Trahi par le Roquefort !

   Un an après avoir commencé à diffuser la huitième saison des aventures de l'inspecteur Murdoch, France 3 est passée à la saison 9, dont le premier épisode s'intitule Coupable.

   Au cours d'une enquête particulièrement délicate (qui doit permettre de disculper l'ancien adjoint de Murdoch, Crabtree), le seul indice laissé derrière lui par l'assassin présumé est un sachet en papier, marqué d'une tache de graisse et au fond duquel les policiers trouvent... des traces de moisissure. Et voilà l'inspecteur et sa compagne (Julia Ogden, médecin de formation) lancés dans leur travail d'experts scientifiques avant l'heure :

   Le mystère semble particulièrement épais. Néanmoins, les deux héros vont parvenir à des conclusions surprenantes, mais non moins déterminantes pour la conclusion de l'enquête :

   Les aventures de l'inspecteur Murdoch sont censées de dérouler au début du XXe siècle. A cette époque, le plus célèbre fromage aveyronnais est déjà exporté outre-Atlantique, comme on peut l'apprendre dans un ouvrage érudit, Le Sacre du Roquefort, de Sylvie Vabre :

   L'auteure y établit des statistiques pour plusieurs périodes du XIXe siècle et pour le début du XXe. Ainsi, en 1913, les exportations représentent un quart du chiffre d'affaires de Société. Un tiers de ces exportations passe par New York, dont on peut penser qu'elle est la porte d'entrée pour toute l'Amérique du Nord.

   C'est évidemment un produit de luxe, dont la trace découverte dans le sac va permettre de retrouver un dangereux personnage, une brute sans doute, mais avec des goûts raffinés !

La Chanson de l'éléphant

   C'est une chanson douce que lui chantait sa maman... en français, d'où l'intérêt de voir ce film en version originale sous-titrée, les rares dialogues dans la langue de Molière revêtant une importance particulière. Lui, c'est Michael, pensionnaire très perturbé mentalement d'un drôle d'asile, dans les années 1960. Il semble avoir souffert du manque d'affection de sa mère. Il semble aussi cacher quelques secrets. Les différents médecins qui l'ont examiné en ont percé quelques-uns... mais ce n'est pas le cas du psychiatre qui commence à l'interroger : ayant oublié ses lunettes, il n'a pas pu lire le dossier de ce patient exceptionnel auparavant.

   Trois temporalités s'entrecroisent dans l'intrigue : celle de l'enfance du patient, celle de son examen par le psychiatre et celle des entretiens réalisés un peu plus tard, pour une raison qu'on finira par découvrir. Ce puzzle se suit agréablement, notamment en raison de la qualité de l'interprétation : le chevronné Bruce Greenwood (vu récemment dans Good Kill et Truth) incarne le psy, Catherine Keener l'infirmière principale (qui est aussi son ex-femme) et Xavier Dolan le patient très spécial. Il nous gratifie d'un joli numéro (même si, parfois, il m'a donné l'impression d'avoir un peu trop regardé la série Esprits criminels). Est-il juste un jeune homme perturbé, ou bien un dangereux psychopathe ? Est-il une victime ou un prédateur ? Et qu'est devenu le médecin qui le suivait et qui a soudainement disparu de l'hôpital ?

   J'ai bien aimé l'aspect policier de l'intrigue. Cela compense certaines grosses ficelles : on voit très vite que le psy se fait manipuler par le patient et l'infirmière est un peu trop réduite au rôle de spectatrice impuissante. (Ben sinon l'histoire se serait arrêtée beaucoup plus tôt.) De manière générale, je trouve que les personnages féminins ne sont pas bien traités. (L'une d'entre elle est interprétée par Carrie-Anne Moss, qui, pour tous les cinéphiles, est la Trinity de Matrix.)

   A voir pour la composition des acteurs et si l'on aime l'ambiance des huis-clos.

La Couleur de la victoire

   Le titre d'origine, Race, est à double sens : il désigne à la fois la "race" et la "course". Pour la sortie en France, on a misé sur la mémoire des cinéphiles, qui sont censés penser au film de Spielberg (La Couleur pourpre) ou au plus récent La Couleur des sentiments.

   Ce n'est donc pas uniquement un biopic de Jesse Owens, mais aussi une oeuvre sur le racisme sous toutes ses formes et notamment sur la ségrégation qui sévissait aux Etats-Unis dans années 1930. On ne nous cache pas le comportement odieux de certains étudiants blancs de l'université de l'Ohio, tout comme les huées du public des championnats universitaires, huées qui vont se muer en acclamations, devant les performances du champion. Mais, même après ses exploits aux JO de Berlin, Owens, de retour aux Etats-Unis, est resté un "nègre" qui doit emprunter l'entrée de service du restaurant où est organisée une cérémonie qui lui rend hommage !

   La première moitié de l'histoire est consacrée aux débuts de ce sportif modeste, surdoué... et pas très fiable comme compagnon. On nous présente aussi assez bien les questionnements qui ont agité l'Amérique (noire comme blanche) lorsqu'il s'est agi de décider de la participation ou du boycott des jeux hitlériens. A ce sujet, je trouve qu'on a trop enjolivé le personnage d'Avery Brundage (incarné par Jeremy Irons), une enflure antisémite qui a profité des Jeux pour lancer sa carrière au CIO.

   L'intrigue est construite sur un schéma un peu réducteur : les Américains blancs, majoritairement, méprisent les Noirs et ne sont pas antisémites ; les Allemands détestent les juifs et, s'ils méprisent les Noirs, ils n'en laissent rien paraître.

   A l'écran, cela donne certaines des meilleures séquences du film, autour de l'arrivée des athlètes en Allemagne, une Allemagne un peu ripolinée, où l'on a (temporairement) masqué les signes les plus évidents de la politique totalitaire. Du coup, pour les Noirs américains, ces Jeux sont une immense et bonne surprise... du moins au départ. Au village olympique, dans les bus comme dans la cantine, il n'y a pas de ségrégation. Owens, déjà crédité de plusieurs records du monde, est considéré comme une vedette et signe des autographes :

   Cette image n'est pas extraite du film (on y voit le véritable Jesse Owens), mais d'un bon documentaire récemment rediffusé sur Arte (et visible encore quelques jours). Notons que ni ce film ni La Couleur de la victoire n'insistent sur le fait que les jeux ont été gagnés par l'Allemagne. La gloire acquise par Jesse Owens ne suffit pas à masquer les succès allemands : le pays est arrivé en tête du bilan des médailles (au total général comme au nombre de médailles d'or) et les Jeux ont constitué une opération de propagande réussie.

   La fiction restitue bien le gigantisme de l'opération, en particulier à travers la construction du stade olympique. On suit aussi les efforts de la cinéaste Leni Riefenstahl pour faire de ces Jeux un événement quasi mythique, en accord avec les souhaits d'Hitler, pourtant assez réservé au départ.

   Notons que le film distingue les Allemands ordinaires, pris dans la nasse du régime, des militants nazis, dépeints de manière négative. C'est Joseph Goebbels qui occupe le plus de place à l'écran. Il est inquiétant à souhait, mais je trouve que l'acteur Barnaby Metschurat le rend un peu trop fascinant, alors que c'était une ordure de la pire espèce. A quelques (trop rares) instants, certains personnages ont l'occasion de réaliser que, derrière la propagande, se cache un régime extrêmement dangereux.

