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dimanche, 18 avril 2010

Fantastic Mr Fox

   Cela fait déjà un petit moment qu'il est sorti dans les salles, mais je ne l'ai vu que tout récemment. Le risque avec ce genre d'animation est de se retrouver avec une bande d'insupportables moutards dans la salle. Ceux qui ont vu le film avec moi étaient assez agités avant le début de la séance, se sont un peu calmés pendant les bandes-annonces. Durant le film, les plus âgés (10-15 ans) se sont complètement tus. Un des plus jeunes (moins de 6 ans, je dirais) a eu du mal à suivre : je crois qu'il a décroché au bout de trois quarts d'heure.

   Fantastic Mr Fox peut se voir comme un film d'adultes ou une animation élaborée, qui joue un peu le rôle de certains contes de fées d'antant : elle donne une morale en divertissant. Tout d'abord, ce ne sont pas des dessins qui nous sont proposés, mais des poupées articulées, qui sourient, parlent, pleurent, mangent, lèvent les sourcils... C'est vraiment bien foutu ! Le souci du détail a poussé les manipulateurs à faire bouger le pelage des renards en particulier.

   Les petits animaux sauvages (renards, belettes, taupes, opossum, blaireaux etc) sont opposés à de méchants fermiers industriels (un éleveur de poules, un de canards et un fabricant de cidre). Les chiens sont présentés comme des ennemis. L'histoire donne donc le beau rôle à des animaux souvent considérés comme nuisibles.

   Plusieurs éléments moraux sont glissés dans l'intrigue. Il y a l'insatiable voleur de poules, reconverti en journaliste gagne-petit, père de famille, qui ne fait pas le deuil de son ancienne vie de délinquant. Son égoïsme ainsi que son goût du flamboyant vont provoquer des dégâts considérables. Il y a aussi l'apprentissage de son fils, qui voudrait être à la hauteur de la réputation de son père, mais il est en plein âge con... De surcroît, un cousin vient lui voler la vedette !

   Si le film comporte peu de gags "hénaurmes", on sourit souvent. La musique d'accompagnement est chouette. On peut la retrouver sur le site officiel, excellent. Il contient de nombreux bonus. On peut accéder à des éléments de "making of"... et même à des jeux, comme la chasse aux poules et le whackbat, sorte de base-ball pour animaux sauvages !

16:58 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

Green Zone

   C'est la "zone verte" de Bagdad, celle à l'intérieur de laquelle est concentré le pouvoir occupant, celui des Etats-Unis après l'invasion de l'Irak. C'est de là que partent les initiatives plus ou moins foireuses (avec Washington en arrière-plan). Le héros, le commandant Miller (brillamment interprété par Matt Damon, récemment vu dans Invictus), est chargé de retrouver les armes de destruction massive que Saddam Hussein est censé avoir cachées... selon la propagande états-unienne.

   C'est donc à la fois un polar (dont tout Frenchie qui se respecte connaît une partie de la fin), un film de guerre, un film d'action et un film politique. On n'a pas confié ça à n'importe qui. Paul Greengrass est l'excellent réalisateur de Bloody Sunday, Vol 93 et de deux des films de la trilogie "dans la peau". C'est un spécialiste du "caméra à l'épaule", dont la maîtrise lui a jadis permis de décrocher un Ours d'or à Berlin. Sa technique est particulièrement au point ici et je peux vous dire que les scènes de poursuite sont magistrales. De manière générale, l'intensité de l'action peut se comparer à ce que l'on peut voir dans Die hard 4. C'est dire ! (Greengrass est toutefois plus habile que Len Wiseman : il n'a pas besoin de faire exploser autant de bâtiments ou de véhicules pour suggérer le tumulte : il filme un dédale urbain avec un art consommé.)

   Visuellement, ce film tourné en Espagne et au Maroc nous donne l'impression de nous retrouver au coeur de la capitale irakienne (merci les effets spéciaux). Les figurants s'expriment en arabe et deux personnages irakiens ont droit à un vrai rôle : "Freddy" le traducteur unijambiste et le général Al Rawi, dit "le valet de trèfle" :

 
DSCN2558.JPG

   Hé, oui ! Je possède un exemplaire du fameux jeu de cartes représentant les 52 dignitaires irakiens les plus recherchés à l'époque par l'envahisseur américain. (Pour la petite histoire, les facétieux Yesmen en ont créé un autre, pour les dirigeants occidentaux...)

   Mais revenons au film. Le scénario s'appuie sur la manipulation à l'origine de l'invasion de l'Irak. Une source locale, nommée "Magellan", supposée sûre, aurait donné des indications précises permettant de trouver les sites de stockage des armes de destruction massive. Pourquoi n'y trouve-t-on rien ? Qui est cette source ? Qu'a-t-elle dit exactement au représentant du gouvernement américain ?

   Le scénario modifie un peu l'histoire. Dans le film, la C.I.A. apparaît sous un jour favorable, alors qu'à l'époque elle a été "enfumée" par les inventions d'Ahmad Chalabi. Ce personnage est d'ailleurs présent dans le film, sans qu'il soit fait allusion à ses manipulations. La fin montre bien son échec politique... mais il essaie actuellement de revenir dans le jeu. D'autres personnages ne sont pas mieux traités, notamment la journaliste du Wall Street Journal Lawrie Dayne, qui a colporté les mensonges de l'administration Bush (elle représente une journaliste bien réelle, Judith Miller, du New York Times). Mais le pire sort est réservé à Paul Bremer, incarné par Greg Kinnear sous les traits de Clark Poundstone, un enfoiré de première.

00:13 Publié dans Cinéma, Proche-Orient | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

lundi, 12 avril 2010

La Révélation

   Le titre original est Sturm (Tempête), à l'image des conséquences que des enquêtes commes celles menées par le T.P.I.Y. (Tribunal Pénal International pour l'ex-Yougoslavie) peuvent avoir... à l'image aussi de ce qu'il se passe dans la tête de certains protagonistes.

   Cette fiction internationale, où l'on entend parler anglais, allemand et serbe, se veut didactique. A travers une histoire inventée (mais fortement inspirée par des événements réels), on nous fait découvrir le fonctionnement de cet étrange tribunal... et les pressions qui sont exercées sur lui.

   Les acteurs sont épatants. Il faut évidemment souligner la performance de Kerry Fox (que les cinéphiles avaient découverte dans Petits meurtres entre amis et retrouvée avec plaisir dans Intimité, de Patrice Chéreau), qui incarne la procureure Hannah Maynard... en réalité, Carla del Ponte, qui occupa cette fonction de 1999 à 2007. (Un documentaire lui a été consacré il y a trois ans.) Celle-ci a récemment publié un livre (où, apparemment, elle règle quelques comptes) qui a provoqué un scandale.

   Le film est multiple. C'est d'abord un portrait de femme(s), notamment l'héroïne, entre deux âges, pas tout à fait stable sur le plan sentimental et surtout d'une grande rigueur morale. Sa confrontation avec le monde politico-diplomatique, où tout n'est que concession, négociation, est parfois présentée comme le combat de David contre Goliath. Car, si le droit permet de protéger les faibles et de poursuivre les malfrats, ceux-ci, s'ils sont puissants, savent s'appuyer sur le droit (en plus de la force) pour tenter de passer entre les mailles du filet. L'autre beau personnage féminin est celui de la soeur du premier témoin, réfugiée en Allemagne, dont le rôle s'amplifie au fur et à mesure que l'intrigue suit son cours.

   On (re)découvre la guerre en ex-Yougoslavie avec toutes ses horreurs. L'accusé Duric pourrait être ce Mladic qui n'a toujours pas été arrêté, ou feu le milicien Arkan ou encore Vojislav Seselj.

   N'oublions pas que c'est d'abord un bon thriller. Il y a tout d'abord l'incertitude ménagée autour de ce que certains personnages ont vécu. Il y a aussi les risques que prennent ces personnages pour faire triompher la vérité. C'est vraiment un très très beau film... hélas peu diffusé dans notre pays.

   Un site dédié (hé, oui : c'est produit par la boîte de Luc Besson !) permet d'accéder à différents documents, notamment un dossier bien fichu.

P.S.

   Il est fort possible que l'écriture du scénario se soit inspirée du livre Paix et châtiment, écrit par Florence Hartmann, une ancienne journaliste du Monde, devenue porte-parole de la procureure du TPIY. Poursuivie par le TPIY pour divulgation d'informations confidentielles ("outrage au Tribunal", dans le jargon officiel), elle a été condamnée en première instance... à cause de quelques pages.

 

ALLEZ VOIR CE FILM !

jeudi, 08 avril 2010

Les Chèvres du Pentagone

   Et voilà ! Un mois après sa sortie, ce film débarque en Aveyron. Au moins, on l'a en version originale sous-titrée. L'histoire, complètement frappadingue, est pourtant (en partie) vraie, comme le révèle le livre d'un journaliste britannique recensé par Le Monde. Dans le long métrage, l'extension chronologique de l'histoire (du début des années 1980 à 2003) est restituée par des retours en arrière. (Je recommande à tous les passionnés de la capillicuture cloooneyenne les scènes dans lesquelles il apparaît avec une coiffure de djeunse, vierge de toute trace grisonnante...)

   La critique professionnelle a en général été assez dure avec ce film, auquel elle reproche de lorgner sur l'excellent Mash sans lui arriver à la cheville. En fait, ce film se veut le pendant d'une autre comédie ayant pour cadre l'Irak (mais celui de la première intervention américaine dans le Golfe) : Les Rois du désert, avec lequel la critique n'avait guère été plus tendre.

   Dans les deux films, la satire politique est mêlée à la franche déconnade et l'antihéros, incarné par George Clooney, est épaulé par une brochette d'acteurs affûtés. Dans les deux cas aussi, le résultat est inégal, meilleur en première qu'en deuxième partie. L'honnêteté me pousse à reconnaître que Les Rois du désert était globalement plus réussi (en particulier mieux rythmé).

