A Fond

   Cette comédie française associe l'ancien et le nouveau. Pour l'ancien, on a André Dussolier (en pépé libidineux... qui en fait des tonnes), José Garcia (plutôt bon) et Florence Foresti (caricaturale au possible... mais, parfois, ça lui va bien). La "nouvelle" génération est représentée par une partie de l'équipe de Babysitting : Vincent Desagnat, Charlotte Gabris, Vladimir Houbart (excellent en beauf rivé à sa bagnole) et surtout le réalisateur Nicolas Benamou. On peut aussi saluer la performance de Jérôme Commandeur en requin commercial de l'automobile.

   Dès le début, on est mis dans de bonnes dispositions, avec la description de la vie d'une famille de classe moyenne et quelques gags basiques mais efficaces. (Je suis client des coups portés par inadvertance, une pratique que l'on retrouve plus loin, une fois que les principaux personnages sont enfermés dans la voiture.) Par contre, j'ai eu du mal avec l'interprétation de Dussolier, un acteur que j'estime pourtant beaucoup et qui semblait avoir réussi sa conversion tardive dans la comédie populaire avec Adopte un veuf.

   L'un des ingrédients essentiels de l'histoire est le fameux monospace. Présenté comme un bijou de technologie, il fascine Tom (José Garcia), qui est comme un gamin devant ce nouveau (coûteux) jouet. Cela fait partie des petites observations, glissées ici ou là, qui donnent un peu de profondeur sociologique à un scénario somme toute très linéaire. Avant même que le régulateur de vitesse ne se mette à déraper, la pauvre voiture va subir ses premières avaries. Je ne vous dirai pas dans quel état elle achève le périple.

   C'est toute la famille qui va vivre ces aventures. A Tom et son père s'ajoutent l'épouse du premier, très bien jouée par une actrice inconnue (Caroline Vigneaux), et leurs enfants, un garçon et une fille qui ont leurs qualités et leurs défauts. On aurait pu s'attendre à ce que le scénario tombe dans la facilité à leur égard, en en faisant de petites pestes fouteuses de merde. Ce n'est pas le cas.

   Par contre, on ne peut pas dire que le portrait des gendarmes soit nuancé. C'est une caricature grossière, mais qui sert bien l'intrigue. Un autre personnage brut de décoffrage donne du tonus à l'histoire : Jacky, le pilote conducteur de la BMW jaune, qui va subir une série d'avanies qui ont fait hurler de rire la salle où je me trouvais. Puisque la couleur jaune joue un rôle dans cette histoire, je vous laisse imaginer quel liquide corporel se trouve au coeur d'un gag ENORME...

   Du coup, même si certaines scènes souffrent de quelques faiblesses, on est emporté par le rythme et les traits d'humour, qui tombent à intervalle régulier. J'ai aussi été agréablement surpris par la qualité des scènes d'action, un phénomène rare dans les comédies françaises contemporaines. Cela donne au final un bon divertissement, qui a ravi le public hétérogène qui avait rempli la salle.

   Une question demeure : pourquoi ce film a-t-il subi cet éreintement injustifié, de la part des critiques et de certains spectateurs de base (censés avoir assisté à une avant-première) ? On peut y voir plusieurs raisons.

   Tout d'abord, rappelons qu'il convient de se méfier des notes attribuées par les spectateurs sur Allociné. En règle générale, elles surévaluent les films. Il est logique de penser que les personnes qui ont apprécié, même moyennement, un long-métrage vont davantage s'exprimer que celles qui ont été déçues (sauf si elles se sont vraiment fait chier). De plus, une partie des appréciations laudatives sont le fait de faux spectateurs, des personnes qui ont intérêt à ce que le film marche. A l'inverse, le sujet ou la distribution d'un long-métrage peuvent inciter des internautes à "descendre" un film sans même l'avoir vu.

   Ici, c'est aussi le contenu qui a pu provoquer des réactions de rejet. L'une des séquences fait intervenir une famille d'obèses, présentés comme assez à l'aise financièrement, mais pas très propres et plutôt crétins. Ces clients d'une concession automobile (la même que celle dans laquelle s'est rendu Tom) vont subir un traitement grotesque, qui a bien fait rire dans la salle. Mais ce rire est-il sain ?

   D'autre part, la satire de la vie de famille que contient le scénario a pu gêner des spectateurs. Sans en dire trop, je peux affirmer que les circonstances exceptionnelles vont pousser les parents et le papy à révéler leurs petits secrets, pas très ragoûtants. Mais c'est aussi cela, la vie.

   Ne négligeons pas non plus le malaise qu'a pu susciter chez certains spectateurs masculins le portrait à charge du fana de bagnole. Quel plaisir que de voir ridiculiser ce genre de blaireaux, qui nous empoisonnent la vie sur les routes ! Mais tout le monde n'a sans doute pas la même opinion sur le sujet...

   Enfin, le rejet de la critique peut lui s'expliquer par d'autres facteurs. Il n'aura échappé à aucun des spectateurs que M6 soutient ce film, dans lequel la chaîne BFMTV est mise à l'honneur (encore que... les reporters montrés à l'écran ont l'air un peu stupides). Cela suffit peut-être à expliquer que certains professionnels aient regardé A Fond avec des oeillères. Ce n'est certes pas le film de l'année, mais c'est une comédie efficace, qui fait passer un bon moment.

La Sociale

   Je me suis un peu fait violence pour aller voir ce documentaire. Il y a trois ans, je m'étais ennuyé à la vision des Jours heureux, le précédent film de Gilles Perret (que je n'ai pas chroniqué sur le blog, comme cela m'arrive de temps à autre). Et, comme c'est une création de Rouge productions, je redoutais l’œuvre militante lourdingue.

   Première bonne surprise : c'est un documentaire rigoureux, dans sa construction comme dans sa démarche, même si l'on comprend très vite qu'il ne faut pas s'attendre à une irréprochable objectivité. Bien au contraire : le but du film est de montrer combien la "Sécu" est vitale pour notre pays. Au moins, les auteurs n'avancent pas masqués... et ils donnent la parole à des personnes "du camp opposé", même si je les soupçonne d'avoir sélectionné les plus caricaturales. (Je recommande tout particulièrement le médecin libéral, qui dénonce une France presque totalement communiste !)

   Deuxième bonne surprise : les images d'archives. Beaucoup m'étaient inconnues (celles des années 1940-1950). On a puisé dans les fonds du Parti communiste et de la CGT, présentés comme les principaux artisans de la création de la Sécurité sociale, à travers notamment l'action d'Ambroise Croizat, militant communiste dévoué, travailleur acharné, mort prématurément à 50 ans. Certes, on n'oublie pas de rappeler le rôle d'un haut fonctionnaire, Pierre Laroque. Cependant, de la même manière que les autorités ont eu tendance à minimiser le rôle des communistes dans la création de la Sécu, ce film a tendance à minimiser le rôle de ceux qui ne sont pas communistes. Juste retour du balancier, diront certains.

   Le documentaire est vivant parce que les images d'archives sont entrecoupées d'entretiens avec des chercheurs (un historien, un économiste et un sociologue), très intéressants. On voit et entend aussi souvent l'un des survivants de l'époque, Jolfred Frégonara (hélas décédé en août dernier) qui, jeune adulte, fut l'un des responsables départementaux chargés de mettre en œuvre cette véritable révolution sociale. (Au passage, l'insistance sur la capacité de travail de ces militants communistes est une leçon pour les gauchistes du XXIe siècle, plus prompts à lever le coude et beugler dans les rues qu'à déployer des efforts au service de la collectivité.) Âgé de plus de 90 ans, cet ancien cégétiste est la trouvaille de ce film. Il avait encore toute sa tête et sa rencontre avec les jeunes (futurs) cadres de la Sécu mérite le détour.

   L'histoire ne s'arrête pas aux années 1940-1950. Le documentaire évoque les premières tentatives de détricotage du filet social et souligne l'impact de l'arrivée au pouvoir du duo Thatcher-Reagan (au Royaume-Uni et aux États-Unis), au tournant des années 1970-1980. Il néglige toutefois de rappeler que, si le système a tenu aussi longtemps, c'est aussi parce qu'à droite, une partie non négligeable du personnel politique s'est rallié à cette pincée de socialisme dans notre économie de marché.

   A ce sujet, les temps semblent avoir changé, avec la victoire du plus libéral des candidats aux primaires de LR. Même si ce film a d'abord été tourné pour célébrer le 70ème anniversaire de la création de la Sécurité sociale, il est évident que son propos entre en résonance avec la campagne présidentielle qui est déjà engagée.

   P.S.

   Par un curieux effet du hasard, le documentaire est projeté à Rodez la semaine où sort un numéro du Canard enchaîné qui évoque les projets de François Fillon. Dans l'entourage de celui-ci, on tente de minimiser les dégâts provoqués dans l'opinion par la révélation de son programme social, d'inspiration néo-libérale. Ainsi, le détail des mesures prônées par celui qui est devenu le candidat officiel de LR a disparu de son site internet. Le Canard s'est fait un plaisir de le remettre en ligne. Bonne lecture !

   P.S. II

   Sur le site dédié au film, on peut télécharger un dossier pédagogique assez bien conçu.

Rogue One : a Star Wars Story

   Un an après la relance de la franchise avec Le Réveil de la Force, Disney nous sert un entremets, histoire de nous faire patienter en attendant la sortie du volet VIII. Ici, l'intrigue se situe entre La Revanche des Siths (le troisième épisode de la "prélogie" sortie au début du XXIe siècle) et Un Nouvel Espoir (le premier film sorti dans les salles, à la fin des années 1970).

   L'Empire est dominateur, mais pas hégémonique. Les opposants sont multiples, mais divisés. Une énorme menace pèse sur eux : la construction d'une arme nouvelle, l’Étoile de la mort. L'enjeu de l'épisode est de réunir le maximum d'informations sur cette arme, mais aussi de fédérer les opposants à l'Empire.

   Le film mélange vieilles recettes et nouveautés, dans un ensemble qui m'a été très agréable à suivre : on ne voit pas passer les 2h10 ! Du côté du vieux pot, on retrouve l'ambiance des histoires de la première trilogie sortie dans les salles, notamment des épisodes IV et VI (Le Retour du Jedi). Les vaisseaux seront très familiers aux fans... et les effets spéciaux sont bluffants. On a réussi à faire revivre le "matériau" ancien avec des technologies modernes. Impressionnante est la scène de collision entre deux imposants vaisseaux. A couper le souffle est la représentation de la première utilisation de l’Étoile de la mort, avec un gigantesque séisme à la clé.

