Blanche-Neige aux souliers rouges

   Ce film d'animation ressemble furieusement à un Disney... mais ce n'est pas un Disney. En regardant certains personnages, on se dit qu'il y a un peu de Shrek là-dedans... mais ce n'est pas une production DreamWorks. Enfin, certains personnages secondaires (le lapin géant et les espèces d'oursons en bois) ont l'air de sortir d'un manga ou d'un manhwa... et ça tombe bien, puisqu'il s'agit d'une oeuvre sud-coréenne.

   On nous propose une relecture du conte des frères Grimm, avec tout un discours sur l'amour authentique et le culte de l'apparence... apparence que les souliers rouges (plutôt des escarpins, à mon avis) ont la faculté de modifier. Il y a donc deux Blanche-Neige : l'originale, au physique pas particulièrement avantageux (elle est grosse), et la nouvelle, un petit canon qui fait chavirer les coeurs des sept nains (entre autres).

   Ceux-ci ne sont pas des mineurs, mais sept princes auxquels une fée rancunière a joué un vilain tour. Pour recouvrer leur apparence d'origine, ils doivent se faire embrasser par la plus belle des princesses... Blanche-Neige ? Si oui, laquelle ?

   Du conte originel, on retrouve aussi la belle-mère maladivement jalouse et son miroir. Quant au roi (le père de Blanche-Neige), il a disparu... même si les plus futés des spectateurs devineront assez vite où il se trouve.

   Sans être d'une beauté renversante, le graphisme est très correct. Le film vaut le détour parce qu'il regorge d'humour et de rebondissements. Côté humour, les efforts des nains pour séduire Blanche-Neige sont la plupart du temps pathétiques. (A leur sujet, on remarque qu'ils semblent incarner des caricatures de tempéraments nationaux : l'Anglais est le suffisant Merlin, l'Américain est Arthur le bagarreur, il y a aussi un Allemand cuisinier, un Français raffiné et trois Italiens bricoleurs.) Côté action, la meilleure séquence est celle de l'assaut de la maison des nains, mené par un prince immature et égocentrique.

   Si l'on ajoute à cela le propos sur l'apparence physique, on obtient un divertissement de qualité, visible par les petits et les grands.

   P.S.

   La promotion du film (bande-annonce, photographies extraites de l'histoire) montre quasi exclusivement la version "canon" de l'héroïne... sans doute pour ménager la surprise... ou pour ne pas rebuter un public habitué à ce que les princesses de conte de fées soient de taille mannequin ?

   Une autre curiosité est le choix des comédiennes pour la voix de Blanche-Neige : Chloë Grace Moretz dans la version internationale, Melha Bedia dans la version française.

   La première est une reine de beauté, la seconde (aperçue récemment dans Tout Simplement Noir), plus "enrobée", a le physique de la Blanche-Neige "atypique".

 

Blanche-Neige aux souliers rouges

   Ce film d'animation ressemble furieusement à un Disney... mais ce n'est pas un Disney. En regardant certains personnages, on se dit qu'il y a un peu de Shrek là-dedans... mais ce n'est pas une production DreamWorks. Enfin, certains personnages secondaires (le lapin géant et les espèces d'oursons en bois) ont l'air de sortir d'un manga ou d'un manhwa... et ça tombe bien, puisqu'il s'agit d'une oeuvre sud-coréenne.

   On nous propose une relecture du conte des frères Grimm, avec tout un discours sur l'amour authentique et le culte de l'apparence... apparence que les souliers rouges (plutôt des escarpins, à mon avis) ont la faculté de modifier. Il y a donc deux Blanche-Neige : l'originale, au physique pas particulièrement avantageux (elle est grosse), et la nouvelle, un petit canon qui fait chavirer les coeurs des sept nains (entre autres).

   Ceux-ci ne sont pas des mineurs, mais sept princes auxquels une fée rancunière a joué un vilain tour. Pour recouvrer leur apparence d'origine, ils doivent se faire embrasser par la plus belle des princesses... Blanche-Neige ? Si oui, laquelle ?

   Du conte originel, on retrouve aussi la belle-mère maladivement jalouse et son miroir. Quant au roi (le père de Blanche-Neige), il a disparu... même si les plus futés des spectateurs devineront assez vite où il se trouve.

   Sans être d'une beauté renversante, le graphisme est très correct. Le film vaut le détour parce qu'il regorge d'humour et de rebondissements. Côté humour, les efforts des nains pour séduire Blanche-Neige sont la plupart du temps pathétiques. (A leur sujet, on remarque qu'ils semblent incarner des caricatures de tempéraments nationaux : l'Anglais est le suffisant Merlin, l'Américain est Arthur le bagarreur, il y a aussi un Allemand cuisinier, un Français raffiné et trois Italiens bricoleurs.) Côté action, la meilleure séquence est celle de l'assaut de la maison des nains, mené par un prince immature et égocentrique.

   Si l'on ajoute à cela le propos sur l'apparence physique, on obtient un divertissement de qualité, visible par les petits et les grands.

   P.S.

   La promotion du film (bande-annonce, photographies extraites de l'histoire) montre quasi exclusivement la version "canon" de l'héroïne... sans doute pour ménager la surprise... ou pour ne pas rebuter un public habitué à ce que les princesses de conte de fées soient de taille mannequin ?

   Une autre curiosité est le choix des comédiennes pour la voix de Blanche-Neige : Chloë Grace Moretz dans la version internationale, Melha Bedia dans la version française.

   La première est une reine de beauté, la seconde (aperçue récemment dans Tout Simplement Noir), plus "enrobée", a le physique de la Blanche-Neige "atypique".

 

La Nuit venue

   "C'est beau, une ville, la nuit"... notamment Paris, que j'ai découverte dans une autre vie, il y a plus de vingt ans. J'ai un peu retrouvé de cette magie dans le premier long-métrage de Frédéric Farrucci, où la capitale française (et sa banlieue proche) forme l'écrin d'une romance sur fond d'immigration.

   L'arrière-plan a quasiment valeur de documentaire. C'est une plongée dans la vie de clandestins chinois, devenus chauffeurs VTC pour le compte d'un mafieux, dont les associés se trouvent dans le "pays du milieu", mais dont l'organisation a des ramifications en Europe.

   Conduire une berline haut-de-gamme, même si l'on est mal payé, constitue une promotion sociale par rapport à celles et ceux qui triment sur le trottoir ou dans les ateliers textiles (illégaux). Tout ce petit monde loge en foyer... et doit accepter la surveillance du "patron" (par géolocalisation, du portable comme du véhicule, comme on finit par le comprendre). La plupart de ces figurants sont des acteurs non professionnels, notamment Guang Huo, qui incarne Jin, le beau ténébreux qui pense avoir bientôt finir de "payer sa dette".

   Un soir, il prend en charge la cliente qui va changer sa vie, Naomi, "go-go danseuse" qui se prostitue, interprétée par Camélia Jordana (bien meilleure actrice que sociologue ou historienne...). A la rencontre surprenante vont succéder une phase de flirt (pas à-coups), les premiers baisers (à la sauvette) et, enfin, un vrai rendez-vous.

   J'ai été touché par cette histoire d'amour improbable (pas des plus originales, j'en suis conscient). Les deux tourtereaux ont déjà été abîmés par la vie. S'ils sont sortis de la misère, ils restent d'une certaine manière enchaînés. Leur rencontre laisse entrevoir un espoir de bonheur.

   Voilà. C'est bien joué, assez bien écrit, bien filmé, le tout dans une ambiance musicale particulière (oeuvre de Rone).

La Nuit venue

   "C'est beau, une ville, la nuit"... notamment Paris, que j'ai découverte dans une autre vie, il y a plus de vingt ans. J'ai un peu retrouvé de cette magie dans le premier long-métrage de Frédéric Farrucci, où la capitale française (et sa banlieue proche) forme l'écrin d'une romance sur fond d'immigration.

   L'arrière-plan a quasiment valeur de documentaire. C'est une plongée dans la vie de clandestins chinois, devenus chauffeurs VTC pour le compte d'un mafieux, dont les associés se trouvent dans le "pays du milieu", mais dont l'organisation a des ramifications en Europe.

   Conduire une berline haut-de-gamme, même si l'on est mal payé, constitue une promotion sociale par rapport à celles et ceux qui triment sur le trottoir ou dans les ateliers textiles (illégaux). Tout ce petit monde loge en foyer... et doit accepter la surveillance du "patron" (par géolocalisation, du portable comme du véhicule, comme on finit par le comprendre). La plupart de ces figurants sont des acteurs non professionnels, notamment Guang Huo, qui incarne Jin, le beau ténébreux qui pense avoir bientôt finir de "payer sa dette".

   Un soir, il prend en charge la cliente qui va changer sa vie, Naomi, "go-go danseuse" qui se prostitue, interprétée par Camélia Jordana (bien meilleure actrice que sociologue ou historienne...). A la rencontre surprenante vont succéder une phase de flirt (pas à-coups), les premiers baisers (à la sauvette) et, enfin, un vrai rendez-vous.