   Néanmoins, pendant 45 minutes environ, Les Chèvres du Pentagone tient la route. Dès le début, on est cueilli par une série de réparties ironiques et un comique de situation assez réussi (assister à la mort filmée d'un hamster est une expérience cinématographique du plus haut intérêt). Quelques références parodiques (par exemple à Full Metal Jacket) parsèment les scènes les plus abouties.

   Mais, par la suite, une fois dans le désert, l'histoire s'enlise (s'ensable ?). C'est moins drôle et la critique des méthodes employées par l'armée américaine manque de mordant... d'autant plus que la réalisation semble être aux abonnés absents. C'est dommage, parce que l'idée de départ était originale et parce que certains moments permettent d'entrevoir ce qu'aurait pu être ce film, si un metteur en scène un peu plus "couillu" y avait mis sa patte... et si le scénario avait été plus abouti.

samedi, 03 avril 2010

Shutter Island

   J'ai mis le temps, mais j'ai enfin vu le dernier film de Martin Scorsese. J'ai tout d'abord été surpris par le décalage entre la bande annonce et le rythme de l'histoire : la première laisse à penser que l'on va se retrouver dans un thriller trépidant, alors que le film est plutôt lent (trop parfois), jouant sur la tension qui monte, qui monte...

   Le début m'a fait un peu peur. Il comprend des scènes parmi les plus mal réalisées, à mon avis. Les trucages numériques sont particulièrement visibles et j'ai eu un problème avec le doublage (j'ai vu le film en version française), pas très bon. Ceci dit, il faut être très attentif aux toutes premières images, qui, quand on y repense, avec le recul, donnent des clés pour la compréhension de l'histoire.

   Une fois les policiers arrivés sur l'île, cela démarre. L'ambiance est formidablement restituée par les décors, la musique (un peu trop appuyée parfois) et l'atmosphère au sens propre : le déchaînement des éléments. Cela devient une excellent film à suspense, avec des moments de grâce au niveau de la mise en scène : dans la chapelle, sur la falaise, dans la grotte et dans le bâtiment C. Scorsese est parvenu à restituer une ambiance de folie, à tel point qu'au bout d'un moment, on ne sait plus de quel côté est la "raison".

   Je me garderai bien de révéler le retournement, auquel les spectateurs attentifs s'attendent finalement. Cela nous conduit à repenser à certains scènes (notamment celles avec Mark Ruffalo et Ben Kingsley, remarquables)... et à trouver particulièrement bien foutu le dispositif du film !

   Sur le site dédié (aaah... superbe bruit de l'eau de l'océan qui s'échoue sur le rivage...), on peut accéder à de copieuses notes de production, très intéressantes.

11:43 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

jeudi, 11 mars 2010

La Rafle

   En dépit des critiques majoritairement négatives, je suis allé voir ce film dès sa sortie. Le sujet est délicat : la plus grande rafle de juifs jamais organisée en France, le 16 juillet 1942, rafle qui a été opérée par les policiers et gendarmes français, pour le compte de l'occupant nazi. Sur le site du film, on peut télécharger des documents intéressants : un dossier pédagogique (il n'y a pas de raison que seuls les enseignants en profitent, non mais), un dossier de presse et une présentation conçue pour la mairie de Paris.

   Cela démarre par des images d'archive montrant Adolf Hitler en visite touristique à Paris. Ach, Barisse et les bédides Fronzaizes ! Je trouve que c'est un bon choix. Il pose bien le problème de la collaboration, voulue par les dirigeants français, faut-il le rappeler.

   Pendant environ 1h15, c'est un bon moment de cinéma. Le début est très agréable, avec la description de la vie quotidienne de ces Parisiens juifs sous l'occupation, avec les peines et les joies familiales, les gamins qui font des conneries... et l'antisémitisme non dissimulé de certains "Français de souche". Les acteurs sont épatants et, parmi les enfants, j'ai été particulièrement touché par le bambin qui parle avec difficulté ("Nono" je crois)... vraiment trognon ! Du côté des adultes, Jean Reno et Gad Elmaleh sont sobres, efficaces. Thierry Frémont fait une composition remarquable. Isabelle Gélinas est craquante. Mélanie Laurent rayonne... ça va se terminer en César, moi je vous le dis ! (J'ai beaucoup moins goûté la prestation de Raphaëlle Agogué, qui m'a parue décalée, excessive... tout comme celle de Sylvie Testud, exceptionnellement décevante.)

   Ces scènes sont croisées avec les "moments d'histoire", durant lesquels on voit les dirigeants ou les hauts fonctionnaires français et allemands. Si les seconds couteaux sont bien interprétés, j'ai des réserves à émettre sur ceux qui incarnent Pétain (le père de Jean-François Copé... si !) et Hitler. (Pour Hitler en particulier, deux scènes sont ratées : celle au cours de laquelle, pendant que son médecin lui administre une piqûre, il affirme appliquer Mein Kampf à la lettre... ce qu'il n'a pas fait en réalité ; l'autre moment le voit, dans son "nid d'aigle", parler, à propos de la déportation des juifs, de "nuit et brouillard"... une expression qui s'applique au sort des résistants.) Par contre, le personnage de Pierre Laval est remarquablement joué.

   L'organisation minutieuse et le déroulement de la rafle sont très bien rendus. Quelques passages sont peut-être surjoués mais, dans l'ensemble, la réalisatrice a réussi à marier la reconstitution historique avec les drames familiaux et le film d'action. Les scènes censées se dérouler dans le fameux Vélodrome d'Hiver (le Vel' d'Hiv' quoi) sont parmi les plus intéressantes du film. On a pris soin de montrer toutes les gammes de comportement, de la résistance active au collaborationnisme en passant par l'attentisme à divers degrés. Du coup, la vision de l'époque est assez nuancée, même si l'action néfaste des forces de police est décrite en détail.

   C'est lorsque les détenus se trouvent dans le camp d'internement de Beaune-la-Rolande que cela se dégrade, en particulier dès qu'il est question de la phase ultérieure, la déportation en Europe de l'Est, toujours évoquée, jamais montrée. Là, l'émotion exacerbée prend le dessus. Je sais bien que ce sont des événements dramatiques, mais on tombe dans le pathos, alors qu'on aurait pu espérer un peu plus de pudeur. C'est peut-être une question d'époque ou de tempérament.

   Du coup, en sortant du cinéma, j'ai cherché à accéder à l'émission que France 2 a consacrée à la sortie du film, mardi 9 mars 2010. Jusqu'au 16, on peut la revoir en intégralité. Si vous pouvez passer les entretiens avec les acteurs (on remarquera que Marie Drucker n'a pas invité Gad Elmaleh... une manifestation de déontologie ?), ne manquez surtout pas les témoignages des rescapés, les interventions des historiens ainsi que les petits documentaires qui émaillent l'émission. Franchement, là, bravo le service public !... et l'audience a suivi.

16:57 Publié dans Cinéma, Histoire | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema, histoire

mercredi, 10 mars 2010

12

   En dépit de ce titre, il ne s'agit pas d'un film aveyronnais. Il n'est pas plus consacré au plus beau département du monde. Non, c'est un (très) long métrage russe, signé Nikita Mikhalkov, sorte de "remake" de Douze Hommes en colère... un "vieux" film de 1957 qui mérite encore le détour, je vous le garantis !

   Il est question d'un jury d'assises, composé exclusivement d'hommes, entre deux âges ou vieux, qui sont un échantillon de la Russie du XXIème siècle. Pour la délibération, ils sont enfermés dans un gymnase un peu nase (à l'image de l'état de délabrement dans lequel les pouvoirs publics laissent trop souvent l'éducation... eh oui, il y a un discours politique dans ce film). Au départ, 11 sur 12 sont convaincus de la culpabilité de ce jeune Tchétchène, qui aurait assassiné son père adoptif, un officier russe qui l'avait sauvé de la poudrière du Caucase. Mais, dès le début, les morceaux de scènes, puis les scènes complètes, avec lesquelles Mikhalkov entrecoupe les discussions des membres du jury introduisent de l'incertitude.

   Tout le talent du film, à l'image de son inspirateur américain, est de s'appuyer sur ce huis-clos pour faire ressortir les contradictions des personnages et brosser ainsi un saisissant tableau de la Russie de Vladimir Poutine, gangrenée par la corruption et la violence, où les mâles dominants ont bien du mal à assumer.

   Les acteurs sont excellents. (Si vous avez vu l'ancien film, vous remarquerez que, dans la version russe, on retrouve les mêmes tempéraments, parfois des physiques proches... et plusieurs éléments de l'intrigue, voire de la mise en scène - comme le coup du couteau, ont été purement décalqués sur le modèle.) Mikhalkov se donne un beau rôle (faut pas déconner, non plus !), mais il l'interprète bien. Le "mouton noir" du groupe, qui  va essayer de convaincre les autres non pas de l'innocence du jeune Tchétchène, mais de la nullité de l'enquête qui a  abouti à son accusation, est un très beau personnage, parce que c'est un ancien homme brisé qui a complètement rétabli sa situation, en profitant du contexte russe.

   Son principal contradicteur est un macho tradi, un peu à la ramasse. L'un des points forts du film est la déconstruction du personnage qui intervient au fur et à mesure que les dialogues progressent.

   Les autres sont plutôt suivistes. On a un intello juif (qui se prend quelques remarques peu amènes...), un dirigeant de télé, un chirurgien originaire du Caucase, un saltimbanque (acteur et musicien), un directeur de cimetière, un chauffeur de taxi, un ancien cheminot... C'est un sacré florilège ! Parfois, les acteurs en font un peu trop, notamment le cheminot, qui a des difficultés d'élocution.

   On remarquera que beaucoup de ces jurés ont de forts préjugés. A travers eux, on sent la société russe traversée par la tentation raciste, aiguisée par la guerre en Tchétchénie. Du coup, à Moscou, on n'aime pas trop les "bronzés" (tchorny dans la langue de Pouchkine), les Caucasiens. Comme quoi, sous tous les cieux, on retrouve la tentation du bouc émissaire...