   L'histoire ménage aussi beaucoup de place à l'amitié, celle qui se développe entre l'entraîneur blanc (champion raté) et le jeune prodige, mais aussi celle plus surprenante (mais tout aussi authentique) qui naît entre l'Américain noir et l'Allemand blond (Lutz Long, le sauteur en longueur).

   Au niveau sportif, c'est correctement filmé, sans plus. Pour qui a vu ne serait-ce que des extraits d'Olympia, le (formidable) documentaire de Leni Riefenstahl, la platitude de la réalisation de cette fiction est apparente. Ce n'est pas mauvais, juste un peu scolaire. Cela donne une oeuvre plutôt plaisante, qui apprendra des choses à ceux qui ne connaissent pas cette histoire (notamment pourquoi Owens a participé au relais 4x100m, ce qui n'était pas prévu au départ). Mais cela manque un peu de souffle.

Instinct de survie

   C'est un film d'épouvante, dont le méchant est... un requin. On pense immédiatement aux Dents de la mer... et on a raison, puisque l'intrigue est émaillée de références aux prestigieux anciens. Ainsi, dès le début, la scène qui montre le gamin visionnant la vidéo tournée par une mini-caméra rappelle l'appareil photographique retrouvé dans le deuxième épisode de la série de films. Plus loin, quand l'un des personnages se réfugie dans ce qui peut ressembler à une cage métallique, on pense au premier opus, celui réalisé par Spielberg.

   Qu'est-ce qui change dans cette nouvelle version ? D'abord, le fait que ce soit un personnage féminin qui occupe le premier plan (j'en reparlerai). Ensuite, l'attention portée au surf, ma foi très bien filmé. Ajoutons à cela de très beaux plans aériens de la plage et de l'océan Pacifique : le film, censé se dérouler au Mexique, a été tourné en Australie. Aux manettes, on n'a pas un manchot : Jaume Collet-Serra s'est déjà fait remarquer comme réalisateur de Non Stop et Night Run.

   Cependant...

   Cependant...

   ... On nous prend un peu pour des cons !

   Commençons par l'héroïne, Nancy : c'est un petit canon (Blake Lively), qu'on a pu voir récemment dans Cafe Society. Au départ, on se dit que c'est une nouvelle incarnation de la jolie blonde qui va subir d'horribles trucs. C'est un peu ça... mais la miss vient du Texas. Là-bas, soit les filles sont bouffées par la religion, soit elles ont hérité du papa une certaine appétence pour le maniement des armes. Autant le dire tout de suite : l'héroïne a des ovaires en béton... et elle sait utiliser un gun !

   Ce n'est toutefois pas cet aspect de sa personnalité que l'on découvre en premier. En effet, il lui faut moins d'un quart d'heure pour se retrouver sur une plage sublime... en bikini. Allez, les gars, c'est cadeau !

   Dans la salle, on assiste à une épidémie d'érections dans le public adolescent, qui lâche enfin son smartphone de merde (un cadeau dispendieux de parents inconscients, les premiers à se plaindre de payer trop d'impôts...). L'attention des demoiselles (hétérosexuelles) est aussi sollicitée, puisque l'héroïne va faire la connaissance de surfeurs bien bâtis. Sans trop en dire, je peux quand même ajouter que, pour lesdites demoiselles, c'est un bonheur fugace, puisqu'il va rapidement arriver quelques bricoles aux damoiseaux torses nus.

   Fort heureusement, Nancy a une longévité plus grande. Après l'épisode bikini vient l'épisode combinaison de surfeuse. Là, j'ai senti poindre la déception des ados de la salle. Certes, la combinaison est moulante, mais pourquoi diable faire enfiler à l'héroïne ce quasi-burkini ? Mais que fait la police ?

   Les spectateurs en étaient à ce moment-là de leurs réflexions cinéphiliques lorsqu'un événement stupéfiant se produisit : Nancy n'est pas parvenue à remonter complètement la fermeture-éclair de son burkini hollywoodien sa combinaison hyper-moulante. C'est resté coincé un peu avant le haut du torse, vous voyez, avec comme effet indésirable une légère compression de sa délicieuse poitrine. (C'est là qu'on se dit que la costumière a dû se faire virer : comment a-t-elle pu négliger de se procurer une seconde combinaison, une taille au-dessus ? Il y a de ces amateurs à Hollywood !) Au niveau des rangées de fauteuils, j'ai entendu plusieurs braguettes exploser.

   La rigueur intellectuelle qui me caractérise me pousse à préciser qu'un peu plus loin dans le film, Nancy est enfin parvenue à remonter complètement la fermeture-éclair de sa combinaison hyper-moulante. Il faut dire qu'on avait changé d'ambiance : à ce moment de l'action, on avait vachement les chocottes pour elle. (Du coup, les corps spongieux des spectateurs étaient beaucoup moins gorgés de sang.)

   ... et tout ça c'est à cause du grand méchant requin. Au début, on l'attend. On sait qu'il est dans le coin, mais le réalisateur est un fieffé coquin, qui joue avec nos nerfs (en plus des corps spongieux des adolescents). Quand on le voit, on se dit qu'il est très vilain, le requin... et un peu bête, aussi. Pensez donc : alors qu'il s'est dégotté une bonne petite baleine, à moitié échouée sur un rocher après qu'il l'a bien mordue, il préfère aller s'en prendre à des surfeurs... et même à une mouette ! Peut-être que c'est un requin joueur, mais le scénario ne nous le laisse absolument pas deviner. On a plutôt l'impression qu'il est du genre teigneux le requin, un peu comme un tueur en série. C'est bien là le problème : c'est pas un vrai requin. (Toutefois, dans la salle, personne n'a eu l'intention d'aller le lui dire. C'est que, même numérique, il fout un peu les jetons.)

   Et Nancy dans tout ça ? Ben elle se fait mordre à la cuisse. (Je voudrais pas en rajouter, mais moi, à la place du requin, je lui aurais plutôt tripoté les nichons.) On se dit qu'elle risque d'y passer dès la première demi-heure... eh ben non ! (Ouf !) Coup de bol : le requin ne l'a pas bien mordue. Bon, elle a quand même super mal, mais aucun gros morceau de chair ne s'est détaché de son corps. Et puis... figurez-vous qu'elle est étudiante en médecine ! C'est-y pas cool, ça ? Comme elle gardé des trucs qui piquent sur elle, elle commence à se recoudre, à l'arrache, sur un rocher, façon scout des mers... sans anesthésie. (Dans la salle, certains djeunses ont vomi leur pop-corn.) On commence à se dire qu'elle est drôlement futée, pour une blonde. Et ce n'est pas terminé : comme elle s'ennuie un peu toute seule sur son rocher, elle commence à apprivoiser une mouette... et puis elle réfléchit à un moyen de s'échapper, en évitant de se faire boulotter par le requin.

   Je ne vais pas raconter la fin, ni les péripéties secondaires. Mais sachez que c'est bien conçu. On retrouve des références aux deux premiers Dents de la mer et, surtout, le dernier face-à-face entre l'héroïne et le requin est flamboyant.

   A voir si l'on aime le genre... et avec une bonne dose de second degré.

