Lion

   Ce film fait partie des multinominés aux prochains Oscar. Il s'inspire d'une histoire vraie assez extraordinaire. La première partie se déroule en Inde, dans un village perdu au cœur du pays, puis à Calcutta. Les scènes alternent moments de joie et de tristesse. On nous fait découvrir l'Inde ultra-pauvre d'il y a une trentaine d'années, d'abord rurale puis urbaine. C'est globalement assez dur (quand on nous montre tous les dangers qui guettent les enfants esseulés), même si des moments de bonheur émergent.

   C'est prenant parce que les interprètes sont assez bons. Les enfants ont fait l'objet d'une sélection sévère, si bien que les deux gamins qu'on voit le plus à l'écran sont très convaincants. Toutefois, je trouve que c'est celui qui incarne l'aîné (Guddu) qui s'en sort le mieux, le plus jeune (qui joue le héros Saroo) me semblant plus limité.

   C'est de plus très bien filmé. Au début et, par la suite, à plusieurs reprises, on tente visiblement de nous en mettre plein la vue avec des plans aériens. Mais ce sont les scènes urbaines, à Calcutta, qui sont les plus réussies, avec une superbe photographie.

   La deuxième partie se déroule en Australie. On retrouve le héros devenu adulte, un jeune homme bien dans sa peau, à qui la vie tend les bras. Sauf que... le passé va refaire surface. Dans le rôle de l'ancien enfant adopté rongé par le doute et la culpabilité, Dev Patel (celui de Slumdog millionaire) est très bon. Il est épaulé par une brochette d'acteurs confirmés. Du côté australien, on a Rooney Mara, Nicole Kidman (malgré la chirurgie esthétique...) et David Wenham. Du côté indien, outre ceux déjà mentionnés, on peut signaler l'apparition de Nawazuddin Siddiqui (remarqué dans The Lunchbox) et surtout de Tannishtha Chatterjee, qu'on a pu voir récemment dans La Saison des femmes et Déesses indiennes en colère.

   La troisième partie voit le héros partir en quête. Je me garderai bien de raconter ce qu'il va trouver. Je peux quand même dire que, vers la fin, j'ai eu les yeux qui piquent... Satanées poussières !

L'Empereur

   Douze ans après La Marche de l'empereur, Luc Jacquet (auquel on doit aussi La Glace et le ciel et Il était une forêt) nous revient avec un documentaire consacré aux manchots de l'Antarctique. Le scénario est familial : on suit les efforts des parents pour faire survivre leur progéniture, avant de découvrir les premiers pas de celle-ci, jusqu'à l'acquisition de l'autonomie.

   Le déroulé n'est toutefois pas strictement linéaire : on nous propose des retours en arrière, et même quelques images du premier film. On a visiblement voulu éviter le côté parfois pesant des documentaires. Quant au commentaire lu par Lambert Wilson, il évite les deux principaux écueils : il n'est ni abscons ni nunuche. La musique n'est pas trop présente, juste ce qu'il faut.

   Mais le plus intéressant est ce que l'on voit à l'écran. Les images sont superbes, que ce soient celles de la banquise, celles de l'océan ou bien celles des manchots. Ceux-ci sont parfois filmés en super gros plan : on a l'impression de pouvoir les toucher ! Et qu'est-ce qu'ils sont beaux, à la fois gracieux et dignes.

   Je pense que l'une des raisons du succès qu'ils rencontrent est l'anthropomorphisme dont nous faisons preuve. Voir ces marcheurs empruntés trébucher (voire tomber) sur la glace les rend proches de nous, tout comme les couples qu'ils forment, avec ce souci de préserver leur progéniture unique. Encore aujourd'hui, je suis étonné de la relative facilité avec laquelle les adultes arrivent à se reconnaître et à repérer leur petit, qu'ils n'ont parfois pas vu depuis des mois. Il semblerait qu'ils se guident essentiellement à l'oreille.

   A propos des couples, les spectateurs avisés remarqueront l'équitable répartition des tâches entre le mâle et la femelle, les deux couvant alternativement le petit, pendant que l'autre part chercher de la nourriture. C'est même la mère qui abandonne la cellule familiale la première, quand elle juge que le petit peut se débrouiller seul.

   Celui-ci n'est pourtant pas bien grand, n'ayant en général pas achevé sa mue. Ces peluches vivantes et maladroites sont vraiment attendrissantes ! Très jolies aussi sont les scènes de séduction entre les adultes. Et l'on retrouve ces étranges processions, que les animaux forment quasi instinctivement. C'est vraiment un chouette film !

Silence

   Le nouveau film de Martin Scorsese (nettement moins tape-à-l'oeil que Le Loup de Wall Street) est l'adaptation d'un roman japonais, mais son intrigue a un arrière-plan historique : les tentatives de christianisation du Japon, notamment par les Jésuites, ordre auquel appartiennent les héros.

