Dégradé

   Le titre est à double sens : c'est une allusion à la fois au salon de coiffure où se déroule l'essentiel de l'histoire et à ce qui se passe dehors, à la situation de la bande de Gaza, plus particulièrement à ce que vivent les femmes, pendant que les hommes font joujou avec leurs armes.

   Cette coproduction franco-palestino-qatarie aurait pu s'appeler Le Lion de Gaza, vu  que c'est un gros félidé qui est à l'origine de ce qui va se passer dans le quartier. C'est d'ailleurs inspiré d'une histoire vraie, qui s'est déroulée en 2007, au centre de laquelle se trouvait la lionne Sabrina.

   Mais l'animal n'est ici qu'un prétexte et n'apparaît que rarement à l'écran. Le rapprochement avec Le Cochon de Gaza ne serait donc pas pertinent. Cette lionne apathique évoque à la fois la sous-nutrition dont souffrent les animaux des zoos palestiniens (comme on a déjà pu le voir dans Girafada) et la condition des Gazaouis (et notamment des femmes), dominés par un pouvoir qu'on n'ose pas qualifier de totalitaire... mais on aurait bien envie. Ce pouvoir est celui du Hamas. Voilà pourquoi ce film est censuré à Gaza. (Il a de plus été tourné en Jordanie.) Dans le dossier de presse téléchargeable sur le site du distributeur (Le Pacte), on découvre tous les petits tracas qu'ont subis les réalisateurs quand ils vivaient là-bas.

   L'occupant israélien n'est pas exonéré de toute responsabilité pour autant. On lui doit, entre autres, les coupures d'électricité et la pénurie de carburant. Mais le grand mérite de Dégradé est de donner une vision de l'intérieur de ce morceau de Palestine coincé entre l’Égypte et Israël.

   C'est un huis clos parfois étouffant, dans lequel treize femmes d'âges, de conditions sociales et d'opinions différents se retrouvent coincées dans ce salon de coiffure, qui fait aussi office de centre de soins du corps. (Au début, quand il est question d'épilation, une allusion est faite au film libanais Caramel.) Cela nous vaut une belle galerie de portraits, que les auteurs affinent au fur et à mesure que l'histoire avance. L'espace étriqué est très bien utilisé, en particulier les miroirs, qui permettent de placer sur un même plan des personnes situées à des endroits différents du salon. La réalisation témoigne d'un incontestable savoir-faire.

   La première surprise est de constater que la patronne est russe. Au vu du physique de sa fille, on peut présumer qu'elle a épousé un Palestinien, qu'on entrevoit à peine dans le film. Cette coiffeuse est une forte tête, qui sait gérer sa boutique et, en même temps, fait preuve de beaucoup de compréhension vis-à-vis de son employée, une jolie jeune femme assez immature et entichée d'un mafieux qui ne la traite pas bien. C'est là que le film touche à l'universel : on a tous déjà rencontré ce genre de personne, qui, pour une raison incompréhensible, persiste à s'attacher à un mec qui la bafoue.

   Deux des clientes sont déjà "en mains", la future mariée et la bourgeoise, celle-ci incarnée par l'Israélienne Hiam Abbas, la réalisatrice d'Héritage, vue récemment dans Exodus. Pour ces deux clientes, la séance va devenir cauchemardesque, puisqu'elles vont passer plusieurs heures sur le siège sans que le travail soit terminé, tant il va être interrompu par des événements divers et variés. On en fait d'ailleurs un peu trop au niveau de ces incidents, qui se succèdent de manière parfois invraisemblable. Il semble que les auteurs aient eu du mal à tenir la distance. (Notons que film est cependant assez bref, puisqu'il dure environ 1h25.)

   Les autres clientes sont un portrait de la société palestinienne. On a la jeune femme enceinte, qui sent que, dès qu'elle sera mère, elle va se retrouver cloîtrée au foyer. Elle est accompagnée de sa sœur, pas encore mariée et qui hésite à franchir le pas. Trois autres femmes accompagnent la future épousée (celle qui occupe l'un des deux fauteuils) : sa (bientôt) belle-mère (plutôt hostile), la fille de celle-ci (pas mariée et qui s'en porte très bien) et sa propre mère (asthmatique).

   Trois autres clientes attentent, assises sur le même canapé. On comprend que deux d'entre elles, pourtant très différentes à tout point de vue, se connaissent déjà. La première est la grande gueule du groupe, accrochée à ses sucettes (agrémentées d'une substance illicite...). Sa voisine est une croyante rigoriste, qui va être source de gags dans la suite de l'histoire... mais dont les auteurs ont pris soin de nuancer le portrait. Enfin, une divorcée complète le groupe. Elle va peu s'exprimer, mais on comprend que sa situation est un soulagement, par rapport à ce qu'elle a connu auparavant.

   Tout cela forme une cocotte-minute qui, sous l'effet des événements extérieurs, va plus ou moins exploser. Confinées dans cet espace, ces femmes que parfois tout sépare vont apprendre à patienter ensemble. La conclusion vient là encore de l'extérieur, mais je laisse à chacun le soin de la découvrir.

Dalton Trumbo

   Ce long-métrage rend hommage à l'écrivain-scénariste américain et plus particulièrement à son combat contre l'hystérie anticommuniste qui a saisi les États-Unis dans les années 1940-1950. A priori, il n'avait rien d'un héros. Ayant connu le succès assez jeune, il menait une vie bourgeoise, avec son épouse (au foyer, dévouée à la carrière de son mari) et ses trois enfants, la fille aînée étant particulièrement proche de son père.

   Tout change avec les débuts de la Guerre Froide. Une partie de la population croit voir des espions bolcheviques partout. Le monde du cinéma est particulièrement visé, compte tenu de l'influence qu'on prête à ce média. C'est l'occasion de découvrir une galerie de personnages très bien campés. Se détache Bryan Cranston, qui EST Dalton Trumbo (et qui, tout autant que Leonardo DiCaprio, aurait mérité de recevoir l'oscar du meilleur acteur). Face à lui se dresse une ancienne actrice, devenue échotière du petit monde hollywoodien, véritable pasionaria anticommuniste... voire antisémite. Dans le rôle, Helen Mirren est excellente.

   Le sous-texte du scénario tente de démontrer que l'Amérique, terre de liberté, a failli basculer dans la dictature. Les hérauts de l'anticommunisme s'en sont pris à ceux qui avaient la réputation d'être "de gauche" : communistes, progressistes et même certains démocrates. Les comédiens qui incarnent les bourreaux et les victimes sont très crédibles. Au passage, le film égratigne quelques gloires républicaines, au premier rang desquelles John Wayne, l'acteur-vedette des patriotes... qui n'a jamais porté l'uniforme de sa vie. Les spectateurs attentifs apercevront, au détour d'un plan, deux futurs présidents des États-Unis, Ronald Reagan, très actif à Hollywood contre les "commies", et Richard Nixon, qui fut proche de Joseph McCarthy, avant de devenir le colistier de Dwight Eisenhower, élu président en 1952.

   La deuxième partie de l'histoire nous fait suivre deux fils rouges : la procédure judiciaire, qui va mener certains protagonistes en prison et qui pourrait aller jusqu'à la Cour suprême, et la tactique de contournement du système suivie par Dalton Trumbo et ses alliés : puisqu'il ne peut plus travailler sous son nom pour Hollywood, il va devenir un nègre protéiforme, fournissant des scenarii clés en main aussi bien à un producteur de nanars (John Goodman... j'adore !) qu'à de prestigieux réalisateurs. Pour ce faire, il va mettre au service de sa cause la famille entière, les enfants se prêtant en général d'assez bonne volonté au jeu du coursier ou du standardiste téléphonique.

   Qui plus est, la mise en scène n'est pas dégueulasse. Jay Roach (le réalisateur) semble avoir fait des progrès depuis les Austin Powers et Mon Beau-père et moi, des comédies efficaces mais qui reposaient surtout sur le scénario et le jeu des acteurs. J'ai particulièrement aimé les scènes de salle de bain, un endroit où Trumbo aimait travailler en paix, tout en faisant trempette. Plus classiques sont les moments qui le montrent devant la machine à écrire, cigarette au bec, un verre d'alcool à proximité... et des cachets dans le tiroir. J'ai aussi en mémoire une scène se déroulant dans un cinéma, plus précisément l'instant où une partie du générique se reflète dans le verre des lunettes de Dalton Trumbo. Très habile !

   Intelligemment, le film place en parallèle de la lutte menée par Trumbo l'évolution des membres de sa famille. On se rend compte que le grand homme n'aurait pas été grand chose sans le dévouement de son épouse, une mère au foyer qui, de nos jours, serait sans doute une cadre dynamique. Mais c'est avec la fille ainée (celle qui pourtant s'identifie le plus au père) que le conflit va éclater. L'ancienne enfant chérie est devenue une adolescente au caractère affirmé. Elle veut sortir le soir et s'investit dans la défense des droits des Noirs. Trumbo va devoir résoudre aussi ce conflit de générations.

   Fort heureusement, les aspects sombres de l'histoire sont contrebalancés par des moments de comédie. Les anecdotes sur la vie du petit monde hollywoodien (ses fiertés mal placées, ses petites bassesses...) ne manquent pas de saveur. Mais c'est principalement la "conspiration du scénario" qui est source de gags.

   On (re)découvre ainsi que certains acteurs et réalisateurs n'ont pas baissé leur froc devant les fanatiques de l'anticommunisme. Si le film évoque brièvement Lauren Bacall et Humphrey Bogart, il s'attarde davantage sur les interventions de Kirk Douglas et Otto Preminger, remarquablement interprétés par Dean O'Gorman (vu dans Le Hobbit) et Christian Berkel. La réalisateur installe une sorte de connivence entre la famille Trumbo et les spectateurs, si bien qu'on se réjouit avec eux des récompenses gagnés par le scénariste, sans que son nom ne figure au générique des œuvres primées.

   J'aurais quand même quelques réticences à formuler. Si techniquement, le film est irréprochable, sur le fond, il n'est pas totalement objectif. A l'écran ne sont montrés que des éléments (politiques) favorables aux scénaristes mis en cause à l'époque. Leurs seules faiblesses sont de l'ordre du privé. De plus, au niveau du contexte, il aurait été judicieux de préciser que la Commission des activités antiaméricaines avait été fondée avant la Seconde guerre mondiale et pas pour traquer les communistes, mais les nazis. Si les poursuites engagées contre les scénaristes d'Hollywood étaient scandaleuses, l'espionnage soviétique aux États-Unis n'en était pas moins réel... et l'URSS pouvait difficilement passer pour un havre de liberté, sans que cela scandalise les communistes américains.

Ils sont partout

   ... les juifs... ou les antisémites ? C'est la question que fait semblant de se poser Yvan Attal dans cette autofiction agrémentée de sketches, dans lesquels on croise une brochette d'excellents acteurs, connus ou pas, juifs ou pas.

   Le déclic est une scène qui sent le vécu : l'acteur Attal est abordé à la sortie d'un théâtre par ce qui semble être un fan un peu lourd, incarné à la perfection par François Bureloup, un habitué des seconds rôles "hauts en couleur" que l'on a notamment remarqué dans la série Cherif.

   Commence alors une suite de séances de psychanalyse (pas les meilleurs moments du film), régulièrement interrompues par des séquences introduites par des cartons. Les phrases qui apparaissent alors à l'écran évoquent les clichés antisémites qui circulent encore abondamment aujourd'hui.

   Le premier interlude met en scène un couple de la politique française, membre d'un important parti nationaliste. Benoît Poelvoorde (formidable) incarne le mari fidèle, qui vit un peu dans l'ombre de sa médiatique épouse (Valérie Bonneton, plutôt bien) qui, sous des dehors affables, cache une ambition sans bornes et une capacité à haïr peu commune. C'est évidemment un décalque du couple formé par Louis Aliot et Marine Le Pen. Dans le film, la dirigeante nationaliste a succédé à un père encombrant. De surcroît, la première scène nous montre le couple en plein bal autrichien, où fourmillent les anciens nazis... et leurs admirateurs. C'est une allusion à la participation de la présidente du FN à un bal antisémite, en 2012.

   L'intrigue bascule lorsque l'époux de la dirigeante découvre qu'il a une grand-mère juive... une "tache" a priori rédhibitoire sur le CV d'un élu d'extrême-droite... mais qu'il va essayer de retourner à son avantage. Yvan Attal s'appuie sur l'excellente prestation de Poelvoorde (bien épaulé par les seconds rôles) pour verser dans la satire politique. (Signalons au passage que, dans la réalité, l'un des grands-pères de Louis Aliot est juif.) On ne s'étonnera donc que la "fachosphère" se soit déchaînée contre le film et que le site Allociné se soit rapidement rempli de critiques aussi négatives que vides de sens.