Moka

   Le titre ne fait pas référence à une pâtisserie ou un café, mais à la couleur d'une voiture, celle qui a renversé le fils unique de Diane (Emmanuelle Devos, remarquable). L'enquête de police piétine. Un détective privé a été engagé, sans doute au départ par le couple, qui s'est ensuite disloqué (Samuel Labarthe -oui, le commissaire arrogant des Petits Meurtres d'Agatha Christie- incarne -très bien- un mari dépassé par les événements). Citoyenne suisse, disposant de confortables revenus, Diane décide de partir à la chasse au chauffard, de l'autre côté de la frontière. (Notons que les plans des environs du lac Léman sont de toute beauté.)

   Il s'agit donc d'un polar sociétal. Il comporte une part de mystère (il faut du temps pour découvrir qui conduisait réellement le véhicule qui a renversé le garçon) et une part de "pâte humaine". Diane pense avoir retrouvé la voiture en cause dans l'accident. Mais on n'en est pas sûr à 100 %. La mère éplorée se lance donc dans une entreprise encore plus incroyable : approcher les membres de la famille qu'elle croit responsable de son malheur, pour découvrir qui était au volant... et pourquoi cette personne ne s'est pas arrêtée après l'accident. L'essentiel du film est donc composé de scènes à double tranchant, où l'on voit évoluer Diane, mystificatrice et mal à l'aise, et les membres de l'autre famille, séparément les uns des autres.

   La première moitié sécrète une forte tension. L'ambiance est proche de celle du récent (et excellent) Irréprochable. La mise en scène est au plus près des personnages, avec une première séquence éblouissante, sans un dialogue. On découvre l'héroïne, son désarroi... et sa première transgression.

   Celle qui était une mère au foyer exemplaire et un peu conventionnelle va paradoxalement s'ouvrir au cours de la traque qu'elle mène. Elle rencontre de nouvelles personnes et se montre plus audacieuse qu'auparavant... Toutes les scènes qui confrontent Emmanuelle Devos à Nathalie Baye sont épatantes. Les deux actrices jouent sur l'ambiguïté. La première doit cacher ses véritables motivations... mais dans quelle mesure l'autre n'est-elle pas aussi une dissimulatrice ? Signalons aussi la qualité des seconds rôles, masculins comme féminins. (Olivier Chantreau a été vu récemment dans Sur quel pied danser.)

   La solution de l'énigme arrive assez tard et le traitement des personnages pourra paraître surprenant à certains. On s'éloigne des codes des séries américaines. C'est incontestablement un film de femmes, qui m'a constamment tenu en haleine. Enfin une bonne surprise dans les sorties françaises du mois d'août !

Stefan Zweig, adieu l'Europe

   C'est une sorte de mini-biopic, racontant les dernières années de la vie de l'écrivain autrichien juif, qui fut une gloire en son temps. Il a fui son pays natal dès 1934, avant que l'Allemagne hitlérienne ne l'annexe, mais alors que les mouvements d'extrême-droite sont déjà très puissants en Europe, y compris en Autriche. On le suit principalement en Amérique du Sud (Brésil, Argentine, Uruguay), mais aussi en Amérique du Nord, pour un intermède aux États-Unis.

   Les interprètes principaux sont bons, en particulier Josef Hader, qui incarne Zweig. Les cinéphiles retrouveront avec plaisir Barbara Sukowa, brillante il y a trois ans dans Hannah Arendt. J'ai par contre quelques réserves à émettre sur les seconds rôles. A-t-on fait exprès de les faire jouer "spontané" ? En tout cas, à plusieurs reprises, cela sonne faux.

   Mais le principal problème est le manque de rythme. C'est terriblement empesé, avec des tunnels de dialogues dont on ne comprend pas vraiment l'utilité. La meilleure séquence est (pour moi) celle qui commence dans une plantation de canne à sucre, dans l'Amazonie brésilienne. C'est inattendu, rafraîchissant et parfois comique. Hélas, ensuite, on retombe dans la lourdeur. La mise en scène ne vient pas au secours du film : elle est très académique, même si, ici ou là, on perçoit un effort pour composer les plans. De ce point de vue, la scène la plus réussie est sans conteste celle de la découverte des corps des suicidés, avec le jeu de miroir s'appuyant sur l'armoire à glace.

   Cela nous mène à une autre faiblesse du film : on ne comprend pas vraiment le déclic qui a poussé le couple à se suicider. L'écrivain est certes déprimé par ce qu'il se passe en Europe, mais, alors qu'il nous est montré joyeux le jour de son anniversaire fin 1941 (on lui offre un chien), rien n'est dit sur le contexte de février 1942. Du coup, je suis sorti de là déçu.

Déesses indiennes en colère

   Ces "déesses" sont de jeunes Indiennes (adultes). Elles sont belles, elles ont du caractère et, à une exception près, elles sont issues de la classe moyenne. (C'est ce qui les distingue des héroïnes d'un autre film sorti cette année sur le même sujet : La Saison des femmes, dans lequel joue aussi l'une des sept copines de Déesses.)

   Ces femmes sont en colère à cause de la manière dont les Indiennes sont considérées dans leur pays. Au tout début, c'est traité sur un mode humoristique, chaque héroïne se rebellant contre le machisme, clouant leur bec aux mecs étroits d'esprit. Plus loin dans l'histoire, c'est sur un autre ton que le même thème est abordé... mais n'allons pas trop vite.

   On découvre d'abord les déesses. Une est chanteuse (et a du mal à percer), une autre actrice (cantonnée à des rôles dévalorisants), une autre photographe, une seule est femme au foyer (riche, mais victime d'un mariage arrangé). A l'opposé, une autre dirige (d'une poigne de fer) une entreprise dans laquelle presque tous ses subordonnés directs sont des hommes (qu'elle juge pour la plupart incompétents). Elle est en conflit avec l'une des invitées, une intello syndicaliste qui a la peau un peu plus foncée. La dernière est d'origine populaire : c'est la servante, qui s'affaire pour que ces dames n'aient pas de tâches dégradantes à exécuter. Elle est sans doute issue d'une caste inférieure. Cela fait partie des non-dits de l'intrigue, qui se concentre sur la dénonciation du machisme, laissant un peu de côté les tensions sociales et la persistance des préjugés de castes (celles-ci n'existant plus... officiellement).

   Les amies se réunissent à Goa (ancienne possession portugaise de la côte Ouest), dans la maison de famille de l'une d'entre elles, la plus belle (à mon avis) et un peu la meneuse. On reste sur le ton de la comédie et la musique est entraînante. On suit avec plaisir cette bande de copines. Assez vite, le vernis se craquelle. On découvre les failles de chacune. Un incident rappelle aux jeunes femmes qu'elles ne vivent pas dans un monde idéal. L'une des ruptures est liée à une révélation... qu'on sent un peu venir, ceci dit.

   Cependant, l'intrigue bascule totalement lorsque se produit un événement inattendu, dans la troisième partie. Le propos se fait plus dur et le film gagne en intensité. Du coup, je suis sorti de là agréablement surpris. Je m'attendais à une comédie bourgeoise, qui risquait de souffrir de la comparaison avec La Saison des femmes. C'est finalement un très bon film sociétal, qui dépasse le cadre de l’État indien. Il aborde des questions existentielles, dont la portée est universelle.