   Le film (dans sa version originale) est polyglotte : on y entend parler anglais, latin, japonais et même chinois. Scorsese semble suivre la même démarche que Clint Eastwood dans Lettres d'Iwo Jima : son oeuvre ne sera pas une vision occidentalo-centrée. Toutefois, il n'a pas poussé le réalisme jusqu'à faire s'exprimer les personnages principaux européens en portugais. Déjà qu'il a eu du mal à financer le film...

   D'un point de vue visuel, c'est superbe. Scorsese n'a pas perdu la main. Epaulé par un très bon directeur de la photographie, il réalise de superbes plans des zones côtières comme des intérieurs. Les scènes de nuit sont les plus belles, avec une incontestable maîtrise des éclairages. Je note cependant un certain penchant à montrer la saleté à l'écran... penchant qui concorde avec le propos du film.

   Scorsese a visiblement pris du plaisir à mettre en scène une lente défaite, celle des Européens sûrs d'eux face à la civilisation (et à la force) japonaise. Pour les spectateurs occidentaux, c'est original, mais, à l'écran, c'est long à venir. On doit subir des tunnels de dialogues pas franchement palpitants. De surcroît, je ne suis pas convaincu par le choix d'Andrew Garfield pour le rôle principal. Il était meilleur dans Tu ne tueras point, mais il interprétait un personnage plus monolithique. Il est visiblement moins à l'aise dans le rôle d'un homme de plus en plus tourmenté, dont les convictions vont vaciller. A ses côtés, Adam Driver (que l'on voit beaucoup moins) est plus marquant. Surtout, quand Garfield se retrouve face à Liam Neeson, on sent clairement qu'il y a une classe d'écart.

   Beaucoup de choses sont assez prévisibles dans cette histoire. Du coup, comme l'action n'est guère trépidante, je me suis un peu ennuyé. J'ai eu le temps de goûter la beauté de certains plans mais, franchement, pendant 2h40, ça fait long. Il convient néanmoins de rester attentif jusqu'au bout. En chrétien convaincu, Scorsese a voulu montrer que la véritable victoire est intérieure, en tout cas beaucoup plus discrète que ne le furent les tentatives d'évangélisation...

Tempête de sable

   Ce film israélien a pour héros des Bédouins du Néguev, des Arabes du désert, en partie sédentarisés. On suit plus particulièrement une famille, l'aînée des enfants, la charmante et impétueuse Layla, étant l'héroïne de l'histoire. C'est elle qui va lever un vent de tempête qui menace de tout emporter sur son passage.

   On s'attend essentiellement à ce qu'il soit question de mariage forcé, mais, habilement, le film démarre sur une scène qui illustre le fort attachement qui existe entre le père et sa fille aînée. Cependant, on va très vite comprendre que ce père n'est pas prêt à aller à l'encontre des traditions. L'intrigue nous fait donc découvrir, globalement, la situation des femmes dans une société patriarcale contemporaine.

   La première partie est bien centrée sur un mariage, mais ce sont des adultes qui sont directement concernés. Ici, il est question de polygamie... et peut-être aussi de transmission masculine : l'homme qui accueille sa deuxième épouse a quatre enfants... uniquement des filles. Le regard se concentre sur la première épouse, qui ne manque pas de caractère, mais qui n'a guère de marge de manoeuvre. Dans le rôle, Rubal Abal (vue auparavant dans Héritage) est excellente.

   On sent même qu'au sein du groupe familial, la fille aînée n'est pas loin de prendre le dessus sur sa mère... tant qu'elle bénéficie du soutien de son père. Celui-ci lui apprend à conduire et, fait extraordinaire, l'encourage à poursuivre ses études. On sent même qu'il regrette que ses résultats ne soient pas plus brillants.

   Cela s'explique parce que Layla a un peu la tête ailleurs. Certes, ses études lui ont laissé entrevoir une autre vie, dans laquelle elle ne serait pas destinée à élever les enfants qu'elle aurait d'un mari imposé. Mais, surtout, elle est tombée amoureuse, d'un gars d'une autre tribu. Va-t-il plaire à son père ? La famille de son chéri (dont on comprend qu'elle a eu à souffrir des autorités israéliennes) est-elle assez honorable ? Cette amourette cadre-t-elle avec les plans qu'a concoctés le père pour sa fille ?

   Le coeur de l'intrigue est constitué par cette opposition père-fille. Mais cela a aussi des conséquences sur les jeunes soeurs de l'héroïne... et surtout sur sa mère. On sent la jeune femme prête à tout. Elle va devoir prendre une décision lourde de conséquence, quelle qu'elle soit.