   Le deuxième interlude met en scène des juifs pauvres de la banlieue parisienne, une réalité sociologique que l'on a un peu oubliée dans notre pays. Dany Boon est très bon en gentil gars pas très débrouillard. Mais la véritable attraction de cet épisode est Charlotte Gainsbourg, qui interprète avec conviction une garce de chez garce ! Les nostalgiques du petit écran retrouveront avec émotion Robert Castel et Marthe Villalonga, touchants en parents de la "vieille école", attachés à certaines traditions. Cet épisode a un réel potentiel comique, gâché toutefois par l'approximation du jeu de certaines scènes. Il aurait fallu remettre le couvert de temps à autre.

   Mais la plus déjantée des historiettes est sans conteste celle qui voit Gilles Lellouche incarner un super-agent du Mossad... envoyé dans le passé pour tuer l'enfant Jésus avant qu'il ne se fasse connaître. C'est totalement invraisemblable, avec ces populations (juives comme romaines) qui parlent toutes français... et la direction du Mossad, capable de suivre en direct des événements qui se passent dans le passé ! Mais c'est vraiment tordant, avec un Lellouche totalement investi dans son rôle et de belles idées de scénario.

   L'un des intermèdes est consacré aux théories du complot. On y voit des journalistes interroger des passants sur l'existence d'un complot juif. C'est très bon parce que cela joue sur les clichés et les préjugés... y compris (et surtout) ceux des journalistes.

   On passe ensuite à l'évocation de la Shoah, à travers la plus émouvante des séquences. Et pourtant, au départ, on se dit que cela risque d'être malsain. L'action se déroule à Drancy. Un bénévole dans une maison de retraite (François Damiens, au top) en a marre du tourisme mémoriel dont sa commune est l'objet, et surtout des cérémonies bruyantes qui se déroulent régulièrement sous ses fenêtres. L'intrigue gagne en épaisseur quand on nous montre le quotidien des victimes de la maladie d'Alzheimer. Cela culmine dans une scène d'anthologie, centrée sur un très vieil homme, à la mémoire défaillante, mais dont certains souvenirs vont subitement ressurgir. Dans le rôle, Popeck est extraordinaire.

   Après ce passage un peu éprouvant, on avait bien besoin de fantaisie. Elle prend la forme d'une manifestation de roux (qui se sentent horriblement discriminés), auxquels succède un président de la République aux abois (Patrick Braoudé très bon... et très "hollandien"). Celui-ci va organiser un référendum sur un sujet totalement improbable... que je laisse à chacun le plaisir de découvrir.

   L'histoire aurait pu s'arrêter là. Yvan Attal en rajoute un peu trop face à la caméra. C'est dommage, parce que son film mérite vraiment le détour. S'il n'a pas le talent de Woody Allen, le réalisateur a néanmoins réussi à mettre en scène quelques jolis moments de bravoure, servis par des comédiens brillants et posant de bonnes questions, du genre de celles qui dérangent une presse un peu trop conformiste.

X-Men - Apocalypse

   Cet épisode se situe dans le prolongement de X-Men - Le Commencement et X-Men - Days of Future Past. On a compris que, loin de se limiter à un prequel, le basculement de l'intrigue dans le passé avait pour but de relancer la série, en mélangeant à l'écran le matériau scénaristique de plusieurs époques de comics. On avait peut-être aussi en tête de rajeunir le casting, gage de renouvellement de l'audience... et assurance pour l'avenir (et la production de nombreux autres épisodes).

   Du coup, ici, l'équipe que Charles Xavier prend sous son aile mélange certains des premiers X-Men (Jean Grey, Cyclope, Le Fauve) à certains de la deuxième équipe (Diablo... et-très brièvement- Serval, dont la présence se justifie uniquement par le souci de raccorder l'intrigue à celle d'autres productions Marvel) et à de petits nouveaux, comme Vif-Argent. On notera le basculement de certains personnages, comme Angel, Tornade... et Mystique.

   Mais, dans cet épisode, la part du lion est réservée au nouveau super-méchant, Apocalypse, héros de la première séquence, sise dans l'Egypte antique. C'est d'une grande virtuosité et met les spectateurs dans de bonnes dispositions pour la suite. Signalons l'excellente composition d'Oscar Isaac dans le rôle du mutant divin. Il confirme tout le bien qu'on pense de lui, depuis notamment Ex Machina et le dernier Star Wars.

   Hélas, la suite ne tient pas les promesses du début. Si certaines séquences témoignent d'un incontestable savoir-faire, c'est trop long, verbeux et sentencieux, avec une "grosse musique" pour souligner que ce sont des événements titanesques qui se déroulent sous nos yeux. De surcroît, je n'ai pas aimé certaines parties, comme celle se déroulant à Auschwitz.

   Concernant les personnages, la difficulté a été de faire coexister autant de premiers rôles. Magnéto/Fassbender est très attachant dans sa nouvelle vie polonaise, avant de devenir transparent dans la suite de l'histoire. Concernant Charles Xavier, j'ai toujours du mal avec le jeu de James McAvoy, qui, pour moi, n'arrive pas à la cheville de Patrick Stewart. (Pour les amateurs de détails scabreux : on apprend dans ce film comment il est devenu chauve.) Je n'apprécie pas non plus la nouvelle version de Jean Grey : j'ai trouvé Sophie Turner très fade. Par contre, les autres personnages féminins sont plus réussis. Il y a bien sûr Mystique, toujours incarnée par la superbe Jennifer Lawrence, qu'on a l'occasion de voir autrement que bleue et moulée dans un costume ultra-fin. On découvre la nouvelle Tornade, immédiatement punk... et torturée. J'ai aussi bien aimé Psylocke, qui a un petit côté "maîtresse-dominatrice", si vous voyez ce que je veux dire... C'est particulièrement visible dans la scène de combat contre le Fauve, qui va tâter du fouet !

   J'ai gardé pour la fin Vif-Argent, mon préféré, qui intervient dans deux des plus belles séquences et notamment (pour moi) celle qui constitue l'apogée de l'utilisation des effets spéciaux. Le jeune héros débarque dans une bâtisse sur le point d'exploser et va réussir à en sauver presque tous les occupants, grâce à son extraordinaire rapidité, qui lui permet de se déplacer plus vite que le son. Il en profite même pour changer la coiffure (un peu trop sage) de l'une des personnes en danger... et pour boire un coup, entre deux sauvetages. C'est excellent ! La deuxième séquence est celle de la lutte (finaleuuu) contre Apocalypse, qui voit le gamin facétieux jouer quelques tours au super-méchant.

   Cependant, on notera que, même si les personnages qui sont considérés comme les plus précieux par Apocalypse sont deux mutants hommes (Magnéto, dont il veut faire son second, et Xavier, auquel il réserve un sort très particulier), sa chute va venir de l'action conjuguée de plusieurs femmes, une osant le défier, la deuxième le trahissant et la troisième le stupéfiant.

   Ce sont ces éléments qui contribuent à me donner une impression positive du film. Mais je suis bien conscient que c'est globalement en retrait par rapport à ce que Bryan Singer nous a proposé auparavant. L'ultime séquence (post-générique) laisse présager une suite très animée.

L'Origine de la violence

   Quand j'ai commencé à lire des articles sur ce film, j'ai pensé à de récentes fictions qui entremêlent le présent et le passé, celui de la Seconde guerre mondiale. En 2007 est sorti Un Secret, lui aussi adapté d'un livre. En 2010, on a eu droit au très prenant Elle s'appelait Sarah. L'an dernier c'était au tour de L'Antiquaire, dans lequel jouait déjà Michel Bouquet.

   L'intrigue utilise les ficelles de l'enquête policière, ici à caractère historique. Le noeud de l'affaire est la découverte par le héros de l'existence d'un membre ignoré de sa famille, qui serait passé par le camp de Buchenwald. Cette première partie passe moyennement, pour plusieurs raisons. La première est que j'ai eu du mal à m'habituer au jeu de Stanley Weber (qui incarne Nathan, le héros de 2014, dont on a pourtant eu la bonne idée de faire une personne limite antipathique, en tout cas pétrie de défauts). Sa rencontre avec une ravissante Allemande (Miriam Stein, lumineuse) apporte un salutaire dynamisme à l'intrigue. Mais, comme j'avais très vite deviné quelle était la nature du mystère entourant la photographie du déporté, le déroulement de l'histoire manquait un peu de saveur. De surcroît, il me semble que c'est parfois un peu surjoué et trop souligné par la musique. Au bout de trois quarts d'heure, je me suis même demandé comment Elie Chouraqui allait pouvoir nous tenir en haleine encore plus d'une heure.

   Je m'étais trompé. Dans cette partie de l'histoire, le jeune prof tire sur un fil... et la pelote va continuer à se dévider. D'autres mystères surgissent. Comment l'homme de la photographie est-il réellement mort ? Pourquoi est-il décédé en 1942 et non pas en 1941 ? Que s'est-il passé entre ces deux dates ?... et qui a écrit la lettre de dénonciation ?

   Dans cette seconde partie, l'intérêt est d'autant plus relevé que l'on a donné plus de texte à certains interprètes : Richard Berry (excellent de retenue et de sobriété), Michel Bouquet (magistral... à son âge !), Catherine Samie (époustouflante en grand-tante dynamique) et Joseph Joffo (criant de vérité en ancien déporté). Voilà pour la distribution contemporaine. Mais la véritable perle est constituée par les séquences anciennes (des années 1940), qui ressuscitent, par petites touches, le passé que tant de monde voudrait voir rester enfoui. C'est le moment de signaler la composition de César Chouraqui, très juste en jeune tailleur ambitieux.

   Le film va même encore plus loin : quand on dégoupille une grenade, il faut s'attendre à ce qu'elle pète entre les mains. Le héros contemporain va ainsi faire une ultime découverte, à propos d'un événement qu'il ne cherchait même pas à éclaircir. Cette manière de conclure l'histoire est vraiment très bonne.

   Je suis donc sorti de là finalement très satisfait. L'ensemble vaut mieux que ce qu'une partie du début laisse présager.

La Saison des femmes

   Ce "petit" film indien est sorti assez confidentiellement en France, me semble-t-il. C'est un mélange de conte sentimental (où l'on sent l'influence du style Bollywood) et de critique sociale, l'intrigue tournant autour de quatre personnages féminins principaux, chacun avec son caractère propre.

   A l'arrière, à gauche, se trouve Lajjo, une beauté mariée à un homme qui la méprise, parce qu'elle serait stérile. Elle passe par des moments de joie intense et d'autres de dépression, le mari, alcoolique, ayant souvent la main lourde. C'est le plus beau sourire du film et un personnage qui apporte de la fantaisie dans une ambiance parfois plombante.

   Au centre, la jeunette aux cheveux courts est Janaki, la toute nouvelle épouse du fils de la troisième (à droite de l'image). C'est, au départ, en apparence, la moins affirmée du groupe. Elle nous réserve néanmoins quelques surprises.

   Sa belle-mère est Rani, pour moi la plus attachante des quatre. Mariée et mère à quinze ans, veuve à dix-sept, elle essaie de concilier indépendance et respect des conventions. Elle a passé la trentaine et se sent déjà vieille... mais Dieu qu'elle a du charme ! Son rapport à son téléphone portable apporte quelques moments de fraîcheur dans cette sombre histoire.

   La plus entreprenante du lot est Bijli, que l'on voit piloter le véhicule ci-dessus. C'est une danseuse érotique, prostituée occasionnelle. Sans mari ni enfant, elle est de prime abord la plus libre. Ses tenues et son franc-parler font d'elle soit un modèle envié, soit un repoussoir détesté. Elle nous réserve aussi quelques surprises. Les auteurs ont visiblement beaucoup "creusé" son personnage.

   Du côté des hommes, on a droit à une belle brochette d'enculés. Jeunes comme vieux, ils sont la plupart du temps stupides, lâches, fainéants et violents. Fort heureusement, quelques-uns sont là pour remonter le niveau... et ménager une porte de sortie pour les femmes qui chercheraient à échapper à cet univers étouffant.

   L'intrigue marie deux styles, celui du film de filles, drôle et sensuel, et celui du film engagé, "sociétal", parfois très dur. Toutes ces femmes en ont bavé et/ou vont en baver. On ne nous épargne ni les insultes, ni les coups ni le viol. Mais les actrices ont une telle énergie (et un tel charme) que l'on suit leurs aventures avec passion. La réalisation est soignée, la photographie très belle, la musique entraînante.