   J'ai été touché par cette histoire d'amour improbable (pas des plus originales, j'en suis conscient). Les deux tourtereaux ont déjà été abîmés par la vie. S'ils sont sortis de la misère, ils restent d'une certaine manière enchaînés. Leur rencontre laisse entrevoir un espoir de bonheur.

   Voilà. C'est bien joué, assez bien écrit, bien filmé, le tout dans une ambiance musicale particulière (oeuvre de Rone).

Né à Jérusalem...

   ... et toujours vivant ! Tel est le titre de cet étrange film israélien, mi-documentaire mi-fiction, tourné à Jérusalem-Ouest (la ville israélienne). Le coréalisateur interprète le personnage principal, Ronan, sorte de mélange de Woody Allen et de Buster Keaton.

   L'action est concentrée sur la rue Jaffa (en violet ci-dessus), longue de plus d'un kilomètre, où le héros a toujours vécu. Or, c'est la rue qui a subi le plus d'attentats au monde. (Elle est proche du "mur de séparation", en rouge sur le plan.) Ronan lui-même a sans doute échappé de peu à la mort à plusieurs reprises. Tous les épisodes de sa vie ont été rythmés par des attentats. Ainsi, par exemple, il a connu son premier baiser le jour d'une tuerie, à quelques mètres des lieux du crime...

   Quand il dort, au moindre bruit provenant de la rue, il imagine un nouveau massacre. Du coup, il s'est un peu replié sur lui-même, évitant d'exprimer ses émotions, de peur sans doute d'être débordé par l'horreur... et il se sert de l'humour comme d'une mise à distance.

   Ronan s'est de plus lancé dans l'organisation de visites touristiques un peu particulières : il fait découvrir son quartier sous l'angle des attentats. On le sent en empathie avec les victimes, à chaque fois qu'il raconte une anecdote. Petit à petit, il étoffe son "tour", au départ quasi improvisé. Il attire un public bigarré : principalement des Occidentaux (chrétiens ou juifs), mais aussi des Japonais, des Latino-américains... et même des Éthiopiens (dans une séquence savoureuse...) !

   Cette démarche mémorielle change sa vie. Il va se faire un ami, un... Japonais (chrétien), venu au départ pour découvrir la ville. Marqué par la visite, ce dernier décide d'y amener ses amis, puis d'épauler discrètement Ronan. Celui-ci va même faire une rencontre amoureuse ! Dit comme cela, ça a l'air improbable, voire grossier, mais c'est vraiment bien amené. Comme l'intrigue s'étend sur plusieurs saisons (sans surprise, l'hiver voit peu de touristes fréquenter les lieux), l'histoire d'amour a le temps de se développer, de se compliquer...

   Au problème sécuritaire de Ronan s'ajoutent les soucis familiaux. Il est encore très marqué par le décès de sa mère, dix ans plus tôt. Il est aussi inquiet à propos de son père, qui perd progressivement son autonomie et qui voudrait que son fils vienne habiter avec lui ! Les dialogues père-fils sont souvent une source d'humour. Contrairement à sa progéniture, le père est obsédé par l'argent (en particulier les cours de la bourse), évalue chaque dépense (qu'il juge en général excessive)... et se mêle de la vie privée de son fils (âgé de 35-40 ans). Même si la situation est sérieuse, cet humour est le bienvenu.

   Cet ovni cinématographique mérite le détour.

Né à Jérusalem...

   ... et toujours vivant ! Tel est le titre de cet étrange film israélien, mi-documentaire mi-fiction, tourné à Jérusalem-Ouest (la ville israélienne). Le coréalisateur interprète le personnage principal, Ronan, sorte de mélange de Woody Allen et de Buster Keaton.

   L'action est concentrée sur la rue Jaffa (en violet ci-dessus), longue de plus d'un kilomètre, où le héros a toujours vécu. Or, c'est la rue qui a subi le plus d'attentats au monde. (Elle est proche du "mur de séparation", en rouge sur le plan.) Ronan lui-même a sans doute échappé de peu à la mort à plusieurs reprises. Tous les épisodes de sa vie ont été rythmés par des attentats. Ainsi, par exemple, il a connu son premier baiser le jour d'une tuerie, à quelques mètres des lieux du crime...

   Quand il dort, au moindre bruit provenant de la rue, il imagine un nouveau massacre. Du coup, il s'est un peu replié sur lui-même, évitant d'exprimer ses émotions, de peur sans doute d'être débordé par l'horreur... et il se sert de l'humour comme d'une mise à distance.

   Ronan s'est de plus lancé dans l'organisation de visites touristiques un peu particulières : il fait découvrir son quartier sous l'angle des attentats. On le sent en empathie avec les victimes, à chaque fois qu'il raconte une anecdote. Petit à petit, il étoffe son "tour", au départ quasi improvisé. Il attire un public bigarré : principalement des Occidentaux (chrétiens ou juifs), mais aussi des Japonais, des Latino-américains... et même des Éthiopiens (dans une séquence savoureuse...) !

   Cette démarche mémorielle change sa vie. Il va se faire un ami, un... Japonais (chrétien), venu au départ pour découvrir la ville. Marqué par la visite, ce dernier décide d'y amener ses amis, puis d'épauler discrètement Ronan. Celui-ci va même faire une rencontre amoureuse ! Dit comme cela, ça a l'air improbable, voire grossier, mais c'est vraiment bien amené. Comme l'intrigue s'étend sur plusieurs saisons (sans surprise, l'hiver voit peu de touristes fréquenter les lieux), l'histoire d'amour a le temps de se développer, de se compliquer...

   Au problème sécuritaire de Ronan s'ajoutent les soucis familiaux. Il est encore très marqué par le décès de sa mère, dix ans plus tôt. Il est aussi inquiet à propos de son père, qui perd progressivement son autonomie et qui voudrait que son fils vienne habiter avec lui ! Les dialogues père-fils sont souvent une source d'humour. Contrairement à sa progéniture, le père est obsédé par l'argent (en particulier les cours de la bourse), évalue chaque dépense (qu'il juge en général excessive)... et se mêle de la vie privée de son fils (âgé de 35-40 ans). Même si la situation est sérieuse, cet humour est le bienvenu.

   Cet ovni cinématographique mérite le détour.

The Climb

   Ce film commence de manière uniquement sonore : on entend deux mâles ahaner. On va vite découvrir qu'ils sont en train de peiner (à bicyclette) sur les pentes d'un col, en France... mais ils auraient aussi bien pu être en plein acte sexuel. C'est toute l'ambiguïté (non assumée) de cette histoire d'amitié amoureuse, qui reste platonique, mais n'en a pas moins de lourdes conséquences sur la vie de chaque personnage.

   Au début, c'est plaisant. Chaque chapitre est construit sur un plan-séquence. Celle de la grimpette en vélo fait rire, tout comme celle de l'enterrement. Hélas, petit à petit, cela devient horriblement complaisant, voire lourdingue.

   J'ai été assez vite agacé par les aventures de ces deux adolescents attardés, alcooliques, barbus et (plus ou moins) bedonnants, pour lesquels on semble nous demander de faire preuve d'une coupable indulgence. Le pire est la vision des femmes. Aucun personnage féminin n'est positif : la mère est dominatrice, voire castratrice, tout comme la deuxième compagne. Les deux fiancées (deux personnages taillés à la hache) sont présentées comme des emmerdeuses, infidèles. Pour compléter le tableau, on a les soeurs du héros... deux pestes. (En comparaison, Divorce Club fait presque figure de film féministe...)

   Pour enfoncer le clou, je pourrais ajouter que certaines scènes sont mal tournées : la manière dont est mis en scène l'accident (durant la partie de pêche sur glace) n'est pas réaliste, tout comme est maladroit le cadrage de la dernière scène de vélo (avec le gamin), quand l'acteur qui joue le père (putatif, parce que, là aussi, le doute subsiste...) fait semblant d'avoir du mal à enlever les "petites roues"... tout cela se passant sous l'écran.

   Les critiques (qui ont adoré ce "machin") ont visiblement été enfumés par les références à la France et à sa culture...

The Climb

   Ce film commence de manière uniquement sonore : on entend deux mâles ahaner. On va vite découvrir qu'ils sont en train de peiner (à bicyclette) sur les pentes d'un col, en France... mais ils auraient aussi bien pu être en plein acte sexuel. C'est toute l'ambiguïté (non assumée) de cette histoire d'amitié amoureuse, qui reste platonique, mais n'en a pas moins de lourdes conséquences sur la vie de chaque personnage.

   Au début, c'est plaisant. Chaque chapitre est construit sur un plan-séquence. Celle de la grimpette en vélo fait rire, tout comme celle de l'enterrement. Hélas, petit à petit, cela devient horriblement complaisant, voire lourdingue.

   J'ai été assez vite agacé par les aventures de ces deux adolescents attardés, alcooliques, barbus et (plus ou moins) bedonnants, pour lesquels on semble nous demander de faire preuve d'une coupable indulgence. Le pire est la vision des femmes. Aucun personnage féminin n'est positif : la mère est dominatrice, voire castratrice, tout comme la deuxième compagne. Les deux fiancées (deux personnages taillés à la hache) sont présentées comme des emmerdeuses, infidèles. Pour compléter le tableau, on a les soeurs du héros... deux pestes. (En comparaison, Divorce Club fait presque figure de film féministe...)