   Les personnages sont pour la plupart des petits nouveaux. Felicity Jones et Diego Luna sont très bien... mais j'ai un faible pour la demoiselle, qui incarne la jeunesse désabusée, qui ne croit plus en la politique (au départ). Elle entretient une relation très forte avec son père, incarné par Mads Mikkelsen, auquel Hollywood a fini par attribuer un rôle de "gentil". L'intrigue conduit à la formation d'une équipe bigarrée, où l'on retrouve un droïde, K-2SO, pas aussi savant que C-3PO (que l'on aperçoit brièvement avec R2-D2, vers la fin), mais très efficace avec une arme à feu.

   Cela nous amène tout naturellement aux têtes connues. A plusieurs reprises, on croise la route de Dark Vador, ainsi que celle d'un général (interprété par Peter Cushing) que l'on a vu déjà âgé dans les films d'il y a plus de tente ans. C'est quand même beau la technologie ! Elle peut même rajeunir Carrie Fisher, que l'on se réjouit de retrouver en jeune princesse Leia, à la toute fin, sans doute peu avant qu'elle ne transmette des informations capitales à un droïde que l'on apprécie beaucoup...

   C'est donc un très bon spectacle, surtout sur un grand écran, servi par une musique que l'on reconnaît immédiatement. Le réalisateur Gareth Edwards (auquel on doit le médiocre Godzilla) a été à la hauteur de la tâche qui lui était confiée. De surcroît, je trouve qu'il est gonflé, de la part de la production, d'avoir sorti ce genre d'«interlude», en sachant que les fans pourraient ne pas être intéressés par la vision d'un film qui repose sur des personnages mineurs et dont on connaît par avance l'essentiel du dénouement. C'est aussi le talent des équipes qui ont travaillé dessus, de donner vie à ces anonymes de la saga, en une sorte d'hommage aux "petites mains" de tout mouvement de résistance, dont l'action a contribué à la réalisation d'un grand dessein, sans que l'Histoire ait retenu leurs noms.

Tikkoun

   Dans la religion juive, ce terme peut faire référence à une prière de lamentation, un rituel de pénitence ou à la "réparation du monde". Cela fait sans doute allusion à la quête de perfection du personnage principal, le très zélé fils d'un rabbin orthodoxe de Jérusalem.

   Il faut tout de suite souligner la performance du jeune acteur Aharon Treitel, qui incarne avec une conviction stupéfiante cet intégriste gagné par le doute. Le début nous le présente comme un fondamentaliste plongé dans la lecture des textes religieux. C'est même un extrémiste chez les extrémistes : il est le plus assidu des étudiants de l'école juive, suscitant un étonnement mêlé de jalousie chez ses camarades.

   On sent aussi qu'il a pris son père pour modèle. Celui-ci est un rabbin respecté de la communauté. C'est le sacrificateur de l'abattoir cacher. Le fils cherche à lui ressembler physiquement (au point de porter des lunettes quasi identiques à celles de son père, alors qu'il n'en a nullement besoin) et intellectuellement. Mais, petit à petit, on se rend compte que le paternel pratique quelques accommodements avec le rigorisme religieux : il fume (parfois en cachette) et fait quand même passer la vie avant le respect littéral des textes sacrés. Cela le conduit à tenter de sauver son fils, victime d'un malaise et que les secouristes ne sont pas parvenus à ranimer.

   Le miracle qui se produit sous l'action du père va paradoxalement tout faire déraper. Je ne vais pas rentrer dans les détails ici, laissant à chacun le loisir de découvrir les changements qui s'opèrent chez Haim-Aaron et, par ricochet, chez les autres membres de sa famille. Même la petite communauté orthodoxe locale va en être bouleversée.

   L'action culmine une nuit brumeuse, après que le jeune homme a été pris en stop, son père ayant de son côté "pété les plombs" à l'abattoir (... ou mis ses actes en conformité avec ses convictions). Cela nous vaut certaines des scènes les plus "culottées" du film, l'une d'entre elles ne l'étant justement pas (au sens propre) !

   Signalons que c'est tourné en noir et blanc. Cela suscite une sorte d'étrangeté. Dans quel monde se trouve-t-on ? En tout cas, les rues de Jérusalem sont magnifiques et les animaux (phasme, grillon, vache, cheval, crocodile...) sont filmés avec un talent certain. Attention aussi : le réalisateur est plutôt de type contemplatif. Il aime les plans fixes chargés de sens. Aux spectateurs d'effectuer une partie du chemin.

Le Voyage au Groenland

   Dans cette comédie française, deux amis prénommés Thomas partent sur l'île danoise à la rencontre du père de l'un d'entre eux, séparé de son épouse depuis des années, et installé dans un village d'Inuits dont il a (partiellement) adopté le mode de vie.

   C'est donc sur le choc des cultures que repose une partie de l'humour, avec, en plus, les quiproquos nés de la méconnaissance linguistique mutuelle. Comme l'histoire s'inspire de faits réels (et qu'elle met sans doute en abyme le parcours des deux acteurs principaux), cela aurait pu donner une de ces productions nombrilistes dont le cinéma français est coutumier.

   En réalité... pas du tout ! Le film comme ses comédiens ne se prennent pas au sérieux. On sent de l'autodérision dans le jeu des deux Thomas (Blanchard et Scimeca), le second me semblant doté d'une plus grande palette. De surcroît, les habitants du Groenland ne sont pas regardés avec mépris. Il y a de l'empathie aussi bien dans le comportement des héros à leur égard que dans la manière de les filmer. L'histoire n'en revêt pas moins un aspect documentaire, qui ne masque pas les difficultés de la vie sous ces hautes latitudes.

   Je pense que le scénario a voulu montrer que de la rencontre entre la dépression nordique et le mal de vivre occidental peut naître du bonheur... et de jolis moments de déconnade ! Parmi les personnages hauts en couleur, je recommande celui du chasseur mutique, qui n'est pas sans rappeler Takeshi Kitano. Au niveau de l'action, ce n'est guère trépidant, même si la découverte du mode de vie des Inuits sédentarisés ne manque pas d'attraits. (Les âmes sensibles seront choquées par les scènes de chasse, bien réelles.) La séquence la plus intense est incontestablement celle qui voit les héros français tenter de mettre à jour leur dossier Assedic, par internet, en passant par la version danoise d'un célèbre moteur de recherche : tout le village finit par se porter à leur secours !

   D'un point de vue technique, c'est bien fichu. On a droit à de superbes plans de plaines enneigées voire gelées. Par contre, la musique est un peu cheap. On sent qu'on a peut-être eu besoin d'économiser sur cette partie du budget. Cela n'en reste pas moins une comédie très rafraîchissante, en dehors des sentiers battus.

Planétarium

   Rebecca Zlotowski s'est inspirée de plusieurs histoires vraies pour concevoir le scénario de cet étrange film, dont l'action se déroule en France, dans les années 1930. Les héroïnes sont deux soeurs médiums, incarnées par Natalie Portman (désormais très à l'aise dans la langue de Bernard Cazeneuve) et Lily-Rose Depp (qui joue beaucoup mieux que ce que j'en ai entendu dire).

   Le problème est que, si l'interprétation est de bon niveau, la mise en scène n'est guère inventive et le scénario plutôt plan-plan. J'ai eu du mal à m'intéresser au devenir des deux frangines... et je ne parle même pas des lubies du principal personnage masculin (Korben), que les efforts d'Emmanuel Salinger ne suffisent pas à rendre sympathique.

   Une séquence m'a un peu "transporté". Elle se situe vers le milieu du film. C'est une soirée mondaine, arrosée au champagne, qui va prendre une nouvelle tournure avec l'apparition de la neige. Là, c'est inspiré !

   Pour le reste, on se désintéresse de la quête d'André Korben, dont l'obstination va provoquer la mort de l'un des personnages, sans que cela soit montré de manière négative. On aurait pu insister davantage sur sa judéité et les ennuis qu'il va rencontrer, dans une France officielle de plus en plus antisémite. Mais, là aussi, la question est traitée de manière allusive.

   Il reste l'interprétation de Natalie Portman, lumineuse. Pour ceux qui ont suivi la carrière de ce petit bout de femme, il est plaisant de constater qu'elle est devenue une actrice accomplie, subtile, hélas un peu perdue dans cette médiocre fiction.

Premier Contact

   J'ai été alléché par l'offre : un film de science-fiction réalisé par Denis Villeneuve (auteur de Sicario, Enemy et Incendies), avec Amy Adams, Jeremy Renner et Forest Withaker au générique. On commence avec de très longues scènes d'exposition, qui nous présentent les principaux personnages et la situation mondiale (l'arrivée de vaisseaux spatiaux inconnus), qui n'a rien d'inédit dans le petit monde du cinéma d'anticipation.

   Il paraît que Villeneuve s'est d'abord inspiré de Rencontres du troisième type (de Spielberg). Moi, j'ai surtout vu des références à Mission to Mars et 2001 l'Odyssée de l'espace. Ce n'est d'ailleurs pas forcément déplaisant.

   Cependant, très vite, l'ambiance est plombée. Je ne sais pas si c'est dû au doublage, mais tout le monde m'a paru dépressif. Il y a tout d'abord l'héroïne (Louise), très souvent au bord des larmes ou de l'évanouissement. Mais les hommes qui l'entourent ne valent pas mieux : on dirait qu'ils sont sur le point de se tirer une balle ou d'accepter l'idée que la fin du monde est inéluctable. Scientifiques, militaires, bureaucrates et politiques ne brillent ni par leur réactivité ni par leur inventivité.

   Sauf Louise.

   On se dit assez vite qu'elle ne s'est pas retrouvée là par hasard. On a toutefois du mal à comprendre l'insertion régulière des scènes qui semblent se passer dans la tête de l'héroïne. Pour moi, tout s'est éclairé à partir du moment où elle a commencé à décoder le langage des extraterrestres. (Notons que ceux-ci sont sans doute la plus belle réussite de ce film, finalement très conventionnel.) Je vous donne un indice : le langage idéographique circulaire est le signe qu'il ne faut pas se fier à la notion linéaire du temps. En réalité, l'intrigue forme une boucle temporelle, que je me garderai bien de révéler, histoire de laisser aux éventuels spectateurs l'un des rares plaisirs que procure la vision de cette guimauve.

   Pour que cela tienne la route, il faut que le scénario nous mente. Le début nous induit donc en erreur. C'est l'un des messages transmis par un heptapode à Louise qui m'a fait tout comprendre. Je me disais aussi : d'habitude, les scénarios sur lesquels s'appuie Villeneuve sont autrement plus charpentés. A partir de là, tout prenait sens... mais c'était pour déboucher sur un tunnel de larmoyance et de vacuité, vers la conclusion prévisible de l'histoire.

   Concernant l'habillage, on alterne rigorisme et effet pompier. Les décors sont très réussis et suggèrent l'étrangeté avec une relative économie de moyens. Par contre, la musique... Au début, on nous asperge de sons graves et sentencieux, pour qu'on comprenne bien que la survie de l'humanité est en jeu. Vers la fin, l'aspect inéluctable du déroulement d'une partie de l'histoire est souligné par une autre musique, mi-gaie mi-désespérée... tout aussi chiante.