   P.S.

   Une oreille attentive remarquera que, dans la version originale, l'anglais se mêle à des langues locales (les héroïnes étant issues de régions différentes). Ainsi, on entend sans doute parler l'hindi et le marathi.

Dernier train pour Busan

   Moins de trois ans après Snowpiercer, le cinéma sud-coréen nous offre une nouvelle fiction ayant pour cadre un train, ici l'équivalent de notre TGV (et du Shinkansen japonais), le KTX (Korea Train Express), de la compagnie Korail (rien à voir avec nos bons vieux Corail, aujourd'hui trains Intercités, à l'avenir incertain). L'action se déroule sur la ligne principale, qui relie la capitale Séoul (au nord-ouest) à Busan (connue aussi sous le nom de Pusan), la grande ville portuaire du Sud-Est :

   Le début nous présente certains des personnages que l'on va retrouver dans le train. On nous montre aussi de manière succincte le phénomène qui va provoquer le déferlement de violence de la seconde partie. On voit un accident mais il faut être très attentif à ce qui est dit au conducteur, lors de son passage au poste d'assainissement.

   Evidemment, cela devient vite gore, les acteurs étant pleinement investis dans leur rôle ! On note que, si on a mis le paquet pour épouvanter les spectateurs, on a été relativement parcimonieux avec l'hémoglobine. Précisons que, d'après le générique de fin, une société française semble avoir contribué à la création des effets spéciaux.

   C'est de plus très bien filmé. Le réalisateur Yeon Sang-Ho est connu pour des oeuvres d'animation. Ici, avec des acteurs réels, il est aussi bon dans les scènes d'intérieur (dans les wagons, mais aussi dans les gares) que dans les plans d'ensemble, à l'extérieur, parfois vraiment impressionnants. (Je pense notamment à la vue aérienne d'une meute de zombies se ruant sur un train au départ.) Cela donne un très bon film d'action, haletant, abusant certes parfois du "juste à temps".

   Ajoutons que l'intrigue comporte un sous-texte. Il y est question du capitalisme financier (destructeur), mais aussi d'égoïsme. Le héros, qui néglige sa famille, va apprendre à mieux connaître sa fille et à prendre soin d'elle (un peu à l'image du principal protagoniste de Ma Vie de chat). Signalons la performance de la gamine, vraiment épatante. (Les cinéastes sud-coréens semblent décidément savoir y faire avec les jeunes actrices, comme on a pu le constater dans le récent -et surestimé- The Strangers.) Parmi les acteurs, je distingue aussi Eui-Sung Kim, qui incarne un enfoiré de patron prêt à tout pour s'en sortir.

   Quelques limites pour terminer. J'ai déjà parlé du "juste à temps". J'ai aussi été agacé par les pleurnicheries et un sentimentalisme parfois exacerbé. C'est hélas assez courant dans les films sud-coréens qui parviennent en Occident. Cela n'enlève pas les mérites de celui-ci, qui constitue un bon divertissement, pour les amateurs du genre.

S.O.S. Fantômes

   Plus de trente ans après la sortie du premier Ghostbusters, Hollywood tente de relancer la franchise... au féminin. Cependant, pour ne pas déboussoler les fans, la production a fait en sorte que quelques-uns des glorieux anciens soient présents au générique. C'est Bill Murray qu'on voit le plus, mais il a une partition assez insipide. Sigourney Weaver fait une courte (et belle) apparition. Dan Aykroyd est (brièvement) marrant en chauffeur de taxi (écoutez bien ce qu'il dit). Enfin, si vous êtes très très observateurs (ou si vous avez beaucoup cherché avant), vous vous rendrez compte que l'ancienne secrétaire est devenue réceptionniste d'hôtel.

   Du côté de la nouvelle équipe, on n'a pas cherché à innover. Le trio de base est constitué d'une caricature de couple lesbien (composé d'une obèse et d'un petit canon -mal- enlaidi) et d'une intello coincée. Au masculin, ces scientifiques un peu hors normes seraient des geeks. Pour compléter l'équipe, on a jouté une Black qui, ô surprise, à une tchatche d'enfer. Reconnaissons toutefois que les actrices ne manquent pas d'allant. Kristen Wiig (remarquée dans Imogene) est parfaite en bas-bleu un peu gaffeuse. Kate McKinnon s'en sort bien aussi en "savante folle", un rôle sans doute destiné à l'origine à Emma Stone (qui a décliné). L'équipe formée par ces quatre fortes personnalités fonctionne bien.

   Évidemment, on ne peut pas passer sous silence la présence au générique de Chris Hemsworth (les dames se pâment, dans la salle et sur l'écran). Poussant le processus d'inversion jusqu'au bout, les scénaristes en ont fait un secrétaire très beau et très bête. Celui qui a pris l'habitude d'incarner le dieu  Thor (il y a une allusion, vers la fin) est rentré dans le jeu... d'autant plus que l'intrigue lui réserve un petit moment de bravoure (que je me garderai bien de raconter). Notons qu'on a dû couper une scène au montage. Elle sert de fond visuel à une partie du générique de fin.

   Sur le fond, c'est assez drôle. J'ai souvent ri... mais autant dire tout de suite que c'est de l'humour potache, pas très relevé. Néanmoins, ce n'est pas aussi bon que dans le film d'origine. C'est en partie dû aux dialogues, parfois faiblards, mais sans doute aussi à la production. On a fait de ce reboot un film d'action fantastico-comique, alors que l'histoire d'origine est une comédie déjantée avec un brin de fantastique. Cela change l'ordre des priorités.

   Du coup, les effets spéciaux, qui étaient plutôt décoratifs dans le premier Ghostbusters, prennent ici une très grande place (because la 3D, bien entendu). Ceci dit, ils sont très bien conçus. (Ah, le vomi numérique !...) De plus, les fantômes sont surtout effrayants. On revoit bien le bonhomme vert informe et rigolo, mais il n'a qu'une place anecdotique. D'un point de vue technique, c'est brillant, mais cela manque de rythme. On aurait dû mettre un peu moins d'argent dans ces effets et payer des dialoguistes pour qu'ils peaufinent certaines scènes.

   C'est donc une petite comédie sympathique, sans plus.

Ma Vie de chat

   Cette coproduction franco-chinoise suit un schéma (au départ) assez prévisible. Derrière la comédie se cache un conte moral, dans lequel l'élément fantastique ajoute un peu de piquant (et de puces).

   Voici donc Tom Brand (Kevin Spacey, très bien), un self-made man riche et arrogant. On nous le présente comme imaginatif et entreprenant, au contraire des banquiers et gestionnaires de fonds qu'il côtoie. Obnubilé par la réussite de ses projets, il néglige sa ravissante femme et son adorable fille. Il rencontre plus souvent son fils aîné, qu'il associe à ses affaires, mais dont il doute des capacités.

   La préparation de l'anniversaire de sa fille est à l'origine de la transformation du héros en chat... mais un chat d'un genre très spécial, dégoté dans une étrange animalerie, peuplée de sacs à puces en liberté et curieusement expressifs. Le magasin est géré par un type non moins étrange, qui a les traits de Christopher Walken.

