans l'appareil.

   Avant cela, on découvre le fonctionnement du B.E.A. (Bureau d'enquêtes et d'analyses), de manière quasi documentaire. Le réalisateur Yann Gozlan réussit à rendre passionnante la vision d'un travail administratif souvent fastidieux. Les technologies numériques sont très bien intégrées à l'intrigue : on constate la place qu'elles prennent aussi bien dans la vie privée que dans le travail des personnages principaux.

   Le début plante aussi le décor, présentant de manière claire les relations entre les différents protagonistes. Pierre Niney incarne avec sobriété Matthieu Vasseur, un jeune enquêteur minutieux, doté d'une ouïe extraordinaire. C'est une autre qualité à porter au crédit du film : la mise en scène du travail sur le son, au cours d'une enquête. Parfois, on n'est pas très loin du Chant du loup. En raison de la manière dont le héros exploite le moindre détail du corpus audio qu'il analyse, certains cinéphiles seront tentés de penser aussi au Blow up d'Antonioni ou au Blow out de Brian de Palma.

   À la lecture de ces prestigieuses références, vous aurez compris que j'ai été emballé par ce film. C'est d'abord un excellent polar. On se demande longtemps quelle est la cause réelle du crash : une défaillance technique ? un attentat islamiste ? autre chose ? Dessus se greffe une enquête sur la disparition du supérieur hiérarchique du héros (très bien incarné par Olivier Rabourdin, vu récemment dans Benedetta). On sent Matthieu devenir petit à petit un brin paranoïaque, à tel point qu'on se demande, à l'instar de certains de ses collègues, s'il ne s'est pas fourvoyé.

   Les réponses à de nombreuses questions seront trouvées dans une mystérieuse maison, où Matthieu est amené à se rendre à deux reprises.

   C'est prenant, haletant même dans la dernière demi-heure. Les seconds rôles sont très bien interprétés, par une foultitude de guests (André Dussolier, Aurélien Recoing, Gregori Derangère...). Si vous ajoutez à cela une musique intrigante sans être trop présente, vous obtenez l'un des meilleurs films de l'année.

Wonder Woman 1984

   En raison de la pandémie de covid (et de la prudence excessive des distributeurs), les cinéphiles n'ont pas eu la possibilité de découvrir ce long-métrage en salles. C'est donc dans une chambre d'hôtel (celui-ci abonné à une chaîne cryptée) que je me suis récemment "fait une toile".

   Ce film est censé être la suite de Wonder Woman, dont l'action se déroule majoritairement pendant la Première Guerre mondiale. Paradoxalement, cela démarre par un retour en arrière. On y voit Diana préadolescente, désireuse de remporter une prestigieuse compétition entre jeunes Amazones... quitte à contourner les règles. La séquence, bien construite, n'est pas sans rappeler certains épisodes de la saga Harry Potter. Elle aurait mérité une vision sur très grand écran.

   Ensuite, direction 1984 et l'Amérique reaganienne, en pleine Guerre froide contre l'ogre soviétique. Les femmes n'y étaient pas aussi bien considérées qu'aujourd'hui. Y compris dans le musée où elle travaille, Diana Prince tranche par son assurance... et sa faculté à se déplacer avec grâce sur de hauts talons. (Comme quoi, le mannequinat peut parfois servir à quelque chose.) Je n'ai pas trop compris où se situait la réalisatrice Patty Jenkins sur ce sujet. Au début, on perçoit de la réprobation vis-à-vis de ce code vestimentaire imposé par une vision machiste de la société. Mais, finalement, j'ai eu l'impression que le fait d'arriver à se déplacer sans problème avec ces horribles chaussures était porté au crédit des personnages.

   C'est sur le registre comique que je trouve le film plus réussi (moins toutefois que le précédent). Un personnage (interprété par Chris Bite Pine) surgit du passé de Wonder Woman. Il s'extasie sur la modernité de l'époque (les années 1980)... alors que, pour les spectateurs du XXIe siècle, ce monde a un côté vintage. Ces retrouvailles nous valent une belle scène en avion, jusque dans l'espace. Là encore, le grand écran aurait été justifié... tout comme dans la meilleure séquence d'action du film : la bagarre au sein de la Maison Blanche. Le personnage incarné par Gal Gadot (toujours aussi sensuelle...) y découvre ses faiblesses.

   Cependant, dans l'ensemble, le film est décevant. Au cœur de l'intrigue se trouve une mystérieuse pierre antique, capable d'exaucer le vœu le plus cher de la personne qui la touche. Locales au départ, les conséquences vont devenir planétaires. J'ai trouvé cela un peu gros (et un peu con), même s'il était intéressant de confronter la super-héroïne à des antagonistes qui sont, au départ, des individus ordinaires. J'ai aussi trouvé savoureux que l'on nous montre la bêtise de certains individus, lorsqu'ils ont l'occasion de réaliser leur vœu le plus cher. Mais le souci de réalisme est passé au second plan, sans parler de l'impression de se retrouver, parfois, face à un jeu vidéo. Enfin, last but not least, si Gal Gadot est impeccable dans les scènes d'action et les moments de comédie, elle est moins crédible dans les scènes d'émotion (même en V.O.). Du coup, je suis sorti de là assez partagé.

   P.S.

   Le caméo qui interrompt le générique de fin est un clin d'œil au passé télévisuel du personnage principal.

Wonder Woman 1984

   En raison de la pandémie de covid (et de la prudence excessive des distributeurs), les cinéphiles n'ont pas eu la possibilité de découvrir ce long-métrage en salles. C'est donc dans une chambre d'hôtel (celui-ci abonné à une chaîne cryptée) que je me suis récemment "fait une toile".

   Ce film est censé être la suite de Wonder Woman, dont l'action se déroule majoritairement pendant la Première Guerre mondiale. Paradoxalement, cela démarre par un retour en arrière. On y voit Diana préadolescente, désireuse de remporter une prestigieuse compétition entre jeunes Amazones... quitte à contourner les règles. La séquence, bien construite, n'est pas sans rappeler certains épisodes de la saga Harry Potter. Elle aurait mérité une vision sur très grand écran.

   Ensuite, direction 1984 et l'Amérique reaganienne, en pleine Guerre froide contre l'ogre soviétique. Les femmes n'y étaient pas aussi bien considérées qu'aujourd'hui. Y compris dans le musée où elle travaille, Diana Prince tranche par son assurance... et sa faculté à se déplacer avec grâce sur de hauts talons. (Comme quoi, le mannequinat peut parfois servir à quelque chose.) Je n'ai pas trop compris où se situait la réalisatrice Patty Jenkins sur ce sujet. Au début, on perçoit de la réprobation vis-à-vis de ce code vestimentaire imposé par une vision machiste de la société. Mais, finalement, j'ai eu l'impression que le fait d'arriver à se déplacer sans problème avec ces horribles chaussures était porté au crédit des personnages.

   C'est sur le registre comique que je trouve le film plus réussi (moins toutefois que le précédent). Un personnage (interprété par Chris Bite Pine) surgit du passé de Wonder Woman. Il s'extasie sur la modernité de l'époque (les années 1980)... alors que, pour les spectateurs du XXIe siècle, ce monde a un côté vintage. Ces retrouvailles nous valent une belle scène en avion, jusque dans l'espace. Là encore, le grand écran aurait été justifié... tout comme dans la meilleure séquence d'action du film : la bagarre au sein de la Maison Blanche. Le personnage incarné par Gal Gadot (toujours aussi sensuelle...) y découvre ses faiblesses.

   Cependant, dans l'ensemble, le film est décevant. Au cœur de l'intrigue se trouve une mystérieuse pierre antique, capable d'exaucer le vœu le plus cher de la personne qui la touche. Locales au départ, les conséquences vont devenir planétaires. J'ai trouvé cela un peu gros (et un peu con), même s'il était intéressant de confronter la super-héroïne à des antagonistes qui sont, au départ, des individus ordinaires. J'ai aussi trouvé savoureux que l'on nous montre la bêtise de certains individus, lorsqu'ils ont l'occasion de réaliser leur vœu le plus cher. Mais le souci de réalisme est passé au second plan, sans parler de l'impression de se retrouver, parfois, face à un jeu vidéo. Enfin, last but not least, si Gal Gadot est impeccable dans les scènes d'action et les moments de comédie, elle est moins crédible dans les scènes d'émotion (même en V.O.). Du coup, je suis sorti de là assez partagé.

   P.S.

   Le caméo qui interrompt le générique de fin est un clin d'œil au passé télévisuel du personnage principal.

Chers camarades !

   Moins d'un an après l'étonnant Michel-Ange, Andrey Konchalovsky ressuscite une nouvelle fois le passé, cette fois soviétique. Il s'est inspiré du massacre de Novotcherkassk (en juin 1962) pour construire une fiction à caractère documentaire, imprégnée de tragédie classique.

   Le tout début met en scène un couple de quadragénaires, dans une chambre à coucher. On comprend rapidement que tous deux sont des cadres du Parti communiste local. On est au réveil et la caméra suit Lioudmila (ou son reflet dans une glace) en train de s'habiller. Dans le même temps, une discussion de plus en plus tendue s'engage entre les deux amants. Il faut regarder avec attention cette scène : on n'est pas près de revoir cette femme aussi belle et sûre d'elle. Avant de sortir de l'appartement, elle aura empilé des vêtements et arrangé sa coiffure d'une manière qui contribue à l'enlaidir. Pour l'extérieur, la camarade adopte un profil austère. Guettez toutefois la phrase qu'elle prononce, juste avant de sortir : elle donne un sel particulier à ce que l'on vient de voir...

   La séquence suivante témoigne du même savoir-faire dans la mise en scène. L'héroïne se rend dans un magasin d'alimentation ("ΓΑCTPONOM" dans la langue de Vladimir Poutine) qui peine à contenter ses clients. Mais, quand on appartient à la nomenklatura locale, l'épicière se montre beaucoup plus accommodante...

   Bien que relativement privilégiée par rapport au reste de la population, Lioudmila est dans une situation familiale délicate. Elle a perdu son amour de jeunesse au cours de la Seconde Guerre mondiale. Elle vit désormais avec sa fille, une lycéenne de 18 ans, et son père (veuf), qui a connu la Guerre civile au début des années 1920... et qui conserve précieusement (outre son vieil uniforme) une icône de la Vierge, cachée au fond d'une valise.