   Franchement, quelle déception !

Papa ou maman 2

   J'avais deux craintes en allant voir ce film : que les auteurs n'aient cherché qu'à exploiter le filon du premier volet (une merveille d'humour corrosif, pour moi) sans se renouveler et que les meilleures scènes soient concentrées dans les bandes-annonces.

   Comme dans le premier, on nous offre dès le début un joli plan-séquence, très maîtrisé, cette fois-ci dans une maison... et même dans deux, puisque les ex-époux ont choisi d'habiter de chaque côté de la même rue, dans une banlieue bourge de Paris. Du coup, presque tout est en double dans cette famille... jusqu'aux chiens, dont je vous laisse découvrir les noms...

   Arrive assez vite la séquence que l'on attend, pour en avoir goûté une part dans la principale bande-annonce : le dîner des deux couples. C'est encore mieux que ce qu'on en a vu. La séquence est assez longue et riche en réparties cinglantes, Laurent Lafitte se révélant une fois de plus excellent à ce petit jeu. Et pourtant, entre la transpiration sous les bras et sa sciatique, son personnage en prend pour son grade !

   L'intérêt est relancé à partir du moment où ce sont les trois enfants qui tentent de prendre les choses en mains. En deux ans, ils ont grandi et les scénaristes ont accordé plus d'autonomie à leurs personnages (alors que les nouveaux compagnons des héros sont surtout des faire-valoir). J'ai adoré la séquence du coup monté avec le smartphone de Florence (Marina Foïs, toujours aussi percutante). On se doute bien que cela va déraper... mais l'on n'imagine pas à quel point, surtout grâce à Michel Vuillermoz, dont l'intervention ne manque pas de "mordant" !...

   C'est que les enfants aimeraient bien que leurs parents se rabibochent. Un séjour à la Réunion va être le prétexte de cette comédie des apparences, où le duo de héros n'est jamais sur la même longueur d'onde que les enfants. C'est habilement mis en scène, d'autant plus que les personnages changent d'avis en cours de route !

   Cette partie contient un petit moment d'anthologie : une scène père-fils, entre hommes, au cours de laquelle les deux mâles vont filer la métaphore culinaire (entre nems et porc au caramel, le tout sur fond de Youporn). C'est évidemment une parodie des scènes de ce genre, qui pullulent dans les productions américaines grand public. On notera que ce sont les enfants qui se comportent comme des adultes responsables, les deux parents semblant revivre une part de leur adolescence... au désespoir de la grand-mère (Nicole Garcia, très bien) !

   Un vent de folie va se mettre à souffler sur cette réunion familiale, qui n'est pas sans rappeler le règlement de comptes du premier épisode, qui aboutit à la destruction de la maison. Ici, on finit par se battre à coups de poules ! La toute fin est un peu prévisible, mais elle constitue un ultime pied-de-nez et clôture une très agréable comédie, pas aussi tordante que la précédente, mais au cours de laquelle j'ai souvent ricané.

Doctor Strange

   C'est ce qu'on appelle une séance de rattrapage. J'ai trop tardé avant de me décider à aller voir ce film qui, du coup, n'était plus programmé ou alors uniquement en 3D, un calvaire de près de deux heures que je refuse d'imposer à mes yeux.

   Et pourtant, au vu de la qualité des effets spéciaux (parmi les plus spectaculaires qu'il m'ait été permis d'observer), le visionnage en 3D peut se justifier dans le cas de ce film. Dès la séquence inaugurale, on nous en met plein la vue, avec, de surcroît, l'intervention de deux très bons acteurs : Tilda Swinton et Mads Mikkelsen, qui fait de nouveau un très bon méchant.

   Mais, bien vite, l'attention des spectateurs est focalisée sur Stephen Strange, sorte de décalque de Tony Stark : il est jeune, beau gosse, brillant, arrogant, riche. Dans le rôle, Benedict Cumberbatch est à son aise, même si, pour le public de la version française, il faut s'habituer à une voix de doublage qui n'est pas celle qu'on lui connaît, notamment dans la série Sherlock. Clin d'œil du scénario : quand Strange émerge d'un immeuble londonien où il a été téléporté, il se trouve 177 A, Bleecker Street, une possible référence au célèbre 221 B Baker Street. (Mais c'est aussi une adresse de Strange dans la bande dessinée d'origine.)

   A partir du moment où Strange perd presque tout, l'histoire prend de l'épaisseur, même si l'on n'échappe pas aux idées reçues sur les philosophies religions orientales. Le nouvel apprenti magicien se révèle là encore doué, ce qui fait qu'il brûle les étapes... et permet à l'intrigue d'avancer !

   Ce sont de nouveaux les effets spéciaux qui occupent l'attention. C'est vraiment impressionnant, bien que l'accumulation puisse lasser, à la longue. Fort heureusement, on a émaillé certaines scènes de pointes d'humour, qui rendent l'ensemble moins sentencieux (un défaut majeur à mes yeux de certains films de super-héros). Au départ, c'est l'humour sarcastique du chirurgien (et celui de sa charmante collègue) qui font mouche. Par la suite, ce sont les difficultés du nouvel apprenti qui sont sources de gag. La séquence la plus drôle est pour moi celle de l'opération que subit Strange, alors que son double astral se bat avec l'un des "zélotes". J'ai aussi apprécié tout ce qui a trait à la cape de lévitation, presque un personnage en soi (un peu comme la Chose dans La Famille Adams).

   Bref, ce n'est sans doute pas un grand film, mais c'est incontestablement un bon spectacle, à voir sur grand écran.

   P.S.

   Ne quittez pas la salle trop vite : le générique s'interrompt pour nous livrer une scène bonus, entre le héros et un type que l'on a l'habitude de voir porter un gros marteau. C'est drôle... mais c'est surtout l'annonce d'un prochain film... et ce n'est pas terminé : on revoit l'un des personnages de Doctor Strange au bout du bout.

Mademoiselle

   Park Chan-Wook, le brillant réalisateur de Old Boy et de Je suis un cyborg, s'est lancé dans l'adaptation d'un roman britannique, qu'il a transposé dans la Corée sous occupation japonaise, dans les années 1930-1940. (La présence de soldats japonais, visible à plusieurs reprises, est sans doute liée à l'invasion de la Chine, pour laquelle la Corée a servi de base arrière.)

   Ce passionnant thriller fonctionne sur le principe des faux-semblants : ce que l'on voit à l'écran n'est qu'une version de l'histoire... pas forcément la bonne. Cela commence dès la séquence dans le local des truands, qui s'achève sous la pluie par des répliques qui ne prennent tout leur sens que bien plus tard.

   La première partie nous est racontée du point de vue d'une voleuse qui se fait engager comme servante (incarnée par une actrice inconnue, retenue à l'issue d'un imposant casting... et vraiment canon). On pourrait appeler cela "La vie, l'amour, la guerre, l'argent". A peu près tout le monde ment dans cette histoire, pour des raisons différentes. On comprend très vite que l'oncle de la richissime héritière est une crapule, mais on ne découvrira à quel point que dans la toute dernière partie du film.

   La première heure nous compte la mise en place d'une arnaque, dans un cadre magnifique. Dès l'arrivée de la servante dans la propriété, on est saisi par la beauté des paysages et l'habileté des mouvements de caméra. Le réalisateur se montre aussi expert dans l'utilisation des espaces intérieurs, avec un jeu parfois ironique sur les mouvements des parois coulissantes.

   Toutefois, au bout d'une heure, on se rend compte qu'il y a arnaque dans l'arnaque. Je ne vais bien entendu pas dire pourquoi. C'est le moment que choisit Park Chan-Wook pour nous montrer l'envers du décor, avec quelques pointes d'humour... et une pincée d'érotisme. A la fin de cette deuxième partie, on se dit qu'il n'a toutefois pas tout expliqué. C'est parce qu'il en a gardé sous le coude.

   Et nous voilà partis pour le troisième volet de l'intrigue (plus court), qui permet de comprendre certains détails (comme la présence d'une corde à un arbre)... et qu'il y a arnaque dans l'arnaque de l'arnaque ! C'est savoureux et trépidant, le scénario ménageant des rebondissements quasiment jusqu'à la fin. La conclusion m'a cependant paru inutile, ce qui n'enlève rien aux mérites de ce film extraordinaire, foisonnant et très bien interprété.

Louise en hiver

   Ce film d'animation est assez culotté : son héroïne est une vieille femme misanthrope, qui se retrouve seule dans une station balnéaire normande, un soir de septembre, après avoir raté le dernier train. Et les grandes marées de septembre arrivent...

   Il faut tout de suite signaler la grande réussite à la fois scénaristique et visuelle du film : nous faire croire que l'héroïne se retrouve sur île, alors qu'elle est coincée sur une portion du continent coupée du monde. On suit donc notre Robinson du troisième (quatrième) âge, en plein stage de survie autour d'une plage déserte... et la mamie se débrouille plutôt bien ! Elle va même réussir à mettre en culture la portion de terre la plus fertile du coin : le vieux cimetière de l'église paroissiale ! Ça et le produit de la pêche (et de la cueillette) vont lui permettre de passer l'automne, l'hiver... et même davantage.

   Bien que prenants pour une dame âgée, les travaux physiques lui laissent amplement le temps de gamberger. Et voilà le passé qui ressurgit. Celui d'une enfant délaissée par sa mère, qui va finir par s'attacher à une grand-mère d'apparence revêche, mais qui va lui donner accès à un monde enchanté, celui de la campagne et de la débrouille.

   Louise revit aussi ses premières amours. La mémé misanthrope cache une ancienne amoureuse intense, gourmande même. Il semble que cela lui ait joué des tours. La perte de son premier amour lui revient en pleine figure. Et puis il y a le cadavre du parachutiste anglais, avec lequel elle dialoguait volontiers à l'époque.

   Louise va quand même se faire un nouvel ami, qu'elle va surnommer Pépère. Non, il ne s'agit pas de François Hollande, dont l'agenda récemment allégé lui laisse pourtant tout loisir pour faire la conversation à une grand-mère esseulée.

   L'intérêt de cette animation est aussi visuel : c'est une élégante gouache numérique, parfaitement adaptée à l'univers d'une plage battue par les vents et (parfois) inondée de soleil.

   L'intrigue semble se diriger vers une fin prévisible, mais, fort heureusement, on a décidé de nous surprendre aussi sur ce plan-là. Résultat : cette animation, furieusement poétique, est une découverte à ne pas manquer.

Vaiana, la légende du bout du monde

   Voici venu le Disney de fin d'année, entouré d'un parfum exotique, puisqu'il met en scène une légende polynésienne. L'intrigue s'appuie d'ailleurs sur des recherches sérieuses, portant sur les voyages d'exploration réalisés par les peuples du Pacifique, capables jadis de traverser de grandes portions de l'océan sur de frêles embarcations.