   La première partie de la nouvelle vie du héros est assez tordante. Bien que matou, il veut boire son meilleur whisky et refuse de manger de la pâtée industrielle. Il aimerait bien aussi passer la nuit en compagnie de sa femme... et n'hésite pas à uriner dans le sac de sa précédente épouse, quand celle-ci s'incruste à son domicile.

   A l'écran, on a mélangé les prises de vue réelles, avec de vrais chats, auxquels on a réussi à faire faire pas mal de choses (et Dieu sait qu'il est difficile de dresser nos compagnons poilus), à des incrustations numériques, quand les péripéties prennent un tour surréaliste... et que le chat se comporte en réalité comme un être humain. [Si mes souvenirs sont bons, le générique précise que huit dresseurs de chats ont travaillé sur ce film.]

   Evidemment, le matou va se montrer plus malin que les humains, mais c'est grâce à ses qualités de coeur qu'il peut espérer se "racheter" (et ainsi retrouver son corps d'origine). On se dirige donc tout droit vers une fin consensuelle. Fort heureusement, les scénaristes ont fait l'effort de travailler la conclusion de l'histoire, qui suit un chemin moins rectiligne que ce que l'on pouvait redouter. Cela donne une comédie charmante, pétillante par moments, mais globalement assez convenue.

Le Mémorial de Verdun

   C'est désormais le musée "officiel" de la bataille de Verdun, ce qu'il n'était pas à l'origine. Inauguré en 1967, le Mémorial (résultant d'une initiative privée) avait pour principal objectif d'honorer les anciens combattants. Il se trouve en dehors de la ville, en hauteur, sur le territoire d'un village détruit (celui de Fleury). Je l'ai connu il y a des années de cela, dans sa deuxième époque, après qu'on avait rajouté de multiples objets. J'en avais gardé un souvenir mitigé : les véhicules et les armes m'avaient passionné, mais les panneaux explicatifs étaient vieillots et parfois d'une lecture fastidieuse.

   Le bâtiment (ré)inauguré par Angela Merkel et François Hollande en mai dernier a été profondément modifié, surtout à l'intérieur. Vu de l'extérieur, il semble n'avoir subi que des retouches mineures. Voici comment il était il y a quelques années :

   Et le voici en 2016, par une belle fin d'après-midi d'été :

   Les canons n'ont pas disparu ; ils ont été déplacés en contrebas, à proximité d'allées bordées de pelouses. Les abords sont donc plus jolis qu'autrefois. Mais on remarque surtout l'apparition d'un étage supplémentaire, sous la forme d'une verrière. C'est à cet endroit qu'a été placée l'exposition temporaire  présentant l'histoire du site. On y trouve aussi une buvette, des toilettes et une terrasse très commode, d'où l'on a vue notamment sur l'Ossuaire de Douaumont :

   C'est une visite complémentaire qui s'impose, encore plus pour des Aveyronnais, l'Ossuaire ayant été construit à l'initiative de l'évêque de Verdun de l'époque, un certain Charles Ginisty, originaire de la commune de Saint-Saturnin-de-Lenne, dans l'Aveyron.

   Mais revenons au Mémorial. L'entrée se trouve sur le côté, au sous-sol, et non plus sur le devant (par les grandes portes en bois) comme autrefois. La visite commence par une petite vidéo, résumant la géostratégie de la Première guerre mondiale, à l'aide de cartes animées. En trois-quatre minutes, elle réussit le tour de force de synthétiser l'essentiel des mouvements de troupes en Europe, de manière très accessible.

   De là on arrive dans la salle principale. A partir de ce moment, presque tout le musée est trilingue (allemand-anglais-français), un gros effort ayant été fourni tant au niveau des panneaux que des images projetées et des textes lus.

   L'avant-Verdun est présenté par un historien allemand, qui souligne la préparation minutieuse de l'offensive des troupes de Guillaume II, de surcroît très bien renseignées sur l'état des forts et le niveau de protection du côté français. L'espionnage fonctionnait dans les deux sens. S'y ajoutait l'interrogatoire des prisonniers. Le haut-commandement français ne s'est pas montré particulièrement perspicace sur ce coup-là (comme sur tant d'autres, d'ailleurs).

   Le clou de cet étage est une maquette animée, située juste après la présentation. La région de Verdun a été reconstituée en relief. Au-dessus de la maquette, trois vidéo-projecteurs y impriment diverses animations. On comprend très bien le déroulement de la bataille, le tout étant complété par un écran triple, sur lequel s'affichent des images d'époque légendées.

   Ensuite commence un parcours encadré d'énormes tronçons de bois, censés figurer un réseau de tranchées. Du coup, cette partie du musée prend la forme d'un labyrinthe, où chaque recoin réserve des surprises. On y découvre les troupes coloniales, les différents forts de la région (Vaux, Douaumont...), des véhicules et le fonctionnement de la fameuse Voie sacrée. On ne doit pas négliger le sol non plus, puisqu'une partie du dallage est transparente, laissant voir divers objets en relation avec les combats. C'est la partie du musée où j'ai passé le plus de temps.

   A l'étage du dessus, on découvre une masse d'objets de toute sorte, classés par thèmes. Les panneaux explicatifs sont plus nombreux. On a visiblement fait en sorte qu'ils ne soient pas trop longs. Çà et là, des fiches cartonnées sont disposées pour éclairer les visiteurs. Les plus futés comprendront à quels endroits il faut tirer sur des languettes... qui ouvrent de grands tiroirs vitrés. On peut aussi se contenter d'écouter (à l'aide de casques) les témoignages lus (enregistrés), parfois très durs.

   Ce deuxième niveau est celui des armes, des uniformes et des avions. On nous y présente aussi davantage la vie quotidienne des soldats, leur alimentation et l'importance du courrier. On les découvre artisans voire artistes, tant leurs productions, issues de matériaux de récupération, sont parfois extraordinaires. Très dur est le coin consacré aux soins et à la chirurgie, avec toute la panoplie du matériel médical de l'époque, innovations comprises. Les âmes sensibles éviteront de regarder un court documentaire traitant des divers traumatismes (physiques, mentaux) subis par les "poilus", les images les plus saisissantes étant sans conteste celles des "gueules cassées".

   On se dirige tout doucement vers la fin de l'étage. Confortablement installé (si l'on a pu se saisir d'une des places assises), on regarde un film racontant l'après-Verdun, des années 1920 à la reconstruction du Mémorial. On y retrouve des images célèbres (la rencontre Kohl-Mitterrand de 1984) et d'autres moins connues, comme cette cérémonie franco-italo-allemande de 1936, les visiteurs d'outre-Rhin déployant une croix gammée et faisant le salut nazi... à Douaumont !

   Si l'on veut poursuivre la visite, il faut grimper deux étages (l'étage intermédiaire étant réservé à l'administration) ou prendre l'ascenseur. On arrive au niveau où se trouvent l'exposition temporaire, la buvette et la terrasse. On peut aussi y manipuler de grandes tablettes numériques, qui permettent de visualiser les champs de bataille et de croiser trois couches d'informations. De retour au sous-sol, on peut passer par la librairie, d'une richesse incroyable sur le premier conflit mondial.

   Doté de riches collections, érudit sans être chiant, moderne dans sa scénographie, le Mémorial est un lieu à découvrir pour toute personne qui s'intéresse un peu à la Première guerre mondiale.