   C'est pour moi un très bon film. Sur un canevas connu (les amours contrariées), la réalisatrice (qui est aussi scénariste) a greffé le contexte israélien et la question de la place des femmes dans la société.

   P.S.

   Pour en savoir plus sur le sujet, on peut lire une étude universitaire d'Ivan Sand (très critique vis-à-vis de la politique menée par les gouvernements israéliens). Un intéressant (et très ponctuel) contrepoint est proposé par... le site de Tsahal (l'armée israélienne), qui évoque le rôle (méconnu) des Bédouins dans la défense du pays. (Les lecteurs avisés remarqueront l'emploi de l'expression "Judée-Samarie" à la place de Cisjordanie...)

Lego Batman, le film

   C'est la sortie événement de cette semaine, loin devant les attrape-nigaude matraqués par la publicité. Ceux qui ont savouré La Grande Aventure Lego ne seront pas dépaysés. Le style graphique est le même, le ton parodique omniprésent... et c'est d'ailleurs davantage destiné aux grands qu'aux petits, au-dessus de la tête desquels risquent de passer pas mal d'allusions !

   Dès le début, j'ai aimé le commentaire parodique du générique, qui se moque gentiment de certains tics hollywoodiens. Notre guide est Batman-le-héros-viril-qui-n-a-besoin-de-personne. Le film a évidemment pour objectif de démontrer le contraire.

   En attendant que Batman ne rejoigne le commun des mortels, on le montre mettre sa race à une brochette de vilains, dans une séquence cocasse et survitaminée. Mais l'image scintillante du justicier solitaire cache la vie recluse d'un homme triste, sans famille, dont les habitudes vont être (en partie) dérangées par l'arrivée d'un orphelin très dégourdi.

   Les sources de gag sont donc nombreuses. Outre les invraisemblables combats, on a l'égocentrisme de Batman, les maladresses de ses amis... et le comportement puéril des méchants. A certains moments, cela va même trop vite, tellement c'est riche... encore un coup pour nous faire acheter le DVD !

   Au niveau du sous-texte, tous les publics sont servis : Batman tombe raide dingue amoureux de la nouvelle commissaire... tout en entretenant une relation amour/haine très ambiguë avec le Joker. N'oublions pas que la plupart de ces messieurs portent des collants...

   Bref, malgré la bande-son très rap, j'ai passé un excellent moment, en compagnie d'une troupe de crétins parfois futés.

   P.S.

   Ceux qui apprécient ce genre d'humour peuvent se ruer en toute confiance sur d'autres animations Lego, pour la télévision. Ainsi, plusieurs séries estampillées "Lego Star Wars" ont été produites. Les Contes des Droïdes (diffusés avant que ne sorte en salles Le Réveil de la Force) racontent toute la saga... du point de vue de R2-D2 et de C-3PO. C'est hi-la-rant !

   Auparavant avaient été produites Les Chroniques de Yoda, dont la première saison s'intercale sans doute entre L'Attaque des clones et La Revanche des Siths, et la seconde entre L'Empire Contre-Attaque et Le Retour du Jedi. Le petit bonhomme vert aux pouvoirs extraordinaires y joue un rôle essentiel, avec ce sens de la dérision qui évite toute grandiloquence.

   Plus récemment, j'ai découvert Les Aventures des Freemakers, dont l'action se déroule elle aussi entre les épisodes V et VI. Cette série met en scène des sortes de garagistes-brocanteurs de l'espace, un trio composé de deux frères et d'une sœur. Ces autoentrepreneurs pleins d'allant sont toutefois assez gaffeurs... mais le plus jeune sent la Force en lui. C'est moins désopilant que les deux autres séries, mais cela se regarde sans déplaisir.

Neruda

   Ce portrait romancé de l'écrivain chilien Pablo Neruda est signé par un autre Pablo, Larrain, dont le médiocre Jackie est actuellement en salles. J'apporte cette précision pour deux raisons. La première est qu'il est rare de voir deux films récents d'un même réalisateur occuper les écrans. La seconde est qu'il est difficile de croire que le même homme ait pu, à quelques mois de distance, réaliser deux oeuvres aussi dissemblables.

   Autant Jackie est pesant, engoncé, prévisible, autant Neruda est vivant, virevoltant... voire facétieux. Le principal artifice de mise en scène consiste dans le montage alterné de plusieurs versions de certaines scènes de dialogue, tournées sous des angles voire dans des lieux différents. Cela donne une impression d'étrangeté ou de cocasserie... et nous incite à nous méfier de ce qui nous est montré : l'histoire qui nous est contée est en cours de construction... bref, c'est de la "réalité améliorée" ou une fiction réaliste. Neruda ayant été lui-même un peu affabulateur, quel plus bel hommage pouvait-on lui rendre que de romancer cet aspect de sa vie !