   Cela nous vaut un moment comique totalement imprévu, uniquement compréhensible par le public français. Pour cela, il faut lire attentivement les sous-titres, lorsque l'ancien cheminot Alexei Petrenko évoque l'agression dont il a été victime, ses bourreaux étant sans doute originaires du Caucase. Il dit que "lorsqu'il y en a un, ça va, mais là ils étaient quatre, ça n'allait plus du tout" ! Brice Hortefeux aurait-il inspiré les rédacteurs des sous-titres ? La question mérite d'être posée ! (Dans une partie de la salle, plus attentive que le reste sans doute, on a ricané sec.)

   Bref, c'est un chouette polar sociologique, un peu long même si je vous assure que les 2h30 passent assez vite.

15:06 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

vendredi, 05 mars 2010

Invictus

   J'ai mis du temps à voir ce film, parce que je redoutais qu'il ne soit un peu trop "politiquement correct". Mais, la personnalité du réalisateur, la distribution et le sujet m'ont finalement traîné dans une salle.

   C'est incontestablement un film "eastwoodien" : il est question d'hommes qui se dépassent (ou tentent de le faire) et de barrières qui tombent. C'est en général plutôt bien fichu : les scènes intimistes sont réussies, les séquences "rugbystiques" aussi (elles sont assez spectaculaires), mais les spécialistes de ce sport en sortiront déçus : le jeu au pied, pourtant fondamental, est quasiment absent. On ne voit que des drops et des pénalités, celles-ci toujours très bien placées par rapport aux poteaux. De plus, les sons ont été "grossis" pour accroître l'impression qui résulte des chocs des corps, lors des mêlées et des placages. Il est possible que, dans sa manière de filmer le rugby à XV, le bon vieux Clint ait été influencé par le football américain.

   Il faut aussi relever une séquence ratée : celle qui voit Freeman-Mandela (excellent) danser et fleureter avec une femme pulpeuse. La direction d'acteurs a péché (Eastwood a-t-il voulu la jouer "cool" avec son pote Morgan, qui est l'âme de ce film ?). De plus, on voit très bien que l'orchestre ne joue pas ! Clint ne nous avait pas habitués à laisser passer ce genre d'erreur.

   Le Français que je suis se doit de râler aussi sur le fond. Le scénario masque certains éléments très importants de la coupe du monde. Ainsi, si, à partir de la victoire inaugurale contre l'Australie, on nous présente le parcours intégral de l'équipe sud-africaine, la demi-finale contre la France est réduite aux pluies diluviennes et à des Français boueux et très déçus. Or, il ne fait aucun mystère que la victoire 19 à 15 de l'équipe locale est entachée d'irrégularités. On peut s'amuser à revisionner la toute fin du match, qui voit l'équipe de France marquer un essai que l'arbitre refuse très rapidement de valider, sans chercher à savoir vraiment si Abdelatif Benazzi avait franchi la ligne.

   Le film ne présente pas non plus la finale contre la Nouvelle-Zélande de manière objective : si le duel fut très physique, très "rugueux", les Néo-Zélandais étaient affaiblis par une intoxication alimentaire.

   Reste l'épopée antiraciste, bien rendue, d'abord grâce à la qualité de l'interprétation : on ne peut pas disjoindre la performance de Morgan Freeman de celle de Matt Damon... et n'oublions pas la foultitude de seconds rôles. Ainsi, le fond raciste de nombreux Blancs sud-africains (des Afrikaners) n'est pas caché, même si le film pêche par excès d'optimisme (à l'inverse de Disgrace) en les montrant presque tous "convertis" à la fin. La même démarche est à l'oeuvre quand on veut nous faire croire que le rugby, jadis honni par les Noirs (qui lui préfèrent le football), va devenir un sport métissé, à l'image de la "nation arc-en-ciel" (quand on analyse la composition de l'équipe qui a remporté la coupe en 2007, on s'aperçoit que, si elle est un peu moins blanche qu'en 1995, avec 5 joueurs "de couleur", trois sont des remplaçants).

   C'est aussi une comédie, que l'on peut prendre le temps de savourer, vu que l'on connaît déjà la fin de l'histoire. Certains des moments les plus cocasses sont ceux qui voient les deux équipes de gardes du corps du nouveau président se côtoyer.

   Enfin, c'est un peu un film d'histoire (meilleur que Goodbye Bafana). Il fait revivre le contexte de l'époque, tout tournant autour de Mandela : ses gardes du corps sont persuadés qu'un Blanc fanatique va tenter de l'assassiner et lui se donne pour mission de réconcilier les communautés (dont la présentation est hyper simplifiée dans le film). On perçoit bien son intelligence politique, qui le pousse parfois à s'opposer aux personnes de son propre camp.

   Nelson Mandela a donc inspiré pas mal de monde... même très loin de son pays. Ainsi, si l'on cherche un président qui a porté le maillot national à l'occasion d'une coupe du monde, événement censé symboliser l'union des habitants d'un pays, quelle que soit leur origine... on tombe sur un certain Jacques Chirac ! La différence est que, si Mandela a d'abord pensé à son pays, l'ancien maire de Paris visait sa réélection. Le point commun est que, dans les deux cas, l'image d'unité ne fut qu'un écran de fumée... ou, si l'on est plus naïf, un fugace état de grâce. L'Afrique du Sud d'aujourd'hui n'est pas encore vraiment devenue une vraie "nation arc-en-ciel" et la France "black-blanc-beur" est la même que celle qui a porté Jean-Marie Le Pen au second tour de l'élection présidentielle de 2002 et la même que celle dont les banlieues sont enflammées par la violence, les inégalités et le désespoir.

jeudi, 18 février 2010

A serious man

   Je ne sais pas d'où vient cette manie de garder désormais presque systématiquement le titre anglais des films, même lorsqu'une traduction française semble évidente. Ici, plutôt que d'un "homme sérieux", il vaudrait mieux parler d'un "type bien". (C'est d'ailleurs le titre d'un film français, sorti en 1990.)

   Cela commence par un conte juif, en noir et blanc, en yiddish (je ne sais pas si cette partie a été doublée dans la version française, puisque j'ai vu le film en version originale sous-titrée), censé se dérouler en Europe de l'Est. C'est très "stylé", avec une épouse juive très volontaire... et une drôle de morale à la fin.

   Le "vrai" film commence ensuite, au coeur de l'Amérique des années 1960, dans une ville universitaire où se côtoient (à défaut de s'apprécier) juifs et protestants. Le héros est un "type bien", c'est-à-dire un homme honnête, travailleur, fidèle, respectueux, à l'écoute des autres, pacifique... bref, une victime toute désignée. Il se fait rouler dans la farine par son frère, qui squatte impunément chez lui, son épouse, qui le trompe, l'amant de celle-ci, qui essaie de placer la faute sur lui, ses enfants, qui le prennent pour un larbin et lui piquent du pognon, son voisin, qui empiète sans vergogne sur sa propriété, un de ses étudiants, qui veut tricher (soutenu par son père, d'ailleurs... scène absolument géniale qui voit les deux hommes tenter de dialoguer...)

   C'est donc à la fois une chronique de la soumission ordinaire et aussi la description d'un début d'émancipation. Le héros se fait conseiller successivement par trois rabbins... vraiment très originaux ! Dans le même temps, son fils se drogue, essaie d'échapper aux coups d'un copain de classe à qui il doit de la thune, jure comme un charretier avec ses potes dans le bus, a sans doute usurpé l'identité de son père pour obtenir un abonnement musical et cache à sa famille qu'il a été puni à l'école... Il lui faut absolument récupérer son poste FM ! Je vous laisse découvrir dans quelles circonstances cela survient...

   Le papa lui tente de réapprendre à vivre vraiment, à ne plus se laisser marcher sur les pieds. Pas facile... mais les circonstances sont parfois favorables.

   Le film est donc une jolie collection de saynètes, servies par d'excellents acteurs. Cependant, il se termine de manière abrupte. C'est dommage.

16:04 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

mercredi, 17 février 2010

Disgrace

   J'ai gardé l'orthographe du titre anglais (sans l'accent circonflexe donc), puisque, traduit en français, cela donnerait plutôt "honte" ou "déshonneur". Autant le dire tout de suite, ce film australo-sud-africain est dur, très dur même parfois, alors que pratiquement aucune violence physique n'est montrée à l'écran. Les moments de tension alternent avec des scènes apaisées, en pleine brousse africaine ou en ville. C'est très bien joué, superbement filmé.

   Il est question de l'Afrique du Sud actuelle, loin des clichés (et loin de l'optimisme béat d'Invictus), à travers l'histoire d'un prof de fac libidineux, de sa fille perturbée et des "relations interraciales" dans une métropole moderne (Le Cap) et un village perdu au fin fond de la brousse.

   C'est l'excellent John Malkovich qui incarne l'universitaire. Valmont a décidément bien vieilli. Dans la première partie du film, tout est fait pour nous rendre odieux ce libertin phallocrate. Les temps ont changé, et un grand bourgeois blanc aussi cultivé soit-il ne peut plus considérer les étudiantes comme son gibier pénien.

   Se greffent là-dessus les relations entre Blancs et Noirs (ou métis). La deuxième partie du film est à la fois une sorte de "punition" et une rédemption du héros. He oui, le fond chrétien est très présent, mais subrepticement. Le problème est que, dans tous les cas, ce sont les femmes qui dégustent : l'épouse trompée du "héros", l'étudiante violée, la fille qui accepte tout... Il n'y a guère que la vétérinaire, qui a renoncé à beaucoup de choses, qui s'en sorte. C'est d'ailleurs une marque de fabrique du film. Un petit côté protestant peut-être.

   Mais on pourrait aussi analyser le film comme étant une image en miroir de l'histoire de l'Afrique du Sud. Ce qui se passe dans la brousse n'est que la réponse du berger à la bergère : les rôles sont inversés, parce que ce sont les Noirs qui ont désormais le pouvoir. Cela peut paraître simpliste mais, si l'on met les Bancs à la place des Noirs et inversement, on peut recréer le contexte de l'implantation coloniale des Européens au XIXe siècle notamment.