Journaux de guerre II, numéro 33

   En 2014 et 2015, ce sont les journaux de la Première guerre mondiale qui ont été réédités, la publication se poursuivant intelligemment après la fin du conflit... jusqu'en 1939. Fort opportunément, l'éditeur s'est lancé dans une nouvelle collection, celle des journaux de la Seconde guerre mondiale. Au départ, je n'avais pas prévu de poursuivre mes achats : les périodiques d'il y a cent ans étaient les plus rares, alors que ceux datant des années 1939-1945 avaient déjà fait l'objet d'une publication. J'ai révisé mon jugement devant l'originalité de certains choix. C'est le cas pour le numéro de cette semaine, centré sur les maquisards dans l'année 1943 :

   Le florilège commence avec un quotidien collaborationniste, Le Petit Parisien, daté des 13-14 novembre 1943. Il est toujours bon de se replonger (un peu) dans ce genre de torchon pour réaliser à quel niveau peut s'abaisser la presse de caniveau... mais aussi pour comprendre certaines mentalités de l'époque. Ce numéro s'en prend vigoureusement aux "terrorises" (comprendre les résistants) et aux "crimes" commis par les Alliés (anglo-soviéto-américains). L'expansion du communisme semble être particulièrement redoutée par les auteurs (qui s'intéressent aux péripéties chinoises, en liaison avec les gisements de pétrole), qui n'hésitent pas à présenter de Gaulle comme une marionnette de Moscou :

   On ne s'étonnera pas de trouver un éloge de Pétain et de constater que les rédacteurs se réjouissent des difficultés électorales des démocrates aux Etats-Unis, Franklin Roosevelt étant l'une de leurs bêtes noires. A l'époque, le magazine Life, tout comme Le Petit Parisien, s'était demandé si le pays n'était pas en train de devenir républicain. Rappelons qu'on était à environ un an de la présidentielle de 1944, qui n'était pas gagnée d'avance pour Roosevelt (si d'aventure il briguait un quatrième mandat). Le symbole du basculement (possible) du pays était l'Etat New York, où le républicain Joe Hanley avait réussi à se faire élire vice-gouverneur :

   Pour la petite histoire, signalons que Joe Hanley avait été "poussé" par le gouverneur de New York, un certain Thomas Dewey qui, en 1944, allait se présenter contre Roosevelt. Il fut battu, tout comme en 1948 (d'assez peu, cette fois-ci), par le sortant (et ex-vice-président de Roosevelt) Harry Truman.

   Le deuxième journal qui nous est proposé est Combat, sous la forme d'une simple feuille recto, non datée. Il y est uniquement question de la manifestation d'Oyonnax du 11 novembre 1943, qui a vu une troupe du maquis narguer l'occupant dans une ville de plus de 10 000 habitants.

   L'événement est salué aussi par Bir-Hakem, journal clandestin de la résistance gaulliste, dans son numéro du 31 décembre 1943. La plus grande partie de l'espace est toutefois occupée par la dénonciation de "traîtres" (comprendre collaborateurs) issus de diverses catégories socio-professionnelles (des parlementaires aux commerçants, en passant par les religieux, les journalistes ou encore les fonctionnaires). On remarque aussi la virulence du ton à l'égard de tous ceux qui pourraient faire de l'ombre à de Gaulle.

   On termine avec le document de la semaine, un avis de la Kommandantur de Lille du 12 mai 1941. Les autorités allemandes y déplorent la célébration, la veille, de la fête de Jeanne d'Arc :

   Rappelons que celle-ci, qui commémore la délivrance d'Orléans, est, depuis 1920, la seconde fête nationale française, dite "fête du patriotisme". Ce sont les gaullistes qui sont derrière cette manifestation, un appel ayant été lancé sur Radio Londres. Ils n'ont pas voulu laisser la "bonne Lorraine" à la propagande de Vichy, qui a tenté de la récupérer à son profit.

   Ce numéro des Journaux de guerre est décidément très riche.

Le Laguiole vu d'ailleurs

   Hier, en lisant le quotidien régional L'Est Républicain, je suis tombé sur un article intitulé "Le Laguiole, un couteau indémodable". (Il est paru dans les autres quotidiens dépendant du même groupe de presse, Ebra, contrôlé par le Crédit Mutuel.)

   L'article principal évoque l'histoire aveyronnaise du couteau et s'appuie principalement sur le témoignage du directeur de la Forge de Laguiole, Thierry Moysset. Si les propos rapportés ont bien été tenus, on peut en déduire qu'il a profité de l'entretien pour balancer une petite vacherie sur le compte des fabricants thiernois. Je ne sais pas si l'on a contracté de manière un peu abrupte les propos du gérant, mais ce qui est écrit n'est pas tout à fait exact.

   Si des Laguiole bas-de-gamme sont bien vendus sous des marques thiernoises, ce sont (à ma connaissance) uniquement les premiers prix. C'est néanmoins l'occasion de rappeler que certains entrepreneurs auvergnats ont délocalisé une partie de leur production en Chine, comme le révélait il y a cinq an un billet du blog d'un journaliste du Monde. (Au passage, signalons que Thierry Déglon, le patron de coutellerie à l'époque maire de Thiers, a été battu par une liste socialo-communiste aux municipales de 2014, pourtant peu favorables à la gauche.)

   Je rassure nos amis thiernois : la chronologie (sommaire) qui accompagne l'article rend hommage au rôle des couteliers auvergnats dans la perpétuation du Laguiole. La langue de Thierry Moysset a peut-être fourché en raison du récent rapprochement entre les producteurs de Thiers et certains couteliers aveyronnais (qu'une mauvais esprit de ma connaissance qualifie d'assembleurs plus que de couteliers).

   L'article principal est complété par un second, plus court, intitulé "Bataille juridique pour la marque Laguiole".

   Ici, c'est le maire de Laguiole (Vincent Alazard) qui sert de référence au journaliste. Celui-ci s'est peut-être à nouveau un peu emmêlé les crayons, à propos de la décision de la Cour de Justice de l'Union européenne, dont j'ai parlé l'an dernier. En effet, l'article affirme que c'est à la commune de Laguiole que le tribunal a donné raison, alors que c'est la Forge qui a obtenu (partiellement) gain de cause contre Gilbert Szajner.

   Ce papier est un travail un peu approximatif (certes, sur un sujet complexe), mais qui offre une belle publicité aux couteaux aveyronnais.

Jeanne d'Arc en réclame

   Ah, l'été, ses balades et ses brocantes ! C'est toujours l'occasion de faire d'étonnantes découvertes. Ainsi, le week-end dernier, en compagnie d'une personne chère à mon coeur, j'étais sur le point de quitter un énorme vide-grenier (où j'avais par ailleurs déjà trouvé mon bonheur), lorsque mon regard s'arrêta sur un carton, posé au sol, duquel émergeaient de vieux journaux. Le titre d'une revue attira mon attention : La Femme chez elle.

   Ce numéro date du 15 septembre 1931. D'autres sont un peu plus anciens (d'un ou deux ans). On s'adresse visiblement aux épouses bourgeoises. Le premier article traite des "colifichets et fanfreluches". Le suivant est intitulé "Nos bébés". Plus culturel, un autre évoque l'Espagne, "terre de contrastes et de traditions". Côté pratique, une rubrique courrier répond aux questions des lectrices et des patrons sont fournis pour donner de l'ouvrage aux habiles couturières. L'ensemble est entrecoupé de publicités, l'une d'entre elle méritant particulièrement le détour :

   Plantée sur un fougueux destrier, en armure et cheveux aux vents, la Pucelle brandit une bouteille du précieux liquide, le tout étant vanté par un homme vêtu d'un uniforme, une double garantie de qualité censée rassurer les ménagères.