   Traditions, tatouages et cocotiers sont les marqueurs identitaires du début de l'histoire, qui nous présente l'héroïne, adorable gamine devenue une adolescente aventureuse (et charmante). Elle est l'objet de la vigilante surveillance de son chef de père, mais trouve une meilleure écoute auprès de la mère de celui-ci, une mamie un peu dingue, mais qui connaît plein de choses. Elle sait même comment effrayer les bambins de l'île avec des histoires à dormir debout ! Les plus belles scènes sont néanmoins celles qui font intervenir l'eau, celle du lagon comme celle de l'océan.

   L'intrigue décolle vraiment quand l'héroïne rencontre le principal personnage masculin, un gros baraqué imbu de lui-même... et souvent drôle (même involontairement). Dans la version française, la voix d'Anthony Kavanagh contribue fortement à rehausser l'intérêt pour le personnage. D'un point de vue visuel, j'ai adoré les jeux sur les tatouages (ceux du colosse sont mobiles), avec une préférence marquée pour son "Mini-Moi", très cocasse. Je n'ai par contre guère goûté les pathétiques tribulations du coq débile qui, dans la salle, n'ont fait rire que les moins de six ans. Le personnage du petit cochon domestique m'a à peine plus convaincu, tant il est une resucée de figures déjà rencontrées ailleurs.

   Pour moi, l'action culmine dans la séquence du crabe. Visuellement, elle est splendide et n'est pas sans rappeler un passage de La Princesse et la grenouille. Quant au personnage principal, adversaire des héros, il semble être un décalque du Smaug vu dans Le Hobbit 2.

   Finalement, alors que je me demandais comment le scénario allait pouvoir tenir la distance (presque 1h50), on nous ménage suffisamment de rebondissements pour que l'intérêt soit maintenu jusqu'à la fin, avec une résolution de l'intrigue ma foi assez intelligente. Reste que le plaisir est quand même gâché par les chansons, surtout présentes dans la première partie. J'ai eu l'impression d'entendre la même voix que dans La Reine des neiges. Beurk !

Tu ne tueras point

   Dix ans après Apocalypto, Mel Gibson revient (à la réalisation) avec un projet qui lui a été proposé à plusieurs reprises avant qu'il ne l'accepte : rendre hommage à Desmond Doss, un membre de l'armée américaine qui s'est illustré à la bataille d'Okinawa (en 1945), tout en refusant de porter une arme.

   Après un court aperçu de l'horreur du champ de bataille, un retour en arrière nous ramène au coeur des Etats-Unis, dans l'enfance puis l'adolescence du héros. C'est un fils de vétéran de la Première guerre mondiale, qui a perdu tous ses amis au combat, en France. Il est revenu de là farouchement opposé à la guerre... et diablement alcoolique. Le jeune homme en a souffert et semble avoir trouvé refuge dans la lecture de la Bible, encouragé par les convictions adventistes de sa mère. Dans le rôle du père, Hugo Weaving est excellent.

   J'ai lu ici ou là que cette première partie était un peu mièvre, l'acteur principal Andrew Garfield n'ayant pas un charisme démentiel. A la réflexion, je pense qu'il s'est coulé dans le personnage et dans l'époque, qui n'était pas aussi "décoincée" que la nôtre. La bluette sentimentale qui se noue avec la ravissante infirmière se comprend dans ce contexte. (A ce propos, signalons que cet amour de jeunesse s'est mué en mariage durable.) De surcroît, je pense que Mel Gibson, peut-être lassé de l'hypersexualisation des rapports humains dans les médias, a voulu mettre en scène un amour chaste, non ostentatoire bien que très réel. Comme il est malin, il a choisi une actrice canon pour incarner la dulcinée du héros : Teresa Palmer (aperçue cette année dans Triple 9) est parfaite dans le rôle.

   Vient ensuite la période de formation des recrues. On assiste à la fois à la naissance d'une camaraderie et à l'explosion du harcèlement, à partir du moment où Desmond met en avant ses convictions. La petite troupe est crédible (avec une pléiade de visages connus) et j'ai bien aimé l'interprétation de Vince Vaughn en sergent autoritaire, vexant, mais humain au fond. Il ne fait toutefois pas oublier Clint Eastwood dans Le Maître de guerre ni surtout Ronald Lee Ermey, inoubliable sergent Hartman dans Full Metal Jacket (auquel cette séquence fait visiblement référence).

   La deuxième partie du film se passe sur le terrain, à Okinawa. La première scène de combat est d'un réalisme stupéfiant, ne cachant rien des horreurs de la guerre... et même, parfois, semblant un peu magnifier celle-ci. La mise en scène se fait esthétisante. C'est l'une des ambiguïtés que l'on peut reprocher à Mel Gibson.

   Mais le meilleur est à venir, avec cette nuit de tous les dangers, au cours de laquelle l'infirmier non armé va sauver des dizaines de soldats blessés de son unité, laissés sur le champ de bataille après une contre-offensive japonaise. C'est un magnifique hommage au courage et à la non-violence, à rebours d'une certaine vulgate hollywoodienne (le culte du héros en arme).

   La composante religieuse de l'intrigue pose néanmoins problème. Pas les convictions du héros, tout à fait respectables, mais le côté "guerre sainte" que le réalisateur donne à la prise de cette position fortifiée. Les Japonais sont quasi systématiquement présentés comme des barbares sans foi ni loi, d'une cruauté sans nom (alors que la violence des soldats d'Oncle Sam apparaît justifiée). Il y a bien cette rencontre dans un tunnel pour nuancer un peu, mais l'on notera que l'initiative du rapprochement vient de l'Américain. Quant à la scène de seppuku de l'officier, vers la fin, elle arrive comme un cheveu sur la soupe et me gêne un peu : pourquoi serait-ce l'élite (celle qui a poussé les soldats à commettre des horreurs) qui serait plus digne ? De ce point de vue, Lettres d'Iwo Jima (de Clint Eastwood) était bien plus profond.

Sully

   Précisons au public français (cultivé) que le titre de ce film n'a (à ma connaissance) aucun lien avec le surintendant des finances du roi Henri IV. C'est le diminutif de Chesley Sullenberger, le commandant de bord qui, en 2009, a réussi l'exploit de faire amerrir un Airbus A320 de la compagnie US Airways sur le fleuve Hudson, sauvant ainsi 150 passagers.

   Derrière la caméra, Clint Eastwood n'a pas eu envie de tourner un film-catastrophe à grand spectacle. Oh, rassurez-vous, il a bien inséré quelques scènes spectaculaires, mais le véritable propos est ailleurs. L'histoire commence peu après l'amerrissage (que Sullenberger s'est refusé à appeler un "crash"). Alors que les médias traitent le pilote (Tom Hanks, impeccable) en héros, en coulisses, le Conseil national de la sécurité des transports et l'Agence fédérale de l'aviation enquêtent, histoire de savoir si une autre issue n'aurait pas été possible. En clair : l'amerrissage est perçu comme un véritable miracle, quasi impossible à réaliser. (Selon l'article wikipédia consacré à l'affaire, il y a deux précédents, mais très anciens.) Du coup, les experts pensent qu'il aurait été plus logique de se diriger vers l'un des deux aéroports les plus proches de l'avion au moment de l'accident, à savoir La Guardia (d'où il avait décollé) et Teterboro (dans le New Jersey, à l'ouest de New York), JFK se trouvant plus loin, à l'est.

   On est donc en plein dans le monde eastwoodien, celui d'hommes et de femmes a priori ordinaires, confrontés à l'adversité et qui, parfois, vont s'élever, donner le meilleur d'eux-mêmes. Cependant, en dépit de la minutie accordée à la description de l'action des personnages secondaires, tout tourne autour de Sully/Hanks, à tel point qu'Aaron Eckhart (le copilote) et Laura Linney (l'épouse aimante et éplorée) passent pour de simples faire-valoir. Le premier, remarqué jadis dans Thank you for smoking, est sous-utilisé. La seconde (vue récemment dans Mr Holmes) est cantonnée dans un rôle essentiellement plaintif, à tel point que cela en devient agaçant.

   Le fil rouge de l'intrigue (l'enquête sur les conditions de l'amerrissage) n'en reste pas moins fort agréable à suivre. Eastwood montre des hommes honnêtes en prise avec la bureaucratie, un thème cher au coeur du cinéaste républicain. Si je voulais être un peu polémique, je dirais que notre bon vieux Clint en profite pour instiller quelques idées à sa sauce, à savoir que les masses ont besoin d'hommes forts pour les guider... et que les élites sont plus nuisibles qu'utiles. (Son soutien à Donald Trump n'étonnera que les imbéciles.)

   Pour nous Frenchies, une séquence se révèle particulièrement intéressante. Les autorités américaines ont demandé au constructeur Airbus de recréer les conditions de l'accident dans leur simulateur, du côté de... Toulouse. Aux Etats-Unis, on n'a pu créer que des scénarios virtuels, à l'aide d'algorithmes, sur ordinateur. (Voici celui qui s'appuie sur le trajet de l'avion jusque sur l'Hudson.) Là, on voit des pilotes supposés français... qui, dans la version originale, parlent anglais. Notons que les équipages sont tous mixtes, l'un d'entre eux ayant pour commandant une femme. Clin d'oeil à la parité française ? (Je ne suis pas sûr qu'elle ait atteint la cabine de pilotage...)

   Petit à petit, les retours en arrière nous donnent une vision complète de l'événement, du point de vue de l'équipage comme de celui des passagers. Cependant, ceux-ci m'ont semblé peu exploités (le film dure pourtant à peine plus d'1h30) et, à leur sujet, Clint tombe de temps à autre dans le pathos. A l'arrière-plan, on perçoit l'ombre du 11 septembre 2001, à la fois dans les cauchemars de Sully, les angoisses des passagers et le dévouement des secouristes.

   L'ensemble forme un beau film altruiste, mais qui s'appuie parfois sur de grosses ficelles.

   P.S.

   Il y a quelques années, un documentaire a été tourné sur le même sujet. On y apprend notamment que le père qui a attrapé l'avion au dernier moment était accompagné d'un fils et non pas de deux (ce qui est le cas dans le film). On y découvre que l'un des personnages est interprété par la personne qui l'a inspiré (Vince Lombardi, le capitaine du ferry Thomas Jefferson, le premier qui se porte au secours de l'avion sur le fleuve)... et l'on apprend aussi que, si l'eau s'est engouffrée aussi rapidement dans l'avion, c'est peut-être parce qu'une manette de secours (dont l'utilisation est prévue dans le manuel d'urgence d'Airbus) n'a pas été actionnée. Curieusement, ce détail n'a pas retenu l'attention du scénariste.

   P.S. II

   Question à un centime d'euro : le nom de l'industriel aéronautique aurait-il été aussi abondamment cité dans le film s'il s'était agi d'un Boeing ?