   Pour enfoncer le clou, je pourrais ajouter que certaines scènes sont mal tournées : la manière dont est mis en scène l'accident (durant la partie de pêche sur glace) n'est pas réaliste, tout comme est maladroit le cadrage de la dernière scène de vélo (avec le gamin), quand l'acteur qui joue le père (putatif, parce que, là aussi, le doute subsiste...) fait semblant d'avoir du mal à enlever les "petites roues"... tout cela se passant sous l'écran.

   Les critiques (qui ont adoré ce "machin") ont visiblement été enfumés par les références à la France et à sa culture...

Dreams

   C'est la deuxième animation danoise sortie sur nos écrans ce mois de juillet. En effet, on peut encore trouver en salles Mon Ninja et moi (pas pour les tout petits). Cette fois-ci encore, l'intrigue mélange la fiction déjantée et la réflexion sur une question de société, ici la formation d'une famille recomposée.

   L'introduction semble presque classique : un père et sa fille jouent aux échecs... sauf que, lorsque la caméra s'éloigne et que l'on voit le contexte de la scène, on se retrouve dans un tout autre univers. C'est la marque de fabrique de ce film, au scénario et à la mise en scène bourrés d'imagination.

   Au début de l'histoire, Emma vit seule avec son père... et son cochon d'Inde. La maman, chanteuse, est loin, ayant choisi de privilégier sa carrière d'artiste. Les interactions entre le père (John, un bon bougre) et la fille sont pleines de tendresse. La nuit, Emma plonge dans ses rêves, qui l'emportent loin... ou la ramènent à son quotidien.

   Une nuit, par accident, Emma va découvrir ce qui se cache derrière son "usine à rêves". C'est évidemment une métaphore du cinéma, avec ses décors en carton-pâte, ses acteurs, ses figurants, ses machines, ses scénaristes... et ses réalisateurs. L'un des plus beaux personnages est Gaff, un "créateur de rêves" éminemment sympathique. Dans son travail, il est épaulé par de petits automates, qui ont un air de ressemblance avec les Minions.

   Pour Emma, tout se gâte quand son papa chéri propose à sa nouvelle compagne de venir s'installer chez lui. Or, celle-ci débarque avec sa propre fille, Jenny. C'est une horrible peste, attirée par tout ce qui est superficiel. Pour adoucir le portrait, on nous fait comprendre qu'elle vit très mal la séparation de ses parents, en particulier le départ de son père.

   Le seul reproche que je ferais à l'histoire est de forcer le trait à propos de l'installation des deux "invitées". Non seulement Emma doit partager sa chambre avec sa "nouvelle soeur", mais, en plus, elle doit lui laisser son lit... et supporter son addiction aux réseaux sociaux. A sa place, moi j'aurais vite balancé cette greluche par la fenêtre !

   Mais, contrairement à moi, Emma dispose d'une ressource insoupçonnée : le monde des rêves. Elle va tenter de l'utiliser pour changer son quotidien, pour le meilleur et pour le pire. Nous voilà embarqués dans un film d'aventures fantastiques. Je rassure les parents : on a veillé à ce que cela se termine bien.

   Dreams est donc une excellente surprise, du niveau de Vice Versa (de chez Pixar), c'est dire !

Dreams

   C'est la deuxième animation danoise sortie sur nos écrans ce mois de juillet. En effet, on peut encore trouver en salles Mon Ninja et moi (pas pour les tout petits). Cette fois-ci encore, l'intrigue mélange la fiction déjantée et la réflexion sur une question de société, ici la formation d'une famille recomposée.

   L'introduction semble presque classique : un père et sa fille jouent aux échecs... sauf que, lorsque la caméra s'éloigne et que l'on voit le contexte de la scène, on se retrouve dans un tout autre univers. C'est la marque de fabrique de ce film, au scénario et à la mise en scène bourrés d'imagination.

   Au début de l'histoire, Emma vit seule avec son père... et son cochon d'Inde. La maman, chanteuse, est loin, ayant choisi de privilégier sa carrière d'artiste. Les interactions entre le père (John, un bon bougre) et la fille sont pleines de tendresse. La nuit, Emma plonge dans ses rêves, qui l'emportent loin... ou la ramènent à son quotidien.

   Une nuit, par accident, Emma va découvrir ce qui se cache derrière son "usine à rêves". C'est évidemment une métaphore du cinéma, avec ses décors en carton-pâte, ses acteurs, ses figurants, ses machines, ses scénaristes... et ses réalisateurs. L'un des plus beaux personnages est Gaff, un "créateur de rêves" éminemment sympathique. Dans son travail, il est épaulé par de petits automates, qui ont un air de ressemblance avec les Minions.

   Pour Emma, tout se gâte quand son papa chéri propose à sa nouvelle compagne de venir s'installer chez lui. Or, celle-ci débarque avec sa propre fille, Jenny. C'est une horrible peste, attirée par tout ce qui est superficiel. Pour adoucir le portrait, on nous fait comprendre qu'elle vit très mal la séparation de ses parents, en particulier le départ de son père.

   Le seul reproche que je ferais à l'histoire est de forcer le trait à propos de l'installation des deux "invitées". Non seulement Emma doit partager sa chambre avec sa "nouvelle soeur", mais, en plus, elle doit lui laisser son lit... et supporter son addiction aux réseaux sociaux. A sa place, moi j'aurais vite balancé cette greluche par la fenêtre !

   Mais, contrairement à moi, Emma dispose d'une ressource insoupçonnée : le monde des rêves. Elle va tenter de l'utiliser pour changer son quotidien, pour le meilleur et pour le pire. Nous voilà embarqués dans un film d'aventures fantastiques. Je rassure les parents : on a veillé à ce que cela se termine bien.

   Dreams est donc une excellente surprise, du niveau de Vice Versa (de chez Pixar), c'est dire !

Le Capital au XXIe siècle

   Ce documentaire reprend le titre de l'ouvrage (que je n'ai pas lu) de Thomas Picketty, l'économiste de gauche bénéficiant de la plus grande couverture médiatique ces dernières années. Il a bien entendu été étroitement associé à la construction du film, dans lequel on peut entendre une quinzaine d'intervenants, presque tous de gauche (même si une journaliste du Financial Times figure sur la liste).

   Peut-être me trompè-je, mais j'ai l'impression que le documentaire a pour but de vulgariser les idées de Picketty, en suivant une trame historique mondiale, au sein de laquelle les exemples sont puisés principalement en France, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis.

   La première partie m'a beaucoup déçu, voire irrité. J'ai trouvé cela superficiel et très orienté. En gros, le capitalisme est responsable de tous les maux de la terre, de l'esclavage aux guerres mondiales, en passant par la colonisation, les crises économiques et la naissance des régimes totalitaires (... à l'exception de celui mis en place en URSS...). Si le rôle des détenteurs de capitaux, des dirigeants de grandes entreprises et des banquiers n'est pas négligeable dans ces événements, l'exclusion des autres facteurs est pour moi une faute intellectuelle.

   A l'intérieur de ce fatras idéologisé qui ne convaincra que les convaincus, je distingue la crise des années 1930, que j'ai trouvée assez bien expliquée.

   Par contre, la période des "Trente Glorieuses" est présentée quasiment comme un paradis perdu, au regard de ce qui a suivi. Or (et c'est un paradoxe qu'il aurait été bon de creuser), c'est plutôt à partir des années 1970 que la société de consommation a pris son réel essor. Alors qu'une partie de l'Occident se désindustrialise, sa population a à sa disposition de plus en plus de gadgets... Merci la mondialisation ?

   De la même manière, l'arrivée au pouvoir des deux grandes figures de gouvernement néo-libérales, Margaret Thatcher (à laquelle France Culture vient de consacrer une série d'émissions) et Ronald Reagan, est expliquée de manière superficielle. Dans le cas britannique, il n'est rien dit de la situation économique laissée par les prédécesseurs de la "Dame de Fer". Dans le cas états-unien, le contexte de Guerre froide n'est quasiment pas évoqué, alors qu'il a fortement pesé dans l'arrivée au pouvoir de l'ancien acteur de série B.

   Sur le plan méthodologique, je n'ai pas apprécié que des images d'archives soient mises sur le même plan que des extraits de fiction. Les spectateurs cultivés sauront faire la différence. Les autres devront se contenter des rares incrustations désignant Wall Street, Les Raisins de la colère ou encore un épisode des Simpson. Même si toutes les références figurent dans le générique de fin, il aurait été plus honnête de les inclure dans le corps du documentaire.

   La seconde partie du film, qui traite du XXIe siècle (notamment de la crise des subprimes) m'a davantage convaincu. Mais, là, le documentaire s'inscrit dans la continuité d'autres oeuvres, plus réussies, comme Inside Job, Capitalism, a love story (de Michael Moore) et les fictions Cleveland contre Wall Street, Margin Call et The Big Short.