   Il convient aussi d'être observateur : certains plans réservent quelques surprises. A plusieurs occasions, Neruda tente de se dissimuler (avec succès). Il reste aux spectateurs (et aux policiers qui le poursuivent vainement) à deviner où il se cache, par exemple dans le bordel ou encore dans la librairie.

   Au-delà de son aspect comique, le film n'en assène pas moins quelques vérités. J'ai apprécié qu'on déboulonne (un peu) la statue du grrrand écrivain. Neruda était un bourgeois dilettante, communiste en partie par provocation. S'il était sans doute sincèrement choqué par le sort des prolétaires chiliens, il pensait surtout à s'envoyer en l'air... et tenait absolument à bénéficier des services de domestiques, même en cavale.

   C'est toute l'histoire de ce film, qui voit l'écrivain poursuivi par un policier zélé... et un peu admirateur de ses oeuvres. Dans le rôle d'Oscar Peluchonneau, Gael Garcia Bernal (que Larrain avait déjà dirigé dans No) est excellent, au point de parfois voler la vedette à l'écrivain... ce à quoi s'évertue son personnage, d'ailleurs ! (Signalons qu'il a existé un Oscar Peluchonneau Bastamante directeur général de la police chilienne... en 1952, soit quelques années après l'époque à laquelle se déroule l'intrigue. Ici encore, réalité et fiction s'entrecroisent.)

   Au passage, le Chilien Larrain, qui avait situé l'action de Santiago 73 à l'époque du coup d'Etat de Pinochet, nous fait croiser le futur dictateur, alors jeune officier, dirigeant un camp de détention de communistes du côté d'Iquique, dans le nord du pays, où s'étend le désert d'Atacama. Ce nom a éveillé ma curiosité. Où l'avais-je déjà entendu ? Dans le documentaire Chomsky et compagnie, qui évoque le massacre de mineurs commis par l'armée chilienne en 1907.

   Neruda est donc un film très riche, qui nous instruit et nous divertit sans se prendre au sérieux. J'ai toutefois été un peu déçu par le dernier quart d'heure, le réalisateur ayant visiblement eu du mal à conclure son histoire.

   P.S.

   Le massacre de 1907 a inspiré l'écrivain Hernan Rivera Letelier, dont le roman Les Fleurs noires de Santa Anna a pour cadre les jours qui ont précédé la tuerie. On y suit des personnages hauts en couleur, pauvres et, en général, dignes. Ils vont se révolter contre leurs conditions de travail (et de vie) et déclencher un formidable mouvement populaire, qui va affoler les possédants.

La Grande Muraille

   Cette coproduction américano-chinoise vise le plus large public possible... avec, en priorité, les nombreux spectateurs des Etats-Unis et de Chine. Le cadre principal de l'action est l'un des monuments emblématiques de la Chine (et du patrimoine mondial). Par contre, l'intrigue, loin de s'inspirer d'événements historiques, s'appuie sur une légende. C'est une sorte de mélange de film en costumes chinois et de Seigneur des anneaux, avec une pincée de Kingdom of Heaven.

   Le propos est éminemment politique. Il montre que, face à une gigantesque menace (les animaux incarnant la barbarie, qui pourrait être celle du djihadisme), Occidentaux et Orientaux doivent unir leurs forces pour triompher. Accessoirement, au-delà de leurs différences, les braves de chaque camp ont plus de points communs qu'ils ne le croient.

   Du côté des Orientaux, on identifie bien les Chinois (les peuplades mongoles étant présentées comme sous-développées). C'est l'époque de la dynastie Song, qui a vu l'invention de la poudre à canon et du principe de la boussole, entre autres. (Accessoirement, le public non cultivé apprendra qu'au Moyen Age, c'était la civilisation chinoise qui était la plus avancée.) Du côté des Occidentaux, c'est plus ambigu : Matt Damon incarne un chevalier anglais (qui s'est battu pour l'un des rois nommés Harold, qui vécurent tous deux au XIe siècle)... mais c'est incontestablement un Américain. Au niveau du scénario, on a joué sur cette double identité. Au plan symbolique, le film met en scène une hypothétique alliance sino-américaine, mais il pourrait aussi se comprendre comme la dénonciation de la perte de certaines valeurs par les Européens (risque qui menace aussi les Chinois).

   Mais on peut très bien s'émanciper de ce sous-texte et se contenter de profiter du spectacle. La photographie est superbe, très colorée, et les effets spéciaux au poil. Signalons que Lucasfilm (à travers notamment sa filiale Skywalker Sound) y a apporté sa touche... en compagnie d'une brochette de contributeurs, tchèques, indiens et même français.

   Les acteurs sont bons, ne surjouent guère. Le public a aussi l'occasion de découvrir une ravissante actrice chinoise, Jing Tian, à laquelle l'armure bleue sied à merveille... et que sa coiffure extravagante ne gêne nullement au combat !