   A la fin, le réalisateur semble avoir voulu laisser planer une certaine incertitude. En y réfléchissant bien, on se rend compte qu'en fait le personnage interprété par John Malkovich a pris une décision irrévocable...

15:19 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

mardi, 16 février 2010

Sumo

   Et voilà encore un film israélien ! Son titre anglais est A Matter of size. Cela dit presque tout. Bon, les mecs, vous en avez un peu marre que votre copine vous fasse remarquer que sur votre (ancien) corps magnifique soient apparues de fort disgracieuses poignées d'amour ? Alors, emmenez-la voir ce film !

   C'est l'histoire d'une bande de potes (4 hommes et une femme) israéliens, gras du bide de chez gras du bide, qui tentent désespérément de perdre du poids. L'un d'entre eux, Herzl, qui vit encore chez sa mère, finit par trouver un boulot dans un restaurant japonais... car il y a une communauté japonaise en Israël ! Les liens entre le Japon et la culture juive sont d'ailleurs plus anciens qu'il n'y paraît. Le patron du restaurant se dit sioniste et membre d'un groupe particulier, les Makuyas.

   C'est une comédie de moeurs, qui oscille entre le rire franc et un ton plus grave. Y est à l'oeuvre principalement un comique de situations : celles décrivant la vie quotidienne (pas facile) des héros (dont on rit de bon coeur... je sais, c'est pas gentil... mais c'est dans le film !) et celles dans lesquelles ils se retrouvent fourrés à partir du moment où ils décident de renoncer au régime pour devenir de vrais sumos. L'une des scènes les plus hilarantes voit les apprentis devoir quitter leur lieu d'entraînement (d'où leur guide japonais, furieux, est parti en emportant leurs affaires), en tenue (vous savez, les énormes strings noués à la taille...) pour rejoindre la ville...

   La gravité est présente dans la vie intime. Herzl et sa mère entretiennent des relations difficiles, sur lesquelles pèse la mort du père. Le jeune homme a de surcroît la fâcheuse tendance à mentir à sa copine obèse qui, elle, n'a pas renoncé au régime (c'est tout de même une jolie grosse). Le pote plombier finit par découvrir que sa petite amie le trompe, alors que l'un des membres du groupe va faire son coming out. (Excellent moment qui voit l'un des hétéros lui jeter un truc dans le genre : "Estime-toi heureux qu'on t'ait laissé en vie !")

   Derrière tout cela, il y a la recherche de la dignité, dans la vie intime comme dans la vie publique. Ces hommes vont tenter de réaliser quelque chose d'extraordinaire et de le médiatiser, un peu comme le strip-tease des ouvriers de The Full Monty.

   P.S.

   Le film a peut-être été inspiré par la venue d'un groupe de sumos en Israël, à Césarée, en 2006.

lundi, 15 février 2010

Lebanon

   C'est le premier film du réalisateur israélien Samuel Maoz. Ah oui, j'oubliais : le titre veut dire "Liban". Il est donc question de l'invasion de ce pays par l'armée israélienne en 1982, une opération nommée "Paix en Galilée". (C'est un sujet qui interpelle visiblement les cinéastes israéliens : le magnifique Valse avec Bachir se situait déjà dans le même contexte, même s'il traite d'un aspect différent de ce conflit.) Le film donne la vision des soldats qui se trouvent dans un (vieux) char... qui sont tous des appelés du contingent ! On peut d'ailleurs légitimement penser que le réalisateur a mis un peu de lui dans au moins trois des personnages (le conducteur arabophone, le chef et le contestataire).

   On a plutôt à faire à des pieds-nickelés qu'à des héros nationaux : le chef n'arrive pas à se faire obéir et il ne sait pas faire face à l'imprévu, le tireur pisse dans son froc, le conducteur ne pense qu'à sa mère et le chargeur attend avec une impatience évidente la fin de son service. Face à eux, si de temps à autre on voit un Palestinien, un Syrien ou un Libanais, la plupart du temps, c'est au militaire de carrière (israélien), gradé, très carré, que nos héros se trouvent confrontés.

   Une partie du film est en caméra subjective : la vision des spectateurs est celle des tankistes. La lunette d'observation n'est pas très perfectionnée... et le bruit qu'elle fait en pivotant (ou lors du changement de focale) devient vite un rituel. Les scènes d'intérieur sont vraiment bien maîtrisées. J'ai l'impression que l'auteur a été très influencé par les films américains sur la guerre du Vietnam, à la fois sur le fond (peut-on être un bon soldat sans devenir un salaud ?) et sur la forme (avec ces gros plans superbes des trognes crasseuses des tankistes).

   Les acteurs sont très bons, réussissant même à faire évoluer l'impression qu'on a de leur personnage. Plusieurs d'entre eux étaient à l'affiche de Beaufort, sorti en 2008. On notera  aussi, dans un rôle secondaire, la qualité de l'interprétation d'Ashraf Barhom, (vu récemment dans Agora), en phalangiste (libanais). (L'une des seules femmes visibles dans ce film, une mère de famille libanaise, est incarnée par Reymonde Ansellem, qui tenait le premier rôle dans 7 minutes au paradis.) L'un des moments les plus réussis est sans conteste ce bref épisode de repos, durant lequel le tireur relate le décès d'un membre de sa famille, moment dont il a surtout retenu son érection, provoquée par la sensation de la poitrine de la prof qui l'a serré contre lui !!

   Pour bien comprendre le sens de la première image, il faut attendre la toute fin du film. Le réalisateur a résisté à la tentation de faire un drame absolu. On oscille entre les moments de tension extrême (qui montrent la mort de civils libanais ou de soldats israéliens) et les scènes intimistes, parfois scabreuses (on ne nous cache pas grand chose de la vie quotidienne dans un char). C'est vraiment un Lion d'or 2009 mérité.

14:58 Publié dans Cinéma, Proche-Orient | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

dimanche, 14 février 2010

La Princesse et la grenouille

   C'est le retour du conte de fées, version contemporaine, par Disney, sous la férule d'un producteur exécutif particulier, John Lasseter (qui, avant de fonder Pixar et de créer Toy Story ou Cars, avait réalisé Rox et Rouky). Cette fois-ci, la Cendrillon est pauvre et noire (cliché ?) et sa rivale (blanche et gosse de riche) est plus gentille que dans les contes de fées : dès le début on comprend que c'est une horrible pétasse, mais les scénaristes lui ont ajouté un grand coeur, ce qui contribue à redorer son blason plus loin dans le film.

   C'est donc très "politiquement correct" : cette histoire qui se déroule dans une Louisiane sans doute ségrégationniste ne montre pas une seule scène de racisme ! Même si un certain retournement est opéré au niveau de l'héroïne, celle-ci n'est nullement l'instrument d'une quelconque transformation sociale (le seul "révolutionnaire" est le serviteur gros et moche, comme par hasard ; il transgresse l'ordre établi et en est bien puni) : elle a deux boulots, travaille plus pour gagner plus... bref elle est à fond dans le système. Si vous ajoutez à cela l'imprégnation religieuse, très grande dans la dernière demi-heure (avec une fin grand-guignolesque pour une luciole), vous pouvez conclure que, sous une apparence de modernité, ce film est éminemment conservateur.

   Il n'en est pas moins bourré de qualités. Si l'histoire peine un peu à démarrer, les séquences s'enchaînent ensuite avec brio, à commencer par celle qui voit l'apparition du méchant (le magicien vaudou), d'une grande qualité visuelle (elle regorge d'inventivité, tant au niveau des ombres que de l'animation des cartes). J'ai aussi beaucoup aimé la première scène de grenouilles, puis la rencontre avec l'alligator jazzman, qui précède de peu le combat mené contre les braconniers, l'un des sommets du film. C'est drôle, bien dessiné, avec une musique entraînante. Les héros, parfois fadasses (comme ce prince beau gosse suffisant et plaintif, que je ne vois guère changer dans le film... à part l'amour particulier qu'il commence à nourrir pour l'héroïne), sont complétés par des personnages hauts en couleur, comme l'alligator, la vieille luciole mâle (Anthony Kavanagh impeccable) et Mama Odie (excellente Liane Foly dans la version française).

   C'est donc un bon divertissement, fondé toutefois sur des schémas mentaux auxquels on n'est pas obligé d'adhérer.

P.S.

Pour les curieux : soyez très attentifs au moment où (vers la fin) l'une des grenouilles se fait embrasser par une personne portant un rouge à lèvres très visible... Il y a une grosse erreur dans les dessins.

23:07 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

vendredi, 12 février 2010

Océans

   C'est donc le nouveau documentaire signé Jacques Perrin, dont j'avais apprécié Microcosmos (il en était producteur) et Le Peuple migrateur (qu'il a produit et réalisé). Depuis une douzaine d'années, le documentaire "nature" effectue un retour remarqué dans les salles obscures. Celui-ci s'inscrit dans la lignée de La Planète bleue (où Perrin fait office de narrateur dans la version française) et La Planète blanche. Plus récemment, on a pu apprécier Les Ailes pourpres.

   Comme tout cela coûte hyper cher, il a bien fallu recourir à des mécènes... dont les noms figurent en tête de film. Cela m'a fait tout drôle de voir Total, Le Crédit Agricole, E.D.F. et Veolia sponsoriser un documentaire qui dénonce la pollution des océans.