Le Capital au XXIe siècle

   Ce documentaire reprend le titre de l'ouvrage (que je n'ai pas lu) de Thomas Picketty, l'économiste de gauche bénéficiant de la plus grande couverture médiatique ces dernières années. Il a bien entendu été étroitement associé à la construction du film, dans lequel on peut entendre une quinzaine d'intervenants, presque tous de gauche (même si une journaliste du Financial Times figure sur la liste).

   Peut-être me trompè-je, mais j'ai l'impression que le documentaire a pour but de vulgariser les idées de Picketty, en suivant une trame historique mondiale, au sein de laquelle les exemples sont puisés principalement en France, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis.

   La première partie m'a beaucoup déçu, voire irrité. J'ai trouvé cela superficiel et très orienté. En gros, le capitalisme est responsable de tous les maux de la terre, de l'esclavage aux guerres mondiales, en passant par la colonisation, les crises économiques et la naissance des régimes totalitaires (... à l'exception de celui mis en place en URSS...). Si le rôle des détenteurs de capitaux, des dirigeants de grandes entreprises et des banquiers n'est pas négligeable dans ces événements, l'exclusion des autres facteurs est pour moi une faute intellectuelle.

   A l'intérieur de ce fatras idéologisé qui ne convaincra que les convaincus, je distingue la crise des années 1930, que j'ai trouvée assez bien expliquée.

   Par contre, la période des "Trente Glorieuses" est présentée quasiment comme un paradis perdu, au regard de ce qui a suivi. Or (et c'est un paradoxe qu'il aurait été bon de creuser), c'est plutôt à partir des années 1970 que la société de consommation a pris son réel essor. Alors qu'une partie de l'Occident se désindustrialise, sa population a à sa disposition de plus en plus de gadgets... Merci la mondialisation ?

   De la même manière, l'arrivée au pouvoir des deux grandes figures de gouvernement néo-libérales, Margaret Thatcher (à laquelle France Culture vient de consacrer une série d'émissions) et Ronald Reagan, est expliquée de manière superficielle. Dans le cas britannique, il n'est rien dit de la situation économique laissée par les prédécesseurs de la "Dame de Fer". Dans le cas états-unien, le contexte de Guerre froide n'est quasiment pas évoqué, alors qu'il a fortement pesé dans l'arrivée au pouvoir de l'ancien acteur de série B.

   Sur le plan méthodologique, je n'ai pas apprécié que des images d'archives soient mises sur le même plan que des extraits de fiction. Les spectateurs cultivés sauront faire la différence. Les autres devront se contenter des rares incrustations désignant Wall Street, Les Raisins de la colère ou encore un épisode des Simpson. Même si toutes les références figurent dans le générique de fin, il aurait été plus honnête de les inclure dans le corps du documentaire.

   La seconde partie du film, qui traite du XXIe siècle (notamment de la crise des subprimes) m'a davantage convaincu. Mais, là, le documentaire s'inscrit dans la continuité d'autres oeuvres, plus réussies, comme Inside Job, Capitalism, a love story (de Michael Moore) et les fictions Cleveland contre Wall Street, Margin Call et The Big Short.

Terrible Jungle

   "Mais que diable suis-je venue faire dans cette galère ?" semble se demander Catherine Deneuve, à moins que ce ne soit son personnage, Chantal de Bellabre, issue d'une famille de militaires et devenue mi-anthropologue mi-espionne, tout en restant aristocrate jusqu'au bout des ongles.

   C'est toute l'ambiguïté de cette comédie pour adultes. Ce n'est pas très bien écrit, mais l'ambiance est assez frappadingue, avec de beaux numéros d'acteurs. Trois d'entre eux m'ont particulièrement marqué : Jonathan Cohen, Patrick Descamps et bien sûr Catherine Deneuve.

   Le premier incarne un officier de gendarmerie, le chef de la brigade, immature et parfois crétin. Dans le rôle, Jonathan Cohen est vraiment excellent. On attend ses gaffes avec impatience. Le vrai "mâle dominant" de la troupe est un baroudeur, ancien gendarme, incarné à la perfection par Patrick Descamps, curieusement absent des bandes-annonces comme du détail de la distribution.

   Enfin, il y a surtout la reine Catherine, impériale, qu'elle soit en Chine, dans la forêt tropicale, dans un bureau ou sur un bateau. La suffisance (et le courage) du personnage contraste joyeusement avec la stupidité (et la lâcheté) des autres.

   A signaler aussi quelques bons seconds rôles : un gendarme avec une tête d'abruti, un fabricant de drogue complètement allumé, un "indigène" à l'accent québécois et Alice Belaïdi méconnaissable en Amazone.

   Tout cela pallie un peu les faiblesses du scénario. Le plus étonnant est que l'introduction comme la conclusion sont soignées. La première est déroutante, à tel point que certains spectateurs se sont demandés s'ils  ne s'étaient pas trompés de salle. La seconde est pleine d'ironie, sur la relation mère-fils et sur le choix "romantique"' effectué par le héros (Vincent Dedienne, inégal).

   Le problème est qu'entre les deux, cela patine à plusieurs reprises. C'est plutôt au début que c'est le moins réussi, quand le héros découvre la jungle. Certaines scènes avec ses deux guides auraient dû être rejouées. Quant à la rencontre avec les membres de la tribu, elle amuse un peu au début (les "Indiens" sont complètement occidentalisés, à la stupeur du jeune anthropologue), mais c'est quand même pas terrible. Heureusement, par la suite, cela part en vrille. Du côté des gendarmes, les péripéties sont assez téléphonées.

   Bref, ce n'est pas la comédie de l'été, mais elle comporte quelques très bons moments.

Terrible Jungle

   "Mais que diable suis-je venue faire dans cette galère ?" semble se demander Catherine Deneuve, à moins que ce ne soit son personnage, Chantal de Bellabre, issue d'une famille de militaires et devenue mi-anthropologue mi-espionne, tout en restant aristocrate jusqu'au bout des ongles.

   C'est toute l'ambiguïté de cette comédie pour adultes. Ce n'est pas très bien écrit, mais l'ambiance est assez frappadingue, avec de beaux numéros d'acteurs. Trois d'entre eux m'ont particulièrement marqué : Jonathan Cohen, Patrick Descamps et bien sûr Catherine Deneuve.

   Le premier incarne un officier de gendarmerie, le chef de la brigade, immature et parfois crétin. Dans le rôle, Jonathan Cohen est vraiment excellent. On attend ses gaffes avec impatience. Le vrai "mâle dominant" de la troupe est un baroudeur, ancien gendarme, incarné à la perfection par Patrick Descamps, curieusement absent des bandes-annonces comme du détail de la distribution.

   Enfin, il y a surtout la reine Catherine, impériale, qu'elle soit en Chine, dans la forêt tropicale, dans un bureau ou sur un bateau. La suffisance (et le courage) du personnage contraste joyeusement avec la stupidité (et la lâcheté) des autres.

   A signaler aussi quelques bons seconds rôles : un gendarme avec une tête d'abruti, un fabricant de drogue complètement allumé, un "indigène" à l'accent québécois et Alice Belaïdi méconnaissable en Amazone.

   Tout cela pallie un peu les faiblesses du scénario. Le plus étonnant est que l'introduction comme la conclusion sont soignées. La première est déroutante, à tel point que certains spectateurs se sont demandés s'ils  ne s'étaient pas trompés de salle. La seconde est pleine d'ironie, sur la relation mère-fils et sur le choix "romantique"' effectué par le héros (Vincent Dedienne, inégal).

   Le problème est qu'entre les deux, cela patine à plusieurs reprises. C'est plutôt au début que c'est le moins réussi, quand le héros découvre la jungle. Certaines scènes avec ses deux guides auraient dû être rejouées. Quant à la rencontre avec les membres de la tribu, elle amuse un peu au début (les "Indiens" sont complètement occidentalisés, à la stupeur du jeune anthropologue), mais c'est quand même pas terrible. Heureusement, par la suite, cela part en vrille. Du côté des gendarmes, les péripéties sont assez téléphonées.

   Bref, ce n'est pas la comédie de l'été, mais elle comporte quelques très bons moments.

Beloved

   Voici donc le pendant "féminin" de Chained, qui nous raconte à peu près la même histoire, mais en plaçant les femmes au centre de l'action.

   Attention toutefois, il ne s'agit pas d'un simple effet de miroir : même si l'on revoit certaines scènes d'un autre point de vue, l'essentiel du propos est de montrer que les époux (Avigail et Rashi) vivent dans des univers différents.

   Ainsi, dans ce film-ci, on n'apprendra rien des ennuis professionnels du policier, totalement absents de l'intrigue. On découvre par contre la bande d'amies qu'Avigail rejoint et qui étaient seulement évoquées dans les conversations du premier film.