   La relation mère-fille est houleuse. La jeune adulte rejette les conventions imposées par sa mère et la société soviétique... et elle fréquente des ouvriers rebelles de l'usine de locomotives voisine. Ceux-ci protestent contre l'augmentation des prix des produits alimentaires et les nouvelles cadences mises en place à l'usine. Nous sommes à la fin du printemps 1962, juste avant le déclenchement de la crise des missiles de Cuba. Le pouvoir soviétique ne veut pas entendre parler de mouvements de protestation. La situation va dégénérer.

   L'un des intérêts du film est de nous en proposer une vision de l'intérieur du Parti communiste. Plusieurs autorités sont mêlées à la crise : la direction de l'usine, la municipalité, le PC local et régional, la milice, l'armée régulière... et le KGB. Ici, le réalisateur, qui semblait avoir jusque-là un point de vue distancié, prend position dans l'analyse du déclenchement du massacre.

   La seconde partie de l'histoire voit Lioudmila partir à la recherche de sa fille (dans la rue, chez des amis, à la morgue, à l'hôpital, dans un cimetière...), se rapprochant d'un officier du KGB compréhensif et séduisant (il a un petit air de Jean Marais, je trouve). Serait-on en pleine science-fiction ?

   Quoi qu'il en soit, les acteurs principaux sont formidables, en particulier Yuliya Vysotskaya, qui porte le film sur les épaules et passe par tous les états émotionnels. La mise en scène est d'une grande rigueur, les plans étant construits avec soin. Outre les scènes déjà citées, je recommande le dialogue entre la mère et le grand-père, un soir, dans la cuisine, autour d'une bouteille d'alcool fort. Ou encore la perquisition menée par l'officier du KGB (dans l'appartement), durant laquelle on sent que le personnage change petit à petit d'opinion.

   Le noir et blanc, sans être d'une beauté bouleversante, est un bon choix pour accompagner ce drame du passé, au cœur duquel une communiste sincère se trouve face à des choix cornéliens.

   C'est à voir absolument.

Chers camarades !

   Moins d'un an après l'étonnant Michel-Ange, Andrey Konchalovsky ressuscite une nouvelle fois le passé, cette fois soviétique. Il s'est inspiré du massacre de Novotcherkassk (en juin 1962) pour construire une fiction à caractère documentaire, imprégnée de tragédie classique.

   Le tout début met en scène un couple de quadragénaires, dans une chambre à coucher. On comprend rapidement que tous deux sont des cadres du Parti communiste local. On est au réveil et la caméra suit Lioudmila (ou son reflet dans une glace) en train de s'habiller. Dans le même temps, une discussion de plus en plus tendue s'engage entre les deux amants. Il faut regarder avec attention cette scène : on n'est pas près de revoir cette femme aussi belle et sûre d'elle. Avant de sortir de l'appartement, elle aura empilé des vêtements et arrangé sa coiffure d'une manière qui contribue à l'enlaidir. Pour l'extérieur, la camarade adopte un profil austère. Guettez toutefois la phrase qu'elle prononce, juste avant de sortir : elle donne un sel particulier à ce que l'on vient de voir...

   La séquence suivante témoigne du même savoir-faire dans la mise en scène. L'héroïne se rend dans un magasin d'alimentation ("ΓΑCTPONOM" dans la langue de Vladimir Poutine) qui peine à contenter ses clients. Mais, quand on appartient à la nomenklatura locale, l'épicière se montre beaucoup plus accommodante...

   Bien que relativement privilégiée par rapport au reste de la population, Lioudmila est dans une situation familiale délicate. Elle a perdu son amour de jeunesse au cours de la Seconde Guerre mondiale. Elle vit désormais avec sa fille, une lycéenne de 18 ans, et son père (veuf), qui a connu la Guerre civile au début des années 1920... et qui conserve précieusement (outre son vieil uniforme) une icône de la Vierge, cachée au fond d'une valise.

   La relation mère-fille est houleuse. La jeune adulte rejette les conventions imposées par sa mère et la société soviétique... et elle fréquente des ouvriers rebelles de l'usine de locomotives voisine. Ceux-ci protestent contre l'augmentation des prix des produits alimentaires et les nouvelles cadences mises en place à l'usine. Nous sommes à la fin du printemps 1962, juste avant le déclenchement de la crise des missiles de Cuba. Le pouvoir soviétique ne veut pas entendre parler de mouvements de protestation. La situation va dégénérer.

   L'un des intérêts du film est de nous en proposer une vision de l'intérieur du Parti communiste. Plusieurs autorités sont mêlées à la crise : la direction de l'usine, la municipalité, le PC local et régional, la milice, l'armée régulière... et le KGB. Ici, le réalisateur, qui semblait avoir jusque-là un point de vue distancié, prend position dans l'analyse du déclenchement du massacre.

   La seconde partie de l'histoire voit Lioudmila partir à la recherche de sa fille (dans la rue, chez des amis, à la morgue, à l'hôpital, dans un cimetière...), se rapprochant d'un officier du KGB compréhensif et séduisant (il a un petit air de Jean Marais, je trouve). Serait-on en pleine science-fiction ?

   Quoi qu'il en soit, les acteurs principaux sont formidables, en particulier Yuliya Vysotskaya, qui porte le film sur les épaules et passe par tous les états émotionnels. La mise en scène est d'une grande rigueur, les plans étant construits avec soin. Outre les scènes déjà citées, je recommande le dialogue entre la mère et le grand-père, un soir, dans la cuisine, autour d'une bouteille d'alcool fort. Ou encore la perquisition menée par l'officier du KGB (dans l'appartement), durant laquelle on sent que le personnage change petit à petit d'opinion.

   Le noir et blanc, sans être d'une beauté bouleversante, est un bon choix pour accompagner ce drame du passé, au cœur duquel une communiste sincère se trouve face à des choix cornéliens.

   C'est à voir absolument.

Meurtres en Berry

   Ce samedi soir, France 3 diffuse un épisode inédit de sa collection Meurtres à... qui se déroule dans le Berry. Comme il est déjà accessible en ligne, j'ai pu le visionner. Même s'ils ne sont pas toujours bien joués (il y a peu de prises pour chaque scène), j'aime ces polars du terroir, qui font découvrir une région française et s'appuient souvent sur une légende locale. C'est encore le cas ici, même si la référence culturelle majeure est un roman de George Sand (La Mare au diable).

   J'ai tenté le coup en raison de la présence au générique d'Aurélien Wiik, un acteur que j'apprécie et que j'ai déjà vu dans d'autres "policiers du samedi soir".

   Comme d'habitude, le scénario croise l'intrigue criminelle avec les difficultés de la vie personnelle des enquêteurs, en saupoudrant le tout d'un début de romance. Le cahier des charges est respecté. Je signale toutefois que, pour goûter toute la saveur de l'intrigue, il faut accepter l'introduction d'un peu de "fantastique", puisqu'il est question de magnétiseurs-guérisseurs...

   A. Wiik incarne un capitaine de police basé à Bourges qui, pour les besoins d'une enquête, retourne dans son village d'origine, avec lequel il a coupé les ponts, en raison d'un passé douloureux. Bien évidemment, ce passé va refaire surface au cours de ses investigations. Même si certaines scènes auraient mérité d'être rejouées, j'ai globalement apprécié cette fiction, les personnages secondaires étant bien campés.

   Les téléspectateurs aveyronnais seront particulièrement attentifs à l'arme du premier crime (présentée ci-dessous dans la salle d'autopsie) :

   C'est fou comme le couteau Laguiole se marie bien avec les séries policières. Rappelez-vous, j'avais déjà signalé sa présence dans Les Experts (Las Vegas), Profilage, Elementary et Cherif (dont l'un des acteurs figure au générique : François Bureloup, dans le rôle du médecin légiste). Tout récemment, j'ai même pu en voir un exemplaire dans le film Profession du père, dans la main du personnage incarné par Benoît Poelvoorde.

   P.S.

   À lire, dans Le Monde, un article mettant en valeur, parmi les produits "made in France", le célèbre couteau aveyronnais.

Meurtres en Berry

   Ce samedi soir, France 3 diffuse un épisode inédit de sa collection Meurtres à... qui se déroule dans le Berry. Comme il est déjà accessible en ligne, j'ai pu le visionner. Même s'ils ne sont pas toujours bien joués (il y a peu de prises pour chaque scène), j'aime ces polars du terroir, qui font découvrir une région française et s'appuient souvent sur une légende locale. C'est encore le cas ici, même si la référence culturelle majeure est un roman de George Sand (La Mare au diable).

   J'ai tenté le coup en raison de la présence au générique d'Aurélien Wiik, un acteur que j'apprécie et que j'ai déjà vu dans d'autres "policiers du samedi soir".

   Comme d'habitude, le scénario croise l'intrigue criminelle avec les difficultés de la vie personnelle des enquêteurs, en saupoudrant le tout d'un début de romance. Le cahier des charges est respecté. Je signale toutefois que, pour goûter toute la saveur de l'intrigue, il faut accepter l'introduction d'un peu de "fantastique", puisqu'il est question de magnétiseurs-guérisseurs...

   A. Wiik incarne un capitaine de police basé à Bourges qui, pour les besoins d'une enquête, retourne dans son village d'origine, avec lequel il a coupé les ponts, en raison d'un passé douloureux. Bien évidemment, ce passé va refaire surface au cours de ses investigations. Même si certaines scènes auraient mérité d'être rejouées, j'ai globalement apprécié cette fiction, les personnages secondaires étant bien campés.

   Les téléspectateurs aveyronnais seront particulièrement attentifs à l'arme du premier crime (présentée ci-dessous dans la salle d'autopsie) :

   C'est fou comme le couteau Laguiole se marie bien avec les séries policières. Rappelez-vous, j'avais déjà signalé sa présence dans Les Experts (Las Vegas), Profilage, Elementary et Cherif (dont l'un des acteurs figure au générique : François Bureloup, dans le rôle du médecin légiste). Tout récemment, j'ai même pu en voir un exemplaire dans le film Profession du père, dans la main du personnage incarné par Benoît Poelvoorde.

   P.S.

   À lire, dans Le Monde, un article mettant en valeur, parmi les produits "made in France", le célèbre couteau aveyronnais.