Les Enfants de la chance

   Encore un film sur la Seconde guerre mondiale, diront certains. L'an dernier, on a eu droit à Suite française et En mai, fais ce qu'il te plaît. Le plus étonnant est que l'histoire qui nous est contée est vraie... eh, oui, on continue à découvrir des choses sur cette période troublée, pourtant explorée dans tous les sens.

   Nous allons suivre le conflit, en France, du point de vue d'un groupe d'enfants, juifs et non juifs, mais qui ont en commun de souffrir de la tuberculose (ou d'une difformité). Malgré une belle introduction sur fond musical antisémite, le début a un goût de déjà-vu, surtout pour les spectateurs de La Rafle. Les premières scènes avec les enfants m'ont paru maladroites. Par la suite, j'ai trouvé cela meilleur. Me suis-je habitué à leur manière de jouer, ou bien a-t-on tourné le film de manière chronologique, les acteurs se perfectionnant au fil du temps ? Mystère.

   Toutefois, il en est un qui reste bon du début à la fin : Philippe Torreton, impeccable en médecin engagé, un peu bourru. Il est épaulé par une pléiade de seconds rôles efficaces.

   Paradoxalement, on se détache assez vite de la partie juive de l'intrigue (même si quelques piqûres de rappel viennent relancer la tension dramatique). C'est la lutte des enfants contre la maladie qui occupe notre attention. Les gamins, très différents les uns des autres, finissent par former une troupe, soudée par quelques chants et des blagues potaches, dont la principale victime est l'employé de l'hôpital chargé de l'entretien.

   On passe 1h30 tranquillement, sans déplaisir, mais sans être "transporté".

   P.S.

   L'un des intérêts du film est de proposer quelques dialogues dans la langue (aujourd'hui très affaiblie) parlée à l'époque par la majorité des juifs d'Europe centrale et orientale : le yiddish.

Une Vie

   Après le très contemporain (et formidable) La Loi du marché, Stéphane Brizé change complètement de domaine en adaptant le roman de Guy de Maupassant. Cela sentait le film "de qualité française", un genre qui produit aussi bien de petites perles que de grosses bouses. 

   Dès le début, on comprend qu'on va échapper au pesant didactisme qu'on aurait pu redouter. Le montage donne naissance à une construction impressionniste, par petites touches. Le film ne suit pas un schéma préétabli, avec une introduction, une développement et une conclusion. Si le déroulement est globalement chronologique, certaines scènes sont intercalées et entremêlent les époques de l'intrigue.

   Le principal code visuel est de l'ordre de la luminosité. Les scènes d'été, ensoleillées, sont en général celles du bonheur (la vie auprès des parents, la naissance de l'amour, les premières années d'un enfant...). Les scènes sombres, pluvieuses, froides, sont celles de la souffrance, du désespoir voire de la mort (la découverte de la première tromperie, le décès de la mère, le rejet du fils...).

   Une fois que l'on a compris cela, on peut savourer le jeu des acteurs, tous formidables. Je distingue quand même Judith Chemla (que j'avais vue dans Camille redouble et Rendez-vous à Atlit), aussi crédible en jouvencelle naïve qu'en épouse déçue et en mère éplorée. (Un César serait le bienvenu.) On peut aussi signaler Clotilde Hesme et surtout Nina Meurisse, qui incarne la servante et sœur de lait de l'héroïne.

   C'est donc un bel ouvrage, hélas un peu longuet et langoureux. Dans mon souvenir (de lycéen), le roman de Maupassant comportait quelques passages cocasses voire scabreux, visiblement passés ici à la trappe. Et je déconseille le film aux personnes dépressives : ce n'est pas avec cela que vous allez vous en sortir !

   Mais c'est quand même un rappel utile de la (sordide) condition féminine en France au XIXe siècle. Même les femmes de la noblesse et de la haute bourgeoisie subissaient les pesanteurs sociales. On peut toutefois regretter que Brizé n'ait pas fait une lecture plus contemporaine du roman : dans l'histoire, ce sont quand même les employées qui en bavent le plus.

Alliés

   Le titre est évidemment polysémique. D'un point de vue historique, il fait allusion à "l'alliance des démocraties" (avec l'URSS....) contre le nazisme, pendant la Seconde guerre mondiale. Brad Pitt incarne (de manière un peu pataude) un agent canadien des services britanniques, alors que Marion Cotillard propose une excellente composition, en résistance belle et indépendante, fréquentant les milieux huppés de la collaboration et gardant une part de mystère. Le titre annonce aussi un mariage... et une entente par-delà les préjugés.

   La première séquence, au Maroc est visuellement superbe. On sent aussi les références au film Casablanca. Cependant, si les lumières et la photographie sont splendides, cela manque de rythme et (dans la version française), il m'a semblé que le travail de postproduction (sur les sons) était incomplet. Mais cela passe parce qu'il est question de la naissance d'un amour, entre deux belles personnes.

   L'intrigue devient passionnante dans le cadre britannique. Ce n'est pas pour me vanter, mais j'ai senti le tournant arriver. Certes, le scénario n'est pas des plus imprévisibles, mais le jeu parfois très subtil de Marion Cotillard fait passer quelques messages, pour peu qu'on n'ait pas le nez rivé sur ses jambes ou son décolleté. L'histoire prend une teinte "Guerre froide", avec, me semble-t-il, un clin d'oeil anachronique des auteurs : dans son lit, un soir, Brad Pitt ne lit-il pas un roman de John le Carré ?

   Plusieurs séquences sont particulièrement bien fichues : celle de la baston au Maroc, celle du Blitz, dans la banlieue de Londres et celle du petit séjour du héros dans un coin paumé du nord de la France, à la recherche du passé dissimulé.

   Incidemment, le film assène quelques vérités méconnues sur la période de la guerre au Royaume-Uni. Pour certains marginaux et pour les femmes, le desserrement de l'étreinte sociale fut une bénédiction. On a aussi droit à une vision moins triomphaliste du rôle des aviateurs d'outre-Manche. Quant aux Français, ils découvriront peut-être avec stupéfaction que c'est aux services spéciaux britanniques que nombre de groupes de résistants devaient leur matériel.

   La deuxième heure est constituée d'une irrésistible montée en tension. (J'ai fait un gros pipi après la séance.) La grande histoire se mêle à l'affaire d'espionnage et à l'intrigue amoureuse. C'est fort et cela culmine dans les derniers gestes de Marion Cotillard, vraiment épatante. On en oublie les faiblesses du début.

Les Animaux fantastiques

   J.K. Rowling a signé elle-même le scénario de l'adaptation de son roman, qui est une sorte de lointain prequel de la saga Harry Potter. L'action se déroule dans le New York de l'Entre-deux-guerres, formidablement reconstitué par le travail des décorateurs et des animateurs numériques. C'est le principal attrait de ce long-métrage, d'une grande  beauté visuelle, nourri d'effets spéciaux parfois stupéfiants... à tel point que j'ai presque regretté de ne pas l'avoir vu en 3D.

   J'ai dit "presque", parce que le port des horribles lunettes aurait sans doute contribué à accentuer un élément déplaisant, au niveau de l'image : son aspect souvent sombre. Certes, nombre de scènes se déroulent la nuit ou dans un monde souterrain (voire "dans" une valise !), mais il me semble qu'il y a quand même un petit problème d'éclairage. Cela n'entame guère le plaisir, si l'on a la possibilité de regarder le film sur un très grand écran.

   L'histoire est un roman d'aventures féériques, où certains personnages rencontrent l'amour. L'amitié est aussi de la partie... et il y a des méchants à combattre. C'est bien ficelé et l'on ne s'ennuie pas. J'ai par contre été gêné par quelques petits détails. Certains dialogues m'ont paru artificiels, un peu sentencieux. L'intrigue se prend parfois un peu trop au sérieux et plusieurs acteurs "prennent la pose". Je présume que c'est ce qu'on leur a demandé de faire.

   J'ai aussi été un peu agacé par le jeu d'Eddie Redmayne, qui incarne un mélange de savant distrait et de garçon maladroit. Ce sont deux figures éculées que le vieux cinéphile que je suis regrette de rencontrer à nouveau, sans le moindre apport original. L'acteur a de plus déjà incarné le jeune homme emprunté dans My Week with Marilyn.

   Bref, c'est un bon divertissement, très dépaysant, avec quelques touches d'humour, mais pas l’œuvre flamboyante à laquelle je m'attendais.

La Fille inconnue

   Cela fait un petit moment que j'ai arrêté de suivre les frères Dardenne. J'avais beaucoup aimé La Promesse, Rosetta et Le Fils, mais j'ai vite trouvé qu'ils peinaient à se renouveler. Du coup, je suis passé complètement à côté de la sortie de leur dernier film, pourtant présenté à Cannes cette année. Au départ, j'étais même venu voir autre chose !

   Sans surprise, la thématique est sociale. L'héroïne Jenny est médecin généraliste. Elle achève un remplacement dans un quartier populaire, en attendant d'intégrer un cabinet plus chic... et plus rémunérateur. C'est une travailleuse acharnée, perfectionniste, qui ne passe rien à son stagiaire. Un événement inattendu va bouleverser sa mécanique quotidienne.

   Je me suis attaché au personnage principal, bien interprété par Adèle Haenel. Elle donne vie à cette jeune femme dévouée, entière... mais pas toujours douée pour les rapports humains. Sa vie privée se réduit à queue de chique, son principal compagnon étant un célèbre smartphone qu'elle n'éteint jamais.  Elle finit même par s'installer dans la studette aménagée au-dessus du cabinet médical. Pour elle, s'agit-il d'une descente ou d'un retour à l'essentiel ?

   Le questionnement baigne dans une ambiance tendue, celle d'un quasi-polar, le médecin décidant de mener sa propre enquête (sur la jeune femme retrouvée morte). Elle en vient à croiser, volontairement ou involontairement, une galerie de suspects masculins : son propre stagiaire (qui ne revient plus au cabinet après le soir fatidique), un ado qu'elle suit (qu'un terrible secret semble tenailler), le copain de celui-ci mais aussi son père, sans oublier un entrepreneur (dont Jenny a jadis soigné la mère) et une bande de proxénètes locaux.

   L'histoire est prenante parce que les acteurs sont bons. On retrouve quelques habitués des Dardenne, au premier rang desquels Olivier Gourmet et Jérémie Renier. Les cinéphiles reconnaîtront aussi Marc Zinga, remarqué naguère dans Qu'Allah bénisse la France et Bienvenue à Marly-Gomont.

   C'est un bon film, au-dessus du niveau d'un épisode de série policière, mais ce n'est pas le chef-d'oeuvre qu'on serait en droit d'attendre des frères Dardenne. Traitant d'une thématique semblable, Médecin de campagne m'a davantage plu.