   D'un côté, Beloved nous conte l'histoire d'une progressive émancipation, celle d'une infirmière qui étouffe, entre un mari surprotecteur et une fille adolescente narcissique. De l'autre, on suit la vie de deux soeurs aux tempéraments très différents. Lorsque leurs parents avaient divorcé, l'une avait suivi la mère, l'autre le père. L'une est solaire : elle aide les femmes enceintes à accoucher et à gérer les premiers temps de leur grossesse. L'autre est autodestructrice : hôtesse de l'air le jour, elle se prostitue la nuit, sans qu'on sache très bien pourquoi. Il y a peut-être un lien avec le père, admis dans un EHPAD au début de l'histoire. Ce père que l'autre soeur a rejeté en raison de ce qu'il lui a jadis fait subir.

   Cela nous mène au véritable discours de fond : le mal être voire la maltraitance des femmes, sans qu'aucune scène de violence intervienne. Des abus sexuels durant l'enfance à la prostitution à l'âge adulte, en passant par toutes les formes de harcèlement, l'auteur voit dans la vie d'une femme une longue succession de difficultés. Pour s'en sortir, il vaut mieux compter sur la solidarité féminine, présentée ici sous plusieurs formes. Un personnage masculin est quand même montré de manière positive. (Ouf !)

   C'est réalisé avec le même brio que dans Chained, avec des dialogues au couteau. Plusieurs moments sont particulièrement marquants : la séquence entre femmes dans le chalet perdu dans le désert, la dispute entre les deux soeurs (qui dégénère) et la scène au cours de laquelle Avigail change de coiffure, présentée comme une libération.

   Je regrette toutefois que ce deuxième film ne boucle pas la boucle par rapport au premier. Je crois que c'est lié au fait que les deux sont inclus dans un triptyque. En effet, il semblerait qu'un troisième film soit prévu (peut-être en septembre), centré plutôt sur le personnage de l'écrivaine, que l'on retrouve plus tard dans l'équipe de suivi des prostituées.

Beloved

   Voici donc le pendant "féminin" de Chained, qui nous raconte à peu près la même histoire, mais en plaçant les femmes au centre de l'action.

   Attention toutefois, il ne s'agit pas d'un simple effet de miroir : même si l'on revoit certaines scènes d'un autre point de vue, l'essentiel du propos est de montrer que les époux (Avigail et Rashi) vivent dans des univers différents.

   Ainsi, dans ce film-ci, on n'apprendra rien des ennuis professionnels du policier, totalement absents de l'intrigue. On découvre par contre la bande d'amies qu'Avigail rejoint et qui étaient seulement évoquées dans les conversations du premier film.

   D'un côté, Beloved nous conte l'histoire d'une progressive émancipation, celle d'une infirmière qui étouffe, entre un mari surprotecteur et une fille adolescente narcissique. De l'autre, on suit la vie de deux soeurs aux tempéraments très différents. Lorsque leurs parents avaient divorcé, l'une avait suivi la mère, l'autre le père. L'une est solaire : elle aide les femmes enceintes à accoucher et à gérer les premiers temps de leur grossesse. L'autre est autodestructrice : hôtesse de l'air le jour, elle se prostitue la nuit, sans qu'on sache très bien pourquoi. Il y a peut-être un lien avec le père, admis dans un EHPAD au début de l'histoire. Ce père que l'autre soeur a rejeté en raison de ce qu'il lui a jadis fait subir.

   Cela nous mène au véritable discours de fond : le mal être voire la maltraitance des femmes, sans qu'aucune scène de violence intervienne. Des abus sexuels durant l'enfance à la prostitution à l'âge adulte, en passant par toutes les formes de harcèlement, l'auteur voit dans la vie d'une femme une longue succession de difficultés. Pour s'en sortir, il vaut mieux compter sur la solidarité féminine, présentée ici sous plusieurs formes. Un personnage masculin est quand même montré de manière positive. (Ouf !)

   C'est réalisé avec le même brio que dans Chained, avec des dialogues au couteau. Plusieurs moments sont particulièrement marquants : la séquence entre femmes dans le chalet perdu dans le désert, la dispute entre les deux soeurs (qui dégénère) et la scène au cours de laquelle Avigail change de coiffure, présentée comme une libération.

   Je regrette toutefois que ce deuxième film ne boucle pas la boucle par rapport au premier. Je crois que c'est lié au fait que les deux sont inclus dans un triptyque. En effet, il semblerait qu'un troisième film soit prévu (peut-être en septembre), centré plutôt sur le personnage de l'écrivaine, que l'on retrouve plus tard dans l'équipe de suivi des prostituées.

Ipman 4

   Il était une fois, dans un grand pays oriental, un maître du kung-fu, à la fois puissant et sage. Dans sa jeunesse, il avait vaillamment combattu l'invasion du méchant voisin japonais. En Occident, on le connaît pour avoir formé une vedette du cinéma et des arts martiaux : Bruce Lee.

   En 1964, se sachant atteint d'une maladie incurable et se faisant beaucoup de souci à propos de son unique et turbulent rejeton, le maître consentit à se rendre en Californie, croyant que dans le pays de la liberté, où tant de ses compatriotes avaient émigré, un avenir radieux s'offrait à lui et à son fils.

   Hélas ! Hélas ! Trois fois hélas ! Dans le pays des hommes au long nez qui mâchent de la gomme sucrée et boivent de l'eau colorée qui fait roter, le maître ne rencontre que racisme et incompréhension. Nombre de ses compatriotes (ou de leurs descendants, tous considérés comme d'authentiques Chinois...) courbent l'échine face au Blanc dominateur... et n'acceptent pas la Voie de la modernité proposée par l'élève Bruce. Dans le même temps, la gentille fille de l'un des maîtres des arts martiaux locaux est persécutée par une petite peste blanche de son lycée, soutenue par de grands crétins joueurs de hockey. On est content quand maître Yip Man vient corriger cette bande d'impudents.

   De son côté, l'élève Bruce met tranquillement sa race à un grand baraqué en pyjama bleu... sans même enlever sa jolie veste en cuir.

   Mais le mal rôde sans cesse autour des gentils Chinois. Il a le visage de l'entraîneur de karaté des Marines (plus baraqué et plus vilain que le type en pyjama bleu) et de son chef, un sergent encore plus baraqué et encore plus méchant que le plus baraqué d'avant. Tous ces Blancs arrogants vont se prendre une branlée faire sévèrement rappeler à l'ordre par maître Yip Man, facilement au début, un peu moins facilement à la fin.

   Moralité : la Chine est belle et grande, tolérante, respectueuse et pleine de sagesse, tandis que les Zaméricains, c'est rien que des grosses brutes racistes avec un sourire de dentifrice.

Mon Ninja et moi

   Ce film d'animation danois n'est pas tout public. Comme il évoque le travail forcé des enfants et le harcèlement scolaire (entre autres), il est déconseillé aux très jeunes enfants, qu'il risque d'effrayer. Par contre, dans la salle où je me trouvais, les bambins âgés d'une dizaine d'années ont été captivés.

   Cela commence fort, avec une séquence se déroulant en Thaïlande, dans une usine fabriquant des jouets (des poupées). Les "ouvriers" sont des enfants, maltraités par le contremaître local, lui-même soumis au donneur d'ordres occidental. Le drame qui se déroule le jour de sa visite conditionne la suite de l'histoire.

   Nous voilà transportés au Danemark, dans une petite ville. On suit plus particulièrement la vie d'une famille recomposée, dont fait partie le jeune héros. A la maison, cela ne se passe pas très bien : il doit subir au quotidien le fils du nouveau compagnon de sa mère, un glouton narcissique que son père démissionnaire a très mal élevé. La maman elle est une bobo-écolo dont les talents culinaires sont... particuliers. Ils y a donc (heureusement) un peu d'humour dans ce portrait familial. Le film se veut aussi éducatif : on montre aux enfants les bases de l'hygiène (se laver les dents, les mains, manger sainement, à heures fixes...).

   Pour Alex, la principale source de problèmes est le collège. Y sévit une bande de petits cons harceleurs, auxquels personne n'ose s'opposer. J'ai été un peu surpris du tableau : la cantine de cet établissement danois est sale et les gamins n'ont pas droit à un véritable repas ; cela ressemble à ce que j'ai vu de cantines américaines...

   La manière dont le collège et ses "occupants" sont représentés n'évite pas les clichés. Les personnages d'adultes comme de jeunes sont assez caricaturaux. Cela nous vaut quelques instants d'humour, mais cela manque un peu de subtilité.

   C'est le moment de parler de l'élément qui dynamite l'histoire : la poupée-ninja. Celle-ci est le résultat d'un spectaculaire accident. Elle est dotée de pouvoirs surnaturels... et elle parle (y compris en imitant des voix). Dès que ce personnage est en action, cela devient plus vivant, plus drôle. Cette poupée est animée par un esprit vengeur, qui va aider Alex à régler ses problèmes... ou lui en créer d'autres. Tout cela est bien vu, surtout que même le personnage du ninja évolue.

   Résultat : on passe un bon moment et les jeunes reçoivent une petite leçon de morale.