   On se demande dans quel sens le scénario va basculer (le drame ou l'espoir). Je laisse à chacun le soin de le découvrir.

   P.S.

   Certains spectateurs seront étonnés de voir apparaître à l'écran à plusieurs reprises, une croix gammée. C'est l'un des nombreux symboles tatoués sur la peau des femmes. On le voit dès le début, sur la main d'une jeune mariée qui a fui le domicile de sa belle-famille. On le redécouvre ensuite sur la joue gauche de Rani :

   Ce n'est pas une référence au nazisme, d'abord parce qu'ici le svastika et sénestrogyre (orienté vers la gauche), alors que l'emblème hitlérien était dextrogyre (orienté vers la droite). Mais surtout, en Inde et ailleurs en Asie du Sud-Est, c'est depuis des siècles un symbole positif, quelle que soit son orientation.

The Nice Guys

   Ces "garçons sympas" (ou ces "chics types") sont deux détectives un peu approximatifs et, parfois, de beaux enfoirés. A ma gauche voici Jackson Healy (Russell Crowe, plus bedonnant que jamais) : c'est le plus borderline des deux, le plus expérimenté... mais aussi le plus cruel, quand il le faut :

   A ma droite voici Holland March (Ryan Gosling, un peu à contre-emploi) : c'est un père célibataire, marié à l'alcool, qui se la pète avec sa licence de détective privé... mais ne semble pas être un foudre de guerre :

   En réalité, ce duo est un quasi-trio, puisque l'enquêteur alcoolique est chaperonné par... sa fille de treize ans, qui est au moins deux fois plus mûre que lui. Dans le rôle, Angourie Rice est la révélation du film :

   Cette improbable association va se former à cause de ce qui paraît n'être qu'une banale histoire de harcèlement et de disparition. On suit les deux détectives jusque dans une maison incendiée, dans un quartier mal famé où ils tentent de soutirer des renseignements à un gamin insolent. La conversation, assez banale au départ, va bifurquer sur une partie de l'anatomie du garçon (supposée très développée), qu'il est prêt à leur montrer... contre vingt dollars.

   Ah, oui, j'oubliais : le tournage d'un film porno expérimental est au cœur de l'intrigue. Nos héros vont tenter de mettre la main sur le producteur, puis de sauver l'une des "actrices", une fille de bonne famille en révolte contre son arriviste de mère, celle-ci interprétée par une Kim Basinger au physique méconnaissable...

   Entre temps, les "chics types" vont faire de curieuses rencontres, comme celle d'un groupe d'étudiants contestataires, dont la scène d'interrogatoire est visiblement un hommage aux Monty Pythons !

   L'action culmine une nuit, dans une villa d'un quartier chic de Los Angeles, où est organisée une soirée un peu spéciale. On y croise une multitude de jeunes femmes (très) légèrement vêtues et prêtes à entrer en contact avec la moitié de l'humanité... Hélas, tous les invités n'ont pas des intentions aussi œcuméniques.

   Comme un certain nombre de protagonistes sont armés, l'intrigue va prendre un tour assez violent, dans un style qui n'est pas sans rappeler certains films de Tarantino. Il faut dire que le réalisateur Shane Black aime le trash et la parodie. Le tout baigne dans la musique des années 1970. Ajoutons à cela la grande qualité de la photographie, et l'on obtient un excellent divertissement, drôlissime et totalement décomplexé.

Mr. Holmes

   Revoilà Sherlock, mais un Sherlock nonagénaire, qui a survécu à la Seconde guerre mondiale et vit reclus dans une maison perdue dans la campagne anglaise, pas très loin de la côte toutefois. Les seuls humains qu'il rencontre régulièrement sont sa gouvernante et le fils de celle-ci, un gamin débrouillard auprès duquel il joue le rôle de grand-père, mais aussi d'inspirateur. Le problème est que le célèbre détective commence à perdre un peu la boule : Alzheimer le guette. Avant de perdre totalement ses facultés, Sherlock voudrait résoudre une affaire qui, semble-t-il, lui a jadis échappé.

   Dans le rôle titre, Ian McKellen est excellent, tout comme Laura Liney en gouvernante. J'ai retrouvé avec plaisir l'actrice de The Truman Show, Dr. Kinsey (réalisé par Bill Condon, qui est aussi aux manettes de Mr. Holmes) et, plus récemment, Week-end royal. Il faudra suivre aussi Milo Parker, très prometteur en gamin éveillé.

   L'enquête inachevée sur laquelle Sherlock se repenche n'est pas le seul mystère du film. Il doit aussi comprendre la rancune qu'éprouve un Japonais à son égard... et découvrir ce qui arrive à ses abeilles, dont le nombre ne cesse de diminuer. Ce n'est pas l'enquête la plus aisée à mener ! Les amateurs de la série Elementary (qui met en scène un Sherlock contemporain et installé à New York) auront remarqué le point commun entre l'homme âgé de ce film et le jeune détective du XXIe siècle : ce dernier élève des abeilles sur le toit de l'immeuble où il loge (ce qui est conforme aux romans d'Arthur Conan Doyle).

   Attention toutefois : le rythme n'est pas du tout le même que celui des séries contemporaines (que ce soit Elementary ou le Sherlock de la BBC). Les investigations sont menées par un homme très âgé, qui prend son temps et se perd parfois dans les détails. En dépit de l'intérêt que l'on peut porter aux mystères de l'intrigue, le coeur du sujet est la perte de mémoire de l'ancien détective, qui est plus touchant qu'époustouflant. Si l'on est conscient de cela, on peut passer un bon moment en compagnie de personnages bien campés.

   P.S.

   Le scénario est l'adaptation d'un roman publié en 2005 et paru en français en 2007.

Hana et Alice mènent l'enquête

   Cette animation japonaise sort de l'ordinaire, d'abord parce qu'elle est une nouvelle adaptation d'une histoire qui a déjà été filmée en images réelles par le réalisateur Shunji Iwai, il y a quelques années. Au niveau du style, cela ne ressemble guère à ce que le Japon produit habituellement. Tantôt on a l'impression d'être en face d'une oeuvre picturale, de style aquarelle, tantôt on pense qu'il s'agit d'un décalque numérique et colorisé de scènes tournées par de vrais acteurs. Quoi qu'il en soit, c'est assez joli à regarder, et parfois virtuose, en particulier quand certains personnages dansent.

   Mais c'est l'intrigue qui est la plus captivante. Un mystère plane dans un collège, d'où un élève a disparu il y a quelques mois. Dans le même temps, des histoires circulent à propos d'un certain Judas et de ses quatre épouses. Voilà qui suscite l'intérêt de la petite nouvelle, Alice, obligée de déménager à cause du divorce de ses parents. (Dans l'histoire, elle n'est d'ailleurs pas la seule dans ce cas. Le scénario est assez fouillé et nous offre quelques perspectives intéressantes sur la société japonaise contemporaine.)

   On notera que l'adolescente paraît beaucoup plus mûre que sa mère, une gamine attardée qui fout un peu la honte à sa fille. D'autres problèmes se présentent à Alice, en particulier son intégration au collège, d'où le harcèlement n'est pas absent.

   Petit à petit, l'héroïne va découvrir que les choses et les personnes sont parfois différentes de ce qu'elles paraissent. De plus, elle va nouer une relation avec la très étrange voisine d'en face, Hana, qui vit cloîtrée depuis de terribles événements (qu'on découvre plus tard dans l'histoire). Piquées par la curiosité, les deux ados vont former un improbable duo d'enquêtrices amatrices... en fait une belle paire de pieds nickelés ! Cela nous vaut plusieurs savoureux moments de comédie, dans lesquels les téléphones portables jouent un rôle non négligeable.

   Alice et Hana vont donc partir à l'aventure et faire quelques rencontres. Cela donne un ensemble très agréable, qui réussit à parler de l'adolescence sans niaiserie ni vulgarité.

Café Society

   A 80 balais, Woody continue à tourner et nous livre chaque année au moins une comédie. Je n'ai pas vu celle de l'an dernier, m'étant arrêté à Magic in the Moonlight, plutôt pas mal mais pas transcendante. Ici, l'action est partagée entre New York et la Californie. Bobby (Jesse Eisenberg, sobre) est évidemment un double du réalisateur, juif de Manhattan qui étouffe dans la Grosse Pomme et pense que son avenir est à l'ouest. C'est peut-être aussi ce qu'a pensé Woody Allen dans sa jeunesse. En tout cas, il nous propose une vision colorée de la Californie des années trente (sans doute aidé par un nouveau chef opérateur, l'expérimenté Vittorio Storaro)... exempte de la moindre allusion à la Grande Dépression et à la politique de Franklin Roosevelt. A l'écran, c'est superbe à voir. On sent qu'un gros travail a été fourni au niveau des éclairages et du décor.

   C'est d'abord une bonne comédie, qui joue sur les stéréotypes. Le comique de répétition fonctionne à merveille avec le personnage du frère du héros, Ben (Corey Stoll excellent... avec plein de cheveux !). Celui-ci est un homme d'affaires, qui se trimbale souvent avec une liasse de gros billets en poche. On comprend rapidement que, lorsqu'il dit qu'il doit "discuter" avec quelqu'un, pour le "convaincre", le "faire changer d'avis"... cela se termine par un corps coulé dans une chape de béton !

   Allen pratique aussi beaucoup l'autodérision, sur la communauté juive new-yorkaise. La mère est sans doute d'origine européenne et lâche de temps à autre des mots ou expressions en yiddish. Quant au père, il s'offusque du mode de vie des cousins de Californie, pas du tout religieux voire débauché. Le plus drôle est la scène où la famille découvre que l'un des membres s'est converti au christianisme. La mère finit même par regretter que le judaïsme (contrairement au christianisme) n'ait pas développé la croyance en une vie après la mort, ce qui lui aurait permis... "d'avoir plus de clients" (costumers) ! (Les dialogues sont évidemment à savourer en version originale sous-titrée.)

   Incidemment, le réalisateur montre que cette Amérique chatoyante n'était pas exempte de cruauté. Ainsi, quand le héros fait la rencontre d'une superbe divorcée, originaire de l'Oklahoma, celle-ci lui apprend que, dans son État d'origine, on interdit aux jeunes filles WASP de fréquenter les juifs ! A un moment, Bobby fait semblant d'aller dans le sens des clichés antisémites qui circulent abondamment à l'époque : lorsque son interlocutrice fait allusion à la supposée puissance financière des juifs, le jeune homme lui répond qu'effectivement "on contrôle tout" !

   Plus discrètement, le scénario pointe la ségrégation qui sévit à cette époque. Le petit monde d'Hollywood est principalement peuplé de Blancs (catholiques, protestants et juifs). On voit très peu de Noirs à l'écran... sauf quand certains personnages ont envie d'écouter du très bon jazz. Ils se rendent dans un club interlope où, scandale, un public mélangé écoute de brillants musiciens "de couleur"...

   La musique est d'ailleurs omniprésente dans le film, qu'elle rythme les scènes ou qu'elle soit l'objet des conversations des personnages. Comme Woddy Allen, le héros Bobby est un inconditionnel de ce genre musical, qui commence à percer.

   Aussi surprenant cela puisse-t-il paraître, le fond de l'histoire est romantique. Le jeune New-yorkais part en Californie en espérant y faire son trou, quitte à revenir fonder une famille à New York. En réalité, il va surtout rencontrer l'amour et c'est à New York qu'il va professionnellement s'épanouir. Mais le jeu de l'amour et du hasard réserve bien des surprises. L'intrigue se noue autour d'un triangle amoureux et de ses déclinaisons. Il n'est donc pas étonnant que ce soit une femme qui occupe le premier plan, au début de l'histoire. Kristen Stewart est brillante en secrétaire dévouée, comédienne ratée (dans le film), femme indépendante et amoureuse indécise. C'est pour moi une découverte... à la consternation des djeunses de mon entourage, qui se désolent de mon ignorance : pensez donc, c'est l'actrice qui incarna Bella dans la saga Twilight ! Ah, ces vieux cons !...

   Son personnage s'efface un peu dans la seconde partie de l'histoire, au profit de celui de Bobby. Jesse Eisenberg, dont le talent a éclaté au grand jour dans The Social Network, s'est parfaitement coulé dans le moule "allénien". C'est sans doute l'un des rares acteurs à pouvoir débiter rapidement et sans hachures les répliques écrites par le papy de Manhattan. Certains trouveront que son personnage manque de relief. Il faut dire qu'il est entouré par tellement de fortes personnalités. Lui, son truc, c'est la douceur et la persévérance.