Le Ciel attendra

   Ce film de femmes, sur des femmes, porté par des femmes, mêle documentaire, portrait de famille et mélo pour nous faire vivre le parcours pas si atypique que cela d'adolescentes françaises embrigadées sur la Toile par des propagandistes de l'islamo-fascisme.

   Les auteurs (dont la scénariste Emilie Frèche, qui a travaillé sur 24 jours et Ils sont partout) ont voulu planter le décor d'un univers d'ados de la classe moyenne, rivées à leur smartphone ou à leur ordi portable... et travaillées par le manque de sens d'un monde devenu hyper matérialiste.

   Au niveau du déroulement, c'est parfois un peu difficile à comprendre au début, parce que différentes trames narratives (et époques) se superposent. De surcroît, il faut un petit moment pour saisir qui connaît qui et qui est le parent de qui.

   C'est parce que l'essentiel n'est pas là. On nous montre le cheminement de jeunes femmes qui se croient avisées (en tout cas plus que leurs camarades de lycée) et sont finalement assez crédules. Elles tombent dans le piège qui leur est tendu, notamment à l'aide de vidéos conspirationnistes.

   Le résultat est le conflit avec les adultes, qui se retrouvent désemparés face au changement inattendu de leur progéniture, parfois découvert très tardivement. C'est un aspect particulièrement réaliste de l'intrigue, en particulier grâce au talent des actrices. Les deux mamans sont interprétées par Sandrine Bonnaire et Clotilde Courau. Les deux ados sont incarnées avec un incroyable charisme par deux révélations : Noémie Merlant et Naomi Amarger.

   Même si je trouve que c'est un peu larmoyant par instants, l'ensemble forme un bon thriller sociétal, en prise sur notre époque.

Mercenaire

   Il a fallu presque un mois pour que ce film, dont l'acteur-vedette a été étudiant à Rodez (au lycée Monteil), soit programmé dans le cinéma du chef-lieu aveyronnais. D'ailleurs, le 7 octobre dernier, le quotidien Centre Presse, dans un bref article intitulé "Du XV à Aurillac à Cannes" regrettait l'absence du film des écrans aveyronnais :

   Cap Cinéma s'est rattrapé mercredi dernier, en organisant une soirée spéciale, en présence de l'acteur principal, Toki Pilokio, actuellement joueur de rugby à Aurillac. Par contre, si l'on a raté cette occasion, il n'est pas facile de voir le film à Rodez, les autres séances ayant été programmées à des horaires propres à satisfaire uniquement les chômeurs, les retraités et les femmes au foyer.

   Mais revenons à l'oeuvre. Le titre fait référence à la réplique d'un personnage, qui reproche son comportement au héros. Pourtant, à ce moment de l'intrigue, ce n'est pas à un mercenaire que fait penser Soane, mais plutôt à un domestique, tant on peut dire que sa situation n'a rien de mirobolant.

   L'histoire commence en Nouvelle-Calédonie, où réside la plus importante communauté wallisienne du monde (plus qu'à Wallis-et-Futuna même, une collectivité d'outre-mer qui a tendance à se dépeupler). Toute la première partie (en dialecte sous-titré, la plupart du temps) est un tableau sociologique d'une communauté méconnue. On découvre la complexité des liens familiaux, la précarité et les rapports de force à l'oeuvre dans la sphère masculine.

   La suite se déroule en France métropolitaine. Il arrive au héros un peu l'équivalent de ce que subit, dans le monde du football, le personnage principal de Comme un lion. Au départ, pour la plupart des Métropolitains, c'est un Maori. Personne ou presque ne semble être conscient de ses difficultés. Même dans la "communauté" wallisienne, il n'a pas que des amis. Mais il fait la rencontre de Coralie, une aventure d'un soir qui pourrait bien changer sa vie. Signalons la qualité de la composition de l'actrice Iliana Zabeth (dont certaines expressions du visage ne sont pas sans rappeler celui de Léa Seydoux), qu'on a vue récemment dans Les Cowboys.

   Le jeune Wallisien ayant des aptitudes physiques et de la pratique (au rugby), il se fait remarquer et comprend qu'il a de l'avenir dans ce sport... à condition d'accepter certains "accommodements". C'est courageux de la part du réalisateur de montrer les travers d'un monde qu'on a tendance à idéaliser, en comparaison de l'univers de football. Notons que les scènes de match et d'entraînement sont très réalistes.

   Pour Soane (le héros), cette aventure est initiatique. Il va devoir rapidement mûrir et régler ses problèmes, parfois de manière "virile". Rien n'est édulcoré, mais la mise en scène n'est pas racoleuse. Elle est bien servie par une musique et des chants parfois envoûtants.

   Vraiment, si vous avez l'occasion de le voir, ce film est une découverte à ne pas manquer.

Snowden

   Avec Olivier Pierre Oliver Stone aux manettes, Nicolas Cage dans la distribution et une chanson signée Peter Gabriel, on est dans le "film de gôche"... qui plus est coproduit par des Frenchies. Alors on peut se demander s'il était bien utile de consacrer un nouveau long-métrage à l'informaticien et lanceur d'alerte Edward Snowden, moins d'un an et demi après le documentaire Citizenfour. J'ai été d'autant plus inquiet qu'au début, lorsque nous sont montrées les premières scènes d'hôtel (datant de 2013), j'ai eu comme une impression de déjà-vu. (Stone semble avoir allègrement pompé sur le documentaire.)

   Fort heureusement, la majorité de l'intrigue s'évertue à nous montrer d'où vient Snowden (sans remonter trop loin). L'action se déroule entre 2004 et 2013. On découvre un jeune homme, sans doute surdoué mais inadapté au système scolaire, plutôt conservateur et patriote de tempérament. Il cherche (vainement) à s'engager dans les forces spéciales puis se tourne vers la CIA... par conviction. Eh, oui. Pour nous, Européens, qu'un jeune Américain censé être éduqué (voire cultivé) puisse ambitionner sincèrement d'intégrer l'une des plus malfaisantes organisations du monde a de quoi stupéfier. C'est dire le bourrage de crâne qui a sévi (et qui sévit sans doute encore) de l'autre côté de l'Atlantique. On y croit d'autant plus que Joseph Gordon-Levitt s'est glissé à la perfection dans la peau du personnage.

   Le scénario a choisi de contrebalancer l'intrigue politique par la description de la vie sentimentale du héros. Il rencontre une sorte d'intermittente du spectacle gauchisante... et canon, puisqu'elle a les traits (et les formes) de Shailene Woodley, en qui tous les ados reconnaîtront l'héroïne de Divergente. Le couple qu'ils forment, aussi charmant soit-il, m'a paru assez improbable.

   De surcroît, on peut regretter le voile pudique posé sur les relations avec la Russie de Poutine, qui apparaît ici comme le sauveur du citoyen-engagé-rejeté-par-son-pays-d'origine. Cela aurait mérité une petite enquête, quitte à écorner un peu l'image du chevalier blanc de l'informatique.

   Tout cela passe néanmoins en raison de la qualité de la mise en images. Stone se livre à quelques effets de distorsion et joue sur tout ce qui est vitré (ou à cristaux liquides). Certains plans sont visiblement là pour nous faire penser au Big Brother de 1984. Mais, surtout, il a réussi à intégrer à l'intrigue et à l'écran l'utilisation de l'informatique. (En lisant le générique de fin, on s'aperçoit que plusieurs sociétés ont contribué à la création de ces effets.)

   C'est donc un film militant, plaisant, mais pas un chef-d'œuvre.

Cigognes et compagnie

   Voilà un nouveau film d'animation pour lequel un adulte doit trouver une bonne excuse pour accompagner un ou plusieurs enfants. L'un des réalisateurs est un ancien de chez Pixar et le studio qui l'a produit a aussi donné naissance à La Grande Aventure Lego.

   J'ai trouvé le début hilarant. On en voit une partie dans la bande-annonce (ainsi que quelques images inédites, qu'on ne retrouve pas dans le film). On part donc sur de bonnes bases, avec l'histoire de l'activité de livraison des cigognes et leur reconversion. La suite est une satire du monde entrepreneurial, plus précisément d'une société qui pourrait ressembler à UPS.

   L'un des ressorts de l'intrigue est l'opposition de deux tempéraments. D'un côté, on a Hunter ("le chasseur" !), le patron cigogne... un rapace en fait. C'est une caricature de tycoon, un mec à poigne, très riche, arrogant, qui n'a pas hésité à marcher sur les autres pour réussir. Dans la version française, Hunter a la voix de Richard Darboix, qui double habituellement Harrison Ford.

   Face à lui, Junior paraît un peu emprunté. Il semble destiné à lui succéder et, au départ, croit que la vie ne peut lui apporter que de bonnes choses. Mais il n'a pas la "trempe" de Hunter. En fait, c'est un chic type, mais il veut à tout prix rentrer dans les stéréotypes du héros viril et sans émotion. De ce point de vue, l'histoire est une leçon pour les petits garçons.

   Les filles elles peuvent s'identifier au principal personnage féminin, Tulip. A l'origine, elle est le dernier bébé humain que les cigognes n'ont pas pu livrer. Elle a donc grandi au contact des volatiles et a développé une indéniable créativité... mais elle ne mesure pas toujours les conséquences de ses actes. Dans la version française, Bérengère Krief (vue récemment dans Adopte un veuf) lui donne toute sa fougue.

   Le monde des cigognes est riche de personnages hauts en couleur. Se détache un pigeon un peu collant, assez ambitieux, mais (au début) pas très habile. Il est néanmoins mis en valeur dans une scène qui parodie Les Experts. On le remarque tout de suite à sa coupe de cheveux :

   Cependant, alors que l'histoire démarre sur les chapeaux de roues et que les gags s'enfilent les uns aux autres, le rythme retombe. C'est notamment dû à l'introduction d'autres personnages humains, ceux de la famille. Le portrait est gentiment caricatural. Les parents sont des sortes d'autoentrepreneurs, obsédés par leur travail, au point de quelque peu négliger leur fils unique, qui s'ennuie tout seul. Celui-ci décide donc de "commander" un petit frère ! Branle-bas de combat chez les parents, qui vont bien évidemment changer d'attitude et se rapprocher de leur enfant.

   Fort heureusement, l'intrigue rebondit avec la "naissance" du bébé, chez les cigognes. Les auteurs ont tout fait pour le rendre mignon. Il attendrit presque tous ceux qu'il croise... et c'est vrai qu'il a une belle bouille :

   La rencontre avec une meute de loups est l'une des bonnes trouvailles du scénario. Ces redoutables animaux (d'une inventivité stupéfiante... je n'en dis pas plus) vont tomber eux aussi sous le charme du bambin. Désormais, ils ne traquent plus les héros uniquement pour les manger !

   L'une des meilleures séquences voit intervenir d'autres personnages : des pingouins ! Allait-on nous servir une resucée de ceux de Madagascar ? Heureusement non. Ce sont les sbires de Hunter, mais ils aiment les bébés. Cela nous vaut une désopilante scène de combat quasi muette entre les héros et la petite troupe noire et blanche.