Mon Ninja et moi

   Ce film d'animation danois n'est pas tout public. Comme il évoque le travail forcé des enfants et le harcèlement scolaire (entre autres), il est déconseillé aux très jeunes enfants, qu'il risque d'effrayer. Par contre, dans la salle où je me trouvais, les bambins âgés d'une dizaine d'années ont été captivés.

   Cela commence fort, avec une séquence se déroulant en Thaïlande, dans une usine fabriquant des jouets (des poupées). Les "ouvriers" sont des enfants, maltraités par le contremaître local, lui-même soumis au donneur d'ordres occidental. Le drame qui se déroule le jour de sa visite conditionne la suite de l'histoire.

   Nous voilà transportés au Danemark, dans une petite ville. On suit plus particulièrement la vie d'une famille recomposée, dont fait partie le jeune héros. A la maison, cela ne se passe pas très bien : il doit subir au quotidien le fils du nouveau compagnon de sa mère, un glouton narcissique que son père démissionnaire a très mal élevé. La maman elle est une bobo-écolo dont les talents culinaires sont... particuliers. Ils y a donc (heureusement) un peu d'humour dans ce portrait familial. Le film se veut aussi éducatif : on montre aux enfants les bases de l'hygiène (se laver les dents, les mains, manger sainement, à heures fixes...).

   Pour Alex, la principale source de problèmes est le collège. Y sévit une bande de petits cons harceleurs, auxquels personne n'ose s'opposer. J'ai été un peu surpris du tableau : la cantine de cet établissement danois est sale et les gamins n'ont pas droit à un véritable repas ; cela ressemble à ce que j'ai vu de cantines américaines...

   La manière dont le collège et ses "occupants" sont représentés n'évite pas les clichés. Les personnages d'adultes comme de jeunes sont assez caricaturaux. Cela nous vaut quelques instants d'humour, mais cela manque un peu de subtilité.

   C'est le moment de parler de l'élément qui dynamite l'histoire : la poupée-ninja. Celle-ci est le résultat d'un spectaculaire accident. Elle est dotée de pouvoirs surnaturels... et elle parle (y compris en imitant des voix). Dès que ce personnage est en action, cela devient plus vivant, plus drôle. Cette poupée est animée par un esprit vengeur, qui va aider Alex à régler ses problèmes... ou lui en créer d'autres. Tout cela est bien vu, surtout que même le personnage du ninja évolue.

   Résultat : on passe un bon moment et les jeunes reçoivent une petite leçon de morale.

Madre

   C'est le nouveau film de Rodrigo Sorogoyen, auquel on doit El Reino et Que Dios nos perdone. Il est centré sur le personnage d'une mère (divorcée), d'abord à trente ans, puis à quarante. La trame de l'histoire se découpe en quatre parties.

   La première se déroule dans le passé, dans l'appartement d'Elena (Marta Nieto, for-mi-da-ble). C'est un triple tour de force : il s'agit d'abord, sauf erreur de ma part, d'un seul plan-séquence virtuose. De plus, la tension est créée par une simple conversation téléphonique et le talent d'une comédienne (dont le débit est proche de celui d'une mitraillette), qui incarne à la perfection une mère que la disparition de son fils (que l'on suit en temps réel, par téléphone interposé) va bouleverser.

   On retrouve l'héroïne dix ans plus tard, sans doute dans les Pyrénées-Atlantiques. L'Espagnole a tout plaqué pour refaire sa vie côté français. Elle gère un bar-restaurant proche d'une plage, celle qu'elle pense être le lieu de la disparition de son fils, qui n'a jamais été résolue. D'un côté elle semble avoir trouvé un équilibre dans sa seconde vie (ainsi qu'un nouveau compagnon, très compréhensif), de l'autre on la sent encore secrètement traumatisée. Elle est d'une maigreur effrayante et mange si peu...

   Tout bascule quand elle croise un groupe d'apprentis-surfeurs, parmi lesquels se trouve un adolescent de seize ans qui lui rappelle son fils. Est-elle en train de devenir dingue ? Est-ce le supposé instinct maternel qui parle (et ne trompe pas) ? Cette deuxième partie est d'autant plus passionnante que le personnage de l'adolescent est fouillé. C'est un jeune homme intelligent et sensible, que celle qu'on surnomme parfois "la folle de la plage" intrigue.

   Hélas, cela se gâte par la suite. La troisième partie subit un sacré coup de mou. Le pire est atteint dans la séquence de la soirée en boîte, particulièrement malsaine (et pas du tout raccord au niveau du comportement de l'héroïne).

   La dernière partie fait remonter l'intérêt. L'action prend presque la forme d'un thriller. Même si je n'ai pas aimé la fin, je trouve que cette histoire, telle qu'elle nous est contée, mérite le détour.

Madre

   C'est le nouveau film de Rodrigo Sorogoyen, auquel on doit El Reino et Que Dios nos perdone. Il est centré sur le personnage d'une mère (divorcée), d'abord à trente ans, puis à quarante. La trame de l'histoire se découpe en quatre parties.

   La première se déroule dans le passé, dans l'appartement d'Elena (Marta Nieto, for-mi-da-ble). C'est un triple tour de force : il s'agit d'abord, sauf erreur de ma part, d'un seul plan-séquence virtuose. De plus, la tension est créée par une simple conversation téléphonique et le talent d'une comédienne (dont le débit est proche de celui d'une mitraillette), qui incarne à la perfection une mère que la disparition de son fils (que l'on suit en temps réel, par téléphone interposé) va bouleverser.

   On retrouve l'héroïne dix ans plus tard, sans doute dans les Pyrénées-Atlantiques. L'Espagnole a tout plaqué pour refaire sa vie côté français. Elle gère un bar-restaurant proche d'une plage, celle qu'elle pense être le lieu de la disparition de son fils, qui n'a jamais été résolue. D'un côté elle semble avoir trouvé un équilibre dans sa seconde vie (ainsi qu'un nouveau compagnon, très compréhensif), de l'autre on la sent encore secrètement traumatisée. Elle est d'une maigreur effrayante et mange si peu...

   Tout bascule quand elle croise un groupe d'apprentis-surfeurs, parmi lesquels se trouve un adolescent de seize ans qui lui rappelle son fils. Est-elle en train de devenir dingue ? Est-ce le supposé instinct maternel qui parle (et ne trompe pas) ? Cette deuxième partie est d'autant plus passionnante que le personnage de l'adolescent est fouillé. C'est un jeune homme intelligent et sensible, que celle qu'on surnomme parfois "la folle de la plage" intrigue.

   Hélas, cela se gâte par la suite. La troisième partie subit un sacré coup de mou. Le pire est atteint dans la séquence de la soirée en boîte, particulièrement malsaine (et pas du tout raccord au niveau du comportement de l'héroïne).

   La dernière partie fait remonter l'intérêt. L'action prend presque la forme d'un thriller. Même si je n'ai pas aimé la fin, je trouve que cette histoire, telle qu'elle nous est contée, mérite le détour.

Lands of Murders

   L'été est devenu une terre de cinéphilie : on profite de la "basse saison" pour sortir de petits thrillers du style Exit, ou des polars étrangers comme Rojo (en 2018), Le Caire confidentiel et Que dios nos perdone (en 2017)  ou encore La Isla minima (en 2015).

   C'est l'intrigue de ce dernier film qui a inspiré Lands of Murders. Le contexte a été modifié : l'Espagne post-franquiste a été remplacée par l'Allemagne d'après la chute du Mur, au tout début des années 1990. Les méandres de la rivière Neisse succèdent aux marécages du Guadalquivir.

   Deux adolescentes d'origine ouvrière ont disparu. Deux enquêteurs sont envoyés du Nord, un de Hambourg, l'autre de Rostock. Le premier (Patrick) est plus jeune, plus svelte, plus respectueux des règles et plus cérébral. Le second (Markus) est visiblement un ancien de la Stasi, qui connaît bien le terrain et travaille "à l'ancienne" (avec alcool et bourre-pif). C'est un type massif, dont l'apparente rugosité masque une certaine subtilité. C'est en outre un remarquable dessinateur. Dans le rôle, Felix Kramer est une révélation. Il apporte un plus par rapport à la version espagnole, où les acteurs n'étaient pourtant pas manchots.

   L'autre intérêt de la transposition est le contexte est-allemand, celui de la transition entre une société corsetée par l'Etat-parti (unique) et une société libérale, avec ses inégalités. Entre la misère sociale, la drogue et la prostitution,  le tableau ne manque pas de noirceur. Vient s'ajouter la présence d'un tueur en série. Clairement, c'est poisseux... mais bigrement bien fait.

   Au talent des acteurs s'ajoute la mise en scène, qui plombe l'ambiance... avec style. Je n'ai pas revu La Isla minima depuis sa sortie en salles, mais je suis persuadé que certains plans (notamment aériens, ou de poursuite en voiture) sont décalqués du film d'origine.

   Cela n'enlève rien aux qualités de la version allemande, d'une beauté dégueulasse...

Lands of Murders

   L'été est devenu une terre de cinéphilie : on profite de la "basse saison" pour sortir de petits thrillers du style Exit, ou des polars étrangers comme Rojo (en 2018), Le Caire confidentiel et Que dios nos perdone (en 2017)  ou encore La Isla minima (en 2015).