Reminiscence

   On doit ce film de science-fiction aux influences multiples à Lisa Joy, la créatrice de la série Westworld. De prime abord, c'est la référence aux polars des années 1940-1950 qui frappe. La voix-off (trop présente, hélas) pourrait être celle d'un détective privé qui raconte sa dernière affaire, celle qui lui a permis de rencontrer LA femme, qu'il ne pourra jamais oublier.

   Faute de détective privé, on a Nick, un ancien marine, blessé à la jambe, devenu "entrepreneur de souvenirs". Musclé, tatoué et pas rasé, Hugh Jackman prête son physique avenant à ce personnage un peu agaçant. Un jour, presque par hasard, une nouvelle cliente (chanteuse de cabaret) pénètre timidement dans sa boutique. Rebecca Ferguson (remarquable dans Mission impossible 5) est chargée d'incarnée Mae, la femme fatale, portant des robes échancrées qui ne permettent pas d'ignorer à quel point elle est bien gaulée. Immédiatement, on constate que Nick n'est pas insensible à son charme : il a les yeux exorbités, sa langue descend jusqu'aux chevilles et une bosse suspecte apparaît au creux de son pantalon...

   Avant que je ne cause de leur amourette, je dois préciser que l'action se déroule dans un contexte post-apocalyptique : le changement climatique a provoqué une forte montée des océans, la ville de Miami se trouvant désormais à moitié sous l'eau. Cela nous vaut plusieurs plans extérieurs superbes... et, beaucoup plus tard, une scène aquatique visuellement emballante, dans le rez-de-chaussée d'une bâtisse à moitié engloutie.

   L'aspect science-fiction tient à l'enregistrement des souvenirs personnels et à la possibilité de les revivre, si l'on est un client fortuné... ou l'ami du patron. Les vieux cinéphiles amateurs de ce genre d'histoire y verront une parenté avec Strange Days, de Kathryn Bigelow.

   Le problème est que, si les décors et la mise en scène sont de qualité, les dialogues sont trop nombreux, parfois inutiles ou maladroits. On aurait surtout dû couper dans les parties de monologue. Quant à l'histoire d'amour, assumée d'abord comme un cliché, elle ne m'a pas transporté. La "scène de sexe" entre les deux amants n'est pas la plus réussie du film.

   Heureusement, la partie polar reprend le dessus. Figurez-vous que la femme fatale disparaît, au grand désespoir du héros, qui va se mettre en quatre pour la retrouver. Il va fouiller dans sa "banque de souvenirs"... voire carrément dans la mémoire de sujets non consentants. J'ai bien aimé cette enquête cérébrale, même si les scènes de baston auxquelles elle donne naissance auraient mérité quelques ajustements.

   Sur le plan formel, je me dois de signaler une faiblesse du film : la plupart du temps, les souvenirs sont représentés non pas comme la vision (subjective) de la personne qui les a en mémoire, mais comme une vue objective des événements dont elle se rappelle. Cet artifice était nécessaire à l'accomplissement du scénario puisque, bien entendu, des indices sont visibles dans certaines de ces scènes, indices dont la personne qui revit ses souvenirs n'a pas forcément conscience.

   En dépit de ses faiblesses, j'ai été pris par cette histoire follement romantique, avec ses personnages victimes d'une machination dont on découvre les mécanismes petit à petit.

Reminiscence

   On doit ce film de science-fiction aux influences multiples à Lisa Joy, la créatrice de la série Westworld. De prime abord, c'est la référence aux polars des années 1940-1950 qui frappe. La voix-off (trop présente, hélas) pourrait être celle d'un détective privé qui raconte sa dernière affaire, celle qui lui a permis de rencontrer LA femme, qu'il ne pourra jamais oublier.

   Faute de détective privé, on a Nick, un ancien marine, blessé à la jambe, devenu "entrepreneur de souvenirs". Musclé, tatoué et pas rasé, Hugh Jackman prête son physique avenant à ce personnage un peu agaçant. Un jour, presque par hasard, une nouvelle cliente (chanteuse de cabaret) pénètre timidement dans sa boutique. Rebecca Ferguson (remarquable dans Mission impossible 5) est chargée d'incarnée Mae, la femme fatale, portant des robes échancrées qui ne permettent pas d'ignorer à quel point elle est bien gaulée. Immédiatement, on constate que Nick n'est pas insensible à son charme : il a les yeux exorbités, sa langue descend jusqu'aux chevilles et une bosse suspecte apparaît au creux de son pantalon...

   Avant que je ne cause de leur amourette, je dois préciser que l'action se déroule dans un contexte post-apocalyptique : le changement climatique a provoqué une forte montée des océans, la ville de Miami se trouvant désormais à moitié sous l'eau. Cela nous vaut plusieurs plans extérieurs superbes... et, beaucoup plus tard, une scène aquatique visuellement emballante, dans le rez-de-chaussée d'une bâtisse à moitié engloutie.

   L'aspect science-fiction tient à l'enregistrement des souvenirs personnels et à la possibilité de les revivre, si l'on est un client fortuné... ou l'ami du patron. Les vieux cinéphiles amateurs de ce genre d'histoire y verront une parenté avec Strange Days, de Kathryn Bigelow.

   Le problème est que, si les décors et la mise en scène sont de qualité, les dialogues sont trop nombreux, parfois inutiles ou maladroits. On aurait surtout dû couper dans les parties de monologue. Quant à l'histoire d'amour, assumée d'abord comme un cliché, elle ne m'a pas transporté. La "scène de sexe" entre les deux amants n'est pas la plus réussie du film.

   Heureusement, la partie polar reprend le dessus. Figurez-vous que la femme fatale disparaît, au grand désespoir du héros, qui va se mettre en quatre pour la retrouver. Il va fouiller dans sa "banque de souvenirs"... voire carrément dans la mémoire de sujets non consentants. J'ai bien aimé cette enquête cérébrale, même si les scènes de baston auxquelles elle donne naissance auraient mérité quelques ajustements.

   Sur le plan formel, je me dois de signaler une faiblesse du film : la plupart du temps, les souvenirs sont représentés non pas comme la vision (subjective) de la personne qui les a en mémoire, mais comme une vue objective des événements dont elle se rappelle. Cet artifice était nécessaire à l'accomplissement du scénario puisque, bien entendu, des indices sont visibles dans certaines de ces scènes, indices dont la personne qui revit ses souvenirs n'a pas forcément conscience.

   En dépit de ses faiblesses, j'ai été pris par cette histoire follement romantique, avec ses personnages victimes d'une machination dont on découvre les mécanismes petit à petit.

Good Doctor, saison 4

   L'an dernier, j'avais été plutôt déçu par la troisième saison de la série Good Doctor, en dépit d'un final réussi. J'ai retenté le coup avec l'épisode double qui inaugure la quatrième saison, en pleine pandémie.

   Les scénaristes ont tiré parti du contexte sanitaire des États-Unis pour redonner goût à un programme qui commençait à ronronner. C'était aussi un choix esthétique, que n'ont pas fait la majorité des producteurs de fictions, outre-Atlantique comme en Europe : quand les tournages ont repris, entre deux confinements, la plupart du temps, on a fait comme si l'action ne se déroulait pas en temps de covid-19. Une des rares exceptions est la série Most Wanted Criminals (dérivée de FBI), dont la diffusion a été interrompue par TF1. On a quand même pu voir, dès le premier épisode de la saison 2, les protagonistes masqués :

   Mais revenons à la saison 4 de Good Doctor. En raison du contexte, dans le premier épisode, la vie personnelle du médecin autiste passe un peu au second plan... et c'est tant mieux. Les scénaristes ont choisi d'illustrer, à travers une multitude de personnages, les difficultés de la vie quotidienne en période pandémique. Ainsi, de nombreuses familles sont divisées, d'autres cohabitent pour le meilleur et pour le pire ; quelques-uns se retrouvent isolés. Et une minorité voit mourir l'un de ses proches.

   Durant le deuxième épisode, diffusé mercredi soir, l'aspect dramatique s'intensifie. De plus en plus de personnes décèdent de la maladie, à l'hôpital. Le personnel médical fait de son mieux (la série lui rend un bel hommage), mais on comprend que c'est dur, aussi bien physiquement que psychologiquement. Au début de chaque histoire, on remarquera l'insertion d'un panneau qui vaut tous les discours :

   J'ai particulièrement aimé deux intrigues annexes : la recherche effectuée par Claire (qui est encore sous le coup du décès du docteur Melendez, dont elle était secrètement amoureuse) et l'attention particulière portée par le docteur Park à une femme enceinte (touchée par le covid), qui n'a personne pour la soutenir.

   Je rassure tout le monde : après une période de drames, la situation s'améliore. Certains des malades que l'on a suivis pendant ces deux épisodes vont s'en sortir.

Good Doctor, saison 4

   L'an dernier, j'avais été plutôt déçu par la troisième saison de la série Good Doctor, en dépit d'un final réussi. J'ai retenté le coup avec l'épisode double qui inaugure la quatrième saison, en pleine pandémie.

   Les scénaristes ont tiré parti du contexte sanitaire des États-Unis pour redonner goût à un programme qui commençait à ronronner. C'était aussi un choix esthétique, que n'ont pas fait la majorité des producteurs de fictions, outre-Atlantique comme en Europe : quand les tournages ont repris, entre deux confinements, la plupart du temps, on a fait comme si l'action ne se déroulait pas en temps de covid-19. Une des rares exceptions est la série Most Wanted Criminals (dérivée de FBI), dont la diffusion a été interrompue par TF1. On a quand même pu voir, dès le premier épisode de la saison 2, les protagonistes masqués :

   Mais revenons à la saison 4 de Good Doctor. En raison du contexte, dans le premier épisode, la vie personnelle du médecin autiste passe un peu au second plan... et c'est tant mieux. Les scénaristes ont choisi d'illustrer, à travers une multitude de personnages, les difficultés de la vie quotidienne en période pandémique. Ainsi, de nombreuses familles sont divisées, d'autres cohabitent pour le meilleur et pour le pire ; quelques-uns se retrouvent isolés. Et une minorité voit mourir l'un de ses proches.