  L'histoire s'achève sur une fin ouverte, dans un New York reconstitué, qui forme un cadre tout aussi romantique que les berges parisiennes.

High-Rise

   Ce film adapte un roman d'anticipation satirique des années 1970, sans le mettre au goût du jour : il dresse le portrait d'une société futuriste telle qu'on la concevait il y a quarante ans. Voilà pourquoi les téléphones portables sont absents, les portes s'ouvrent avec des clés et les téléviseurs ont un tube cathodique. Même au niveau des décors et des vêtements, on a gardé une touche vintage : ce qui nous est montré à l'écran représente une vision datée du futur. Il reste les comportements humains, un invariant sur lequel le scénario s'appuie sans complexe.

   La première partie de l'histoire montre la découverte de l'immeuble d'avant-garde par un nouvel occupant, un médecin qui préfère s'installer dans cette petite ville en hauteur plutôt que dans une banlieue résidentielle ennuyeuse. Dans le rôle, Tom Hiddleston (devenu célèbre grâce à son interprétation de Loki dans Avengers) est très bon. On nous présente plutôt la partie "haute" de l'immeuble, celle occupée par les classes privilégiées, même si l'on a un aperçu de la partie "basse". Dans celle-ci, on remarque un couple, incarné par deux jeunes acteurs très prometteurs : Luke Evans (remarqué dans Le Hobbit et surtout Dracula Untold) et l'Aveyronnaise Sarah Vidal Elisabeth Moss (vue récemment dans Truth). Chacun vit dans un entre-soi où il n'est pas facile de s'intégrer. La mise en scène des inégalités et des circonstances dans lesquelles elles se font particulièrement sentir est vraiment réussie.

   Évidemment, on attend que tout cela dérape. A l'image du vernis de civilisation qui commence à se craqueler, l'immeuble se dégrade. L'étincelle est l'occupation de la piscine, située à un étage intermédiaire, tout comme la grande surface. Si, au début, j'ai trouvé réjouissante cette débauche d'énergie destructrice, à la longue, c'est devenu lassant. L'accumulation de sang, de sexe et de saleté (au "propre" comme au figuré) n'a pas de sens : on ne voit pas où le réalisateur veut en venir. C'est juste le plaisir de l'autodestruction qui guide cette partie de l'histoire. (Faut-il y voir l'influence de Peter Greenaway ?) Ceci dit, c'est plutôt bien filmé. Derrière la caméra, on a Ben Wheatley, associé à sa scénariste attitrée (et compagne) Amy Jump. C'est à ce duo que l'on doit deux autres œuvres borderline : Kill List et Touristes, qui témoignent de leur goût pour le dérangeant, le scabreux.

   C'est donc à réserver à un public averti, amateur de sensations fortes... et indulgent.

Tracks

   Ce film nous vient des antipodes. Il raconte le périple (réel) accompli il y a une quarantaine d'années par une jeune femme, dans le désert australien, accompagnée de dromadaires et d'un chien. La distribution s'appuie notamment sur deux jeunes acteurs très prometteurs : Mia Wasikowska et Adam Driver. Ce dernier est connu (presque) du monde entier depuis qu'il a endossé l'habit de Kylo Ren dans le dernier Star Wars. On l'a aussi vu dans Inside Llewyn Davis et le récent Midnight Special. 

   Mais le principal atout du film est incontestablement Mia Wasikowska qui, outre sa ressemblance physique avec Robyn Davidson, incarne à la perfection cette jeune femme indépendante, douce en apparence mais dotée d'une volonté de fer. Les cinéphiles n'auront pas été surpris de lire ce que je viens d'écrire : l'actrice s'est déjà fait remarquer à plusieurs reprises pour la justesse de ses compositions, en particulier dans Albert Nobbs et Maps to the stars. Ici, on sent qu'elle s'est beaucoup impliquée dans le rôle.

   La première partie de l'histoire nous expose les préparatifs du voyage. La jeune femme doit apprendre à gérer une petite troupe de dromadaires... et se procurer des fonds. Sa chance est de rencontrer un photographe américain intéressé par les Aborigènes. Tombé sous son charme, il va plaider sa cause auprès du National Geographic, qui accepte de financer le périple, à condition que Robyn se prête régulièrement à des séances de photographie, qui nourriront les articles du magazine. Les scènes qui voient la solitaire rencontrer son photographe attitré sont souvent source de comédie. On voit aussi, petit à petit, leur relation évoluer.

   Mais les "personnes" auxquelles la jeune femme adresse le plus la parole sont ses dromadaires, qu'elle sait désormais plutôt bien gérer. Les animaux qui sont utilisés dans le film sont vraiment extraordinaires, notamment le vieux mâle, un peu caractériel, qui passe très bien à l'écran !

   A ceux que la présence de ces camélidés en Australie surprendrait, précisons qu'ils y pullulent. Introduits par les Européens au XIXe siècle, la plupart sont depuis retournés à l'état sauvage... et ils ne sont vraiment pas commodes ! On estime leur nombre à un million. Ils représentent désormais une menace pour l'équilibre écologique du désert... et même pour celui de la planète !

   Stupéfiant aussi est le comportement du chien Diggity, interprété par deux animaux différents. Dans le générique de fin on apprend que les bêtes se nomment "Special Agent Gibbs" et "Ziva", celle-ci ayant été utilisée lors des scènes de cascade ! (Ce sont évidemment des références à la série NCIS.)

   J'ai aussi beaucoup apprécié les scènes de désert, très bien filmées, de jour, de nuit, à l'aube, au crépuscule. Les (rares) rencontres qu'elle fait sont marquantes. On pense bien sûr aux Aborigènes, avec lesquels les relations sont un peu compliquées, mais très enrichissantes. Les plus pénibles sont cependant les touristes, appâtés par l'histoire de celle que l'on surnomme la Camel Lady. Grâce aux articles parus dans le National Geographic, elle devient de plus en plus connue. Elle redoute désormais l'approche des villes, ces moments où elle voit débarquer des groupes humains dont l'intelligence et la délicatesse ne sont pas les principales qualités.

   C'est vraiment un film superbe, à voir.

Robinson Crusoé

   Ce dessin animé belge est a priori plutôt destiné aux enfants. Il n'a pas été bâclé pour autant. On y retrouve à l'oeuvre une partie de l'équipe technique du Manoir magique : Domonic Paris a travaillé au scénario des deux et le réalisateur Ben Stassen a produit Crusoé. C'est d'une grande qualité graphique, dans un style toutefois différent des productions Disney-Pixar et DreamWorks.

   D'un point de vue visuel, le personnage le plus réussi est le perroquet que Robinson va surnommer Mardi. Son plumage est superbe et ses mouvements (aussi bien ceux des ailes, ceux de la tête que ceux des pattes) sont rendus avec un talent certain, qui n'est pas sans rappeler Rio :

   Les autres personnages animaliers sont bien campés. Les enfants peuvent facilement s'identifier à eux et ils sont sources de gags. Par contre, du côté des humains, si j'ai trouvé les pirates assez bien réussis (très classiques), j'ai été un peu déçu par Robinson, qui manque de relief. Autre regret : le rôle de méchants dévolu aux chats... moi qui aime tant les félins ! Bon, ceux-là sont vraiment laids et insupportables, mais quand même...

   Le scénario est bien ficelé. Il ne fait que s'inspirer de l'oeuvre de Daniel Defoe. Les scénaristes ont visiblement voulu donner une coloration "roman d'aventures" et c'est réussi. (Notons que c'est le perroquet -et non l'humain- qui est le narrateur.) L'action est rythmée, soulignée par des mouvements de caméra "comme dans un vrai film". En dépit d'un drame survenu dans la première partie de l'histoire, le ton est globalement à la drôlerie. On passe un bon moment, on sourit souvent mais sans gros éclat de rire.

Le (vrai) Livre de la jungle

   La sortie de la nouvelle adaptation de Disney m'a incité à me (re)plonger dans l'oeuvre de Rudyard Kipling, dont on parle souvent sans l'avoir lue. Dans ma jeunesse, je n'ai eu entre les mains qu'une version en bande dessinée du Livre de la jungle. Ce week-end, ce fut donc une quasi-découverte.

   La première surprise est de constater que les aventures de Mowgli ne constituent qu'une partie du livre, une centaine de pages sur l'ensemble, qui est un recueil de "contes coloniaux". Les héros en sont le plus souvent des animaux, qui parlent. Ainsi, on suit les aventures d'un phoque blanc intrépide, puis d'une mangouste courageuse, d'un jeune dresseur d'éléphants et enfin de plusieurs petits troupeaux au service de l'armée britannique.

   Le plus étonnant est que ce n'est pas dans le premier, mais le second tome que les scénaristes du film ont puisé l'un des arguments principaux, à savoir la "trêve de l'eau", déclenchée quand un rocher apparaît à l'air libre dans un lac.

   D'autres différences existent entre la version livresque et le film. Ce n'est pas Bagheera (la panthère) qui apporte le garçon aux loups. De plus, celle-ci est un ancien animal de cirque. Elle est présente dès la première réunion importante des loups (tout comme Baloo, l'ours). Ce sont d'ailleurs ces deux personnages emblématiques qui défendent la cause de Mowgli. L'ours devient rapidement l'instructeur du garçon, un instructeur autrement plus intransigeant que ce qui est montré dans les adaptations cinématographiques.

   Du côté des loups, on remarque que deux mâles adultes (et non pas un) jouent un rôle important : Akela le chef et Père Loup, le compagnon de la mère qui prend en charge Mowgli. D'autres personnages sont absents de l'adaptation : le chacal Tabaqi (proche du tigre Shere Khan) et le vautour Chil. On a aussi minoré les apparitions des éléphants (une excellente trouvaille du film d'animation de 1967) et coupé une partie de l'histoire concernant les singes.

   Mais le principal changement intervient au niveau des "méchants", Shere Khan et Kaa le python. Le premier n'est pas borgne, mais boite. Il apparaît finalement moins dangereux que le serpent, qui joue un rôle important dans la cité des singes. La récente adaptation a simplifié l'intrigue et fait de Shere Khan une sorte de serial killer, qui meurt dans des circonstances différentes, mais qui mettent tout autant en valeur l'ingéniosité de Mowgli. Dans la nouvelle, celui-ci devient vite très débrouillard... et il effectue un séjour chez les humains, avant de retourner dans la jungle. Peut-être nous garde-t-on cela pour un prochain film...

   Pour savoir ce qu'est devenu Mowgli, il faut lire le "prequel" (littéraire) Dans la jungle, écrit par Kipling avant les deux autres. On y découvre un jeune homme qui a grandi dans les bois et qui entre en contact avec des agents britanniques chargés de la gestion de la forêt.

Eva ne dort pas

   Cette Eva est Eva Peron, l'épouse du président argentin Juan Domingo Peron et véritable icône des classes populaires argentines encore aujourd'hui. Cette Eva, malgré les apparences, ne dort pas, parce qu'elle est morte (en 1952). Mais son cadavre embaumé donne l'impression qu'elle est toujours en vie. Quoi qu'il en soit, il fait l'objet de toute l'attention de la junte conservatrice qui a renversé Peron en 1955.

   Le début nous montre "Evita" vivante, avec la force du tribun politique que l'ancienne actrice était devenue. Le choix de discours qui stigmatisent le capitalisme financier et les "oligarques" argentins qui le soutiennent n'est à mon avis pas le fait du hasard : le réalisateur Pablo Aguero veut montrer que, par certains aspects, la situation de l'époque n'est pas sans évoquer celle du monde actuel.

   Comme l'intrigue est centrée sur le devenir de la dépouille d'Eva Peron, les paradoxes du "péronisme" ne sont pas abordés. Pour nous Français, cela semble être un mélange de gaullisme et de chavisme. Cela pourrait rappeler aussi le mouvement qui s'était constitué, sous la IIIe République, autour du général Boulanger. Peron lui-même était pétri de paradoxes : admirateur du premier Mussolini, en très bons termes avec Franco, il a laissé des milliers de nazis se cacher en Argentine, après la Seconde guerre mondiale. Dans le même temps, le pays s'orientait vers une véritable démocratie, avec (sous l'impulsion de son épouse, dit-on) le droit de vote pour les femmes et une série de mesures en faveur des classes populaires.

   Voilà pourquoi le narrateur de l'histoire, un officier conservateur, est aussi ordurier à propos d'Eva Peron. Ce contraste joue en faveur de la jeune femme, bien que ce narrateur soit incarné par Gael Garcia Bernal (que l'on a vu récemment dans Desierto).