   Ce film est donc à classer dans la catégorie "divertissement grand public". C'est joli à regarder, romanesque à souhaits, sans prise de tête. Cela ne va pas changer l'histoire du cinéma, mais on passe un bon moment.

Jackie

   Ce faux biopic est centré sur les moments et les jours qui ont suivi l'assassinat de John Fitzgerald Kennedy, vus par sa veuve. Cette trame est encadrée par des retours en arrière (des extraits d'un programme télévisé auquel la First Lady avait participé) et l'entretien accordé par l'héroïne à un journaliste (une fois le tumulte passé). Il s'agit donc d'un film à entrées multiples, sur le pouvoir, sa représentation, le poids des médias, la vie d'une femme mal considérée (avant d'être adulée) et sur le(s) deuil(s).

   Natalie Portman a pris le phrasé et la démarche de Jackie Kennedy. Par son jeu, elle nous montre aussi l'évolution du personnage : à la nunuche de 1961 a succédé, en 1963, une femme certes tenaillée par la souffrance, mais plus sûre d'elle et capable d'utiliser les rouages du système.

   Le reste de la distribution est de bon niveau. On ne voit pas trop les autres acteurs, dont le jeu est réduit à la portion congrue. On remarque néanmoins la bonne prestation de Peter Sarsgaard (en Robert Kennedy). Je note aussi qu'on a trouvé un acteur qui a une certaine ressemblance avec le défunt président.

   Le problème vient, en partie, de la réalisation. Oh, c'est du travail propret, avec un petit côté vintage dans la recréation du grain de l'image télévisuelle (pour les scènes anciennes). Mais c'est trop sage, trop millimétré. On finit par s'ennuyer terriblement, d'autant qu'on a veillé à ne pas égratigner la légende Kennedy.

   A mon avis, il aurait été plus pertinent d'élargir l'ampleur chronologique du sujet, pour évoquer les études suivies par Jacqueline Bouvier (qui n'était pas une idiote) et, après la période Maison Blanche, sa tentative de refaire sa vie avec le milliardaire Onassis.

   P.S.

   Quitte à aller voir un film qui rende hommage à une femme célèbre (incarnée par une actrice très talentueuse), autant choisir Dalida.

La Vallée des loups

   Cette vallée alpine (de cheval) nous demeure secrète, le réalisateur Jean-Michel Bertrand voulant la préserver de l'intervention humaine. Je pense malgré tout qu'une personne connaissant la région peut, en s'appuyant sur les images et sur les remerciements qui figurent dans le générique de fin, arriver à retrouver les lieux de tournage.

   Commençons donc par ces images superbes de paysages de montagne, d'un lever de soleil brumeux ou de surfaces enneigées. C'est évidemment une ode à la nature, à travers le minéral, le végétal... et l'animal. Bien avant de voir les loups, on entre en contact avec les chouettes (succès garanti auprès du public, à condition qu'il n'attrape pas de torticolis), les blaireaux (il n'y en avait pas dans la salle, apparemment), les cerfs, les biches, les chamois, les lièvres, les corbeaux, les fourmis, les renards... C'est beau à voir, parce que les animaux sont filmés dans leur milieu naturel et parce que la photographie n'est pas dégueu.

   C'est aussi souvent drôle, parce que le comportement des bestioles prête parfois à sourire et parce que J-M Bertrand se met en scène, avec une bonne dose d'autodérision. Précisons qu'il n'est pas tout seul à tenir la caméra. Les prises de vue ont été réalisées par deux personnes, Marie Amiguet épaulant le réalisateur. C'est particulièrement visible sur certaines scènes, où les prises de vue ne peuvent pas avoir été réalisées par une caméra fixe disposée par l'unique personne présente sur les lieux.

   Cela me conduit à une petite critique. Ce qui nous est présenté comme le fruit de l'immersion aventureuse d'un baroudeur passionné est aussi le résultat d'une mise en scène. Certains moments, présentés comme fortuits, ne le sont pas tout à fait.

   L'un des exemples les plus flagrants est la première vision d'un loup. Elle semble survenir alors que le réalisateur nous est montré en train d'uriner. Il se retourne et -contrechamp- on voir un loup, au loin, qui semble l'observer. C'est évidemment le résultat au mieux d'une reconstitution (seules les images du loup sont une capture sur le vif, les autres ayant été rejouées pour les besoins du film), au pire d'une invention (le réalisateur a bien filmé par hasard ce loup, de jour, et a décidé ensuite d'ajouter une scène le montrant en train d'uriner à ce moment-là pour "pimenter" son histoire).