   C'est l'intrigue de ce dernier film qui a inspiré Lands of Murders. Le contexte a été modifié : l'Espagne post-franquiste a été remplacée par l'Allemagne d'après la chute du Mur, au tout début des années 1990. Les méandres de la rivière Neisse succèdent aux marécages du Guadalquivir.

   Deux adolescentes d'origine ouvrière ont disparu. Deux enquêteurs sont envoyés du Nord, un de Hambourg, l'autre de Rostock. Le premier (Patrick) est plus jeune, plus svelte, plus respectueux des règles et plus cérébral. Le second (Markus) est visiblement un ancien de la Stasi, qui connaît bien le terrain et travaille "à l'ancienne" (avec alcool et bourre-pif). C'est un type massif, dont l'apparente rugosité masque une certaine subtilité. C'est en outre un remarquable dessinateur. Dans le rôle, Felix Kramer est une révélation. Il apporte un plus par rapport à la version espagnole, où les acteurs n'étaient pourtant pas manchots.

   L'autre intérêt de la transposition est le contexte est-allemand, celui de la transition entre une société corsetée par l'Etat-parti (unique) et une société libérale, avec ses inégalités. Entre la misère sociale, la drogue et la prostitution,  le tableau ne manque pas de noirceur. Vient s'ajouter la présence d'un tueur en série. Clairement, c'est poisseux... mais bigrement bien fait.

   Au talent des acteurs s'ajoute la mise en scène, qui plombe l'ambiance... avec style. Je n'ai pas revu La Isla minima depuis sa sortie en salles, mais je suis persuadé que certains plans (notamment aériens, ou de poursuite en voiture) sont décalqués du film d'origine.

   Cela n'enlève rien aux qualités de la version allemande, d'une beauté dégueulasse...

Abou Leila

   C'est le nom, ou plutôt le pseudonyme de la personne que recherchent les deux héros du film. Autant l'un paraît solide, baraqué et calme, autant l'autre semble fragile, malade, imprévisible. On nous incite à penser que l'un des deux est policier.

   Mais avant de les rencontrer, on assiste à une scène d'exécution, mystérieuse... et à la limite de l'amateurisme. On est en pleine guerre civile algérienne (dans les années 1990). On présume que l'agresseur, barbu, est islamiste, l'agressé, d'apparence occidentale, incarnant le camp d'en face. Dès cette introduction, on sent qu'un regard aigu guide la mise en scène.

   La suite est un road-movie saharien, un peu comme si deux enquêteurs de Sydney se rendaient dans l'outback australien. Y a pas à dire, les paysages sont d'une minéralité captivante. Ils écrasent les personnages. Le désert est en lui-même une menace, mais, en plus, il sert de refuge à de dangereuses créatures.

   A partir de ce moment-là, le réalisme alterne avec l'onirisme. Il convient d'être attentif aux vêtements que portent les personnages principaux : ils indiquent dans quel type de séquence on se trouve. L'un des deux héros commence à perdre pied, ce qui donne lieu à trois séquences aussi violentes que déroutantes : celle de la portière, celle de l'hôtel-foyer et celle des montagnes. Cette dernière nous ramène paradoxalement dans la réalité, puisqu'elle conduit l'un des hommes à son passé, grâce à un bel artifice de mise en scène. A cette occasion, on revoit la scène du début, sous un autre angle.

   Dans ces moments de délire, la frontière entre l'humain et l'animal s'évanouit. Les uns deviennent les substituts des autres, et réciproquement. Je pense qu'à travers ce procédé, le réalisateur veut montrer la bestialité de cette guerre civile, la régression qu'elle a représenté.

   Si l'on accepte d'être dérouté, si l'on supporte les longs plans ouvragés, ce polar atypique peut faire passer un très bon moment.

Abou Leila

   C'est le nom, ou plutôt le pseudonyme de la personne que recherchent les deux héros du film. Autant l'un paraît solide, baraqué et calme, autant l'autre semble fragile, malade, imprévisible. On nous incite à penser que l'un des deux est policier.

   Mais avant de les rencontrer, on assiste à une scène d'exécution, mystérieuse... et à la limite de l'amateurisme. On est en pleine guerre civile algérienne (dans les années 1990). On présume que l'agresseur, barbu, est islamiste, l'agressé, d'apparence occidentale, incarnant le camp d'en face. Dès cette introduction, on sent qu'un regard aigu guide la mise en scène.

   La suite est un road-movie saharien, un peu comme si deux enquêteurs de Sydney se rendaient dans l'outback australien. Y a pas à dire, les paysages sont d'une minéralité captivante. Ils écrasent les personnages. Le désert est en lui-même une menace, mais, en plus, il sert de refuge à de dangereuses créatures.

   A partir de ce moment-là, le réalisme alterne avec l'onirisme. Il convient d'être attentif aux vêtements que portent les personnages principaux : ils indiquent dans quel type de séquence on se trouve. L'un des deux héros commence à perdre pied, ce qui donne lieu à trois séquences aussi violentes que déroutantes : celle de la portière, celle de l'hôtel-foyer et celle des montagnes. Cette dernière nous ramène paradoxalement dans la réalité, puisqu'elle conduit l'un des hommes à son passé, grâce à un bel artifice de mise en scène. A cette occasion, on revoit la scène du début, sous un autre angle.

   Dans ces moments de délire, la frontière entre l'humain et l'animal s'évanouit. Les uns deviennent les substituts des autres, et réciproquement. Je pense qu'à travers ce procédé, le réalisateur veut montrer la bestialité de cette guerre civile, la régression qu'elle a représenté.

   Si l'on accepte d'être dérouté, si l'on supporte les longs plans ouvragés, ce polar atypique peut faire passer un très bon moment.

L'Etat sauvage

   Ce western français, féministe et (légèrement) interracial, a été tourné au Canada, en français et en anglais... et pour cause : il raconte le périple d'une famille de riches émigrés hexagonaux aux États-Unis, durant la Guerre de Sécession.

   On sent que le réalisateur David Perrault a vu la version longue d'Apocalypse now, contenant la séquence se déroulant dans la plantation tenue par des Français, en pleine Guerre du Vietnam. On sent aussi qu'il a vu La Dernière Piste, dont l'intrigue n'est pas sans ressembler à celle de son film. On comprend enfin qu'il connaît Les Proies, tant on se demande parfois qui, entre les cow-boys et les demoiselles qu'ils accompagnent, est l'objet du désir de l'autre... On pourrait continuer longtemps ce petit jeu des références, vu qu'il est évident que le metteur en scène a ingurgité du néo-western par hectolitres.

   En tout cas, dès le début, il fait montre de son savoir-faire. La scène nocturne se déroulant dans ce qui doit être une chapelle en ruines est superbe sur le plan visuel et parfaitement maîtrisée en terme de dramaturgie. A plusieurs reprises, on reverra ce talent à l'oeuvre, par exemple dans la séquence du bal (perturbé par des soldats nordistes) ou lors de la scène du repas, dans une maison abandonnée. J'ajoute que les plans extérieurs ont été tournés dans des décors naturels... et, dans une grande salle, c'est d'une beauté à couper le souffle.

   En dépit de toutes ces qualités (auxquelles il faut ajouter un bon jeu des acteurs), je suis sorti de là mitigé, en raison de plusieurs énormités. La grosse faute scénaristique est la séquence du chariot coincé sur une corniche. Alors que le bon sens dictait de faire passer les jeunes femmes entre la falaise et le véhicule, ou au-dessus (voire au-dessous), voilà-t-y pas que l'on décide de les faire marcher au bord du précipice, le dos collé au chariot !...

   Une autre invraisemblance est la scène de forêt, censée se dérouler à moins d'une journée de marche du village où la famille s'est réfugiée. Alors que le village croule sous la neige et le brouillard, pas le moindre flocon n'est visible à 20-30 kilomètres de là...

   Le sommet du ridicule est atteint dans une scène nocturne, lorsque la vilaine Bettie (une sorte de sous-Calamity Jane) se met à danser autour du feu, en compagnie des cinq lascars masqués de sa bande. C'est d'autant plus regrettable que, jusque-là, ce personnage avait été plutôt bien campé par Kate Moran. (Ensuite, ça part en sucette.)

   Voilà. C'est un film plein de qualités (notamment visuelles), mais plombé par quelques séquences mal conçues.

L'Etat sauvage

   Ce western français, féministe et (légèrement) interracial, a été tourné au Canada, en français et en anglais... et pour cause : il raconte le périple d'une famille de riches émigrés hexagonaux aux États-Unis, durant la Guerre de Sécession.

   On sent que le réalisateur David Perrault a vu la version longue d'Apocalypse now, contenant la séquence se déroulant dans la plantation tenue par des Français, en pleine Guerre du Vietnam. On sent aussi qu'il a vu La Dernière Piste, dont l'intrigue n'est pas sans ressembler à celle de son film. On comprend enfin qu'il connaît Les Proies, tant on se demande parfois qui, entre les cow-boys et les demoiselles qu'ils accompagnent, est l'objet du désir de l'autre... On pourrait continuer longtemps ce petit jeu des références, vu qu'il est évident que le metteur en scène a ingurgité du néo-western par hectolitres.