   Durant le deuxième épisode, diffusé mercredi soir, l'aspect dramatique s'intensifie. De plus en plus de personnes décèdent de la maladie, à l'hôpital. Le personnel médical fait de son mieux (la série lui rend un bel hommage), mais on comprend que c'est dur, aussi bien physiquement que psychologiquement. Au début de chaque histoire, on remarquera l'insertion d'un panneau qui vaut tous les discours :

   J'ai particulièrement aimé deux intrigues annexes : la recherche effectuée par Claire (qui est encore sous le coup du décès du docteur Melendez, dont elle était secrètement amoureuse) et l'attention particulière portée par le docteur Park à une femme enceinte (touchée par le covid), qui n'a personne pour la soutenir.

   Je rassure tout le monde : après une période de drames, la situation s'améliore. Certains des malades que l'on a suivis pendant ces deux épisodes vont s'en sortir.

Attention au départ !

   Plusieurs couples d'adultes entre deux âges (30-45 ans) mettent en commun leur progéniture pour les vacances d'été, prévues dans le sud-est de la France. Le père de l'un des garçons est volontaire pour encadrer la petite troupe, à condition qu'une seconde personne l'épaule. Curieusement, les autres parents ont un agenda hyper-chargé... mais un grand-père (sans doute veuf) est disponible... au grand désespoir de sa fille. Un montage judicieux nous fait comprendre la cause de l'inquiétude de la maman : alors que le papy rappelle à quelles occasions il s'est déjà bien occupé de certains des enfants, à l'écran, une tout autre version des faits nous est proposée.

   André Dussollier incarne avec gourmandise ce grand-père imaginatif, pas coincé pour deux sous. À ses côtés Jerôme Commandeur interprète le père au foyer rondouillard, gentil, dont presque tout le monde se moque, enfants compris. L'un des intérêts de l'histoire est de voir lui pousser une paire de couilles, ce qui va lui permettre de résoudre certains problèmes épineux.

   Il faut dire qu'ils sont nombreux à se poser au cours de ce trajet en train, le premier étant l'absence des adultes, les deux accompagnants ayant raté le départ, dans des circonstances que je laisse à chacun le plaisir de découvrir. À partir de ce moment, l'intrigue alterne les allers et retours entre l'intérieur du train (où les gamins vont en faire voir de toutes les couleurs à un contrôleur psychopathe) et le "convoi des adultes" (qui vont tout tenter pour les rejoindre à chaque arrêt). Ce convoi très spécial est composé des deux accompagnants, auxquels s'est joint un ado (forcément en crise) amené en retard par sa mère (Nils Othenin-Girard, vu récemment dans Le Sens de la famille), puis un fêtard complètement ivre, dont les deux autres pensent "emprunter" la voiture.

   À un moment, tout part en sucette, quelque part entre les films des Charlots et ceux avec Louis de Funès. Tous les gags ne sont pas réussis, mais je trouve qu'il y a une belle énergie dans cette comédie sociétale, un poil surréaliste, que j'ai trouvée meilleure que les récents C'est la vie et C'est quoi ce papy ?!

Attention au départ !

   Plusieurs couples d'adultes entre deux âges (30-45 ans) mettent en commun leur progéniture pour les vacances d'été, prévues dans le sud-est de la France. Le père de l'un des garçons est volontaire pour encadrer la petite troupe, à condition qu'une seconde personne l'épaule. Curieusement, les autres parents ont un agenda hyper-chargé... mais un grand-père (sans doute veuf) est disponible... au grand désespoir de sa fille. Un montage judicieux nous fait comprendre la cause de l'inquiétude de la maman : alors que le papy rappelle à quelles occasions il s'est déjà bien occupé de certains des enfants, à l'écran, une tout autre version des faits nous est proposée.

   André Dussollier incarne avec gourmandise ce grand-père imaginatif, pas coincé pour deux sous. À ses côtés Jerôme Commandeur interprète le père au foyer rondouillard, gentil, dont presque tout le monde se moque, enfants compris. L'un des intérêts de l'histoire est de voir lui pousser une paire de couilles, ce qui va lui permettre de résoudre certains problèmes épineux.

   Il faut dire qu'ils sont nombreux à se poser au cours de ce trajet en train, le premier étant l'absence des adultes, les deux accompagnants ayant raté le départ, dans des circonstances que je laisse à chacun le plaisir de découvrir. À partir de ce moment, l'intrigue alterne les allers et retours entre l'intérieur du train (où les gamins vont en faire voir de toutes les couleurs à un contrôleur psychopathe) et le "convoi des adultes" (qui vont tout tenter pour les rejoindre à chaque arrêt). Ce convoi très spécial est composé des deux accompagnants, auxquels s'est joint un ado (forcément en crise) amené en retard par sa mère (Nils Othenin-Girard, vu récemment dans Le Sens de la famille), puis un fêtard complètement ivre, dont les deux autres pensent "emprunter" la voiture.

   À un moment, tout part en sucette, quelque part entre les films des Charlots et ceux avec Louis de Funès. Tous les gags ne sont pas réussis, mais je trouve qu'il y a une belle énergie dans cette comédie sociétale, un poil surréaliste, que j'ai trouvée meilleure que les récents C'est la vie et C'est quoi ce papy ?!

Baby Boss 2 : une affaire de famille

   Quatre ans après la sortie du premier volet des aventures du héros en couches, revoilà les (anciens) enfants terribles sur nos écrans. Ils ont pris un petit coup de vieux. L'aîné, Tim, s'est marié et a eu deux filles, la dernière ne parlant pas encore (du moins, c'est ce que croient ses parents). C'est un père au foyer, un peu rêveur, un peu emprunté. Son cadet, le percutant Ted, est toujours célibataire (sans enfant). Il a réussi dans les affaires, s'est beaucoup enrichi. Ses nièces l'admirent, surtout l'aînée, une élève modèle qui fréquente une école privée aussi prestigieuse que mystérieuse.

   Deux des meilleures scènes se trouvent dans la première partie de l'histoire. On assiste tout d'abord à la transformation physique des deux hommes adultes, qui retrouvent (de manière aussi rocambolesque que cocasse) leur corps d'enfant. Vient peu après une délirante poursuite en ville, complètement invraisemblable, mais très emballante.

   Dans la salle, les bambins adorent et les parents sont rassurés : les petites transgressions insérées dans l'intrigue conservent son aspect grand public au film... et puis il y a les clins d'œil destinés aux adultes. Au hasard d'un plan, on reconnaît (entre autres) un film d'épouvante pour ados et un célèbre passage du Seigneur des anneaux.

   Pour éviter que l'histoire ne tourne trop autour des protagonistes masculins, on a développé les personnages des filles/nièces : l'élève bûcheuse et douée d'un côté, la bébé cachottière de l'autre. Le choix de doter les enfants de très grands yeux est excellent, avec un bon potentiel comique au niveau des expressions.

   L'intrigue a deux versants. Sur le plan familial, il est question de ressouder les liens entre tous les membres de la tribu. La relation entre le père et sa fille aînée prend petit à petit le dessus, même si la réconciliation des frangins demeure le fil rouge. L'autre aspect est sociétal. Insidieusement, le scénario dénonce la pression mise sur les épaules des enfants et la volonté de certains parents d'en faire des singes savants. S'ajoute à cela un portrait de la réussite sociale assez contrasté : l'argent du riche tonton est le bienvenu, mais il ne garantit pas le bonheur.

   Il y a donc pas mal de clichés dans ce film d'animation, mais, techniquement, il est réussi et l'heure trois-quarts passe sans qu'on s'en rende compte.

Baby Boss 2 : une affaire de famille

   Quatre ans après la sortie du premier volet des aventures du héros en couches, revoilà les (anciens) enfants terribles sur nos écrans. Ils ont pris un petit coup de vieux. L'aîné, Tim, s'est marié et a eu deux filles, la dernière ne parlant pas encore (du moins, c'est ce que croient ses parents). C'est un père au foyer, un peu rêveur, un peu emprunté. Son cadet, le percutant Ted, est toujours célibataire (sans enfant). Il a réussi dans les affaires, s'est beaucoup enrichi. Ses nièces l'admirent, surtout l'aînée, une élève modèle qui fréquente une école privée aussi prestigieuse que mystérieuse.

   Deux des meilleures scènes se trouvent dans la première partie de l'histoire. On assiste tout d'abord à la transformation physique des deux hommes adultes, qui retrouvent (de manière aussi rocambolesque que cocasse) leur corps d'enfant. Vient peu après une délirante poursuite en ville, complètement invraisemblable, mais très emballante.

   Dans la salle, les bambins adorent et les parents sont rassurés : les petites transgressions insérées dans l'intrigue conservent son aspect grand public au film... et puis il y a les clins d'œil destinés aux adultes. Au hasard d'un plan, on reconnaît (entre autres) un film d'épouvante pour ados et un célèbre passage du Seigneur des anneaux.

   Pour éviter que l'histoire ne tourne trop autour des protagonistes masculins, on a développé les personnages des filles/nièces : l'élève bûcheuse et douée d'un côté, la bébé cachottière de l'autre. Le choix de doter les enfants de très grands yeux est excellent, avec un bon potentiel comique au niveau des expressions.

   L'intrigue a deux versants. Sur le plan familial, il est question de ressouder les liens entre tous les membres de la tribu. La relation entre le père et sa fille aînée prend petit à petit le dessus, même si la réconciliation des frangins demeure le fil rouge. L'autre aspect est sociétal. Insidieusement, le scénario dénonce la pression mise sur les épaules des enfants et la volonté de certains parents d'en faire des singes savants. S'ajoute à cela un portrait de la réussite sociale assez contrasté : l'argent du riche tonton est le bienvenu, mais il ne garantit pas le bonheur.

   Il y a donc pas mal de clichés dans ce film d'animation, mais, techniquement, il est réussi et l'heure trois-quarts passe sans qu'on s'en rende compte.