   Un autre exemple est cette scène qui voit le réalisateur marcher devant un arbre dans lequel se cache une chouette, dans une niche située en hauteur. La caméra, posée latéralement au chemin, semble capter une rencontre fortuite. En réalité, il y a fort à parier que la chouette a été repérée auparavant et qu'il a été décidé de mettre en scène le passage de J-M Bertrand devant cet arbre-là.

   On va me dire : ce ne sont là que de menus détails, mais ce procédé de fausse rencontre, tout comme le tournage a posteriori de plans contrechamp nuit à la rigueur du propos (qui est militant).

   On n'en est pas moins passionné par le périple du réalisateur. D'abord attiré par les rapaces, il décide de se concentrer sur les loups, dans ce parc naturel où l'activité humaine ne vient pas déranger la vie des animaux sauvages. La vision, assez précoce, du premier loup, l'incite à croire qu'il va rapidement arriver à ses fins... Que nenni ! La première année d'observation s'achève sans nouvelle rencontre. Il doit se résoudre à installer des caméras à déclenchement automatique (si elles repèrent du mouvement dans leur champ de vision). Cela nous vaut d'étranges images nocturnes (pour la plupart) de la faune sauvage, vraiment captivantes.

   J'ai particulièrement aimé la séquence qui montre la compétition qui existe, à distance, entre les loups et le renard pour l'occupation d'un territoire. Le chef de la meute commence par marquer le terrain à l'aide d'excréments. Plus tard, le renard vient uriner dessus. De retour, les loups grattent le sol à proximité... là où, plus tard, le renard va à son tour faire ses besoins. Je vous laisse découvrir à quelles extrémités se laisse porter le canidé à la queue touffue !

   Le résultat est un passionnant documentaire, très engagé en faveur du loup... et c'est à mon avis sa principale limite. Si l'on ne nous cache pas le mode alimentaire de canis lupus, jamais on ne le voit réellement chasser ni tuer ou dépecer une proie. Par contre, on a tenu à nous montrer des images de louveteaux jouant comme des chiots. Dans un parc national, la présence des loups se justifie pleinement : ils contribuent à l'équilibre de la chaîne alimentaire. Par contre, dans un parc naturel régional (dont la vocation est de concilier protection de la nature et activités humaines), la présence du loup est une menace pour l'élevage extensif, qui a besoin de grandes pâtures sans danger pour les animaux domestiqués.

Sahara

   Ce film d'animation franco-canadien est porté par une pléiade de voix connues du grand public : Omar Sy, Louane, Vincent Lacoste (très bon en en serpent djeunse), Ramzy, Jean Dujardin, Grand Corps Malade, Sabrina Ouazani, Jonathan Lambert ou encore Clovis Cornillac (que j'ai adoré en ver luisant).

   Pourtant, la première partie ne m'a pas du tout emballé. Non que ce soit mauvais, mais je me suis senti comme exclu de l'histoire, visiblement destinée au (très) jeune public. A un moment, j'ai même piqué du nez !

   Fort heureusement, cela change vers le milieu du film, avec deux séquences capitales : la rencontre des vers luisants dans la grotte et l'introduction du personnage du charmeur de serpents. La première est à la fois drôle et superbe sur le plan visuel. On s'attend bien sûr à de jolis effets d'éclairage, mais on est aussi ravi quand cela prend un tour psychédélique. Quant à l'arrivée du charmeur de serpents, elle débouche sur une scène de danse très réussie.

   La suite maintient l'intérêt : les héros vont faire la rencontre de touristes du désert... humour garanti ! On rit aussi beaucoup lors de la rencontre du poisson des sables (Michaël Youn, étonnamment bon). La virtuosité est plus flagrante lors de la séquence de battle dance, qui va opposer deux femelles. Les animateurs ont réussi à faire se mouvoir les serpents de telle manière qu'à l'écran, on a quasiment l'impression de voir des jeunes femmes.

   La dernière partie de l'intrigue est la plus trépidante. Cela devient un film d'action très prenant... et visible par tous.

   Voilà. Si l'on supporte la première partie, cela constitue un bon divertissement.

L'Histoire officielle

   C'est le titre d'un film argentin (oscarisé), sorti en 1985 et tourné en secret dès la chute de la dictature militaire, en 1983. Il ressort aujourd'hui dans une version restaurée. C'est une œuvre majeure, d'abord par la qualité de l'interprétation, mais aussi par la force du sujet qu'elle aborde (les disparus de la dictature), ultra-brûlant à l'époque.

   Le titre est à double-sens, puisqu'il fait allusion à la censure qui sévit en 1982-1983 sur les crimes de la dictature... et au métier de l'héroïne Alicia, qui enseigne l'histoire dans un lycée de garçons. Cultivée et autoritaire, elle impose une certaine vision du passé, qui va être contestée par certains élèves.