   Pendant les trois-quarts du film, on a un peu l'impression de se retrouver dans un bel aquarium. Les eaux sont propres, souvent lumineuses, on n'y trouve aucun déchet et les animaux n'y croisent que leurs proies ou leurs prédateurs naturels. A l'écran, c'est magnifique. (J'aime tout particulièrment voir évoluer les otaries, les lions de mer et les phoques, qui me font un peu penser à des chats.) La musique accompagne sans être trop envahissante. Le commentaire ne sert par contre à rien, puisqu'il n'a aucun contenu scientifique. Du coup, le non-spécialiste en est réduit à des conjectures sur l'identité de telle ou telle bestiole. Visiblement, on part du principe que les spectateurs se sont renseignés avant, ou qu'ils vont se précipiter après sur l'excellent site internet (Je recommande tout particulièrement le dossier scientifique et le  trombinoscope des espèces.)... voire qu'il vont casser leur tirelire pour se procurer les ouvrages liés au film.

   C'est dans la dernière demi-heure que sont évoquées la pollution et la pêche sauvage, incontrôlée. Certaines scènes sont choquantes, à tel point que, même si, dans le générique de fin, il est précisé qu'aucun animal n'a été maltraité pour le tournage, je suis allé vérifier, notamment pour le cas du requin dont les ailerons sont tranchés (moment qui contraste fortement avec une autre scène, paisible, qui montre un plongeur accompagner un grand requin blanc). Dans un entretien, Jacques Perrin précise que même les thons  massacrés ne sont pas de vrais animaux.

   Un fort bel ouvrage donc, peut-être un peu trop "grand public".

17:28 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

samedi, 06 février 2010

Food inc.

   C'est un documentaire états-unien, qui se situe dans la lignée des européens We feed the world et Notre pain quotidien (deux grandes réussites), dont il s'est un peu inspiré, m'a-t-il semblé.

   Cela dure un peu plus d'1h30, mais cela passe bien, même si j'ai ressenti quelques longueurs au bout de 50 minutes. Je continue à penser, qu'au-delà de l'intérêt d'un sujet et du talent d'un réalisateur, très rares sont les documentaires qui méritent de passer l'heure de durée. Ici, le découpage en petites séquences a visiblement été pensé pour une exploitation cinématographique... et pédagogique. (Pas besoin d'être prof pour apprécier le dossier mis en ligne sur le site zéro de conduite.)

   Le principal intérêt du film est la description détaillée de l'agro-industrie, qui lamine les paysans et impose sa loi aux consommateurs d'outre-Atlantique. On a donc droit à des considérations économiques (sur l'endettement, les prix artificiellement bas, en particulier pour le maïs, qui semble être au coeur du système) et sociales (sur la vie des agriculteurs, le plus intéressant du lot étant celui qui réussit encore à faire son boulot un peu "à l'ancienne"). Si vous demandez à un éleveur américain pourquoi il doit se méfier de Tyson, il ne vous parlera pas d'un boxeur, mais des avocats d'un grand groupe agroalimentaire.

   Les passages les plus émouvants sont ceux qui mettent en scène cette mère de famille de sensibilité républicaine, qu'on sent très conservatrice sur les moeurs et la sécurité, mais qui s'est sentie trahie par le monde politique des années 1990-2000. Et là j'ai appris quelque chose que j'ignorais, à propos de la bactérie Escherichia Coli (qu'on nous a tous fait étudier dans un cours de sciences à un moment ou un autre de notre scolarité), dont le caractère létal a été accentué par l'élevage intensif. (Les fameux "poulets au chlore" sont les produits de cette industrie qui, au lieu d'agir en amont, a choisi de limiter les coûts et d'éviter toute remise en question.) Cette maman ordinaire, révoltée par la mort de son fils, provoquée par l'ingestion d'un simple hamburger, est très touchante. Je suis plus partagé sur le cas de la famille qui se goinfre de cochonneries pas chères. Les parents disent qu'ils n'ont pas les moyens d'acheter de bons aliments, mais ils ont voiture récente, téléphone portable et sans doute maison. Faut savoir ce que l'on veut dans la vie. Mais bon, cela pose tout de même la question de la malbouffe, dans les pays développés : la nourriture saine y est en général plus coûteuse (pour le consommateur, mais pour le contribuable c'est plutôt l'inverse) que la mauvaise (même si celle-ci est composée de davantage d'aliments et adjuvants). Le film nous offre en sus une analyse historico-économique pertinente du lien entre l'industrialisation de l'agriculture et l'émergence des chaînes de restauration rapide.

   D'autres passages sont plus attendus, comme celui qui dénonce les conditions de travail des employés des abattoirs et des usines. J'ai aussi toujours autant de mal à supporter la mise à l'écran de la souffrance animale. A ce sujet, l'un des intervenants (un des auteurs de Fast food, fast nation), fait le lien entre les mauvais traitements infligés aux animaux et le statut des travailleurs de l'agriculture et de l'agroalimentaire, le manque de respect des consommateurs, situés en bout de chaîne, en étant une conséquence logique.

   On appréciera aussi que l'action néfaste du groupe Monsanto soit décrite par un Américain, avec des cas concrets, en particulier celui de ce bonhomme qui "nettoie" les semences transgéniques de ses copains agriculteurs pour qu'ils les ressèment. (J'aurais bien aimé en savoir plus à ce sujet.) Au-delà du débat sur les O.G.M., il y a des pratiques condamnables, comme le fait d'employer des détectives privés et d'appeler à la délation contre ceux qui ne respectent pas les règles que tente d'imposer la multinationale. Si vous ajoutez à cela les poursuites judiciaires, très coûteuses, vous aurez une idée de la capacité de nuisance de ce groupe.

   Ne croyez pas cependant que le film soit excessivement pessimiste. Toutes les scènes filmées chez cet agriculteur franc-tireur (Joe Salatin, stetson vissé sur la tête) sont revigorantes, tant son bon sens emporte l'adhésion. Le film fait aussi l'apologie de l'organic, c'est-à-dire du bio, avec des points de vue variés, entre les purs et durs et les tenants de l'adaptation au système : même Wal Mart s'y met !

14:52 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

dimanche, 17 janvier 2010

Agora

   C'est donc le dernier film d'Alejandro Amenabar, un talentueux Espagnol dont on a déjà pu apprécier Tesis, Ouvre les yeux et Les Autres. Il a coécrit un scénario dans lequel se mêlent la fresque historique (sur un christianisme de plus en plus puissant), une histoire d'amour contrarié et la recherche scientifique (rendue avec beaucoup de pédagogie, je trouve).

   Mais c'est d'abord une histoire de femme. Au singulier, puisque, si on laisse de côté l'héroïne, les autres ne sont que des figures effacées, à l'image de la place qui leur est dévolue dans la société de l'époque, celle de l'Egypte romaine de la fin du IVe siècle. (Mais le film a été tourné à Malte, comme Gladiator et Troie.) Je dois avouer que je ne connaissais pas cette Hypatie, flamboyante intellectuelle et femme libre. Rachel Weisz (oscarisable, même si le film ne rencontre pas son public) incarne à la perfection cette icône féminine de l'indépendance et la libre-pensée.

   Le film se veut d'abord une démonstration, celle de l'intolérance de ce jeune christianisme qui, persécuté puis toléré, est sur le point de devenir la religion officielle de l'empire... et même d'enfiler à son tour les habits du persécuteur. L'acteur qui joue l'évêque Cyrille est à cet égard excellent, tout comme celui qui interprète Ammonius, son exécuteur des basses oeuvres (remarquable Ashraf Bahrom, déjà vu dans La Fiancée syrienne, Paradise now et Le Royaume). Les autres nous permettent aussi de comprendre la force de cette communauté, de ses convictions, face à la haute société polythéiste, pétrie de pensée grecque et jugée décadente.

   Paradoxalement, pour un film grand public, l'aspect sentimental passe plutôt au second plan. Il est très présent dans la première partie du film, mais ne revient réellement au premier plan qu'à la toute fin, dans des circonstances que je me garderai bien de révéler. (Sachez seulement que les auteurs du film, sur ce point précis comme sur quelques autres, n'ont pas fidèlement suivi l'Histoire.)

  Si les débats et l'enseignement philosophiques tels qu'ils sont mis en scène ne m'ont pas paru passionnants (peut-être aussi parce que le doublage n'est pas toujours très réussi), par contre, la recherche astronomique est abordée de manière originale (j'ai beaucoup aimé les maquettes du système solaire et l'usage qui est fait d'un carré de sable). Je ne suis pas du tout spécialiste de la question... et j'ai tout compris !

   Amenabar a aussi tenu à nous montrer qu'il savait tenir une caméra. C'est parfois un peu agaçant, quand il multiplie les vues du dessus, pas toujours justifiées. C'est beaucoup plus convaincant quand il traite des mouvements de foule, ou quand il aborde certaines péripéties, comme les deux traquenards qui opposent chrétiens et juifs. (Par contre, j'ai été un peu déçu par le saccage et l'incendie de la célèbre bibliothèque d'Alexandrie.)

   Derrière la fiction se cache un propos politique. Au-delà de la peinture de l'intégrisme chrétien des débuts, il y a la dénonciation de l'instrumentalisation du religieux à des fins politiques et le rejet de toutes les formes de fanatisme, notamment celles qui s'en prennent à la liberté de pensée et à l'indépendance des femmes. Comment ne pas voir dans cette milice obscurantiste et misogyne vêtue de noir un pendant des actuels fondamentalistes musulmans ? Au-delà des empires, des républiques, des époques et des religions, la connerie humaine prend souvent des formes identiques...

16:19 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema, histoire

jeudi, 07 janvier 2010

Les Chats persans

   Attention : ce film n'est pas un documentaire sur nos adorables compagnons poilus, moustachus et griffus, mais une "fiction réelle", tournée dans des conditions semi-clandestines, en Iran. Le réalisateur, Bahman Ghobadi, s'est fait remarquer naguère par le superbe Half Moon, pourtant tourné dans un style très différent.

   Les héros sont de jeunes musicos rebelles (mais pas trop), qui veulent s'éclater sans que les barbus ne viennent leur briser les gonades. L'histoire oscille donc entre cet appétit de vivre et la menace qui plane, jamais très voyante (puisqu'on fait tout pour l'éviter), mais toujours redoutée.