Pil

   Ce film d'animation français a un petit goût de Sud-Ouest. Sa production a d'ailleurs été subventionnée par Toulouse Métropole et le Conseil régional de Midi-Languedoc. On ne s'étonnera donc pas d'y croiser une duchesse d'Aquitaine prénommée Aliénor, vivant sans doute au XIIe siècle, à une époque où ce duché était plus vaste que le comté de Toulouse, légèrement décalé vers l'est par rapport à la région  actuelle :

   Le blason du royaume fictif n'est d'ailleurs pas sans évoquer celui du comté toulousain... ainsi que celui du Rouergue (qui fut jadis sous sa dépendance) : l'association "rouge et or" est présente dans les deux cas, tout comme sur les armoiries de Lugan, commune de l'Ouest Aveyron :

   Pourquoi diable me suis-je intéressé à cette commune, peuplée de moins de 400 habitants ? Parce que l'un des personnages de l'intrigue, un ménestrel (entendez : un troubadour) porte ce nom. L'acteur qui lui prête sa voix s'est arrangé pour qu'en l'entendant, on pense à Francis Cabrel (originaire du Lot-et-Garonne, pas très éloigné de là... et surtout situé sur le territoire de l'ex-duché).

   Si vous ajoutez à cela le fait que l'un des protagonistes, le soldat piéton Crobar, ne cesse de s'exclamer "Coquarel !" à tout bout de champ (ce que, dans la région, chacun identifiera comme un décalque de "Macarel !"), vous aurez une idée de la couleur locale donnée à cette histoire.

   Pil est une intrépide enfant des rues, orpheline peinant à manger à sa faim. Elle partage son quotidien avec deux fouines, Griffue et Touffue (l'une des deux me donnant l'impression d'être une hermine), bientôt rejointes par Gloutonne (qui ressemble à un putois).

   Dans des circonstances que je ne vais pas révéler, Pil apprend qu'un complot a été ourdi par le régent contre l'héritier du trône, bientôt transformé en... chat-poule ! On n'est pas au bout de nos surprises, puisqu'un peu plus tard, on assiste à la naissance d'un... dragon-chien !

   À l'ambiance médiévale se superposent donc de la sorcellerie... et une chasse au trésor. Pour sauver le royaume, Pil et ses amis vont connaître de nombreuses aventures. Ainsi, pour récupérer une grosse... crotte de Licorne, ils devront affronter le redoutable Garou (pas le chanteur, je vous rassure), avant de résister à l'agression d'une bande de soudards payés par le régent. (Le Garou en question est sans doute béarnais.)

   Dans le même temps, on assiste à la formation d'une sorte de tribu familiale, composée de Pil, Crobar, Rigolin (un amuseur public pas drôle) et de la ménagerie qui les accompagne. C'est rythmé, souvent drôle, émaillé de clins d'œil à destination des adultes. L'histoire met l'accent sur des valeurs positives... et elle se finit bien.

   Cerise sur le gâteau : l'animation est soignée. C'est très joli à voir... et parfois brillant au niveau de la mise en scène, dès le plan-séquence du début.

   J'ai passé un très bon moment, tout comme les bambins (pas trop petits) de la salle.

Pil

   Ce film d'animation français a un petit goût de Sud-Ouest. Sa production a d'ailleurs été subventionnée par Toulouse Métropole et le Conseil régional de Midi-Languedoc. On ne s'étonnera donc pas d'y croiser une duchesse d'Aquitaine prénommée Aliénor, vivant sans doute au XIIe siècle, à une époque où ce duché était plus vaste que le comté de Toulouse, légèrement décalé vers l'est par rapport à la région  actuelle :

   Le blason du royaume fictif n'est d'ailleurs pas sans évoquer celui du comté toulousain... ainsi que celui du Rouergue (qui fut jadis sous sa dépendance) : l'association "rouge et or" est présente dans les deux cas, tout comme sur les armoiries de Lugan, commune de l'Ouest Aveyron :

   Pourquoi diable me suis-je intéressé à cette commune, peuplée de moins de 400 habitants ? Parce que l'un des personnages de l'intrigue, un ménestrel (entendez : un troubadour) porte ce nom. L'acteur qui lui prête sa voix s'est arrangé pour qu'en l'entendant, on pense à Francis Cabrel (originaire du Lot-et-Garonne, pas très éloigné de là... et surtout situé sur le territoire de l'ex-duché).

   Si vous ajoutez à cela le fait que l'un des protagonistes, le soldat piéton Crobar, ne cesse de s'exclamer "Coquarel !" à tout bout de champ (ce que, dans la région, chacun identifiera comme un décalque de "Macarel !"), vous aurez une idée de la couleur locale donnée à cette histoire.

   Pil est une intrépide enfant des rues, orpheline peinant à manger à sa faim. Elle partage son quotidien avec deux fouines, Griffue et Touffue (l'une des deux me donnant l'impression d'être une hermine), bientôt rejointes par Gloutonne (qui ressemble à un putois).

   Dans des circonstances que je ne vais pas révéler, Pil apprend qu'un complot a été ourdi par le régent contre l'héritier du trône, bientôt transformé en... chat-poule ! On n'est pas au bout de nos surprises, puisqu'un peu plus tard, on assiste à la naissance d'un... dragon-chien !

   À l'ambiance médiévale se superposent donc de la sorcellerie... et une chasse au trésor. Pour sauver le royaume, Pil et ses amis vont connaître de nombreuses aventures. Ainsi, pour récupérer une grosse... crotte de Licorne, ils devront affronter le redoutable Garou (pas le chanteur, je vous rassure), avant de résister à l'agression d'une bande de soudards payés par le régent. (Le Garou en question est sans doute béarnais.)

   Dans le même temps, on assiste à la formation d'une sorte de tribu familiale, composée de Pil, Crobar, Rigolin (un amuseur public pas drôle) et de la ménagerie qui les accompagne. C'est rythmé, souvent drôle, émaillé de clins d'œil à destination des adultes. L'histoire met l'accent sur des valeurs positives... et elle se finit bien.

   Cerise sur le gâteau : l'animation est soignée. C'est très joli à voir... et parfois brillant au niveau de la mise en scène, dès le plan-séquence du début.

   J'ai passé un très bon moment, tout comme les bambins (pas trop petits) de la salle.

Sentimental

   Le générique du début laisse entendre que le titre de ce film espagnol est une sorte de mot-valise, signifiant quelque chose comme "Raison et sentiment" (dans l'ordre inverse). C'est (je pense) une allusion à la différence de tempérament au sein du couple de héros. Lui est un prof de musique très autosatisfait, tandis qu'elle est une quadra angoissée, qui a "de beaux restes" comme on dit. Lui est incarné par Javier Cámara (vu récemment dans L'Oubli que nous serons), elle par Griselda Siciliani. Le couple n'est pas des plus solides. La première partie met bien en scène (quoique de manière un peu scolaire) la distance et la tension qui sont apparues entre les deux.

   L'arrivée des voisins du dessus (invités à dîner par l'épouse) relance l'intrigue. Entre les deux duos, il y a pas mal de non-dits, que cette soirée est censée "purger" (de manière civilisée). Si les deux couples se définissent comme "progressistes", au niveau des mœurs, un fossé les sépare, tant les voisins du dessus se révèlent, au fur et à mesure que la conversation progresse, libertaires. Le contraste avec leurs interlocuteurs, pourtant à peine plus âgés qu'eux, est frappant. J'ai remarqué que l'épouse de l'étage du dessus est interprétée (avec pétulance) par Belén Cuesta, remarquée cette année dans Une Vie secrète.

   Cette confrontation de couples, sur le mode comique (grinçant), adaptée d'une pièce de théâtre, n'est pas sans rappeler Carnage de Roman Polanski. Malheureusement, derrière la caméra, Cesc Gay n'a pas le talent de l'auteur de J'accuse. Il a du mal à tenir la distance, certains personnages faisant mine à plusieurs reprises de sortir de l'appartement, avant forcément d'y revenir (sinon le film se serait terminé au bout d'une heure, à tout casser). Je pense qu'il aurait fallu rajouter des plans extérieurs, bref faire preuve d'un peu d'innovation par rapport à la pièce de théâtre.

   Il reste quand même plusieurs moments savoureux, avec de bons dialogues... et une analyse de la crise d'un couple, assez touchante. Mais ce sera vite oublié.

Sentimental

   Le générique du début laisse entendre que le titre de ce film espagnol est une sorte de mot-valise, signifiant quelque chose comme "Raison et sentiment" (dans l'ordre inverse). C'est (je pense) une allusion à la différence de tempérament au sein du couple de héros. Lui est un prof de musique très autosatisfait, tandis qu'elle est une quadra angoissée, qui a "de beaux restes" comme on dit. Lui est incarné par Javier Cámara (vu récemment dans L'Oubli que nous serons), elle par Griselda Siciliani. Le couple n'est pas des plus solides. La première partie met bien en scène (quoique de manière un peu scolaire) la distance et la tension qui sont apparues entre les deux.

   L'arrivée des voisins du dessus (invités à dîner par l'épouse) relance l'intrigue. Entre les deux duos, il y a pas mal de non-dits, que cette soirée est censée "purger" (de manière civilisée). Si les deux couples se définissent comme "progressistes", au niveau des mœurs, un fossé les sépare, tant les voisins du dessus se révèlent, au fur et à mesure que la conversation progresse, libertaires. Le contraste avec leurs interlocuteurs, pourtant à peine plus âgés qu'eux, est frappant. J'ai remarqué que l'épouse de l'étage du dessus est interprétée (avec pétulance) par Belén Cuesta, remarquée cette année dans Une Vie secrète.

   Cette confrontation de couples, sur le mode comique (grinçant), adaptée d'une pièce de théâtre, n'est pas sans rappeler Carnage de Roman Polanski. Malheureusement, derrière la caméra, Cesc Gay n'a pas le talent de l'auteur de J'accuse. Il a du mal à tenir la distance, certains personnages faisant mine à plusieurs reprises de sortir de l'appartement, avant forcément d'y revenir (sinon le film se serait terminé au bout d'une heure, à tout casser). Je pense qu'il aurait fallu rajouter des plans extérieurs, bref faire preuve d'un peu d'innovation par rapport à la pièce de théâtre.

   Il reste quand même plusieurs moments savoureux, avec de bons dialogues... et une analyse de la crise d'un couple, assez touchante. Mais ce sera vite oublié.

Free Guy

   On a beaucoup comparé ce film à Ready Player One (en raison de l'interpénétration de deux intrigues, une dans le monde réel, l'autre dans le monde virtuel) et à The Truman Show (à cause du héros qui ne sait pas -au départ- qu'il fait partie d'un programme de divertissement). On a souvent oublié les (nombreuses) références à La Grande Aventure Lego... eh, oui ! Le héros est un chic type, un peu naïf, qui trouve tout super génial (du moins au début). Il va s'enticher d'un personnage féminin très badass et se révéler à lui-même, au cours d'aventures extraordinaires.