   La remise en question va aussi toucher son histoire personnelle. On apprend vite qu'elle est stérile et que sa fille Gaby a été adoptée il y a environ 5 ans... en réalité, elle a été apportée au domicile conjugal par l'époux de l'héroïne, un homme d'affaires très en cour auprès des officiers qui dirigent le pays depuis 1976.

   Mais l'on sent que l'ambiance est à la fin de règne. Plusieurs scènes sont chargées de nous montrer que l'on parle beaucoup par sous-entendu, y compris au sein de l'élite privilégiée. La glace va craquer une première fois lors d'une soirée "entre filles" : l'héroïne revoit sa meilleure amie, de retour au pays après une absence de six ans. La scène s'engage sur un ton très futile, limite agaçant. Et, soudain, elle bascule dans le drame, notamment grâce au talent de l'actrice qui incarne Ana.

   La grande bourgeoise sent ses certitudes vaciller et décide de mener sa propre enquête sur l'origine de sa fille. Cela va la conduire à rencontrer une de ces grands-mères de la place de Mai, dans une scène de café absolument étourdissante, qui voit une femme changer petit à petit d'attitude en écoutant la seconde, qui se livre et se décompose.

   C'est donc un film de femmes, très fort bien qu'un peu daté. Soulignons aussi la très bonne composition d'Hector Alterio, qui interprète le mari d'Alicia.

   Je pense que ce film a inspiré d'autres réalisateurs sud-américains, comme Adrian Caetano (auteur de Buenos Aires 1977), Lucia Cedron (Agnus Dei) ou encore les Chiliens Patricio Guzman (Nostalgie de la lumière et le génial Bouton de nacre) et Pablo Larrain (Santiago 73 et No).

Dalida

   Presque cinq après Cloclo, le cinéma français replonge dans le biopic d'une vedette populaire morte prématurément. Coïncidence ou pas, les deux chanteurs ont passé leur enfance en Egypte, dans la communauté européenne. Ils ont aussi l'Italie en commun, plus précisément la Calabre, dont est originaire la famille de Iolanda Gigliotti, tout comme celle de la mère de Claude François. On note que les deux enfances ont été bercées par la musique, notamment celle jouée au violon.

   Là s'arrêtent les ressemblances. La vie de Dalida est un écheveau de moments d'intense bonheur et de drames, qui l'ont conduite à deux tentatives de suicide, la seconde réussie. Autre différence : la chanteuse n'a pas eu d'enfant, elle qui aurait tant voulu être mère, quitte à laisser un peu tomber sa carrière.

   Contrairement à Cloclo, Dalida nous fait découvrir le passé par touches, à l'aide de retours en arrière. Cela donne au film un côté puzzle qui n'est pas déplaisant, ni déstabilisant : on sait toujours où et quand l'action se déroule. De plus, à l'écran, les tons varient en fonction du lieu et de l'époque. C'est le moment de signaler la grande qualité de la photographie et les efforts pour mettre en scène de manière un peu originale le parcours d'une personne qui a tant occupé les écrans.

   J'ai en tête deux moments particulièrement bien filmés : la demande en mariage de Lucien Morisse, acceptée mais qui vient trop tard (ce qui nous est montré à l'aide de la dissociation des glaces du miroir de la loge) et l'entrée puis la sortie de la scène du palais des sports de Paris. La réalisatrice Lisa Azuelos a su porter à l'écran le monde des paillettes et sa face cachée.

   Pour cela, elle a pu aussi s'appuyer sur la distribution. Tout le monde le dit mais je vais le répéter quand même : dans le rôle-titre, Sveva Alviti est une révélation. Certes, à la base, il y a bien une ressemblance physique entre l'actrice et la chanteuse qu'elle est chargée d'incarner. Mais elle a su acquérir les attitudes et une partie du phrasé de la vedette. Signalons que le film est polyglotte, principalement tourné en français et en italien, avec des touches d'anglais et d'arabe. Quel plaisir que d'entendre la langue de nos amis transalpins !

   Sveva Alviti est épaulée par une batterie d'acteurs chevronnés, de Jean-Paul Rouve à Riccardo Scamarcio (excellent en Orlando), en passant par Patrick Timsit et Nicolas Duvauchelle. J'ai cité des comédiens de sexe masculin, parce que la vie de Dalida a été marquée par ses rencontres, aussi bien artistiques que sentimentales, les deux s'entremêlant souvent. Ce biopic est donc aussi le portrait d'une femme (qui tente d'être) libre, qui a aimé l'amour et la chanson d'amour, avant de découvrir, sur le tard, qu'elle pouvait aussi interpréter des titres plus "exigeants".

   Du coup, même si on n'est pas un inconditionnel de la chanteuse (dont les titres illustrent les principaux moments de l'histoire), on peut s'attacher à ce portrait de femme, très bien interprété.