   La fin de l'histoire est un peu trop consensuelle à mon goût, mais elle contient une scène qui mérite le détour : la rencontre de l'héroïne et des membres de sa (véritable) famille... Bon sang ne saurait mentir !

   Au final, on passe un agréable moment, visible par les petits et grands. L'animation est de bonne qualité sans être particulièrement brillante.

Jack Reacher : never go back

   Matt Damon Tom Cruise est de retour en ancien Marine, véritable machine à tuer qui trace sa route sans garder la moindre attache. Qu'est-ce qui le pousse à s'arrêter ? L'injustice. Jack n'aime pas les méchants. Et il aime les gentils. Ça tombe bien, parce qu'il arrive des bricoles à Susan Turner, qui occupe le poste qui fut jadis celui de Jack. Serait-elle victime d'un complot ? Ni une ni deux Denzel Washington Tom Cruise se porte à son secours... avec ses méthodes quelque peu cavalières. (Quoi de plus normal pour un chevalier servant ?)

   L'originalité de l'intrigue est que, dans le même temps, le héros découvre qu'il pourrait être le père d'une adolescente "désaxée", dont la mère peine à se sortir de la drogue. Pour nous éviter de trop cogiter, les scénaristes ont eu l'idée de fusionner les deux histoires. Du coup, voilà Bruce Willis Tom Cruise chargé d'une gonzesse et d'une gamine, alors qu'ils sont poursuivis par de redoutables tueurs.

   On s'attache vite à cet étrange trio, composé d'un ancien commando limite autiste, d'une militaire féministe (super bien gaulée) et d'une adolescente en pleine crise, voleuse de surcroît. Evidemment, leurs défauts vont devenir des qualités et ceux que le destin a rapprochés vont apprendre à se connaître. Cela donne de bonnes scènes comiques, qui transportent les deux officiers expérimentés (et célibataires) dans un monde qu'il ne maîtrisent pas du tout : celui de la parenté. De surcroît, la jeune Samantha (Danika Yarosh, très bien) semble avoir hérité de la personnalité de son père présumé.

   Une autre qualité de l'intrigue est la dénonciation du comportement de certains officiers et des contractuels de l'armée (ici en Afghanistan). Ensemble, ils constituent d'impitoyable adversaires, auxquels bien sûr Liam Neeson Tom Cruise va faire rendre gorge, au terme d'une enfilade de poursuites et de bagarres. D'un point de vue technique, c'est très bien fichu (avec un superbe final à La Nouvelle-Orléans)... et l'on a visiblement ciblé un public pas super bien doté en terme de neurones : une grande partie des rebondissements est hyper prévisible. Cela n'empêche pas de passer un bon moment.

La Fille du train

   Ce polar est l'adaptation d'un roman de Paula Hawkins (que je n'ai pas lu). Il bénéficie d'une distribution très attrayante, surtout du côté féminin. L'intrigue tourne autour de trois femmes, dont on découvre progressivement les liens qui les unissent, parfois à leur insu. Au départ, on les voit par le regard de l'une d'entre elle, Rachel, l'héroïne alcoolique (Emily Blunt, très convaincante par son jeu, mal hélas pas très bien doublée en français). Chaque matin de la semaine, celle-ci prend le train qui la mène de sa banlieue à New York. Elle a pris l'habitude, à l'aller comme au retour, de s'installer du côté du train qui longe un lotissement, dont elle observe les maisons et leurs occupants. Deux attirent son attention : une superbe jeune femme et, à deux bâtiments de là, l'occupante d'une maison qu'elle connaît bien.

   Il faut tout de suite dire qu'une partie de l'histoire est filmée en caméra subjective (accompagnée d'une voix off). On voit donc par les yeux de Rachel, parfois embrumés par les vapeurs d'alcool. C'est d'ailleurs l'une des originalités de l'intrigue, qui place en son centre une femme ravagée par la boisson, pour une raison qu'on finit par découvrir. Notons qu'une autre partie de l'histoire nous est montrée du point de vue de Megan, la nymphomane. Evidemment, les visions des deux jeunes femmes ne sont pas identiques.

   Mais là ne réside pas le véritable suspense. Un soir, l'une des femmes disparaît. Rachel pense savoir pourquoi, en raison d'un détail qu'elle a perçu lors d'un passage du train. S'enclenche alors une double enquête, celle de la police, qui suspecte d'ailleurs Rachel, et celle de l'alcoolique, qui a presque tout oublié de la nuit fatidique, celle qui a vu la disparition de Megan.

   L'intrigue prend la forme d'un puzzle, parce qu'on nous propose les regards de personnages différents et parce que le scénario est conçu sur la base des retours en arrière. Par petites touches, on nous fait découvrir ce qui s'est passé il y a six mois, quatre mois, deux mois, sept jours... pas forcément dans le "bon" ordre, mais à des moments opportuns. Le trajet en train qu'emprunte Rachel est lui-même un retour en arrière quotidien, retour vers son travail et vers sa vie passée. Il faut parfois un peu s'accrocher, mais, franchement, ça le mérite.

   Au niveau de l'interprétation, Emily Blunt est bien accompagnée par Rebecca Ferguson (révélée par Mission impossible 5) et Haley Bennett (vue récemment dans Les 7 Mercenaires). Du côté des messieurs, on peut signaler Luke Evans (le plaisir de ces dames) et Justin Theroux. Dans les seconds rôles, on remarque la présence d'Allison Janney et de Lisa Kudrow (Oui ! Phoebe !).

   Ajoutons pour terminer que le film a été réalisé par Tate Taylor, à qui l'on doit La Couleur des sentiments et Get on up. Il nous a bricolé un bon divertissement, qui vaut mieux que ce que la critique en a dit.

Kubo et l'armure magique

   Je n'avais pas du tout entendu parler de la sortie de ce film d'animation américain. Quand j'ai appris qu'il était produit par le studio auquel on doit Coraline et Les Boxtrolls, j'ai tenté ma chance... et j'ai eu raison.

   La première remarque que l'on peut faire est que, sur la forme, Disney-Pixar a désormais un rival de poids, qui confirme film après film la qualité de son travail. Dès le début, on est saisi par cette scène de navigation en pleine mer d'une mère et de son enfant, par une nuit de tempête. La suite n'est pas moins jolie, avec des plans magnifiques qui font notamment intervenir une guenon, dont l'apparence et les mouvements ont été particulièrement soignés.

   Mais c'est au niveau des pliages (numériques, ici) que la virtuosité de l'animation est la plus criante. Le film est un vibrant hommage à l'origami, érigé en art au pays du soleil levant. Kubo devient rapidement un maître du pliage (à distance), d'abord quand il se produit en public avec ses contes animés, ensuite quand il met son pouvoir au service de sa quête. L'intrigue elle-même s'inspire des traditions japonaises (en particulier celle des samouraïs) et la mêle à l'univers des mangas : le jeune héros est à la recherche des pièces d'une armure (ce qui n'est pas sans rappeler Les Chevaliers du Zodiaque) et, vers la fin, il doit combattre un dragon maléfique. Fort heureusement, l'aspect traditionnel l'emporte sur les références au dessin animé industriel.

   Nous voilà donc plongé dans un étourdissant roman d'aventures. Le garçon, qui a perdu ses parents, doit contrer les ambitions de son grand-père et de ses tantes, de véritables sorcières. Il va s'appuyer sur une drôle d'équipe, composée d'un samouraï de papier (muet, mais très expressif), d'une guenon magicienne et d'un soldat-scarabée gaffeur. Cet attelage hétéroclite ne va pas se former sans heurts, ce qui est source de nombre de gags savoureux.

   L'action est très rythmée, la musique entraînante. On ne s'ennuie pas un instant. Et si certaines scènes sont de prime abord violentes, on a pris soin d'en ôter ce qui pourrait choquer des yeux innocents : la mort de personnages (bons comme méchants) n'est jamais montrée crûment. Soit elle fait l'objet d'une ellipse, soit elle est enrobée dans un effet visuel qui l'euphémise.

   La salle où j'ai vu le film était pleine. Adultes comme enfants ont visiblement adoré !

L'Odyssée

   Il est des films qu'il vaut mieux aller voir avant d'avoir lu ou entendu les critiques professionnels, tant ceux-ci sont parfois de mauvaise foi ou ont le regard faussé par d'énormes œillères. L'émission de dimanche dernier du "Masque et la plume", consacrée au cinéma, en a été une bonne illustration. L'Odyssée a ouvert le bal, à la quatrième minute (après le courrier des lecteurs), jusqu'à la dixième. De la présentation de Jérôme Garcin à l'intervention de Pierre Murat, l'émission a accumulé les erreurs voire les contre-vérités à propos du film.

   Commençons par l'animateur de l'émission, qu'on a connu plus inspiré. Sa détestation du film le conduit à commettre plusieurs approximations. Non, l'histoire ne commence pas lorsque Cousteau quitte la Marine nationale, mais avant. Il faut un petit moment pour en arriver là. Ce n'est pas non plus dès le début qu'on le voit porter le bonnet rouge (auquel on l'a par la suite identifié), mais bien plus tard dans l'histoire. Même chose pour l'achat de la Calypso, qui n'intervient qu'à l'issue d'un long processus. Quant à la fin, elle ne survient pas à la mort de l'un des fils, mais plus tard.

   Xavier Leherpeur n'a pas fait preuve de plus de clairvoyance. Il a affirmé que la mort de Philippe constitue le noyau de l'intrigue et que le père et le fils ne se sont jamais réconciliés. C'est doublement faux. Si la mort du fils est l'un des moments-clés de l'histoire, c'est la relation du père avec l'ensemble des membres de la famille qui sert de base à l'intrigue. Et là, contrairement à ce que les critiques ont affirmé (notamment Danièle Heymann), on n'est pas du tout dans l'hagiographie. Le film dépeint en Cousteau un homme certes ingénieux et entreprenant, mais aussi profondément égoïste... et menteur. Le portrait est donc en nuances et c'est peut-être ce qui n'a pas plu à certains, qui auraient voulu que l'océanographe soit descendu en flèche.

   Quant au personnage de l'épouse, il est bien interprété par Audrey Tautou, qui est bien meilleure que ce que les critiques en ont dit. Ils n'ont pas pris de recul vis-à-vis du personnage qu'elle incarne. L'actrice s'est fondue dans le rôle de cette femme d'abord passionnément amoureuse puis de plus en plus désabusée, à laquelle il ne reste que la Calypso et les voyages.