   Guy est d'abord le narrateur de l'histoire. La première séquence, l'une des plus belles du film, présente le monde merveilleux dans lequel il vit. Chaque jour, le héros suit sa routine, du réveil au bureau jusqu'au retour chez lui, en passant par ce délicieux café, brûlant à l'excès, à tel point que Guy s'exclame que "C'est comme perdre sa virginité, mais dans la bouche !" C'est une indication du double (voire triple) niveau de lecture qu'il faut adopter avec cette histoire. Celle-ci est donc visible par différents publics, les allusions sexuelles étant peu nombreuses et pas trop apparentes (si l'on veut protéger les oreilles chastes des propos grivois).

   Dans le monde réel, l'intrigue repose sur un vol de propriété intellectuelle et un amour inassouvi. Dans le monde virtuel, c'est d'inégalité et d'aliénation qu'il est question. Deux types d'individus y évoluent : les joueurs (qui ont un équivalent dans le monde réel) et les PNJ, "personnages non-joueurs" (NPC, "non-player characters" dans la V.O.), autrement dit les créations des programmeurs. Ils ont l'habitude de se faire frapper, détrousser, assassiner, dans la joie et la bonne humeur. Cela nous vaut de savoureux contrastes entre le premier plan (souvent d'une gaieté appuyée, du moins dans la première partie) et l'arrière-plan, beaucoup plus agité.

   C'est là qu'il faut prendre le film au sens métaphorique. Les PNJ sont l'équivalent des citoyens ordinaires, habitués (selon les scénaristes) à se laisser "entuber" par les gagnants du système, les "héros", qui évoluent dans l'univers virtuel avec d'étranges lunettes de soleil. Mais, grâce à Guy, la révolte n'est peut-être pas loin...

   Sur le plan visuel, je suis partagé. Incontestablement, c'est spectaculaire, avec beaucoup de couleurs vives. Mais, parfois, l'esthétique de jeu vidéo m'a agacé. Cela passe néanmoins grâce au rythme de l'action (élevé) et à l'intérêt que suscite le scénario. L'humour aussi est souvent présent, comme quand la vie réelle et la vie virtuelle se télescopent (les véritables individus ressemblant souvent très peu physiquement à leur avatar...) ou quand, à l'occasion d'une péripétie, on nous gratifie d'un clin d'œil à certaines productions Marvel ou à Star Wars. (Comme c'est une production Century Fox, qu'une partie des effets spéciaux a été réalisée par LucasFilm et que le film est distribué par Disney, on peut dire que cela reste en famille !)

   Au niveau de l'interprétation, j'ai surtout été marqué par Ryan Reynolds (qui coproduit, un bon moyen de s'assurer les meilleures répliques) et Taika Waititi, pas mal du tout dans son rôle de gourou informatique âpre au gain.

   Cela donne un bon divertissement, dont la leçon finale est que la vraie vie ne se trouve pas dans le virtuel.

Free Guy

   On a beaucoup comparé ce film à Ready Player One (en raison de l'interpénétration de deux intrigues, une dans le monde réel, l'autre dans le monde virtuel) et à The Truman Show (à cause du héros qui ne sait pas -au départ- qu'il fait partie d'un programme de divertissement). On a souvent oublié les (nombreuses) références à La Grande Aventure Lego... eh, oui ! Le héros est un chic type, un peu naïf, qui trouve tout super génial (du moins au début). Il va s'enticher d'un personnage féminin très badass et se révéler à lui-même, au cours d'aventures extraordinaires.

   Guy est d'abord le narrateur de l'histoire. La première séquence, l'une des plus belles du film, présente le monde merveilleux dans lequel il vit. Chaque jour, le héros suit sa routine, du réveil au bureau jusqu'au retour chez lui, en passant par ce délicieux café, brûlant à l'excès, à tel point que Guy s'exclame que "C'est comme perdre sa virginité, mais dans la bouche !" C'est une indication du double (voire triple) niveau de lecture qu'il faut adopter avec cette histoire. Celle-ci est donc visible par différents publics, les allusions sexuelles étant peu nombreuses et pas trop apparentes (si l'on veut protéger les oreilles chastes des propos grivois).

   Dans le monde réel, l'intrigue repose sur un vol de propriété intellectuelle et un amour inassouvi. Dans le monde virtuel, c'est d'inégalité et d'aliénation qu'il est question. Deux types d'individus y évoluent : les joueurs (qui ont un équivalent dans le monde réel) et les PNJ, "personnages non-joueurs" (NPC, "non-player characters" dans la V.O.), autrement dit les créations des programmeurs. Ils ont l'habitude de se faire frapper, détrousser, assassiner, dans la joie et la bonne humeur. Cela nous vaut de savoureux contrastes entre le premier plan (souvent d'une gaieté appuyée, du moins dans la première partie) et l'arrière-plan, beaucoup plus agité.

   C'est là qu'il faut prendre le film au sens métaphorique. Les PNJ sont l'équivalent des citoyens ordinaires, habitués (selon les scénaristes) à se laisser "entuber" par les gagnants du système, les "héros", qui évoluent dans l'univers virtuel avec d'étranges lunettes de soleil. Mais, grâce à Guy, la révolte n'est peut-être pas loin...

   Sur le plan visuel, je suis partagé. Incontestablement, c'est spectaculaire, avec beaucoup de couleurs vives. Mais, parfois, l'esthétique de jeu vidéo m'a agacé. Cela passe néanmoins grâce au rythme de l'action (élevé) et à l'intérêt que suscite le scénario. L'humour aussi est souvent présent, comme quand la vie réelle et la vie virtuelle se télescopent (les véritables individus ressemblant souvent très peu physiquement à leur avatar...) ou quand, à l'occasion d'une péripétie, on nous gratifie d'un clin d'œil à certaines productions Marvel ou à Star Wars. (Comme c'est une production Century Fox, qu'une partie des effets spéciaux a été réalisée par LucasFilm et que le film est distribué par Disney, on peut dire que cela reste en famille !)

   Au niveau de l'interprétation, j'ai surtout été marqué par Ryan Reynolds (qui coproduit, un bon moyen de s'assurer les meilleures répliques) et Taika Waititi, pas mal du tout dans son rôle de gourou informatique âpre au gain.

   Cela donne un bon divertissement, dont la leçon finale est que la vraie vie ne se trouve pas dans le virtuel.

Escape Game 2

   En 2019, la sortie du premier Escape Game avait été une agréable surprise... et une appréciable source de profits pour les producteurs. Voici donc la suite, tournée par le même réalisateur, écrite par la même scénariste.

   Au risque de divulgâcher, je me dois de préciser que les deux vainqueurs de la précédente épreuve sont présents dans cette histoire. La demoiselle en particulier veut régler son compte à l'organisation Minos, qui crée des divertissements meurtriers pour gens friqués en mal de sensations.

   Sans surprise, le duo de jeunes adultes se trouve à nouveau pris au piège, en compagnie de quatre autres personnes, dans une rame de métro spécialement aménagée à leur intention. C'est l'occasion de préciser que, si vous ne faites pas semblant de croire qu'il est possible de dépenser des centaines de millions de dollars pour construire, dans le plus grand secret, cinq salles de jeu remplies de pièges dans les sous-sols de New York, ce film n'est pas pour vous.

   Une fois ce présupposé accepté, on peut jouir du spectacle. Comme dans le premier opus, les décorateurs et le réalisateur font montre de leur savoir-faire (bien épaulés, il est vrai, par les effets spéciaux... juste ce qu'il faut). Du coup, on suit les concurrents (six, puis cinq...) dans la rame de métro, le hall d'une banque (la meilleure séquence, à mon goût), une station balnéaire, une fausse rue de New York... et une chambre d'enfant. C'est bien foutu, trépidant... à déconseiller toutefois au jeune public : dans la salle où je me trouvais, une famille entière était venue voir ce film, les parents et trois enfants, mais le petit dernier n'a visiblement pas tout compris (sans parler des cauchemars qu'il a sans doute dû faire par la suite).

   La caractérisation des personnages n'est toujours pas le point fort de l'histoire, qui insiste sur la nécessaire collaboration des protagonistes pour s'en sortir. Mais, comme le scénario est malin et qu'à l'écran, c'est assez joli à voir, on passe un bon moment, pour peu qu'on aime ce genre de cinéma.

   P.S.

   Celles et ceux qui ont vu le premier film ne seront pas surpris de constater que la fin ménage la possibilité d'une suite...

Escape Game 2

   En 2019, la sortie du premier Escape Game avait été une agréable surprise... et une appréciable source de profits pour les producteurs. Voici donc la suite, tournée par le même réalisateur, écrite par la même scénariste.

   Au risque de divulgâcher, je me dois de préciser que les deux vainqueurs de la précédente épreuve sont présents dans cette histoire. La demoiselle en particulier veut régler son compte à l'organisation Minos, qui crée des divertissements meurtriers pour gens friqués en mal de sensations.

   Sans surprise, le duo de jeunes adultes se trouve à nouveau pris au piège, en compagnie de quatre autres personnes, dans une rame de métro spécialement aménagée à leur intention. C'est l'occasion de préciser que, si vous ne faites pas semblant de croire qu'il est possible de dépenser des centaines de millions de dollars pour construire, dans le plus grand secret, cinq salles de jeu remplies de pièges dans les sous-sols de New York, ce film n'est pas pour vous.

   Une fois ce présupposé accepté, on peut jouir du spectacle. Comme dans le premier opus, les décorateurs et le réalisateur font montre de leur savoir-faire (bien épaulés, il est vrai, par les effets spéciaux... juste ce qu'il faut). Du coup, on suit les concurrents (six, puis cinq...) dans la rame de métro, le hall d'une banque (la meilleure séquence, à mon goût), une station balnéaire, une fausse rue de New York... et une chambre d'enfant. C'est bien foutu, trépidant... à déconseiller toutefois au jeune public : dans la salle où je me trouvais, une famille entière était venue voir ce film, les parents et trois enfants, mais le petit dernier n'a visiblement pas tout compris (sans parler des cauchemars qu'il a sans doute dû faire par la suite).