   Concernant la musique, j'étais mitigé au début face à ce pop-rock "indy". Cela m'a semblé s'arranger à partir de la moitié du film, grosso modo. Cela devient même très entraînant.

   La comparaison a été souvent faite, mais je la reprends puisqu'elle m'apparaît justifiée : on sent l'influence de l'ambiance du Persepolis de Marjane Satrapi dans ce film... peut-être plus de la bande dessinée que de son adaptation cinématographique d'ailleurs. Les héros sont des rejetons de la classe moyenne, un peu "bobos" sur les bords. Leur prudence contraste avec l'esprit d'initiative de Hamad, un trafiquant en tout genre, capable aussi bien d'emberlificoter un juge (magnifique scène que celle qui nous permet d'observer, par l'entremise d'une porte entrouverte, la petite comédie dont ce bonimenteur gratifie le magistrat conservateur) que d'organiser un concert clandestin !

   La chute surprend malgré tout... et renvoie elle aussi à l'oeuvre de M. Satrapi.

21:21 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

mercredi, 30 décembre 2009

Les films que j'ai le plus kiffés en 2009

   Voilà donc venu le moment de livrer le palmarès qui déchire sa race... le mien ! Comme je suis assez grand public, j'ai aimé beaucoup de films cette année, pour des raisons différentes. Mais, laissons là les présentations et passons à l'essentiel.

- Meilleur film optimiste : Slumdog millionaire

- Meilleur film dépressif : Mary et Max

- Meilleur film religieux : Soeur Sourire

- Meilleur film anticlérical : Religolo

- Meilleur film anticapitaliste : Louise Michel

- Meilleur film grolandais : Toto qui vécut deux fois

- Meilleur usage de la crasse à des fins politiques : Hunger

- Meilleur toilettage cinématographique : Departures

- Meilleure animation barge : Des Idiots et des anges

- Meilleure chronique douce-amère : Le Sens de la vie pour 9,99 $

- Meilleur film de djeunses : Lascars

- Meilleur film de vieux cons : Là-haut

- Meilleur film de vieux : L'Etrange Histoire de Benjamin Button

- Meilleur film de pique-assiette : J'irai dormir à Hollywood

- Meilleur film hollywoodien sur la Seconde guerre mondiale : Les Insurgés

- Meilleur film de guerre : Démineurs

- Meilleur film antisoviétique : Katyn

- Meilleur film roumain : Au diable Staline, vive les mariés !

- Meilleure analyse de la naissance du totalitarisme : La Vague

- Meilleur film aquatique : Welcome

- Meilleur film raciste : Gran Torino

- Meilleur film antiraciste : Amerrika

- Meilleur film de Tarlouze : Brüno

- Meilleur film de pétasse : The September issue

- Meilleur film de gonzesse : Tulpan

- Meilleure comédie de moeurs : Romaine par moins 30

- Meilleur film de jouisseur : Hôtel Woodstock

- Meilleur film musical : Good Morning England

- Meilleur documentaire ruraliste : Dernière saison - Combalimon

- Meilleur film climatique : Frozen River

- Meilleur polar : Dans la brume électrique

- Meilleur Western : The Proposition

- Meilleure satire politique : In The Loop

- Meilleur film d'anticipation : District 9

- Meilleur film de divertissement : Avatar

 

   Et voilà ! Les curieux pourront consulter mes florilèges 2006, 2007 et 2008.

20:26 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

lundi, 28 décembre 2009

Good morning England !

   J'ai mis du temps à voir ce film, en version originale sous-titrée, bien sûr. (Il faudra que les directeurs de cinéma finissent par comprendre que, dans certains cas, il est inutile de programmer certains films dits "art et essai" en version française : le public ne vient pas les voir.)

   Evidemment, la zique est bonne, plus variée que ce à quoi je m'attendais... et telle qu'on ne peut désormais l'entendre régulièrement que sur Nostalgie, RFM ou RTL 2, le soir, chez Francis Zégut.

   C'est drôle, parfois même hilarant. Le film joue d'abord sur le comique de situation. Il y a un évident contraste entre le puritanisme ambiant (avec un excellent Kenneth Brannagh en ministre hyper coincé), au Royaume-Uni, dans les années 1960, et l'appétit de jouissance d'une jeunesse (mais aussi des plus âgés) qui cherche à tout pris à se démarquer de ses aînés.

   A ce sujet, on peut saluer la relative subtilité du scénario, qui souligne bien la diversité des aspirations des personnages. Beaucoup de ces jeunes hommes recherchent avant tout un amour viable, les autres se contentant de tirer leur coup. De graves questions se posent concernant la fidélité... et le comportement des parents, le summum étant atteint quand le petit dernier découvre que sa mère est une folle du cul, qui n'hésite pas à se taper des jeunots de l'âge de son fils !

   C'est aussi très réussi visuellement. Le bateau-radio forme une sorte de cocon de plaisir, coupé du monde des adultes à la fois symboliquement et matériellement (puisqu'il est ancré très au large des côtes britanniques). L'un des personnages (brillamment interprété par Philip Seymour Hoffman), le seul Américain de cette bande de mecs (à laquelle s'ajoute une homosexuelle... tout cela frise la phallocratie), semble être le porte-parole du réalisateur : il pense qu'il vit là une sorte d'âge d'or (de la radio, de la musique... et peut-être du sexe) et que bientôt tout cela va être formaté. Même s'il y a un fond de vérité (il suffit de regarder ce que sont devenues les radios musicales aujourd'hui), je n'ai pas pu m'empêcher de penser que c'était là limite un point de vue de "vieux con".

   A propos du fonctionnement de la radio, supposée "libre" (du pouvoir politique certes, mais pas du reste), il manque la description de la place de la publicité. Celle-ci ne joue qu'un rôle secondaire, alors qu'elle est aujourd'hui déterminante dans le fonctionnement de la bande FM en particulier. C'est la limite du film, qui se veut à la fois témoignage et divertissement, mais pas analyse critique.

12:40 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

samedi, 26 décembre 2009

Samson et Delilah

   C'est incontestablement l'un des films les plus originaux du moment. L'action se déroule en Australie. Les personnages principaux sont de jeunes Aborigènes, qui vivent plutôt dans la dèche. En gros, les mecs passent leur temps à jouer ou écouter de la musique, quand ils ne se shootent pas aux vapeurs de peinture ou d'essence. Les femmes sont plus actives, tentent de s'en sortir, mais sont des proies encore plus fragiles.

   L'intrigue s'articule autour de quatre "lieux" principaux : un village d'Aborigènes délabré, l'espace situé sous une autoroute, une grande ville blanche et une cabane en plein désert. Le réalisateur réussit à dire beaucoup de choses alors que le film est assez économe en dialogues. Les Aborigènes parlent entre eux, dans leur langue, mais, quand ils croisent des Blancs (un commerçant malhonnête, un clochard fraternel, un galeriste snob, les clients gênés d'un café), ils deviennent en général taiseux. On ne peut pas dire que la vision de l'Australien moyen véhiculée par ce film soit extrêmement positive.

   C'est donc par la construction des plans et le montage (la juxtaposition des scènes) que le réalisateur s'exprime. Il pratique aussi volontiers l'ellipse. Cela nous donne des moments cocasses, notamment ceux qui tournent autour du trio de musiciens, toujours à jouer le même morceau (c'est bien entendu le fil rouge de l'histoire) et d'autres plus tragiques, comme celui qui touche à l'enlèvement de l'héroïne.

   Le film est aussi terrible par ce qu'il dit à travers le héros, Samson (pour le corps -musclé- duquel la caméra semble éprouver une certaine fascination), de plus en plus décérébré au fur et à mesure que le temps passe. Celle qui va devenir son étrange compagne, Delilah, en bave... mais elle est pleine de ressources, de courage. (Très belles sont les scènes qui la montrent en action, que ce soit en train de peindre ou lorsque, par exemple, elle creuse, dans l'obscurité, une sorte de tombe.) Si le film est dur, il ménage aussi de l'espoir. Il est même piquant de constater à quel point la situation du début s'est renversée à la fin du film.

17:07 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

vendredi, 25 décembre 2009

Avatar

   Voilà un film qui peut se lire à plusieurs niveaux. James Cameron est un gros malin : il en a mis pour à peu près tous les publics. Les amateurs de films d'action seront ravis, notamment par la deuxième moitié du film, très violente (et, comme c'est bizarre, sans qu'aucune restriction ne soit imposée pour le jeune public... quand même, parfois on frôle la boucherie... visiblement, Le seigneur des anneaux a laissé des traces). Les adeptes de science-fiction seront captivés par l'attirail technologique qui entoure les scientifiques et les militaires. Ceux qui privilégient le merveilleux vont adorer tout ce qui touche à la spiritualité des Na'vi. Les grands romantiques devant l'éternel vont vibrer avec l'histoire d'amour naissant entre les deux personnages principaux. Les intellos jubileront devant cette métaphorique dénonciation de la colonisation. Les amis de la Terre se réjouiront de voir porté à l'écran un quasi pamphlet écologiste (eh oui !).

   C'est le grand talent de James Cameron : réussir à traiter de questions politiques à travers des films très grand public. Il est évident que derrière l'exploitation minière de la planète Pandora et l'extermination quasi-programmée de sa population se profile l'histoire des rapports entre colons européens et Amérindiens, en particulier au XIXe siècle.

   On appréciera la constance avec laquelle, dans plusieurs films, le metteur en scène canadien pourfend le militarisme. Et pourtant... il lui accorde une place de choix, puisque le "méchant" ultime, joué par Stephen Lang (une sorte de Franck Dubosc très très vilain, avec beaucoup plus de muscles, des cicatrices tout plein partout et un tempérament à la Bruce Willis des grands jours), est finalement plutôt mis en valeur, tant sa ténacité lui permet de déjouer les petits tours de ses adversaires. Les "fana militari" prendront donc leur pied à ce film.