   La première partie traite de l'embaumement du corps. Il est effectué quasiment en catimini, par un personnage qui ne semble pas particulièrement apprécier la dame, de prime abord. Il ne va pas moins réaliser un travail remarquable. Signalons que c'est une actrice (Sabrina Macchi) et non un mannequin articulé qui incarne la défunte. Elle a dû subir un entraînement rigoureux pour pouvoir rester de longues minutes en immobilité totale (ou sans réagir quand elle est plongée dans un grand aquarium), le film étant tourné en plans-séquences. De ce point de vue, c'est assez virtuose.

   La partie la plus pittoresque est le transport du corps momifié, de nuit, dans un camion anonyme, par un colonel qui a vu du pays. Le scénario (de manière volontairement erronée) en fait un ancien d'Indochine, sans peur et sans reproche. Il a les traits de Denis Lavant, vraiment excellent :

   Dans son périple, il va côtoyer un jeune soldat argentin, qui a l'air bien innocent face au vieux briscard. Leur cohabitation va se révéler pleine de surprises.

   La dernière partie évoque la recherche de la dépouille d'Eva Peron. Des groupes révolutionnaires veulent mettre la main dessus. Ils ont enlevé l'ancien président anti-péroniste, Pedro Arumburu, qu'ils veulent juger. (Le film ne dit pas que ces péronistes de gauche voulaient sans doute aussi éviter qu'un éventuel retour au pouvoir de Peron ne se traduise par un rapprochement avec la droite, auquel travaillait Arumburu.) C'est à mon avis la partie la moins convaincante. L'idée du huis-clos est bonne, mais il aurait fallu rejouer certaines scènes.

   L'histoire se conclut avec le narrateur, au moment où la junte militaire a repris le pouvoir en Argentine (dans les années 1970). Bien que le corps ait été enterré sous plusieurs mètres de béton, le mythe d'Eva Peron est resté vivace.

   P.S.

   Le film, assez bref (il dure moins d'1h30), omet certains détails concernant le décès de la jeune femme (à 33 ans). La maladie qui l'a abattue est le cancer du col de l'utérus. Les derniers mois, elle souffrait tellement qu'on lui a fait subir une lobotomie, dont des traces auraient dû être visibles sur le front du cadavre. Dans le film, on n'en voit rien... peut-être parce que cela ferait surgir d'autres questions, plus polémiques encore. Un récent article avance l'hypothèse que la lobotomie avait aussi pour but de "calmer" Eva Peron, dont le tempérament révolutionnaire semblait s'intensifier avec la progression de la maladie. Il se pourrait même que l'intervention chirurgicale ait hâté sa fin...

   L'autre aspect passé sous silence est l'origine du cancer de l'utérus. Il est dû à des papillomavirus, transmis lors de rapports sexuels non protégés. Alors, soit Eva Duarte a contracté la maladie alors qu'elle était actrice (avant de rencontrer Peron), soit elle lui a été transmise par son mari... dont la première épouse est décédée du même mal... tiens donc ! De là à penser que l'officier avait jadis attrapé une "chose triste" en fréquentant un bordel et qu'il l'aurait transmise à ses deux épouses successives...

   De fil en aiguille, j'ai été amené à m'intéresser à la prostitution en Argentine. Je suis tombé sur un passionnant article, disponible sur le site d'une ONG (mondefemmes). On y apprend que, de 1875 à 1935, des "maisons de prostitution" (gérées par des femmes) ont eu pignon sur rue. On peut compléter cette lecture par celle d'un article de Slate qui, il y a un peu moins de trois ans, évoquait la situation d'Européennes de l'Est juives. Entre la fin du XIXe siècle et la Seconde guerre mondiale, des milliers d'entre elles ont été exploitées en Amérique du Sud.

Fritz Bauer, un héros allemand

   Ce film met l'accent sur une personne qui n'apparaissait qu'au second plan dans un autre film historique allemand, sorti en 2015, Le Labyrinthe du silence. Ici, ce n'est pas le procès des crimes commis à Auschwitz qui est au cœur de l'intrigue, mais la traque d'Adolf Eichmann, dans le contexte de la RFA au tournant des années 1950-1960.

   J'ai été frappé par le souci de reconstituer l'ambiance sociétale de l'époque. On est certes en pleine Guerre froide (après le blocus de Berlin mais avant la construction du Mur), mais on est surtout à une époque où règne une sorte d'ordre moral chrétien-démocrate auquel il vaut mieux ne pas déroger. Ainsi, le procureur Fritz Bauer cumule les handicaps, aux yeux de la "bonne société" : il est socialiste, juif... et homosexuel. De surcroît, il a fui le pays à l'époque nazie, pour ne revenir qu'en 1949. Mais il a du bagout, une réputation de sérieux et de gros bosseur. Il semble aussi plutôt bien passer à la télévision.

   Pourtant, le film n'en fait pas un modèle intouchable. Il fume comme un pompier, sans se soucier de la gêne que cela peut provoquer, boit beaucoup d'alcool et traite les gens assez durement. Bref, il est plutôt antipathique. Il a sous ses ordres une brochette de jeunes procureurs ambitieux... mais en général très prudents : ils sont prêts à le suivre jusqu'à un certain point. Le plus courageux d'entre eux semble être le beau gosse à la carrure d'athlète, marié à la (ravissante) fille d'un industriel qui n'a pas pâti du régime nazi... Peut-il s'en faire un allié ?

   C'est d'autant plus nécessaire que les magistrats finissent par comprendre qu'ils sont espionnés par la police de leur pays ! Est-il besoin de préciser que celle-ci est en partie composée d'anciens nazis, qu'on espère pas trop compromis dans le régime déchu ?

   Le côté "roman d'espionnage" est donc très développé, dans une ambiance jazzy assez étonnante, mais qui se marie bien avec l'obscurité présente dans de nombreuses scènes. On découvre ainsi Francfort by night, avec ses cabarets interlopes, où l'on contourne la législation en place... tant que la police le tolère.

   Tout est bouleversé à partir du moment où surgit un renseignement sur la résidence d'Adolf Eichmann, qu'on a cru voir un peu partout dans le monde. En fait, il se trouvait en Argentine, un pays qui, sous le gouvernement de Juan Peron, a accueilli beaucoup de nazis en fuite...

   Je vous laisse découvrir la suite de la traque, entre le pôle judiciaire allemand, le gouvernement du Land de Hesse, le Mossad israélien, le rôle trouble de la police et les péripéties argentines. Personne n'est sorti indemne de cette histoire, très forte et bien rendue à l'écran.

Le Livre de la jungle

   La surprise n'est pas que Disney produise une adaptation avec acteur réel (on a déjà vu notamment Into the Woods et surtout Maléfique). La surprise est qu'elle en confie la direction à Jon Favreau (réalisateur, entre autres, d'Iron Man), dont les compétences se limitent généralement à la mise en images de bastons numérisées. C'est qu'ici on est dans un entre-deux, moitié film réel, moitié film en images de synthèse. On a capturé les mouvements des animaux et fabriqué des marionnettes à taille réelle de ceux-ci. Pour cela, on a eu recours au savoir-faire de la Jim Henson Company, qu'on a déjà vue à l’œuvre par exemple dans Max et les maximonstres.

   Sans surprise, l'intrigue est calquée sur celle du film d'animation de 1967, avec quelques nuances. Ainsi, alors que le dessin animé baignait dans une ambiance bon enfant, pleine d'humour et de chansons, la nouvelle adaptation de l'oeuvre de Rudyard Kipling est plus sombre (et donc plus fidèle à l'original). Si l'humour n'en est pas absent, l'histoire est assez dure et comporte plusieurs épisodes violents. C'est donc à déconseiller aux tout petits.

   Du côté du casting, on ne peut que se féliciter du choix du jeune Neel Sethi pour incarner Mowgli. Il bouge très bien et m'a paru très convaincant en gamin débrouillard de la forêt. Je n'ai quasiment rien à reprocher aux voix de doublage (celles de la version française, que j'ai vue). Lambert Wilson est très bon en Baloo, le personnage qui apporte les plus franches touches d'humour. Il est de surcroît visuellement particulièrement réussi. Face à lui se détache aussi Eddy Mitchell, excellent en roi des singes Louie. (D'ailleurs, je me demande s'il n'aurait pas été tout aussi bon dans le rôle de Baloo.) Chez les dames, la composition de Leïla Beikhti (en serpent Kaa) m'a plus marqué que celle de Cécile de France, plus classique en mère-louve. La séquence qui confronte le python à la "grenouille" est l'un des plus beaux moments du film.

   Quant à la panthère Bagheera, elle est doublée par Bernard Gabay, l'acteur qui assure la voix française de Robert Downey Jr. Du coup, je n'ai pas arrêté de penser à ce dernier pendant le film... et ça m'a un peu gâché le plaisir, parce que je trouve que cela ne correspond pas trop au personnage de la panthère, que par ailleurs j'aime beaucoup. (Qui plus est, visuellement, ce n'est pas le plus réussi.)

   Le scénario est linéaire, limpide, s'éloignant quand il le faut de ce que Kipling a écrit. Les puristes regretteront le manque de respect de l’œuvre littéraire, les autres se réjouiront que l'histoire soit accessible au jeune public. Cela donne un film d'aventures, rythmé, avec des rebondissements. Là, Jon Favreau est à l'aise et l'on comprend le choix de Disney. Dans une grande salle, on prend beaucoup de plaisir, avec, à l'écran, des images très soignées.

The Lady in the van

   Cette "lady" est une clocharde SDF assez âgée pour être à la retraite, viscéralement attachée à sa fourgonnette brinquebalante. (Par la suite, on découvre qu'elle en possède une seconde, plus récente, qu'elle a réussi à se faire payer par une bourgeoise compatissante... mais peu désireuse de la voir fréquenter son quartier.) Elle est incarnée par Maggie Smith qui, pour les jeunes générations, est l'inoubliable Minerva McGonagall dans la saga Harry Potter. Pour les cinéphiles confirmés, c'est une vieille connaissance, vue notamment dans des adaptations de pièces shakespeariennes et de romans d'Agatha Christie. Cette grande actrice n'hésita pas non plus à se commettre dans des productions grand public, comme le péplum Le Choc des Titans (celui de 1981), où elle prêta ses traits à la déesse Thétis :

   C'est l'occasion de rappeler au jeune public que des comédiennes aujourd'hui grisonnantes et ridées ont souvent été jadis de (très) jolies femmes. Cela me rappelle une conversation que j'ai eue avec une adolescente, qui, sans doute influencée par certaines éructations médiatiques, sa gaussait du contraste entre le nom et l'apparence physique d'Eva Joly. Sachez mesdemoiselles à la peau douce, à la taille mince et aux chairs fermes, que la fleur de votre beauté se fanera un jour (peut-être pas si lointain) et que telle personnalité dont vous vous plaisez à vous moquer n'est pas plus laide que ce que vous deviendrez.

   Mais revenons à notre "lady". Le terme confine à l'antiphrase, tant le manque de propreté et le sans-gêne de Mary/Margareth la rapprochent peu (de prime abord) d'une personne distinguée. Notons toutefois qu'elle s'exprime dans une langue relevée, que l'on apprécie d'autant plus que le film est distribué en version originale sous-titrée. C'est un véritable bonheur que d'entendre parler du bon anglais, et pas cette bouillie mondialisée qui en est issue et qui nous est trop souvent servie par les médias anglo-saxons.

   Dans la première partie de l'histoire domine le ton de la comédie, avec l'irruption de cette mégère dans un quartier bourgeois de Londres. Comme les habitants se piquent de morale, ils n'osent pas la faire expulser. (Parmi ceux-ci, on reconnaîtra Roger Allam, alias l'inspecteur Thursday, le supérieur du jeune Morse dans la série qui raconte les débuts du célèbre enquêteur d'Oxford.) De temps à autre, ils lui font même de petits cadeaux, espérant qu'elle choisira de garer son fameux van à l'autre bout du quartier. Le plus drôle est que la "lady" ne leur en est nullement reconnaissante ! Elle va finalement échoir à un écrivain célibataire, très "maniéré" et qui reçoit de jeunes hommes tard le soir... à tel point que Mary se demande si un complot communiste n'est pas en train de se monter ! (L'action se déroule dans les années 1970-1980... et rappelons que c'est inspiré d'une histoire vraie)

   Concernant l'écrivain, la réalisation se fait originale, juxtaposant deux versions du personnage à l'écran, une vivant les épisodes racontés, l'autre les écrivant. C'est la source de nombreux gags, les deux versions de l'écrivain divergeant souvent sur la manière de se comporter avec la vieille dame !