   La caractérisation des personnages n'est toujours pas le point fort de l'histoire, qui insiste sur la nécessaire collaboration des protagonistes pour s'en sortir. Mais, comme le scénario est malin et qu'à l'écran, c'est assez joli à voir, on passe un bon moment, pour peu qu'on aime ce genre de cinéma.

   P.S.

   Celles et ceux qui ont vu le premier film ne seront pas surpris de constater que la fin ménage la possibilité d'une suite...

Rouge

   À la lecture de ce titre, les "vieux" cinéphiles auront tendance à penser à un film de Krzysztof Kieslowski datant de plus de vingt ans. Il n'en est rien, puisque le long-métrage auquel est consacré ce billet vient juste de sortir, même s'il fait partie de la promotion (maudite) de Cannes 2020 (le festival qui n'a pas eu lieu). La majorité de la sélection a débarqué dans nos salles ces derniers mois. Rétrospectivement, on se rend compte d'ailleurs que c'était une promotion de qualité, puisqu'elle comptait des œuvres comme Teddy, Des Hommes, Les Deux Alfred, Nadia, Butterfly et L'Oubli que nous serons.

   Rouge bénéficie d'une bonne critique presse, qui le compare souvent à Dark Waters. On est donc tenté de penser qu'il s'agit d'un "film-dossier", d'autant qu'il s'appuie sur un scandale bien réel, celui des "boues rouges de Gardanne". Mais, plus qu'un pamphlet sociétal, Rouge est d'abord selon moi un film psychologique, qui s'apparente au drame familial.

   L'intrigue tourne autour de deux personnages principaux, Slimane, ouvrier-syndicaliste (sans doute CGT) de l'usine d'aluminium Arkalu (un décalque d'Alteo) et Nour, sa fille, infirmière qui vient de quitter l'hôpital pour intégrer l'entreprise où son père travaille depuis près de trente ans. Dans cette boîte, elle va avoir pour collègues les amis de la famille, mais aussi son futur beau-frère.

   Outre l'ambiance de travail, le réalisateur (Farid Bentoumi) réussit à mettre en scène le conflit d'allégeance qui tenaille Nour (Zita Hanrot, formidable) : soit elle reste la fille à son père (Sami Bouajila, tout aussi excellent) et elle renie une partie de sa vocation d'infirmière, soit elle demeure fidèle à son engagement professionnel (sauver des vies) et, dans ce cas, elle entre en conflit avec ceux qu'elle aime.

   Le résultat, qui pourrait être platement manichéen, est d'une remarquable subtilité. Même le personnage du patron de l'usine (interprété par Olivier Gourmet, une fois de plus impeccable) a droit à une vision nuancée. On découvre un monde ouvrier divisé, d'abord entre titulaires et intérimaires, ensuite entre "Français de souche" racistes (ou pas), Français d'origine immigrée et étrangers. Qu'est-ce qui maintient l'unité ? L'envie de garder son boulot.

   Les seconds rôles sont au poil et contribuent à nuancer le tableau, de la journaliste écolo (Céline Sallette) à la sœur de Nour (Alka Balbir), en passant par les anciens ouvriers basculés au service restauration, les cadres de la boîte, le député du coin et des militants écologistes plus ou moins regardants sur les  méthodes.

   Dans le même temps, Slimane prépare le mariage de sa fille aînée. J'ajoute qu'à l'usine tout le monde redoute la venue d'une inspection, dont l'avis est indispensable pour obtenir le droit de rejeter à nouveau des déchets en mer. Dans le dernier tiers de l'histoire, l'ambiance de thriller prend le dessus... et c'est prenant.

   Je conseille de se jeter sans délai sur ce film, parce qu'il risque de disparaître rapidement de nos écrans. Ce n'est pas le genre d'histoire que les Français ont envie de voir au cinéma en ce moment. C'est pourtant l'un des plus beaux films sortis ces dernières semaines.

   P.S.

   L'avenir de l'usine Alteo (la vraie) n'est toujours pas assuré. Des améliorations ont été apportées au processus de fabrication d'aluminium, mais l'entreprise est en difficulté, en quête de repreneur.

Rouge

   À la lecture de ce titre, les "vieux" cinéphiles auront tendance à penser à un film de Krzysztof Kieslowski datant de plus de vingt ans. Il n'en est rien, puisque le long-métrage auquel est consacré ce billet vient juste de sortir, même s'il fait partie de la promotion (maudite) de Cannes 2020 (le festival qui n'a pas eu lieu). La majorité de la sélection a débarqué dans nos salles ces derniers mois. Rétrospectivement, on se rend compte d'ailleurs que c'était une promotion de qualité, puisqu'elle comptait des œuvres comme Teddy, Des Hommes, Les Deux Alfred, Nadia, Butterfly et L'Oubli que nous serons.

   Rouge bénéficie d'une bonne critique presse, qui le compare souvent à Dark Waters. On est donc tenté de penser qu'il s'agit d'un "film-dossier", d'autant qu'il s'appuie sur un scandale bien réel, celui des "boues rouges de Gardanne". Mais, plus qu'un pamphlet sociétal, Rouge est d'abord selon moi un film psychologique, qui s'apparente au drame familial.

   L'intrigue tourne autour de deux personnages principaux, Slimane, ouvrier-syndicaliste (sans doute CGT) de l'usine d'aluminium Arkalu (un décalque d'Alteo) et Nour, sa fille, infirmière qui vient de quitter l'hôpital pour intégrer l'entreprise où son père travaille depuis près de trente ans. Dans cette boîte, elle va avoir pour collègues les amis de la famille, mais aussi son futur beau-frère.

   Outre l'ambiance de travail, le réalisateur (Farid Bentoumi) réussit à mettre en scène le conflit d'allégeance qui tenaille Nour (Zita Hanrot, formidable) : soit elle reste la fille à son père (Sami Bouajila, tout aussi excellent) et elle renie une partie de sa vocation d'infirmière, soit elle demeure fidèle à son engagement professionnel (sauver des vies) et, dans ce cas, elle entre en conflit avec ceux qu'elle aime.

   Le résultat, qui pourrait être platement manichéen, est d'une remarquable subtilité. Même le personnage du patron de l'usine (interprété par Olivier Gourmet, une fois de plus impeccable) a droit à une vision nuancée. On découvre un monde ouvrier divisé, d'abord entre titulaires et intérimaires, ensuite entre "Français de souche" racistes (ou pas), Français d'origine immigrée et étrangers. Qu'est-ce qui maintient l'unité ? L'envie de garder son boulot.

   Les seconds rôles sont au poil et contribuent à nuancer le tableau, de la journaliste écolo (Céline Sallette) à la sœur de Nour (Alka Balbir), en passant par les anciens ouvriers basculés au service restauration, les cadres de la boîte, le député du coin et des militants écologistes plus ou moins regardants sur les  méthodes.

   Dans le même temps, Slimane prépare le mariage de sa fille aînée. J'ajoute qu'à l'usine tout le monde redoute la venue d'une inspection, dont l'avis est indispensable pour obtenir le droit de rejeter à nouveau des déchets en mer. Dans le dernier tiers de l'histoire, l'ambiance de thriller prend le dessus... et c'est prenant.

   Je conseille de se jeter sans délai sur ce film, parce qu'il risque de disparaître rapidement de nos écrans. Ce n'est pas le genre d'histoire que les Français ont envie de voir au cinéma en ce moment. C'est pourtant l'un des plus beaux films sortis ces dernières semaines.

   P.S.

   L'avenir de l'usine Alteo (la vraie) n'est toujours pas assuré. Des améliorations ont été apportées au processus de fabrication d'aluminium, mais l'entreprise est en difficulté, en quête de repreneur.

C'est quoi ce papy ?!

   Deux ans après le succès du médiocre C'est quoi cette mamie ?! (un million deux cent mille entrées tout de même), Gabriel Julien-Laferrière revient avec la suite (le troisième volet d'un triptyque, en fait). Les petits-enfants ont plus ou moins grandi, les parents pas vraiment changé... et la grand-mère pète toujours le feu ! Chantal Ladesou bénéficie des meilleurs saillies écrites par les dialoguistes, qui ont néanmoins réservé quelques perles à un nouveau venu, le grand-père (présumé), interprété par Patrick Chesnais.

   C'est en raison de sa présence au générique (et grâce à une bande-annonce percutante) que je me suis lancé dans cette aventure. La première partie joue sur l'amnésie de l'héroïne, suite à un accident survenu au cours d'une de ces bamboches qu'affectionne Aurore. J'ai été agréablement surpris par tout ce qu'il se passe à l'hôpital... où elle est censée se reposer... (Notons que cet institut s'appelle "Julien-Laferrière-Mounier", des noms des deux scénaristes !)

   L'intérêt pour l'histoire vient aussi de l'évolution des personnages des petits-enfants. Dans le lot, on a une ribambelle de têtes à claques, entre la féministe extrémiste, le végan, le noir homosexuel intersectionnel, la bonne sœur, le flic "bogosse" et le youtubeur fumeur de joints. Les scénaristes aiment visiblement leurs jeunes personnages... toutefois pas au point de totalement les épargner. Ainsi, le défenseur de la nature doit accepter de voyager en véhicule polluant, la féministe de "sécher" une manif', le policier d'enfreindre la loi, le Noir de jouer au "petit nègre", la bonne sœur de "s'ouvrir" au monde séculier (je n'en dis pas plus)... Ma préférée reste Clara (Violette Guillon, fille de... avec du talent), pas la plus âgée mais la cheville ouvrière de la tribu de petits-enfants, qui s'est donné pour mission de faire recouvrer la mémoire à Aurore.

   Pour cela, ils comptent sur ses retrouvailles avec ce qu'ils présument être son amour de jeunesse, un certain Gégé. Caché au fin fond des Cévennes, cet éleveur de moutons n'est pas submergé de joie quand débarque la petite troupe. Plus attendue, cette partie est savoureuse pour la confrontation entre le vieil anar et les jeunes bobos, qui ont sans doute des valeurs en commun, mais avec deux générations d'écart. (Je laisse à chacun.e le plaisir de découvrir quels animaux de la ferme ont été nommés Lénine, Staline, Mao, Méluche et... Sarko !)