   Le résultat visuel est splendide. J'ai vu le film en 3D et, franchement, ça vaut le coup. Le relief donne de la profondeur de champ à de nombreuses scènes, les rendant plus dynamiques. Il est aussi utilisé pour toutes les incrustations numériques. Il donne de la vie aux nombreuses bestioles qui peuplent la jungle de Pandora. Par contre, le port des lunettes de vision atténue un peu les couleurs magnifiques. Je m'en suis aperçu quand, de temps à autre (sur 2h40, plusieurs pauses sont ménagées pour permettre aux spectateurs de reprendre leur souffle), je me suis amusé à les ôter (on finit par comprendre dans quel type de scènes elles ne sont pas nécessaires). Ce que je voyais alors à l'écran était encore plus beau. Je vais peut-être songer à retourner le voir... en deux dimensions.

   Les acteurs font leur taf. Il me semble qu'ils sont moins "potiches" que dans la deuxième trilogie de Star Wars. J'ai apprécié qu'hommes comme femmes jouent tour à tour les premiers rôles, même si le héros reste une incarnation sublimée (et donc irréelle...) de l'Américain moyen (un mec pas très intello, débrouillard, beau gosse qui sait forcer la chance, franc-tireur comme c'est pas permis).

00:14 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : film, cinema

jeudi, 24 décembre 2009

Kérity

   C'est un dessin animé français. L'histoire commence par un événement triste, qu'on ne nous montre pas : le décès d'une grand-tante, qui lègue sa maison et ce qu'elle contient à sa famille principalement (un voisin a eu droit à un petit quelque chose). Mais la maison n'est pas en très bon état ; il faudrait la retaper. Pour cela, la famille a besoin d'argent, argent qui pourrait provenir de la vente des vieux libres (des éditions originales) de la défunte, qui sont désormais en la possession du jeune Nathanaël. Celui-ci, à 7 ans, ne sait toujours pas lire ! La famille va-t-elle céder aux sirènes de l'antiquaire (le bien nommé Pictou), qui voit l'occasion de réaliser l'affaire de sa vie ?

   C'est donc un film d'apprentissage. Le jeune héros va traverser de multiples épreuves, de manière d'autant plus pénible que la fée Carabosse l'a réduit à la taille d'une figurine ! Mais les autres personnages imaginaires, tout droit sortis des livres de contes (les adultes retrouveront leur jeunesse évaporée...) que sa grand-tante lui lisait, vont lui donner un coup de main, notamment la délicieuse Alice et l'inattendu Ogre.

   C'est bien dessiné, avec un scénario qui tient la route (et le rythme est mieux tenu que dans Max et les maximonstres, par exemple). La musique est chouette, entraînante. (Pour en savoir plus, vous pouvez consulter le dossier de presse, bien fichu.) Vraiment, une belle histoire pour les petits et les grands.

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mercredi, 23 décembre 2009

Capitalism, a love story

   Si Michael Moore s'est fait connaître en France par Bowling for Columbine et Fahrenheit 9/11, les cinéphiles avaient, quelques années auparavant, pu apprécier Roger et moi et The Big One. Barack Obama ayant été élu, le polémiste démocrate délaisse (de manière très relative) la diatribe purement politique pour revenir à ses premières amours, la dénonciation de l'injustice économique.

   Le film tire sa force de plusieurs séquences tonitruantes, comme celle qui traite du cas de ces polices d'assurance-vie souscrites par certaines entreprises (comme Wall Mart) sur le dos de leurs employés... sans que ceux-ci le sachent ! On appréciera aussi le passage sur ce centre d'internement d'adolescents, coeur d'un système de corruption appuyé en façade sur la prétendue lutte contre la délinquance juvénile. Certains seront sans doute étonnés par la situation des pilotes d'avions dont il est question dans le film : il vaudrait mieux pour eux qu'ils travaillent dans un fast food... Crise immobilière oblige, de longues scènes sont consacrées aux familles surendettées, expulsées de leur logement. Face à cela, la peinture du monde de la finance que nous propose M. Moore ne peut que susciter la révolte.

   Toutefois, si l'on ne peut que partager son indignation quant aux conditions faites à "l'Amérique moyenne", on pourrait lui reprocher de ne pas fouiller suffisamment le sujet des subprimes. Bon, il a fait un effort et tenté de dégotter un expert pour nous expliquer la chose. Pas évident... d'autant plus que les quelques politiques consultés ne semblent pas mieux informés que lui !

   L'autre grand intérêt du film est la description de la rupture intervenue, selon Moore, sous les mandats de Ronald Reagan (1981-1989). A plusieurs reprises, le film évoque la vie d'avant, celle des salariés qui travaillaient dur et en étaient récompensés, celle de familles qui pouvaient croire en l'avenir. C'est peut-être là le meilleur du film, quand le réalisateur s'appuie sur son vécu familial pour dénoncer l'abandon dont ont été victimes les classes moyennes et populaires. Le public français découvrira peut-être avec stupeur le niveau d'endettement auquel sont contraints les étudiants... avec des conséquences sur des dizaines d'années. (Pensez que c'est un "marché" de près de 100 milliards de dollars !... Le couple Obama lui-même n'a fini de rembourser que quelques années avant l'élection de Barack ). On retrouve ici le ton employé dans son précédent film, Sicko.

   Moore est aussi très américain quand il s'appuie sur la religion. C'est le catholicisme social qui le motive, mais il est minoritaire aux Etats-Unis. Il aurait été très intéressant de comparer cette lecture des évangiles avec l'éthique protestante des dirigeants. Nombre de ceux qui ont contribué à démanteler l'Etat-providence étaient (sont) de parfaits bigots.

12:13 Publié dans Cinéma, Economie | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

mardi, 22 décembre 2009

Vincere

   Benito Mussolini redevient à la mode, à travers ses aventures féminines. Récemment a été publié un ouvrage consacré à l'une de ses maîtresses, Marguerita Sarfatti. Dans le passé, on s'était plutôt intéressé à Clara Petacci, qui fut exécutée en compagnie du dictateur en avril 1945 (et dont le journal en dit long sur le véritable caractère de son amant). On a par contre peu creusé du côté de l'épouse légitime, Rachele Guidi.

   Ce film a pour héroïne une autre des maîtresses du futur Duce, Ida Dalser, dont je dois avouer que je n'avais jamais entendu parler jusqu'à présent. La première partie (où le réalisateur semble très à l'aise) nous narre donc la naissance d'un amour. On sent que celui-ci est un peu déséquilibré : elle semble éprouver des sentiments bien plus profonds que lui. La scène-clé est celle qui voit apparaître l'épouse légitime (dont l'existence nous avait été cachée jusque-là, un peu comme par effet de miroir, puisque, dans la réalité, c'est l'existence de la maîtresse qui a été dissimulée à la "régulière"), alors que l' "autre" doit libérer la place, de force. L'acteur qui incarne Mussolini jeune est très bon. C'est l'un des intérêts du film que de nous faire découvrir les premiers pas politiques de celui qu'on a pris l'habitude de voir en homme de pouvoir installé.

   Cependant, Bellocchio ne faisant pas oeuvre d'historien, il ne donne aucune explication sur deux épisodes très importants dans la carrière de Mussolini. Ainsi, on ne sait pas vraiment pourquoi ce socialiste militant, antiguerre avant 1914, a retourné sa veste et soutenu l'intervention de l'Italie au côté de Triple Entente en 1915. De plus, la "marche sur Rome" est presque complètement passée sous silence ! C'est tout de même dérangeant.

   La figure du dictateur devient secondaire dans la suite du film. Le paradoxe est que celui-ci est désormais centré sur le personnage d'Ida, alors que celle-ci voue sa vie à son aimé... qui l'a laissée tomber... mais pas oubliée, puisqu'une grande attention est portée à cette ancienne relation. Mussolini en quête de respectabilité ne veut pas passer pour un mari volage... voire un bigame.

   Cela tient la route d'abord grâce au talent de l'actrice principale, Giovanna Mezzogiorno (qui a un petit air de Marion Cotillard), vraiment épatante. C'est aussi bien filmé, très classiquement certes, mais c'est joli à regarder. C'est toutefois un peu long. On aurait pu facilement procéder à des coupes. Et puis, au bout d'un moment, on se perd un peu dans la chronologie des faits. La partie de l'intrigue qui s'étend de 1922 à 1937 n'est pas bien organisée.

   C'est dommage, parce que cette vision somme toute anecdotique du fascisme nous en donne malgré tout un bon aperçu, tant il est évident que même ceux qui ont côtoyé Mussolini ne sont pas épargnés par la violence du régime qu'il a mis en place.

14:30 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema, histoire

lundi, 21 décembre 2009

In The Loop

   Ce film britannique est l'adaptation d'une série télévisée, The Thick of it, qui serait une sorte de A La Maison blanche à la sauce londonienne. Mais, comme il est centré sur le déclenchement de la guerre en Irak en 2003, les acteurs "so British" se retrouvent face à leurs homologues d'outre-Atlantique. On profitera de la version originale pour goûter les accents anglais, américain... et écossais !

   On peut donc s'amuser à essayer de repérer qui est qui. Les scénaristes ont beau avoir parfois essayé de brouiller les pistes (peut-être aussi pour éviter les procès...), on reconnaît sans problème l'ancienne éminence grise de Tony Blair (pas incarné à l'écran, lui), Alastair Campbell, dans le personnage de Malcolm Tucker, joué avec une conviction et un plaisir évidents par Peter Capaldi. Chacune de ses apparitions est un ravissement, pour la bonne raison qu'il incarne la suffisance grossière, passant la plupart de son temps à inventer des injures plus incongrues les unes que les autres (en V.O., faut suivre !) dont il couvre ses interlocuteurs avec un mépris qui n'a d'égal que sa puissance de postillonnement !

   Il semble aussi évident que le général Miller (James Gandolfini), bien que blanc, tienne le rôle de Colin Powell. Il est assez bien servi par le scénario, qui en fait un gros nounours sympathique, la tête sur les épaules (les scènes au cours desquelles il se retrouve face à Karen Clark-Mimi Kennedy sont croquignolesques)... mais très soucieux de sa carrière. On pourrait continuer longtemps comme cela, mais n'aurait pas trop d'intérêt.