   La seconde partie de l'histoire est plus riche en émotion. On en apprend davantage sur le passé de l'héroïne, qui fut infirmière, bonne sœur... et même pianiste. On comprend que sa vie n'a pas été souvent heureuse. De son côté, Alan (l'écrivain) culpabilise parce qu'il s'est trop peu soucié de sa mère, désormais veuve et touchée par une maladie neuro-dégénérative. On s'achemine tout doucement vers une conclusion prévisible, très émouvante. (Par moments, j'ai pensé à Philomena, même si le contexte est très différent.) Fort heureusement, le scénario s'achève sur une pirouette qui nous remet du baume au cœur.

   Et quelle actrice !

Midnight Special

   Voici donc le dernier film de celui qui est présenté comme le nouveau prodige du cinéma états-unien, Jeff Nichols. Le scénario pourrait (largement) tenir sur une demi-feuille de format A4. Les parents d'un garçon doté de pouvoirs extraordinaires tentent de préserver celui-ci pour ce qu'ils croient être sa "mission". Face à eux se dressent les membres d'une secte millénariste (pour qui le môme est le nouveau Messie) et le gouvernement des États-Unis, qui voit dans le gamin un potentiel à exploiter. Et puis il y a une quatrième catégorie d'intervenants, mal définie au départ, mais qui prend de l'importance au fur et à mesure que l'on progresse dans l'histoire.

   C'est diablement bien filmé. Compte tenu de l'état du garçon (affublé d'un horrible prénom : Alton... non mais franchement, cette quête de l'originalité à tout prix est vraiment pathétique), les fuyards voyagent de nuit, ce qui nous vaut de magnifiques scènes bleutées ou ocres, auxquelles s'ajoutent parfois les lumières issues du corps de gamin. Le tout baigne dans une ambiance musicale étrange et fascinante. (Le compositeur est David Wingo.)

   Est-il besoin de préciser que les acteurs (y compris le garçon) sont très bons ? Le père est incarné par Michael Shannon, une "gueule" habituée des seconds rôles... mais aussi l'acteur fétiche du réalisateur. Sa compagne est jouée par une Kirsten Dunst méconnaissable : elle a pris quelques kilos (je sais : je suis un goujat) et on l'a habillée avec des fripes qu'on a dû trouver dans une solderie... Bref, on a voulu en faire une mère américaine (très) moyenne. Mission accomplie ! Mais, surtout, elle nous touche par la justesse de son jeu.

   Comme le temps passe un peu lentement, on a tout loisir d'observer les autres personnages, interprétés par des figures souvent connues mais sur lesquelles on n'arrive pas forcément à mettre un nom, à l'exception du scientifique un peu "geek", qui a les traits d'Adam Driver, plus convaincant que dans le dernier épisode de Star Wars.

   Attention toutefois : Jeff Nichols est une sorte d'anti-Spielberg. Alors que celui-ci (quand il nous livre une œuvre de science-fiction) utilise une vision stéréotypée de la famille et des rapports humains pour appuyer une intrigue en général assez fouillée, Nichols s'appuie sur un cadre fantastique sommaire pour faire l'éloge de la paternité (et de la maternité), dans une société oppressante. Cela donne une œuvre originale, souvent prenante, mais un peu trop sentencieuse à mon goût.

Truth : Le Prix de la Vérité

   Ce film nous replonge dans la présidence Bush (fils), plus précisément à la jonction de ses deux mandats, quand l'enquête menée par certains journalistes de télévision menaçait de faire basculer un scrutin qui s'annonçait serré (avec le démocrate John Kerry). C'est donc un hommage au travail du "quatrième pouvoir", cette fois-ci incarné par l'audiovisuel (et pas la presse écrite). On sent néanmoins les références aux Hommes du président, d'autant plus que les deux œuvres ont en commun la présence de Robert Redford au générique.

   Mais c'est une femme qui occupe le premier plan, la journaliste et productrice Mary Mapes, incarnée par la sublime Cate Blanchett :

   Au passage, si vous allez voir le film, quand vous serez à ce moment de l'action, vous trouverez sans doute la beauté de l'actrice encore plus grande. Il semblerait que quelques retouches numériques aient été pratiquées, afin de masquer les imperceptibles traces que le temps qui passe a laissées sur le visage encore superbe de Catounette.

   Mais elle n'est pas que belle à tomber. C'est une femme de tête, intelligente, qui se bat pour ses convictions, tout en tentant de mener de front sa vie de famille, en compagnie d'un mari compréhensif et d'un enfant adorable.

   La première partie de l'histoire nous conte la marche quasi triomphale d'une improbable équipe d'enquêteurs vers ce qui semble être le scoop de l'année : non seulement George W. Bush s'est fait pistonner pour éviter d'être envoyé au Vietnam, mais il a de plus sans doute déserté son poste pour travailler pour le compte d'un élu républicain.

   La réalisation, assez plate, se contente de mettre en valeur les principaux personnages, les journalistes bien sûr, mais aussi les témoins (plus ou moins volontaires) et les autres acteurs importants de la chaîne CBS, du PDG à la juriste en passant par le directeur de l'information. C'est assez instructif sur la manière dont fonctionne (à l'époque, en 2004) une grosse machine médiatique.

   Puis vient le retournement. On connaît déjà la fin de l'histoire (la réélection de Bush). On se demande donc comment tout a pu "capoter". On découvre la contre-attaque républicaine, la violence des commentaires sur internet (déjà), l'oppressante présence des caméras jusque dans la vie privée et le lynchage médiatique orchestré... sans oublier les pressions sur les témoins. Le documentaire se fait polar, pour notre plus grand plaisir. (Fort heureusement, de temps en temps, le personnage joué par Dennis Quaid apporte de plaisants moments d'humour.)

   Notons aussi que, même si le scénario accorde la part belle aux journalistes, il ne cache pas leurs maladresses voire leurs erreurs. Les arguments des adversaires font parfois mouche, même si l'on comprend que leur but n'est pas de faire éclater la vérité mais de protéger le président sortant.

   Dans la dernière partie, cela tourne quasiment au film judiciaire, puisque les enquêteurs vont subir une sorte de procès en sorcellerie déontologie journalistique. Symptomatiques sont les scènes qui confrontent Mary/Cate à la commission, exclusivement masculine... et presque entièrement d'obédience républicaine. La conclusion est assez pessimiste : à la télévision, l'infotainment remplace l'enquête de terrain. Soyez aussi attentifs à la toute fin, qui évoque le devenir de l'héroïne.

   P.S.

   Aussi étrange cela puisse-t-il paraître, l'Aveyron n'est pas absent de cette œuvre américanissime. Ainsi, au cours de leur enquête, les journalistes vont trouver un document dans lequel il est question d'une fête agricole, avec des vaches Simmental (celles dont le lait constitue l'essentiel de la matière première du fromage Laguiole). Et puis, tout au long du film, je n'ai pas pu m'empêcher de penser à la troisième adjointe du maire de Rodez, Sarah Vidal,  chaque fois qu'est apparue à l'écran Elisabeth Moss, qui interprète l'un des membres de l'équipe d'enquêteurs :

Grimsby, agent trop spécial

   Depuis The Dictator, Sacha baron Cohen me manquait un peu. Le voilà de retour au scénario et dans la peau du personnage principal, une sorte de Tuche britannique, fan de foot, alcoolique et bedonnant, défiguré par des rouflaquettes que même le plus ringard des fans de rock n'ose plus porter. Fidèle à son style, SBC joue sur le double langage : on peut aussi bien s'identifier à ce personnage débile (mais gentil, au fond) que jouir (avec mépris) de ses travers et de sa bêtise. Sa compagne est bien dans le t(h)on : elle est incarnée par Rebel Wilson, l'obèse vulgaire qui a réussi à faire croire à des Américains que le manque d'amour-propre pouvait faire office de talent. Mais je reconnais qu'elle est plutôt bien utilisée dans le film, en tout cas mieux que dans le dernier volet de La Nuit au musée. Je ne vais pas m'étendre sur les enfants du couple, dont les coupes de cheveux ont de quoi faire frémir les plus stupides footballeurs de Ligue 1.

   L'intrigue fonctionne sur l'effet de contraste entre les scènes d'action très bien foutues (le Frenchie Louis Leterrier est aux manettes) et les scènes d'humour trash, souvent drôles, parfois ratées... et parfois géniales. On en a un avant-goût dès les premières minutes du film, durant lesquelles on découvre le couple de beaufs en pleine action, puis le frère cadet du héros (Mark Strong, excellent) en agent secret impitoyablement efficace.

   On n'a vraiment pas mégoté sur les scènes d'action, qui dépotent, avec notamment l'utilisation de ce qui ressemble à des caméras gopro. Notons que les effets spéciaux sont très réussis. De son côté, l'aîné nous impressionne par sa capacité à faire intervenir un pénis, un vagin ou un anus... voire tout cela à la fois. J'ai évidemment goûté la parodie de Basic instinct, tout comme la séquence de "sucions". Mais les meilleurs moments sont sans conteste ceux passés aux côtés d'un troupeau d'éléphants. Je ne peux pas trop en dire, mais sachez que les gags y sont vraiment ENORMES !... dans tous les sens du terme !

   Je mets toutefois deux bémols à mon enthousiasme : le doublage n'est pas terrible et les retours en arrière sont trop premier degré. Si, dans un premier temps, on peut percevoir la volonté de tourner en ridicule un procédé scénaristique éculé, à la longue, on sent que le réalisateur y croit et tente d'ajouter (maladroitement) quelques touches d'émotion à son histoire. On aurait pu s'en passer, mais il est vrai que, même avec ces scènes sans intérêt, le film n'atteint pas l'heure et demie.

   A part cela, que dire d'autre ? Que le prolétariat britannique est vraiment mal barré dans la vie (que le Royaume-Uni soit dans l'UE ou pas). Que les méchants sont vraiment très méchants et que le foot est un sport qui abrutit les masses.

Desierto

   Ce thriller franco-mexicain confronte un groupe de migrants clandestins pénétrant aux Etats-Unis à une série de menaces dont on aurait de la peine à déterminer quelle est la plus grande. Est-ce ce fameux désert (situé du côté de la Californie), peuplé de serpents venimeux et où règnent régulièrement des températures caniculaires ? Est-ce ce red neck américain, vieux solitaire qui ne se sépare presque jamais de son fusil à lunette ou bien n'est-ce pas plutôt son chien, un agile berger allemand, très bien dressé ?

   Les paysages de ce désert rocheux sont superbement filmés et les acteurs sont globalement bons. On a beaucoup parlé de Gael Garcia Bernal, jadis découvert dans Carnets de voyage et revu dans La Science des rêves et Babel. J'ai été davantage marqué par les prestations d'Alondra Hidalgo et de Jeffrey Dean Morgan (que l'on a pu voir notamment dans Hôtel Woodstock, Prémonitions et surtout The Salvation).

   C'est un bon suspense, marqué par plusieurs scènes très violentes, sans fard, et qui aborde une question sensible : la détresse des migrants économiques. Mais il le fait de manière assez prévisible, l'intrigue ne comportant guère de surprises pour un "vieux" cinéphile. De surcroît, le fiston Cuaron (eh, oui : papa a réalisé Gravity !) abuse des "juste-à-temps". On pourrait se dire qu'il s'agit là d'un péché de jeunesse, ou la conséquence de l'influence mal digérée de la mécanique hollywoodienne. Mais c'est aussi une marque de fabrique du style de papa...

   Autre défaut du film, son côté manichéen, dans plusieurs sens d'ailleurs. Ainsi, il n'y a pratiquement aucun recul sur les meurtres perpétrés par le cowboy alcoolique. Ce personnage de "loup solitaire" n'est pas assez creusé : on ne sait pas vraiment ce qui l'a conduit à se muer en tueur en série des frontières. De leur côté, les victimes sont rarement présentées avec empathie. On pourrait se féliciter que le réalisateur n'ait pas un point de vue angélique sur les migrants. En réalité, il défend mordicus leur cause, mais uniquement à travers les deux personnages les plus séduisants... Encore Hollywood ! (Il s'est aussi bien gardé d'évoquer les sévices que ces mêmes migrants ont pu subir du côté mexicain de la frontière...)

 

ATTENTION : LA SUITE EVOQUE DES ELEMENTS CLES DE L'INTRIGUE, QU'IL VAUT MIEUX NE PAS CONNAITRE AVANT D'ALLER VOIR LE FILM.