   Mais le plus cocasse réside dans l'argumentation : la benzine est réputée enlever toute tache sans laisser d'auréole... un comble pour un produit promu par une sainte !

Bad Moms

   Ces "mères indignes" sont trois femmes de la même génération, mais aux tempéraments très différents. L'une d'entre elles (Kiki) est une mère au foyer dévouée à ses enfants, assez coincée et soumise à un mari conservateur. Elle est (excellemment) interprétée par Kristen Bell :

   Carla est sa presque opposée. Mère célibataire, elle ne connaît peut-être même pas l'identité du père de son fils unique, tant elle a (eu) tendance à céder facilement aux avances du moindre "porteur de bite"... Ah, oui, j'oubliais : elle est extrêmement grossière (dans son langage), voire vulgaire (dans son attitude). C'est un peu l'équivalent du beauf sympa (oxymore) des "films de potes" (buddy movies). (Je n'ai pas du tout aimé la scène qui la montre dans une salle de cinéma.) C'est le moment de souligner que les deux réalisateurs sont les scénaristes de Very Bad Trip...

   Kathryn Hahn incarne avec fougue ce boute-en-train obscène dont on va évidemment découvrir une autre facette au cours de l'histoire. Au départ, on la voit peu investie dans l'éducation de son fils.

   La troisième est l'héroïne, Amy. Son personnage est un peu intermédiaire entre les deux précédentes. Amy tente de tout concilier : elle semble avoir réussi professionnellement, a épousé un type cool qui gagne plein de thunes et s'investit dans l'éducation de ses deux enfants, dont on sent qu'ils ne sont pas des imbéciles. Dans le rôle, Mila Kunis est convaincante. Ai-je dit qu'elle est de surcroît belle à tomber ?

   Cette façade rutilante va se craqueler. Le conjoint d'Amy est en réalité un blaireau (un ancien djeunse qui a du mal à mûrir). Bon nombre de ses collègues de travail sont des crétins fainéants... et ses enfants attendent qu'elle soit à leur service, leur évitant le moindre effort. Si l'on ajoute à cela l'influence néfaste de Gwendolyne, la (richissime) présidente des parents d'élèves (Christina Applegate, très bien), on comprend qu'Amy pète les plombs et sonne le tocsin de la révolte.

   Tout se joue dans un bar où, après une bonne cuite, les trois donzelles décident d'aller mettre le souk dans leur supermarché de prédilection. Visuellement, la séquence prend la forme d'un clip, avec I love it en fond musical. C'est chouette !

   A partir de là, l'intrigue devient gentiment transgressive. Je laisse à chacun découvrir les libertés que chacune va prendre dans sa "nouvelle vie", la transformation la plus saisissante (bien qu'assez progressive) étant celle de Kiki. Le comique de situation est en général réussi... et parfois hilarant. J'ai notamment bien aimé la réunion électorale qui se transforme en "surprise party". On savourera aussi les avanies que subit l'héroïne, qui en prend vraiment plein la figure ! Par contre, les scènes de transition sont assez mal écrites ou mal jouées/doublées.

   Comme il s'agit d'un "feel good movie", on se dit que tout cela va bien se terminer, sans que le bon goût ne soit trop bafoué. On notera que les réalisateurs ont à la fois adapté au genre féminin le "film de potes" graveleux et transposé les codes du teen movie au monde des adultes. Quant aux mâles de l'histoire, ils apparaissent comme faibles ou stupides... à l'exception de l'unique père célibataire de cette high school, un type souriant à la gueule d'ange et au corps musculeux...

   C'est plutôt réussi, à condition que l'on fasse preuve d'un peu d'indulgence.

L'alcool dans la guerre

   C'est le thème d'une exposition temporaire, visible jusqu'au 1er décembre 2016 au musée de la bière de la commune de Stenay, située dans le département de la Meuse et la région Lorraine Grand-Est. C'est l'une des très nombreuses manifestations qui entourent le centenaire de la bataille de Verdun. J'ai d'ailleurs découvert avec surprise combien les animations étaient nombreuses, aussi bien celles promues par l'office de tourisme départemental que celles, moins spectaculaires, organisées au niveau local et (heureusement) annoncées dans la presse.

   Le lieu mérite lui-même l'attention du visiteur. Le musée est un ancien magasin aux vivres, devenu malterie par la suite, avant que de successifs changements de propriétaires n'orientent l'activité vers le dépôt de charbon, la champignonnière ou encore le casernement de troupes.

   Les trois quarts des locaux sont consacrés aux collections permanentes. On nous explique d'abord quels sont les constituants de la bière, avant de passer à l'historique. Les plus anciennes traces remontent à la période néolithique, en Mésopotamie. Sachez qu'à l'époque c'étaient des femmes qui fabriquaient le précieux breuvage.

   On vogue ensuite de l'Antiquité gallo-romaine à l'époque moderne, en passant par les changements introduits au Moyen-Age. Les moines ont joué un rôle important. Mais les transformations (techniques et économiques) décisives sont intervenues lors des Révolutions industrielles, jusqu'aux ultimes changements contemporains. Plusieurs salles abordent des aspects techniques de la fabrication, mais j'ai été plus sensible à celle consacrée à la publicité et à la propagande véhiculées par la bière et ses supports.

   C'est dans la dernière partie du musée que l'on découvre l'exposition temporaire, consacrée à l'alcool pendant la Première guerre mondiale. Une idée reçue consiste à opposer les Français amateurs de vin aux Allemands gros consommateurs de bière. Il y a quand même un fond de vérité, si bien que, sur les représentations des "poilus", le jus de raisin fermenté est très souvent présent :

   En réalité, les Allemands fabriquaient et consommaient aussi beaucoup de vin... et même une sorte de champagne ! Ceci dit, ils buvaient surtout de la bière, certains soldats emportant même leur chope fétiche dans les tranchées !

   Du côté français, on note une séparation entre le Nord et le Sud, le premier étant davantage une terre de "biérophiles", le second une terre de vinophiles. Pour nombre d'entre eux, la guerre a été l'occasion de découvrir et de s'habituer à la consommation de nouveaux breuvages... y compris les eaux-de-vie, certes nettement moins répandues que les boissons moins alcoolisées.

   En 1914, seuls 25 centilitres étaient attribués quotidiennement aux "poilus" (avec 6 centilitres d'eau-de-vie). Au moment de la bataille de Verdun, on est passé à 50 centilitres, le litre étant atteint avant la fin du conflit. La gourde réglementaire servait d'outil de mesure. Celle qui figure ci-dessus a subi un traitement un peu "spécial" (que je ne révèlerai pas... mais qui est expliqué dans le musée), traitement dont l'objectif était de permettre au poilu d'augmenter légèrement et subrepticement sa ration de vin...

   Le mot "pinard" s'est répandu dans le langage courant, sans doute en relation avec le pinot, cépage très présent en Champagne, Lorraine et Alsace.