   Le film est bien évidemment une satire. Il démontre dans quelle mesure le déclenchement de la guerre est le résultat d'une conspiration montée entre le Pentagone (le portrait de Donald Rumsfeld -sous les traits de Linton Barwick- vaut son pesant de bombinettes) et la Maison Blanche (avec le soutien de Tony Blair)... une conspiration faite un peu de bric et de broc, ce qui donne un côté "pieds nickelés" aux magouilleurs. La politique en général n'en sort pas du tout grandie. Les dirigeants comme leurs équipes sont dépeints comme très majoritairement égocentriques, cyniques et manipulateurs, souvent ridicules. La vie des gens ordinaires est très éloignée de leurs préoccupations. Au-delà du rire salutaire qu'il provoque, In The Loop est une oeuvre au final très pessimiste.

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dimanche, 20 décembre 2009

The Proposition

   Voilà un western anglo-australien (signé John Hillcoat) qui a puisé dans les grands classiques. Tant au niveau du scénario que des décors, on sent l'influence des films de Sergio Leone (même s'il manque l'aspect parodique), mais aussi de la mythologie des frères James (Franck et Jesse)... et de Apocalypse now, notamment en raison du rôle joué par l'aîné de la fratrie Burns, excellemment incarné par Danny Huston (qu'on a vu dans Wolferine, Le Royaume et Le Nombre 23), qui, à l'évidence, s'inspire de la composition de Marlon Brando dans le chef-d'oeuvre de Coppola.

   A côté de cela, on a un héros (joué par Guy Pearce, vu récemment dans Démineurs) qui est un mélange de Clint Eastwood jeune et de Viggo Mortensen, un méchant soldat qui a des airs de John Malkovich et un officier rugueux au grand coeur qui se la joue (bien) Russel Crowe. Au beau milieu de ces sauvages excités de la gâchette se trouve la trop rare Emily Watson. Les Aborigènes sont au second plan et servent de faire-valoir dans ce film à l'image de l'ancien monde, dominé par les Blancs.

   C'est que les moeurs sont rugueuses, à l'époque ! On tue, on pille, on viole... et on rend la justice d'une manière qui pourrait choquer nos contemporains. Certaines scènes sont donc d'une grande violence... et diablement bien fichues ! Mais, heureusement, le film est plus subtil que cela. Il ajoute à ces moments d'action un vrai recul sur la nature de la violence, sa justification. A cet égard, il est significatif que les deux pires crapules de l'histoire semblent être du côté du "bien" : il s'agit de l'un des seconds du capitaine Stanley et du ponte local (brillamment interprété par David Wenham, qu'on avait remarqué dans Le Seigneur des anneaux et Australia).

   Mettez par dessus une musique qui déchire (signée Nick Cave, qui a écrit le scénario) et une couche de paysages magnifiques... et vous obtenez un excellent film d'action, propre à réchauffer le public en cette froideur hivernale !

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vendredi, 18 décembre 2009

Max et les maximonstres

   Ce n'est pas un dessin animé, mais un "vrai" film, dans lequel un petit garçon va se retrouver au beau milieu d'un groupe de grosses bébêtes pelucheuses.

   La première partie nous présente l'environnement du gamin, solitaire par nécessité. On veut clairement nous faire comprendre qu'il vit mal la situation familiale, qu'il y a incompréhension entre lui et sa mère mais aussi entre lui et sa soeur plus âgée.

   Le coeur du film est occupé par les aventures dans le monde imaginaire dans lequel Max se réfugie. Il y rencontre donc ces fameux monstres, effrayants mais plutôt gentils... quoique... Avec eux, il se constitue une bande de copains. Certaines scènes sont donc une réplique de ce que l'on peut voir dans une cour de récréation... à ceci près que les protagonistes (sauf un) sont de grosses boules de poils à cornes. C'est souvent amusant.

    L'animation est d'une grande qualité. Pour les plus anciens (et les jeunes cinéphiles), il n'est pas anodin de préciser que les studios fondés par Jim Henson, créateur de Dark Crystal et du Muppet show, ont apporté leur savoir-faire à ce film tourné dans le sud de l'Australie.

   Cependant, ce n'est pas une réussite complète. Le scénario est parfois un peu léger et l'intrigue connaît quelques moments de vide. A cela s'ajoute une volonté évidente de bâtir un conte moral, très utile certes pour les parents soucieux d'éduquer au mieux leur progéniture, mais cela gâche un peu l'intérêt du film.

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mardi, 15 décembre 2009

Le Vilain

   Il m'a fallu un peu de temps pour me décider à aller voir le film de Dupontel, lui qu'on a pourtant surtout vu comme acteur ces dernières années, que ce soit dans Président, Jacquou le Croquant (trop brièvement), L'ennemi intime, Chrysalis (à côté duquel la critique est passée... c'est pourtant un très bon film), Cortex (un polar à recommander) et, anecdotiquement, dans Louise Michel... Ce mardi soir, à Rodez, c'était la dernière séance. Il y avait quand même du monde dans la petite salle.

   Le scénario n'est pas d'une inventivité folle : une vieille maman va essayer de ramener son garnement de fils dans le droit chemin. A ce propos, la séquence qui voit Catherine Frot (excellente) découvrir la véritable nature du fiston adoré qu'elle n'avait pas revu depuis vingt ans vaut son pesant de cacahuètes. Par contre, avant, le film peine à démarrer. Comme le ton est volontairement décalé, il faut une dizaine de minutes environ pour s'y acclimater.

   Tous les acteurs sont épatants. Aux deux protagonistes j'ajouterais Nicolas Marié, impayable en docteur alcoolique sur le retour (il était aussi très bien dans Micmacs à tire-larigot), et Bouli Lanners (déjà remarqué dans Louise Michel), génial en promoteur immobilier véreux (pléonasme ?).

   Certains moments sont de petits bijoux d'humour sardonique, comme ceux qui voient le "fils prodigue" faire soigner ses blessures, ou encore la tentative d'assassinat de la mère (qui se termine de manière très surprenante, flingue à la clé !). La tortue est aussi un des ressorts du comique, en forme de fil rouge, jamais décevante.

   On passe un bon moment, d'environ 1h25. C'est une comédie doucement déjantée et pas vulgaire.

   Pour en savoir plus sur Albert Dupontel, on peut se rendre sur son site et consulter notamment son blog, où il répond aux questions des internautes.

22:54 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema

lundi, 14 décembre 2009

Stéphane Guillon a-t-il son bac S ?

   C'est juste une question en passant... parce qu'il nous a gratifiés d'une belle bourde historico-cinématographique, ce matin. Muriel Cousin, sa compagne, qui relit ses sketches, paraît-il (et qui serait passée par hypokhâgne et Sciences Po, tout de même) n'y peut-être aussi vu que du feu. Mais de quoi s'agit-il ?

   Dans sa chronique consacrée à la santé de Johnny Hallyday, Guillon fait référence à l'excellent film de Robert Altman, Mash... sauf qu'il en situe l'action pendant la guerre du Vietnam (1964-1973)... au lieu de la guerre de Corée (1950-1953). Vous me direz, l'erreur est compréhensible, puisque le film, sorti en 1970, a été tourné avec d'évidentes arrière-pensées.

   Même si l'humoriste a un passé de cancre (qu'il sait habilement mettre en valeur, comme par exemple chez Mireille Dumas), cette bourde, commise par quelqu'un qui, quelques jours auparavant, défendait le maintien de l'histoire-géographie en Terminale S, fait un peu tache.

vendredi, 04 décembre 2009

Hôtel Woodstock

   C'est bizarre mais, quand j'ai entendu le titre de ce film pour la première fois, j'ai pensé à la chanson des Eagles, Hotel California. Si vous en écoutez attentivement les paroles, vous entendrez une référence à l'année 1969... mais le titre original du film d'Ang Lee est Taking Woodstock. Le plus étonnant est qu'il s'agit de l'adaptation d'une autobiographie d'Elliot Tiber (le héros du film). C'est là que je me suis rendu compte que les distributeurs du film en France ont tout simplement repris le titre du livre traduit et non son titre original, qui est aussi Taking Woodstock.

   Cela démarre lentement. On a droit à une description de la vie provinciale d'une bourgade de gagne-petit, avec une forte communauté juive, très pittoresque. Je recommande tout particulièrement l'actrice qui incarne la mère du héros, l'énergique Imelda Staunton (mais si... Dolores Ombrage dans Harry Potter, voyons !) et l'inénarrable Eugene Levy (oui, l'inoubliable père du héros de American Pie !), en paysan détaché de tout (sauf quand même du pognon).

   Le grand intérêt du film est de nous montrer l'élaboration et la gestion de la "périphérie" du concert. Ang Lee a fort pertinemment laissé de côté les paillettes et les "performances" scéniques. (Les amateurs de pipoles en seront pour leurs frais.) Cela donne au film un côté "pieds-nickelés" pas déplaisant. On voit aussi que l'argent a joué un grand rôle dans la chose. Au-delà de l'affirmation de la contre-culture (enfin, d'une certaine contre-culture), c'est d'abord une histoire très américaine de gars débrouillards qui vont réussir à créer l'événement.

   C'est surtout très drôle. Certains passages très attendus, évoquant l'usage des drogues (avec une séquence sous acide, psychédélique, fort réussie) ou la libération sexuelle, méritent à eux seuls le détour. Et puis il y a cet improbable ange-gardien, ancien marine passé travelo, joué avec un plaisir évident par Liev Schreiber. (C'est sûr que ça le change de ses rôles dans Les Insurgés ou Wolferine !)

   Je crois que je devais être le plus jeune spectateur, dans la salle... et pourtant, il y a un paquet d'années que ma puberté s'est envolée ! Le film attire donc les nostalgiques... mais, pour un profane, il dégage une énergie positive... et on regrette de le voir se terminer.

00:15 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : film, cinema