 

   L'un des paradoxes de la réalisation est de rendre la mort du chien (pourtant auparavant montré comme une impitoyable bête traqueuse) plus touchante que celle des migrants. Dans le même ordre d'idée, le renversement de position (auquel on s'attend : le chasseur devient la proie) est un peu téléphoné et n'est pas très bien géré. On sent que le réalisateur n'a pas trop su sur quel ton tourner certaines scènes.

   Je suis donc sorti de là un peu mitigé, satisfait malgré tout d'avoir vu une oeuvre bien filmée, comportant de bons moments de tension, mais pas tout à fait aboutie.

   P.S.

   Pour la petite histoire, sachez que Tracker (le chien) est incarné par trois canidés différents, nommés (d'après le générique de fin) Gaston, Neron et Kraken !

   P.S. II

   Ce n'est pas la seule information donnée par la bande défilante. On y apprend aussi que les acteurs principaux ont été accompagnés de gardes du corps sur les lieux du tournage... au Mexique. Ainsi, dans la réalité, le pays le plus violent n'est peut-être pas celui que l'on croit.

Merci patron !

   Le documentaire militant de François Ruffin est enfin arrivé à Rodez, pour une petite semaine de projection. C'est l'occasion de découvrir pourquoi cette piqûre de moustique (un film à diffusion confidentielle ayant coûté moins de 200 000 euros) a pu subir à sa sortie ce qui ressemble à une forme de censure médiatique... qui l'a finalement bien servi.

   C'est d'abord un film social, qui évoque la condition des ménages ouvriers des "Hauts-de-France" comme il faut dire maintenant. Ruffin et son équipe sont partis à la rescousse d'un couple d'ouvriers licenciés. Au passage, on découvre (ou pas) l'un des paradoxes de notre économie : l'un de ses fleurons du luxe (LVMH) a bâti sa prospérité sur l'exploitation d'une main-d'oeuvre mal payée, d'abord française, aujourd'hui polonaise ou autre. A cet égard, je conseille la scène qui voit le réalisateur essayer un costume dans une boutique du groupe, tout comme celle tournée dans une usine polonaise. Tendez l'oreille pour saisir les chiffres, en particulier l'écart entre le coût de la main-d'oeuvre et le prix d'un costume...

   C'est aussi une satire politique, la "gauche de la gauche" ne se privant pas d'égratigner au passage la "gauche de gouvernement" (le PS), à travers la personne d'un élu socialiste, très proche de Bernard Arnault et bien vu de François Hollande.

   Mais c'est surtout une excellente comédie satirique, dans laquelle, le plus souvent, Ruffin adopte l'antiphrase et se fait passer pour un benêt (faussement) admirateur de Bernard Arnault, aussi bien devant l'ancienne déléguée CGT que devant les employés de LVMH. Il y a comme une parenté avec le style de l'humoriste Guillaume Meurice. On sent aussi l'influence de Pierre Carles.

   Au coeur du film se trouve une grosse entourloupe, la menace proférée par le couple d'ouvriers de lancer une campagne médiatique contre Bernard Arnault s'il ne les aide pas à rompre la spirale de l'endettement. Ce ménage, dont les ressources plafonnent à quelques centaines d'euros, en a des milliers à payer, la maison, construction d'une vie, risquant d'être saisie. Les deux ouvriers se prêtent de bon coeur à la manoeuvre de François Ruffin, qui a placé des caméras et des micros à leur domicile.

   Cela nous vaut certaines des plus belles scènes du film, avec une sorte d'homme à tout faire du groupe LVMH, un ancien policier engagé pour gérer les problèmes d'image qui peuvent se poser. Au départ méfiant, l'homme finit par s'exprimer avec une franchise déconcertante devant un couple qu'il sous-estime. Il n'est d'ailleurs lui-même pas méchant au fond. Il est le sbire d'un homme puissant, qu'il sert sans état d'âme, ce qui ne l'empêche pas d'être lucide.

   C'est donc drôle, militant, rageant parfois, accompagné d'une musique entraînante, d'où se détache une chanson méconnue des Charlots.

   P.S.

   Une soirée débat est programmée au Cap Cinéma de Rodez lundi 11 avril, à 20h :

(La Dépêche du Midi, 8 avril 2016)

Gods of Egypt

   C'est le péplum du moment, réalisé par Alex Proyas, pas un spécialiste du genre, mais quand même auteur de Dark City et I, Robot. Au niveau du casting, on n'a pas cherché à faire preuve d'originalité : les mecs ont passé des heures sur le banc de musculation et les femmes portent d'invraisemblables tenues, qui ne permettent pas d'ignorer à quel point elles sont super bien gaulées.

   Les acteurs les plus jeunes ne me sont pas connus. Il semblerait qu'ils se soient révélés dans des séries télévisées que je ne regarde pas. Du côté féminin, notons la présence d'une ravissante Frenchie, Elodie Yung, très crédible en déesse de l'amour.

   D'autres interprètes sont plus familiers aux "vieux" cinéphiles. L'architecte du dieu-roi est incarné par Rufus Sewell, découvert jadis dans Dark City. Le méchant Seth a les traits de Gerard Butler, vu naguère dans 300. On retrouve aussi avec plaisir Chadwick Boseman, remarqué dans Get on up, le biopic consacré à James Brown. Tous ces acteurs sont bons. Le personnage du méchant est particulièrement réussi, même si j'ai trouvé les scènes avec l'érudit et orgueilleux Thot (Boseman) plus savoureuses. La séquence qui se déroule dans sa cité-bibliothèque est excellente et le personnage en lui-même mérite le détour. J'ai par contre été déçu par la prestation de Geoffrey Rush, très poussif dans le rôle du dieu Râ.

   L'intrigue est des plus classiques. C'est une histoire d'amour(s) et de pouvoir. On la suit à deux niveaux : celui des dieux et celui des humains, qui s'entremêlent, au grand étonnement des divinités, peu habituées à frayer au quotidien avec ces créatures inférieures. A l'écran, c'est rendu par la juxtaposition de deux plans, qui permet de faire figurer ensemble des personnages aux tailles différentes, les dieux et déesses étant 1,5 à 2 fois plus grands que les humains. C'est évidemment une source de gags, notamment quand les deux héros masculins sont de la partie. J'ai beaucoup aimé ce duo improbable, formé par Horus le borgne et Bek le voleur, tous deux amoureux et courageux.

   Mais le principal atout du film est sans conteste ses effets spéciaux. Ajoutés aux costumes, aux décors et à la joaillerie, ils donnent beaucoup d'éclat aux scènes urbaines et, surtout, ils permettent d'introduire de spectaculaires moments d'action. Cela rend indulgent pour la faiblesse de certains dialogues et pour la médiocrité de certains scènes, dont on comprend immédiatement qu'elles ont été tournées devant un fond vert.

   Franchement, je n'ai pas vu les deux heures passer. Même si le film n'est pas du niveau d'un Gladiator ou d'Exodus, il est meilleur que le récent Pompéi et constitue un agréable divertissement, sans prise de tête.

Remember

   Se souvenir est l'enjeu principal de cette histoire, dont le "héros" est frappé de sénilité (à éclipses). Chaque matin, il se réveille en cherchant son épouse, décédée depuis peu. Mais la mémoire est aussi celle d'un passé beaucoup plus lointain, qui remonte au début des années 1940, en Allemagne et en Pologne : Zev et son ami Max sont les derniers survivants d'un "block" d'Auschwitz. Les responsables de la mort des membres de leurs familles n'ont jamais été retrouvés... jusqu'à aujourd'hui.

   Max étant handicapé moteur, c'est Zev qui est chargé de "rendre justice". Comme il perd régulièrement le fil de ses pensées, Max lui a écrit un petit mémo, qu'il conserve dans la poche intérieure droite de sa veste... et qu'il doit relire régulièrement. L'autre problème est l'incertitude qui pèse sur l'identité du principal bourreau, qui s'est jadis enfui aux Etats-Unis, où il entré sous un faux nom. A la suite d'une longue enquête, Max est parvenu à resserrer les fils : il reste quatre candidats potentiels. Ce sont ces quatre personnes que Zev est chargé de contacter, l'une d'entre elles étant vouée à la mort.

   Il s'agit donc d'un film à suspens, d'autant plus prenant que le nouvel ange exterminateur évolue à son rythme. Bien qu'encore vaillant et déterminé, il commet quelques bévues, qui nuisent à sa mission. Il est quand même suffisamment malin pour passer la douane entre les Etats-Unis et le Canada et pour se faire accepter partout où il va sonner.

   L'un des intérêts de l'intrigue réside dans les rencontres que fait le héros. Les scènes tournées avec les jeunes enfants (le garçon dans le train, la fille à l'hôpital) sont assez touchantes. Mais on attend surtout la rencontre avec les quatre cibles potentielles. Qui est l'ancien SS d'Auschwitz ? Le père du policier raciste ? L'ancien militaire ? Le papy gâteau ? Le malade en phase terminale, cloué sur son lit ? Aucune des rencontres ne se déroule comme prévu. Le scénario est vraiment bien conçu (on découvre le passé par morceaux, comme dans un puzzle), ménageant des surprises, jusqu'à l'avant-dernière séquence, qui a tellement choqué certains critiques, mais qui est cohérente avec le reste de l'histoire.

   Au niveau de l'ambiance, on oscille entre l'humour, l'émotion et la tension. Atom Egoyan (le réalisateur) et Christopher Plummer (Zev) nous font ressentir ce que vit le héros, que la moindre contrariété dans le déroulement de sa vie quotidienne peut plonger dans un abyme de perplexité. L'angoisse du survivant de la guerre nous est transmise à travers certains éléments (pas toujours judicieusement choisis) : le pommeau d'une douche (...), la sirène d'alarme d'une carrière, les aboiements d'un berger allemand... Beaucoup de choses passent par les images. Il faut quand même rester vigilant, Egoyan étant passé maître dans les faux semblants. (Rappelez-vous Captives.)

   Cela donne un "thriller du troisième âge", très tendu et remarquablement interprété.

La Passion d'Augustine

   Les religieuses sont à l'honneur sur le grand écran, ces temps derniers. A ceux qui ne l'auraient pas encore vue, on peut conseiller de se précipiter à une projection des Innocentes, une excellente coproduction franco-polonaise. Ici, il s'agit d'une histoire québécoise, dont l'action se situe dans les années 1960, après le concile Vatican II. Les héroïnes sont les religieuses et les adolescentes d'un couvent réputé pour sa formation musicale, une orientation choisie jadis par la nouvelle mère, soeur Augustine, incarnée avec talent par Céline Bonnier.

   La caméra s'attarde donc sur ces enseignantes et travailleuses du couvent, aux personnalités affirmées. Il y a bien sûr Augustine, dont la passion mêlée de rigorisme pour la musique masque un passé trouble. Il y a soeur Lise, plus pète-sec et traditionaliste... et donc l'objet des moqueries des élèves les plus rebelles. Il y aussi une soeur syndicaliste (la meilleure amie d'Augustine), une autre un peu farfelue (particulièrement bonne dans la scène de jeu de ballon et celle du cirage du parquet !), une autre cuisinière perfectible etc. Cela compose un tableau assez pittoresque de femmes finalement assez modernes pour leur époque... au contraire de la nouvelle mère supérieure de l'ordre auquel elles appartiennent.

   Cela nous mène aux menaces qui pèsent sur le couvent. Les plus sérieuses viennent apparemment du gouvernement laïc, prêt à investir dans l'enseignement public et donc désireux de récupérer certains élèves... notamment les jeunes filles. Mais, au cours de l'histoire, on découvre qu'il y a matière à négociations... La direction de l'ordre du Sacré-Coeur ne semble pas aussi flexible. Le couvent dirigé par Augustine est un peu trop hors-normes et l'héroïne est elle-même perçue comme un électron libre, que l'on veut soumettre. Les difficultés financières de l'ordre vont être le prétexte à une reprise en mains.

   Le salut pourrait venir des parents d'élèves, certains très fortunés (et influents). Le couvent mêle toutefois des publics divers, certaines filles étant d'origine modeste, souvent issues de familles nombreuses et croyantes, sur lesquelles pèse une juridiction inflexible, l'avortement étant considéré comme un crime. (Ce fut le cas jusqu'en 1988.)

   L'intrigue met ainsi au premier plan tour à tour les religieuses et les adolescentes, elles aussi très bien interprétées. On a beaucoup parlé de Lysandre Ménard, pianiste exceptionnelle que l'on voit à l'oeuvre, comme ses camarades, sans aucun trucage. C'est la force de ce film que d'insérer dans l'histoire des morceaux de musique classique, dont les airs sont connus du grand public, même s'il ne sait pas toujours mettre un nom ou un titre sur chaque morceau.