   En revanche, je trouve le côté sentimental (la renaissance de l'amour entre les deux "aînés") complètement raté. Là, on sent que Chesnais se fait un peu chier. Il est un autre aspect de l'histoire qui m'a semblé très maladroit : la grossesse de Juliette (la féministe). Au début du film, on distingue à peine son petit bidon, alors qu'elle est censée être enceinte de huit mois. En quelques jours, on la voit prendre des seins et du ventre de manière impressionnante ! (Cela m'a rappelé un passage du récent Old, qui, lui, est étiqueté film fantastique...) La séquence de l'accouchement (dans une grange, en présence d'un âne...) accumule les clichés, sans le second degré d'OSS 117, hélas. Mais, comme les deux vieux cons tiennent bien la barre, l'ensemble n'est pas déplaisant, loin de là.

C'est quoi ce papy ?!

   Deux ans après le succès du médiocre C'est quoi cette mamie ?! (un million deux cent mille entrées tout de même), Gabriel Julien-Laferrière revient avec la suite (le troisième volet d'un triptyque, en fait). Les petits-enfants ont plus ou moins grandi, les parents pas vraiment changé... et la grand-mère pète toujours le feu ! Chantal Ladesou bénéficie des meilleurs saillies écrites par les dialoguistes, qui ont néanmoins réservé quelques perles à un nouveau venu, le grand-père (présumé), interprété par Patrick Chesnais.

   C'est en raison de sa présence au générique (et grâce à une bande-annonce percutante) que je me suis lancé dans cette aventure. La première partie joue sur l'amnésie de l'héroïne, suite à un accident survenu au cours d'une de ces bamboches qu'affectionne Aurore. J'ai été agréablement surpris par tout ce qu'il se passe à l'hôpital... où elle est censée se reposer... (Notons que cet institut s'appelle "Julien-Laferrière-Mounier", des noms des deux scénaristes !)

   L'intérêt pour l'histoire vient aussi de l'évolution des personnages des petits-enfants. Dans le lot, on a une ribambelle de têtes à claques, entre la féministe extrémiste, le végan, le noir homosexuel intersectionnel, la bonne sœur, le flic "bogosse" et le youtubeur fumeur de joints. Les scénaristes aiment visiblement leurs jeunes personnages... toutefois pas au point de totalement les épargner. Ainsi, le défenseur de la nature doit accepter de voyager en véhicule polluant, la féministe de "sécher" une manif', le policier d'enfreindre la loi, le Noir de jouer au "petit nègre", la bonne sœur de "s'ouvrir" au monde séculier (je n'en dis pas plus)... Ma préférée reste Clara (Violette Guillon, fille de... avec du talent), pas la plus âgée mais la cheville ouvrière de la tribu de petits-enfants, qui s'est donné pour mission de faire recouvrer la mémoire à Aurore.

   Pour cela, ils comptent sur ses retrouvailles avec ce qu'ils présument être son amour de jeunesse, un certain Gégé. Caché au fin fond des Cévennes, cet éleveur de moutons n'est pas submergé de joie quand débarque la petite troupe. Plus attendue, cette partie est savoureuse pour la confrontation entre le vieil anar et les jeunes bobos, qui ont sans doute des valeurs en commun, mais avec deux générations d'écart. (Je laisse à chacun.e le plaisir de découvrir quels animaux de la ferme ont été nommés Lénine, Staline, Mao, Méluche et... Sarko !)

   En revanche, je trouve le côté sentimental (la renaissance de l'amour entre les deux "aînés") complètement raté. Là, on sent que Chesnais se fait un peu chier. Il est un autre aspect de l'histoire qui m'a semblé très maladroit : la grossesse de Juliette (la féministe). Au début du film, on distingue à peine son petit bidon, alors qu'elle est censée être enceinte de huit mois. En quelques jours, on la voit prendre des seins et du ventre de manière impressionnante ! (Cela m'a rappelé un passage du récent Old, qui, lui, est étiqueté film fantastique...) La séquence de l'accouchement (dans une grange, en présence d'un âne...) accumule les clichés, sans le second degré d'OSS 117, hélas. Mais, comme les deux vieux cons tiennent bien la barre, l'ensemble n'est pas déplaisant, loin de là.

Ice Road

   Sic transit gloria mundi... Il fut un temps où la sortie d'un film avec Liam Neeson était un événement et occupait une impressionnante combinaison de salles. Le problème est que, depuis au moins dix ans, l'ancienne gloire irlandaise enchaîne les films d'action potables et les navets, le public ayant de plus en plus de mal à s'y retrouver. Ajoutez à cela les conséquences de la pandémie de covid (en particulier la sortie en rafales des films stockés depuis des mois dans les cartons des distributeurs) et vous comprendrez pourquoi, à part dans les métropoles, il est très difficile d'avoir accès à ce long-métrage.

   Pourtant, le sujet est porteur. Le scénario s'appuie sur une réalité : le transport de marchandises, au Canada, sur des "routes de glace" (des pistes aménagées notamment sur des lacs gelés). Cela a même donné naissance, au début du XXIe siècle, à une émission de télé-réalité, "Le Convoi de l'extrême", qui a peut-être inspiré ce film.

   C'est principalement une histoire de burnes. Le début nous fait découvrir le travail de mineurs couillus, dans le Grand Nord canadien. Certains de ces valeureux prolétaires vont se retrouver piégés au fond de la mine, après un "coup de grisou". Le matériel nécessaire à leur sauvetage se trouve à des centaines de kilomètres de là et, vu sa taille, il ne peut être livré que par camion. Le problème est qu'on est au début du printemps et qu'à cette époque de l'année, beaucoup de chauffeurs routiers sont en vacances. Surtout, les routes de glace sont de moins en moins sûres.

   Pour ce convoi à risque, le patron couillu de la boîte de transport (Laurence Fishburne le bien nommé) a du mal à trouver du personnel compétent... et volontaire. Il sélectionne deux frères, Mike et Gurty, le premier parce qu'il en a une énorme paire (il est bien entendu interprété par Liam Neeson), le second (vétéran d'Irak atteint de stress post-traumatique) parce qu'il est un mécanicien de génie. Complètent l'équipe un cadre de la compagnie minière et... une délinquante, aux ovaires solidement arrimés. (Est-il nécessaire de préciser qu'Amber Midthunder est belle comme un camion ?) Comme, en plus, elle est issue d'une tribu indienne, on se dit que les quotas de minorités sont respectés. 

   À partir du moment où les trois camions sont lancés sur la piste glacée, c'est prenant. Les péripéties, mécaniques comme climatiques, sont mises en scène avec un indéniable savoir-faire... parce que péripéties il y a. Vous vous doutez bien que rien ne va se passer comme prévu, d'abord parce que la préparation d'un transport aussi risqué à la dernière minute ne peut être optimale... mais aussi parce que de curieux "incidents" vont se produire sur le parcours. Un complot est à l'œuvre, que nos vaillants conducteurs vont devoir déjouer.

   Je ne vais pas survendre ce film : certaines péripéties sont un peu téléphonées et les corps à corps ne sont pas très bien chorégraphiés. (Ceci dit, les fans de Liam Neeson verront avec plaisir ce quasi-septuagénaire venir à bout d'un mercenaire surentraîné qui a trente ans de moins que lui...) Mais, dans une salle obscure, sur grand écran, la chaleur estivale revenant, c'est rafraîchissant.

Ice Road

   Sic transit gloria mundi... Il fut un temps où la sortie d'un film avec Liam Neeson était un événement et occupait une impressionnante combinaison de salles. Le problème est que, depuis au moins dix ans, l'ancienne gloire irlandaise enchaîne les films d'action potables et les navets, le public ayant de plus en plus de mal à s'y retrouver. Ajoutez à cela les conséquences de la pandémie de covid (en particulier la sortie en rafales des films stockés depuis des mois dans les cartons des distributeurs) et vous comprendrez pourquoi, à part dans les métropoles, il est très difficile d'avoir accès à ce long-métrage.

   Pourtant, le sujet est porteur. Le scénario s'appuie sur une réalité : le transport de marchandises, au Canada, sur des "routes de glace" (des pistes aménagées notamment sur des lacs gelés). Cela a même donné naissance, au début du XXIe siècle, à une émission de télé-réalité, "Le Convoi de l'extrême", qui a peut-être inspiré ce film.

   C'est principalement une histoire de burnes. Le début nous fait découvrir le travail de mineurs couillus, dans le Grand Nord canadien. Certains de ces valeureux prolétaires vont se retrouver piégés au fond de la mine, après un "coup de grisou". Le matériel nécessaire à leur sauvetage se trouve à des centaines de kilomètres de là et, vu sa taille, il ne peut être livré que par camion. Le problème est qu'on est au début du printemps et qu'à cette époque de l'année, beaucoup de chauffeurs routiers sont en vacances. Surtout, les routes de glace sont de moins en moins sûres.

   Pour ce convoi à risque, le patron couillu de la boîte de transport (Laurence Fishburne le bien nommé) a du mal à trouver du personnel compétent... et volontaire. Il sélectionne deux frères, Mike et Gurty, le premier parce qu'il en a une énorme paire (il est bien entendu interprété par Liam Neeson), le second (vétéran d'Irak atteint de stress post-traumatique) parce qu'il est un mécanicien de génie. Complètent l'équipe un cadre de la compagnie minière et... une délinquante, aux ovaires solidement arrimés. (Est-il nécessaire de préciser qu'Amber Midthunder est belle comme un camion ?) Comme, en plus, elle est issue d'une tribu indienne, on se dit que les quotas de minorités sont respectés. 

   À partir du moment où les trois camions sont lancés sur la piste glacée, c'est prenant. Les péripéties, mécaniques comme climatiques, sont mises en scène avec un indéniable savoir-faire... parce que péripéties il y a. Vous vous doutez bien que rien ne va se passer comme prévu, d'abord parce que la préparation d'un transport aussi risqué à la dernière minute ne peut être optimale... mais aussi parce que de curieux "incidents" vont se produire sur le parcours. Un complot est à l'œuvre, que nos vaillants conducteurs vont devoir déjouer.

   Je ne vais pas survendre ce film : certaines péripéties sont un peu téléphonées et les corps à corps ne sont pas très bien chorégraphiés. (Ceci dit, les fans de Liam Neeson verront avec plaisir ce quasi-septuagénaire venir à bout d'un mercenaire surentraîné qui a trente ans de moins que lui...) Mais, dans une salle obscure, sur grand écran, la chaleur estivale revenant, c'est rafraîchissant.