   J'ai aussi été surpris par la diversité des contenants. C'est fou comme on a pu faire varier la taille, la forme, la décoration et la couleur des bouteilles. Les catalogues des fabricants proposaient un choix impressionnant de modèles :

   Les vins et les bières n'étaient pas les seuls concernés. Les alcools forts (ou tout simplement de synthèse) ont connu un indéniable succès. On note la propension des commerciaux à vanter leurs effets thérapeutiques ! A chaque affection du corps (voire de l'âme) correspondait au moins une substance alcoolisée, propre à guérir du mal de crâne, de la fatigue, des douleurs diverses... et même des hémorroïdes.

   Pourtant, depuis la fin du XIXe siècle, de virulentes campagnes combattaient l'alcoolisation des masses, surtout la consommation des boissons fortes, le vin ayant meilleure réputation... et un poids économique plus important.

   Mais, face à la dureté des combats et de la vie quotidienne, les "petits remontants" étaient bien utiles... et parfois commandés par les officiers, pourtant chargés de lutter contre les abus. Un extrait du documentaire Apocalypse Verdun aborde la question... et la relie à l'alimentation générale des soldats. Il est notamment question des bouchers aux armées. Ames sensibles s'abstenir.

   Il y aurait encore beaucoup de choses à dire sur cette passionnante exposition, à voir si vous en avez l'occasion. Elle est présentée par un dossier de presse bien conçu.

   P.S.

   Sur le sujet, on peut lire aussi avec profit une page du site des Archives de Lyon.

Comme des bêtes

   L'équipe de production à laquelle on doit Moi, moche et méchant et Les Minions a oeuvré sur ce film d'animation, une comédie new-yorkaise centrée sur nos animaux de compagnie, mais avec un  fort anthropomorphisme : si les héros ont bien, la plupart du temps, le comportement de bêtes, de temps à autre, aussi bien dans les mouvements que dans la pensée, on se rend compte qu'il s'agit de décalques d'humains.

   Dès le début, c'est le point de vue animal qui nous est donné. On sourit à l'attachement des chiens à leur maître... et à la duplicité de nombre de nos compagnons qui, dès que nous avons le dos tourné, sont capables de se livrer aux pires activités (excepté le sexe... curieusement absent de cette histoire, où l'on est supposé penser que les mammifères ont été stérilisés).

   J'ai bien aimé aussi le jeu sur les comportements stéréotypés ("Baballe !"... "Papillon !" ou encore "Saucisse !"), ceux des chiens bien entendu, mais aussi ceux du perfide rapace qui niche sur le toit de l'immeuble. Et que dire de la gourmandise de la chatte !... C'est bien mis en scène et les gamins adorent.

   L'intrigue met en contact les gentils animaux domestiques avec des "racailles", des congénères abandonnés ou fuyards, qui vivent dans les égouts de la mégapole. On y découvre une sorte de cour des miracles, avec un fonctionnement mafieux, sous la houlette d'un lapin psychopathe, l'une des grandes réussites de cette histoire :

   L'autre trouvaille est celle du personnage de Gidget, un chien esquimau femelle, un peu effacée au début, mais qui va prendre sérieusement les choses en mains quand son chéri d'amour va disparaître. La petite poupée va se métamorphoser en femme d'action tigresse... pour notre plus grand plaisir.

   La suite ? Des cascades, des courses-poursuites, des bagarres, sur un fond musical entraînant (composé -pour les morceaux originaux- par l'incontournable Alexandre Desplats). Les adultes peuvent s'amuser à repérer les clins d'oeil, notamment cinématographiques (à Hitchcock, à des films catastrophe... et, je pense, aux Marx Brothers).

   Cependant, de mon point de vue, les chats ne sont pas assez mis en valeur. Comme hélas dans de nombreuses productions pour enfants, ce sont les chiens qui occupent le devant de la scène, les félins héritant souvent de rôles négatifs.

   Cela reste une belle histoire d'amitié, rythmée par de nombreuses péripéties, et qui souffre d'une principale limite : être précédée par un court-métrage absolument génial, Minions en herbe. En quatre minutes, une bande de petits bonshommes jaunes va mettre un souk pas possible dans le jardin d'une maison de retraite. C'est hilarant au possible. Par contraste, cela met en évidence les petites carences du long-métrage qui suit.

Colonia

   Le titre de ce film est une référence à la tristement célèbre Colonia Dignidad, fondée dans le Chili profond par un ancien nazi. Cette enclave vivant en quasi autarcie est devenue une sorte de secte, dont les dirigeants entretenaient d'excellentes relations avec le pouvoir dictatorial d'Augusto Pinochet. C'est à ces monstres que les deux héros vont être confrontés, l'intrigue (aussi extraordinaire soit-elle) s'inspirant d'une histoire vraie.

   Le début nous présente les deux tourtereaux. Lui est un photographe engagé, talentueux, qui soutient le gouvernement d'Allende. Elle est une hôtesse de l'air audacieuse... et follement amoureuse de son chéri. On nous montre un couple assez moderne pour l'époque. On sourit et on est attendri, d'autant plus que les deux personnages sont incarnés par deux jeunes gloires du cinéma mondial, Daniel Brühl et Emma Watson. Lui s'est fait connaître dans Good Bye Lenin ! elle dans Harry Potter, où elle incarnait l'inoubliable Hermione Granger.

   Elle a d'ailleurs un peu plus de mal que lui à faire oublier le rôle qui l'a révélée. On l'a quand même remarquée dans My Week with Marilyn et Noé. Brühl, plus âgé, a eu le temps de davantage diversifier sa cinématographie. Ces dernières années, on l'a vu dans Eva, 2 Days in New York et La Femme au tableau.

   La première rupture dans l'intrigue survient avec le coup d'Etat de Pinochet. Le photographe disparaît. L'hôtesse de l'air décide de partir à sa recherche. On pourrait se dire que cela prend un tour un peu trop hollywoodien... à ceci près que c'est la dame qui veut sauver le monsieur. De plus, je peux vous garantir que la nature des atrocités perpétrées sous le régime de Pinochet n'est aucunement atténuée par le scénario.

   On se dit que, dans la vraie vie, cette femme a fait preuve d'un courage inouï... et, comme elle a les traits d'Emma Watson, à plusieurs reprises, j'ai eu envie de quitter mon siège et de foncer sur l'écran pour défendre la ravissante choupinette.

   Cela devient assez vite un thriller, avec la vie à l'intérieur de la communauté sectaire. Signalons la performance de Michael Nyqvist en gourou charismatique... et amateur de jeunes garçons. Dans le camp, on suit avec un intérêt grandissant les relations entre les femmes. Du côté des hommes, le héros fait assaut d'ingéniosité pour endormir la méfiance des geôliers. Certaines découvertes vont s'avérer capitales dans le dénouement de l'intrigue... qui nous réserve des surprises jusque dans la dernière séquence. Celle-ci abuse toutefois du "juste à temps", un peu comme dans Argo, pour ceux qui s'en souviennent.

   En dépit de quelques faiblesses, c'est à la fois un film instructif et un roman d'aventures prenant, avec une louche de romantisme pas niaiseux.

    P.S.

   En 2004, l'émission "Rendez-vous avec X" s'était penchée sur le cas de la Colonia Dignidad.