   En tout cas, dès le début, il fait montre de son savoir-faire. La scène nocturne se déroulant dans ce qui doit être une chapelle en ruines est superbe sur le plan visuel et parfaitement maîtrisée en terme de dramaturgie. A plusieurs reprises, on reverra ce talent à l'oeuvre, par exemple dans la séquence du bal (perturbé par des soldats nordistes) ou lors de la scène du repas, dans une maison abandonnée. J'ajoute que les plans extérieurs ont été tournés dans des décors naturels... et, dans une grande salle, c'est d'une beauté à couper le souffle.

   En dépit de toutes ces qualités (auxquelles il faut ajouter un bon jeu des acteurs), je suis sorti de là mitigé, en raison de plusieurs énormités. La grosse faute scénaristique est la séquence du chariot coincé sur une corniche. Alors que le bon sens dictait de faire passer les jeunes femmes entre la falaise et le véhicule, ou au-dessus (voire au-dessous), voilà-t-y pas que l'on décide de les faire marcher au bord du précipice, le dos collé au chariot !...

   Une autre invraisemblance est la scène de forêt, censée se dérouler à moins d'une journée de marche du village où la famille s'est réfugiée. Alors que le village croule sous la neige et le brouillard, pas le moindre flocon n'est visible à 20-30 kilomètres de là...

   Le sommet du ridicule est atteint dans une scène nocturne, lorsque la vilaine Bettie (une sorte de sous-Calamity Jane) se met à danser autour du feu, en compagnie des cinq lascars masqués de sa bande. C'est d'autant plus regrettable que, jusque-là, ce personnage avait été plutôt bien campé par Kate Moran. (Ensuite, ça part en sucette.)

   Voilà. C'est un film plein de qualités (notamment visuelles), mais plombé par quelques séquences mal conçues.

Divorce Club

   Par temps quasi caniculaire, fréquenter les salles (obscures) climatisées est plus qu'une question de cinéphilie... d'autant qu'il n'y a pas foule. Et puis, qui n'a pas connu une fin de mariage / concubinage / PACS / relation longue (rayer les mentions inutiles) traumatisante ? Si, en plus, l'action se déroule souvent la nuit, dans une propriété de rêve, avec parc arboré et piscine, pourquoi ne pas se laisser tenter ?

   A cette liste de faux prétextes pour aller voir une comédie lourdingue, qu'on espère riche en situations graveleuses, il faudrait ajouter la présence au générique d'une pelletée de comédiens de talent : François-Xavier Demaison, Grégoire Bonnet (qui porte très bien le slip) et Benjamin Biolay (qui serait "monté comme un poney") chez les messieurs, Caroline Anglade (actuellement aussi à l'affiche de Tout Simplement Noir), Audrey Fleurot, Frédérique Bel (bien barrée) et Charlotte Gabris (déjà remarquée dans Demi-soeurs) chez les dames. Je suis moins convaincu par les prestations d'Arnaud Ducret et Michaël Youn.

   Cela commence de manière très appuyée, avec la vision sirupeuse d'un couple magnifique qui va se fracasser sur l'infidélité publique de la mariée. On rigole quand même, mais on attend mieux. La première véritable bonne séquence se déroule dans un sex-shop en vente. Elle marque la rencontre entre le héros Ben (époux outragé, brisé, martyrisé... mais bientôt libéré !) et Marion, elle déjà divorcée et en passe d'ouvrir un club de combat féminin. La situation est pleine de sous-entendus, tout comme les dialogues. Les interprètes s'y prêtent bien.

   Après, il y a quelques coups de mou, jusqu'à la fameuse soirée, celle durant laquelle le héros va devoir fêter dignement ses 41 ans dans la somptueuse maison de son meilleur ami (devenue une garçonnière), tout en se rendant à un important dîner amoureux avec Marion. La nécessité pour le héros de se trouver à deux endroits en même temps donne naissance à des moments assez cocasses, même s'il y a quelques facilités.

   L'une des meilleures séquences est incontestablement l'avant-dernière. Elle intervient après une ellipse d'un mois (pour une raison que je me garderai de révéler), à l'occasion de l'inauguration du fameux club... et ça va saigner !

   Voilà. Cela ne restera pas dans les annales, mais ça fait passer un agréable moment.

Divorce Club

   Par temps quasi caniculaire, fréquenter les salles (obscures) climatisées est plus qu'une question de cinéphilie... d'autant qu'il n'y a pas foule. Et puis, qui n'a pas connu une fin de mariage / concubinage / PACS / relation longue (rayer les mentions inutiles) traumatisante ? Si, en plus, l'action se déroule souvent la nuit, dans une propriété de rêve, avec parc arboré et piscine, pourquoi ne pas se laisser tenter ?

   A cette liste de faux prétextes pour aller voir une comédie lourdingue, qu'on espère riche en situations graveleuses, il faudrait ajouter la présence au générique d'une pelletée de comédiens de talent : François-Xavier Demaison, Grégoire Bonnet (qui porte très bien le slip) et Benjamin Biolay (qui serait "monté comme un poney") chez les messieurs, Caroline Anglade (actuellement aussi à l'affiche de Tout Simplement Noir), Audrey Fleurot, Frédérique Bel (bien barrée) et Charlotte Gabris (déjà remarquée dans Demi-soeurs) chez les dames. Je suis moins convaincu par les prestations d'Arnaud Ducret et Michaël Youn.

   Cela commence de manière très appuyée, avec la vision sirupeuse d'un couple magnifique qui va se fracasser sur l'infidélité publique de la mariée. On rigole quand même, mais on attend mieux. La première véritable bonne séquence se déroule dans un sex-shop en vente. Elle marque la rencontre entre le héros Ben (époux outragé, brisé, martyrisé... mais bientôt libéré !) et Marion, elle déjà divorcée et en passe d'ouvrir un club de combat féminin. La situation est pleine de sous-entendus, tout comme les dialogues. Les interprètes s'y prêtent bien.

   Après, il y a quelques coups de mou, jusqu'à la fameuse soirée, celle durant laquelle le héros va devoir fêter dignement ses 41 ans dans la somptueuse maison de son meilleur ami (devenue une garçonnière), tout en se rendant à un important dîner amoureux avec Marion. La nécessité pour le héros de se trouver à deux endroits en même temps donne naissance à des moments assez cocasses, même s'il y a quelques facilités.

   L'une des meilleures séquences est incontestablement l'avant-dernière. Elle intervient après une ellipse d'un mois (pour une raison que je me garderai de révéler), à l'occasion de l'inauguration du fameux club... et ça va saigner !

   Voilà. Cela ne restera pas dans les annales, mais ça fait passer un agréable moment.

Nuestras Madres

   Ces mères sont des femmes guatémaltèques, âgées de 50 à 70 ans environ, et qui ont subi les violences des dictatures militaires qui ont jadis ensanglanté ce pays d'Amérique centrale coincé au sud du Mexique :

   Le héros est Ernesto, un anthropologue judiciaire d'une trentaine d'années. Avec ses collègues, il travaille à l'exhumation et l'authentification des corps des victimes, suivies (quand c'est possible) par leur restitution à la famille survivante. Dès le premier plan, c'est la dignité qui s'impose : on nous propose une vue du dessus d'une table, sur laquelle sont petit à petit disposés des ossements récemment découverts. Aucun dialogue n'est nécessaire pour comprendre la minutie du travail exécuté... pas plus que la cause du décès.

   Pour Ernesto, ce travail va prendre un tour personnel le jour où une vieille paysanne indienne vient le voir. Elle et les autres femmes de son village voudraient donner une véritable sépulture à leurs compagnons assassinés (et ainsi "pouvoir converser avec eux"). Son témoignage est bouleversant. Pour appuyer sa démarche, elle apporte une photographie de groupe, sur laquelle Ernesto croit reconnaître son père disparu, un guérillero surnommé "le Chef".

   Nous voilà embarqués au fin fond de la campagne guatémaltèque, dans des montagnes où seule une partie de la population parle espagnol. (Les habitants sont sans doute des descendants des Mayas.) Là, le citadin moderne plein de bonnes intentions va se heurter aux réalités locales. Le film prend quasiment un tour ethnographique.

   La deuxième partie de l'histoire nous ramène à Guatemala City, où réside Ernesto, en compagnie de sa mère, médecin. Celle-ci ne tient pas trop à remuer le passé... et l'on finira par comprendre pourquoi. En attendant, on assiste à une fête d'anniversaire "militante", au cours de laquelle on entonne un célèbre chant révolutionnaire. (N'oubliez pas que la mère a prénommé son fils Ernesto !)

   Je ne dévoilerai pas la conclusion de l'histoire, à l'image du film, très forte et très digne. C'est une oeuvre à la fois belle (sur le plan visuel) et riche sur le fond. Et tout cela, en à peine 1h20 !