   Autre point sur lequel porte la mauvaise foi des critiques : la qualité des images. Celle-ci est quand même reconnue par Danièle Heymann, qui contredit peut-être involontairement celui qui avait parlé juste avant elle. C'est bien filmé et les séquences aquatiques sont particulièrement réussies. Au début, il y a la découverte de merveilles sous-marines, avec un superbe effet lumineux. Plus loin, il y a (avec Pierre Niney) la séquence des requins, très attendue et qui ne déçoit pas. N'oublions pas non plus les scènes avec les baleines, qui, sur un grand écran, sont un véritable enchantement. C'est l'une des grandes qualités de ce film : consacré à un cinéaste de la mer, il est lui-même un hommage à ce monde magnifique menacé par les activités humaines.

   Il convient de revenir aussi sur la distribution. Lambert Wilson est excellent dans le rôle principal. Même si, pour ceux qui ont connu le vrai Cousteau (par écrans interposés), il est évident que l'acteur n'est pas "JYC", il nous fait croire à son personnage. Surtout, il nous fait comprendre que l'homme était pétri de contradictions : c'était incontestablement un amoureux de la mer, et un inventeur, mais il avait soif de reconnaissance. Pour atteindre ses objectifs, l'ancien officier de marine était prêt à bien des accommodements, ce que le film montre parfaitement.

   Les critiques du Masque se sont montrés là encore malhonnêtes (ou ignorants) en se gaussant du mauvais accent pris par Lambert Wilson, dont personne n'ignore qu'il maîtrise la langue de Theresa May à la perfection. Mais, tel n'était pas le cas de Jacques-Yves Cousteau. Si celui-ci s'exprimait sans difficulté en anglais, c'était avec un accent déplorable, ainsi qu'on peut le constater ici ou encore là (lors de son passage au Late Night with David Letterman, en 1990).

   Notons que les seconds rôles sont eux aussi très bons. Je vais en étonner certains, mais j'ai été agréablement surpris par la prestation de Pierre MNiney, qui nous livre là une excellente composition. Il est vrai que le costume du fils rebelle et charmeur semble taillé pour lui. La scène de l'engueulade père/fils dans un bar-restaurant américain est remarquable, avec, de surcroît, un jeu sur les reflets.

   Bref, nous sommes en présence d'un film grand public de qualité, victime d'un incompréhensible acharnement de la critique, chez laquelle les apriori idéologiques voisinent avec un poil d'incompétence.

   PS

   Si l'on voulait vraiment critiquer le scénario sur le fond, il faudrait lui reprocher les choix opérés dans les époques de la vie de Cousteau. Ainsi, comme l'intrigue démarre en 1948, on évite de parler de la période de la guerre (et de son frère aîné, furieusement antisémite et pro-nazi). A l'opposé, l'histoire s'arrête avant que la seconde famille de Cousteau ne prenne une part importante. (Aujourd'hui, c'est la deuxième épouse qui dirige la Fondation Cousteau et la Cousteau Society.)

Agent Carter

   La chaîne de télévision TMC vient de commencer la diffusion en France de la série Agent Carter, dont l'action se déroule juste après la Seconde guerre mondiale, dans l'univers Marvel. L'héroïne est Peggy Carter, la petite amie de Captain America, à l'époque décédé (en réalité congelé dans les eaux arctiques).

   L'originalité de cette série est son aspect féministe avant-gardiste. L'héroïne est une femme d'action, rompue aux sports de combat comme à certaines techniques d'espionnage. Elle n'est pas sans charme non plus. Elle est interprétée par Hayley Atwell, déjà vue dans ce rôle dans les films qui tournent autour de Captain America ou des Avengers. Il y a une dizaine d'années, elle s'est fait connaître dans Le Rêve de Cassandre, de Woody Allen.

   Autour d'elle, la production a réuni une galerie de personnages assez attachants. Il y a d'abord ceux qui font écho à l'univers Marvel : l'industriel Howard Stark (le père -et précurseur- de Tony, futur Iron Man) et son majordome-homme-à-tout-faire Jarvis (excellemment interprété par James D'Arcy) :

   Ces hommes-là ont une grande estime pour Peggy Carter, au contraire de la plupart de ses collègues de l'agence SSR, qui voudraient la cantonner à du travail administratif. L'intrigue est très bien conçue puisque l'héroïne mène en fait ses enquêtes dans le dos de ses collègues, tout en profitant de leurs préjugés machistes. Cela donne lieu à plusieurs scènes savoureuses. Un de ses collègues sort du lot : le handicapé, revenu de la guerre avec une jambe en moins et qui semble "en pincer" pour Peggy. Le sérieux qu'il met dans son travail pourrait néanmoins gêner l'héroïne, tout comme l'action du principal agent masculin, un beau gosse arrogant qui n'hésite pas à user de ses poings :

   Dans tout bonne histoire, il faut des méchants réussis. C'est le cas ici, avec les mystérieux tueurs professionnels, amputés du larynx, liés à cet insaisissable ennemi nommé Léviathan.

   L'ambiance est donc à l'espionnage et à l'innovation technologique, ce qui n'est pas sans rappeler une autre série (futuriste celle-là), Fringe. Mais l'essentiel des références évoque plutôt les films noirs des années 1940-1950. Cette atmosphère, bien rendue par la photographie (très soignée), ajoutée aux détails concernant la vie quotidienne des femmes de l'époque, contribue à faire d'Agent Carter une très bonne surprise.

Le Teckel

   Au cinéma comme dans le théâtre classique, il existe deux types d'auteurs. A Pierre Corneille qui peignait les humains tels qu'ils pouvaient être, lorsqu'ils se dépassaient, s'opposait Jean Racine, qui les représentait minés par leurs passions ou leurs petitesses. Dans le cinéma contemporain règnent les Pierre Corneille, soit qu'ils mettent en valeur les aspects positifs de leurs personnages, soit qu'ils les fassent évoluer vers le meilleur. Tel n'est pas Todd Solondz, qui aime bien remuer la merde mettre en exergue la noirceur de l'humanité. Ici, c'est la vie d'un chien (plus exactement d'une chienne) qui est le prétexte à ses observations.

   L'introduction se contente de montrer celui qui est peut-être le premier propriétaire du teckel en train de l'abandonner. La chienne n'est pas jolie, mais elle a une bonne bouille... et qu'est-ce qu'elle semble docile ! Un mec très riche et qui croit tout savoir décide d'en faire cadeau à son fils unique, qui se remet doucement d'un cancer.

   Cela donne la meilleure des quatre historiettes qui composent ce film. L'humour sardonique de Solondz y est très présent. Je recommande tout particulièrement le moment où la mère (Julie Delpy, parfaite) tente de justifier auprès de son fils la stérilisation du teckel. Elle lui raconte l'histoire de "Croissant" (en français dans le texte), la chienne qu'elle avait quand elle était petite. Je me garderai bien de narrer le sort qu'a connu la pauvre bête (dont le nom n'a pas été choisi au hasard...). Tout ce que je peux dire est que cette scène éminemment burlesque a suscité un sacré malaise dans la salle de l'Utopia l'American Cosmograph de Toulouse où je l'ai vue. Il y avait certes un public de connaisseurs, mais il me semble qu'une partie de l'assistance ne savait pas trop à quoi s'attendre... Notons que cette séquence met en scène l'un des mantras de l'oeuvre de Solondz : les difficultés de communication entre parents et enfants... et la tendance des premiers à ne pas agir en conformité avec les règles qu'ils édictent pour les seconds. Les amateurs se réjouiront aussi de l'humour scatologique. Moi, j'ai kiffé !

   La qualité chute avec la deuxième histoire. De nouveau abandonnée, la chienne est sauvée par une assistante-vétérinaire un peu à côté de ses pompes (très bien interprétée par Greta Gerwig, l'une des égéries du cinéma indépendant états-unien). Notre teckel vedette va enrichir sa connaissance de l'humanité au contact d'un drogué et d'un couple consanguin. Ici Solondz nous montre l'Amérique (blanche) d'en-bas (du plafond), qu'on n'a aucune envie de rencontrer.

   Un interlude nous mène dans une université de seconde zone, où officie un scénariste has-been, incarné par Danny de Vito. Là, je pense qu'il y a une part d'autobiographie. Solondz, qui a réalisé peu de films et n'a pas retiré beaucoup d'argent de son activité de cinéaste, a sans doute dû accepter certaines tâches "alimentaires" pour survivre. Cette histoire dresse un portrait pathétique aussi bien du scénariste, enseignant médiocre, que des étudiants en cinéma, gosses de bourges prétentieux et creux. La chute, inattendue, est excellente !

   L'intensité remonte avec la dernière histoire, celle d'une grand-mère malade (et riche) qui reçoit sa petite-fille nécessiteuse (et conne). La mamie s'est attachée au teckel... davantage même qu'aux membres de sa famille. On retrouve l'humour sardonique de Solondz, teinté d'un peu de tendresse pour la vieille dame (qui n'a pas eu la vie si heureuse) et la jeunette, bien servie par la comédienne (Zosia Mamet, un nom  à retenir). J'ai particulièrement aimé l'accueil que réserve la grand-mère à la donzelle accompagnée de son artiste de copain : à leur bonjour elle répond en réclamant sa potion anti-diarrhéique à son auxiliaire de vie ! Et je ne vous raconte pas la fin, qui en a fait bondir plus d'un-e dans la salle !

   Le tout se conclut sur un clin d'oeil... et un aboiement de teckel !

   Ce n'est pas le meilleur film de Solondz, mais c'est plus réussi que le précédent, Dark Horse.

Ma Vie de courgette

   Courgette est le surnom du héros de ce film d'animation, un petit garçon prénommé Icare, qui entretient une relation fusionnelle avec le cerf-volant qu'il a construit (sans doute pour pallier l'absence de son père). C'est aussi un dessinateur. Il utilise ses facultés d'imagination pour transcender un quotidien pas tout rose.

   Pour une raison que je ne révèlerai pas, Courgette se retrouve dans un orphelinat un peu spécial, où il va côtoyer d'autres enfants "en difficulté". Simon est le petit caïd de la bande. C'est aussi un enfant de drogués. Une des filles a été violée par son père, une autre a vu son géniteur trucider sa mère (avant qu'il ne se suicide), une troisième a été abandonnée...

   Présenté comme cela, ça donne l'impression que l'intrigue est sinistre. Eh bien très peu, en fait. Certes, au départ, les gamins sont malheureux. Mais la plupart des choses sont dites avec les mots des enfants et certaines scènes sont émaillées d'humour. (Ah, la question du zizi qui explose !...) Les adultes qui s'occupent d'eux au foyer sont très attentionnés et la situation des personnages évolue. (Sur le fond, ça m'a un peu rappelé Ma Maman est en Amérique.)

   La technique d'animation est celle du "stop-motion", qui implique une grande minutie (et beaucoup de patience). C'est réussi, à la fois vraisemblable dans les mouvements et joli à l'écran... et c'est visible par les petits comme par les grands. Dans la salle où je l'ai vu, les enfants ont été captivés pendant les 65 minutes de la projection.

   PS

   Le dossier de presse mis en ligne par la société de production est très intéressant.