   Et puis il y a les affres de l'adolescence. Ces jeunes femmes ont entre 15 et 18 ans. Elles sentent que leur corps change. Elles sont attirées par les garçons, qu'elles croisent à de rares occasions, notamment à la messe, où l'on voit officier un curé qui aurait pu figurer dans La Vie est un long fleuve tranquille. L'arrivée d'Alice sert de détonateur : la rebelle talentueuse apporte une bouffée d'air frais dans l'internat-caserne, contribuant à épanouir le vilain petit canard du groupe, une brune complexée qui bégaie. Cette dernière est jouée par une jeune actrice remarquable, souvent drôle ne serait-ce que par les expressions de son visage... et qui nous réserve une belle surprise (chantée) dans la dernière partie du film.

   Bref, j'ai été emballé par ce film qui ne rentre dans aucune case... et c'est très bien ainsi !

   P.S.

   Pour en savoir plus, on peut lire le dossier de presse mis en ligne par le distributeur KMBO.

Good Luck Algeria

   Voilà un titre anglais pour un film français traitant de "l'algéritude". En voyant la bande-annonce, j'ai immédiatement pensé à Rasta Rockett. Une fois dans la salle, d'autres similitudes me sont apparues, notamment avec Ma Petite Entreprise et Mémoires d'immigrés. Du coup, parfois, les "vieux" cinéphiles auront comme une impression de déjà-vu. L'assemblage des styles et des thématiques n'en demeure pas moins original, d'autant plus que le scénario s'appuie sur une histoire vraie, celle du frère du réalisateur Farid Bentoumi.

   C'est d'abord l'histoire d'une PME qui se retrouve au bord de la faillite. Notons que la vie des employés au quotidien est très bien mise en scène. On sent l'amour du travail bien fait (la fabrication de skis haut-de-gamme), dans une ambiance pas tout à fait familiale, mais où règne une grande proximité entre les différents membres de l'entreprise. Les passages par la banque ne manquent pas non plus de saveur, sans être caricaturaux. Les acteurs sont bons. Sami Bouajila (Sam) se détache, lui qu'on avait déjà apprécié il y a quelques années dans Hors-la-loi et Omar m'a tuer.

   C'est aussi une bonne comédie, surtout dans la première partie. Les débuts des deux acolytes (Sam et Stéphane, dont les skis portent le nom) dans la préparation des Jeux Olympiques d'hiver sont souvent cocasses. Il y a bien sûr la difficulté de l'entraînement. Il y a aussi, dans un premier temps, les efforts déployés pour masquer leur projet. Il y a encore la participation aux épreuves de coupe du monde et (enfin) la rencontre avec l'Algérie réelle (le pays d'origine du père du héros, pour lequel il va tenter de concourir). L'une des séquences balance quelques "piques" bienvenues sur la bureaucratie et la corruption du régime boutéflikien.

   Cela nous amène au "sous-texte" de l'intrigue : le fait d'être à cheval sur deux mondes, le français urbain et l'algérien rural. Pour le père (formidablement joué par un inconnu, Bouchakor Chakor Djaltia), c'est le pays des racines qui prime, même si la famille passe avant tout. Il a rallié son épouse française (Hélène Vincent, impeccable) à ses vues. Par contre, ses deux enfants, le garçon comme la fille, se sentent français et regardent les projets de leur père comme de dangereuses lubies. Un séjour "au pays" va débloquer pas mal de choses.

   Et la pratique du ski dans tout ça ? Elle fait l'objet de plusieurs scènes. Il faut reconnaître que voir de grands gaillards en costumes moulants glisser plus ou moins habilement sur de la neige n'est pas des plus passionnants. Mais, derrière, il y a l'enjeu de la qualification pour les Jeux et celui de la notoriété d'une entreprise au bord du gouffre. C'est une belle histoire, moins hilarante que celle de La Vache, mais plus ancrée dans la réalité.

The Assassin

   Je pense que l'on peut aborder ce film de deux manières extrêmement différentes : soit, de crainte de n'y rien comprendre, on se renseigne un maximum avant la séance, et, durant celle-ci, l'on s'efforce de suivre attentivement les méandres de l'intrigue politique, soit on décide de ne pas chercher à tout comprendre et l'on se laisse porter par la mise en scène et l'interprétation.

   Il est vrai que cette histoire de rébellion n'est pas présentée de manière limpide. Il en est de même du versant sentimental, jusqu'à ce qu'une scène d'exposition un peu plan-plan ne vienne éclaircir la lanterne des spectateurs lambdas... au bout de trois quarts d'heure. S'ajoutent à cela une crise de couple, sur fond d'intrigues de cour... et diverses péripéties pas toujours compréhensibles. Comme, de surcroît, plusieurs personnages (féminins et masculins) se ressemblent physiquement, vous réalisez quel peut être le désarroi des spectateurs un peu mous du bulbe (ou tout simplement fatigués par une journée de boulot).

   Malgré ce refus de la simplicité de Hou Hsiao Hsien, il reste les images magnifiques, les plans brillamment construits, certains mouvements de caméras comme d'acteurs étant orchestrés avec brio, en particulier lors des affrontements au sabre et au poignard.

   Il faut souligner le talent de ces acteurs, sans doute formés au théâtre, en particulier Shu Qi, sorte de samouraï chinoise vouée à la solitude et à la mélancolie... mais combattante redoutable qui, malgré son tout petit couteau, met leur race à toute une floppée de mâles un peu trop fiers de leurs grands sabres dressés....

   Au-delà du plaisir que l'on éprouve à visionner cette oeuvre contemplative, il y a l'intérêt de pouvoir suivre plusieurs grilles de lecture. Au premier degré, ce n'est que la mise en images d'un drame historique. En réalité, c'est bien plus que cela. Je regrette quand même le rythme un peu trop lent.

Médecin de campagne

   Avec l'instituteur laïc, le facteur à vélo, le pompier volontaire et l'employé d'EDF, le médecin de campagne fait partie de la mythologie républicaine française. Thomas Lilti, auquel on doit notamment Hippocrate, rend hommage à cette espèce en voie de disparition, en s'appuyant sur l'excellent François Cluzet, épaulé par Marianne Denicourt et une brochette de seconds rôles plus vrais que nature.

   Le cinéaste, qui a une formation médicale, a visiblement tenu à ce que les scènes d'auscultation soient irréprochables sur le plan du réalisme. Je pense donc ne pas être le seul spectateur à avoir revécu par écran interposé des moments passés dans un cabinet (ou à domicile) comme patient ou en compagnie d'un-e proche.

   C'est filmé avec une empathie évidente, une bienveillance qui débouche sur des instants d'humour ou d'émotion, sans voyeurisme aucun. Par contraste, les scènes d'extérieur procurent parfois d'appréciables bouffées d'oxygène, avec ces vues de la campagne normando-francilienne.

   Le scénario est de plus riche des thématiques abordées. Il y a bien sûr la désertification rurale, avec la disparition progressive des services privés et publics de base. Les habitants de ce bout de France abandonnée sont très dignes, bien que pas trop photogéniques. On y est un peu plus gros que la moyenne, un peu moins riche, un peu moins diplômé... un peu plus vieux aussi.

   C'est donc aussi un portrait social d'une France d'en-bas, celle de petits Blancs ruraux qui cachent leurs problèmes et vivotent à côté du monde moderne qui brille de mille feux. Habilement, le film pose aussi la question de la place des femmes dans cet univers. Les mentalités sont encore très patriarcales... même chez les jeunes. Il n'est donc a priori pas facile pour une doctoresse de s'imposer, surtout quand celui qu'elle supplée est un modèle de dévouement à ses paroissiens patients. Marianne Denicourt est formidable dans le rôle de cette ancienne infirmière citadine, un peu abîmée par la vie (et la chirurgie esthétique...), qui tente de refaire sa vie dans ce coin de l'Hexagone où l'animation du siècle est une soirée country, un peu à l'image de celle que l'on a pu voir dans Les Cowboys.

   Et puis il y a ce médecin exemplaire, nouvelle incarnation du cordonnier mal chaussé, puisqu'il découvre qu'il est atteint d'une tumeur cérébrale. Evidemment, il va vouloir le cacher à son entourage. Evidemment, il va être aidé un peu malgré lui. Evidemment, la relation au départ tendue avec sa remplaçante va progressivement s'adoucir. Mais cela ne va pas se faire sans mal.

   Entre ces deux points, on aura suivi les missionnaires médicaux dans leurs aventures quotidiennes et d'autres, plus exceptionnelles. Cela donne un "beau" film, plein d'humanité. Si l'humour domine dans la première partie, l'émotion l'emporte dans la seconde. Certains trouveront peut-être cela "cucul-la-praline", mais, moi, j'ai marché.

Je ne suis pas un salaud

   Emmanuel Finkiel est un réalisateur un peu à la marge du monde du cinéma. Il ne cherche pas à tourner à tout prix et aborde des sujets d'une grande diversité. Je l'avais découvert en 1999 avec l'étonnant Voyages. Dans Je ne suis pas un salaud, il se place dans la continuité du "film français soci(ét)al", qui a repris de la vigueur l'an dernier, avec des oeuvres comme La Loi du marché, Jamais de la vie ou encore Fatima. En remontant un peu plus dans le temps, on tomberait sur Le Couperet (de Costa-Gavras), De bon matin (avec Jean-Pierre Darroussin) ainsi que certains des films de Laurent Cantet, Ressources humaines et L'Emploi du temps.

   C'est dire qu'il n'est pas facile d'innover dans ce genre. Finkiel y parvient, d'abord parce qu'il a un sujet, inspiré d'une histoire vraie (qu'il a retouchée dans un sens que je me garderai de révéler). L'intrigue est servie par une brochette d'acteurs au poil, les seconds comme les premiers rôles. On ne peut pas ne pas souligner la performance des deux principaux interprètes, Mélanie Thierry et Nicolas Duvauchelle. Ils se sont glissés avec une facilité déconcertante dans la peau de deux "petits Blancs", que nombre de spectateurs ont déjà dû croiser dans la vraie vie.

   Eddie est un trentenaire au chômage. Il voudrait travailler dans la vente mais, franchement, il n'a pas trop le sens du contact. De plus, en dépit d'un physique plutôt avenant (sur lequel il a dû beaucoup se reposer dans sa jeunesse), il présente plutôt mal... et, au moins à une reprise, on sent que les nombreux tatouages qu'il porte le desservent dans sa quête d'emploi valorisant. Ajoutez à cela un penchant assez prononcé pour l'alcool et, vu de l'extérieur, pas grand monde ne s'étonnera de sa situation précaire. Pourtant, lui voit les choses d'une tout autre manière. Il se sent victime d'injustices.

   Il a quand même conscience d'avoir un peu "merdé" avec son épouse, qui s'est séparée de lui. Karine est une mère célibataire comme on en rencontre au détour d'une grande surface. Elle exerce un métier  qui n'a pas nécessité de longues études, mais elle est sérieuse, motivée, agréable avec la clientèle. Elle a de l'avenir dans sa boîte... et même plus qu'elle ne l'imagine, puisque son patron éprouve sans doute plus que de l'estime pour elle.

   L'agression dont est victime Eddie va changer sa vie. C'est d'abord une soirée qui se termine mal, avec la "rencontre" d'une bande de délinquants issus d'une cité voisine. Au réveil, à l'hôpital, le "héros" constate qu'on le traite avec douceur et respect, chose qui ne lui arrivait plus dans la vie quotidienne. Il va considérer cette agression comme sa bouée de secours, un tremplin pour récupérer son épouse, un travail régulier et peut-être des dommages et intérêts. Mais, pour cela, encore faudrait-il que ses agresseurs soient retrouvés et condamnés.

   L'intrigue bascule en même temps que la vie d'un autre jeune homme est chamboulée. Ahmed est sur le point de se mettre en ménage avec sa charmante copine. Bien qu'issu d'un quartier difficile, il a réussi sur le plan professionnel et décroché un CDI. Il est même montré en exemple à d'autres... et c'est lui qu'Eddie désigne comme étant l'un de ses principaux agresseurs.

   Nous voici donc partis pour plus d'une heure de tension. On a mal pour ces personnages qui gâchent parfois bêtement leur vie... et l'on se demande comment tout cela va se terminer. Notons que la musique se marie parfaitement aux images. Elle est l'oeuvre d'une artiste que je ne connaissais pas : Chloé.