Un Sac de billes

   C'est Christian Duguay (auteur récemment de l'inégal Belle et Sébastien : l'aventure continue) qui s'est chargé de cette deuxième adaptation du récit autobiographique de Joseph Joffo. Il s'est appuyé sur une distribution de luxe, les parents du gamin étant interprétés par Patrick Bruel et Elsa Zylberstein (tous deux très bien). De plus, au détour d'une scène, on croise Christian Clavier (en médecin patelin) et surtout Bernard Campan, excellent en libraire pétainiste.

   Mais la meilleure surprise fut pour moi la prestation de Kev Adams, surprenant en résistant juif. Le concernant, on sera attentif au dialogue qu'il entretient avec un officier SS, auquel il finit par lâcher : "Je suis juif... et je t'emmerde !" Je pense que, dans ce cas comme à quelques autres occasions dans le film, les situations ou les dialogues, qui s'écartent parfois un peu de l'oeuvre d'origine, répondent à des problématiques contemporaines.

   La première partie de l'histoire est assez emballante. Le film reprend la fameuse scène des clients allemands du coiffeur parisien, l'image lui donnant une tension supplémentaire par rapport au papier. Mais le plus marquant des moments est sans conteste cette soirée au cours de laquelle le père, naguère très fier de sa judéité, donne à ses fils une leçon qu'ils ne sont pas prêts d'oublier...

   Peut-être est-ce dû à mon grand âge, mais j'ai davantage apprécié les scènes faisant intervenir les adultes... peut-être tout simplement parce qu'ils jouent mieux que les enfants... surtout mieux que celui qui incarne le héros, à qui j'ai eu plus d'une fois envie de coller des gifles. Il n'y a pas que son jeu qui m'a agacé. Son personnage n'évolue quasiment pas. Il est trop souvent dans la chialerie, alors que le livre de Joffo montre bien qu'il s'est petit à petit endurci, qu'il a beaucoup mûri et, surtout, qu'il est devenu très débrouillard (tout comme son aîné d'ailleurs). Autant de choses qui sont mal rendues dans le film.

   Il reste plusieurs très jolis moments à savourer, comme ce morceau de violon en pleine cavale, ou les éructations du libraire antisémite devant son jeune protégé, qu'il prend soin d'emmener à l'église... Je suis donc sorti de là partagé. Le film est tout à fait visible et contient de très bonnes scènes, mais il est gâté par certains défauts. On pourrait aussi regretter que, par rapport au livre, il ait passé sous silence trop d'épisodes marquants (je pense notamment aux rencontres de paysans).

   P.S.

   La déportation des juifs de Nice fut l'oeuvre notamment d'Aloïs Brunner, une des pires crapules auxquelles le IIIe Reich ait offert une carrière inespérée. On a récemment entendu à nouveau parler de lui. Une enquête publiée dans le magazine XXI affirme qu'il serait mort en 2001, dans les geôles syriennes, après avoir beaucoup servi le père de Bachar el-Assad.

Julieta

   Séance de rattrapage cette semaine, grâce au Festival Télérama, qui permet de (re)voir certains des films art et essai qui ont marqué l'année dernière. Dans la liste, je me permets de recommander Elle (ne serait-ce que pour Isabelle Huppert), Café Society (un bon Woody Allen), Frantz (malgré Pierre Minet), Midnight Special (inclassable), Ma Vie de courgette (une animation audacieuse sur le fond). Pour la beauté des images (et pour 3,5 euros), on peut aussi éventuellement tenter La Tortue rouge.

   L'auteur de ces lignes fut un fan de Pedro Almodovar, jusqu'au milieu des années 1990. J'aimais son côté déjanté, un peu obsédé sexuel, hein, et je trouvais qu'il savait choisir ses actrices. Ce dernier point n'a pas changé, mais, depuis vingt ans, le cinéaste a pris du bide et semble bander mou. Voilà pourquoi je n'étais pas allé voir Julieta à sa sortie. Concernant Almodovar, je m'étais arrêté définitivement à Volver.

   Nous voilà en présence d'un mélo, dont les personnages principaux sont des femmes, en particulier l'une d'entre elles, dont le prénom a donné son titre au film. Elle est incarnée par deux actrices, à deux époques différentes. Celle qui nous guide dans l'histoire a plus de quarante ans. A l'aise financièrement, elle s'apprête à quitter l'Espagne pour partir vivre au Portugal avec son nouveau compagnon, qu'elle a rencontré dans sa "deuxième vie". Mais, soudain, la première va ressurgir.

   On la découvre par l'entremise du journal intime que l'héroïne se décide à écrire, en forme de lettre à sa fille qu'elle a tant aimée et qu'elle n'a pas revue depuis plus de dix ans. Les retours en arrière nous font découvrir les débuts de vie d'adulte, avec la séquence marquante du train, puis le séjour en bord de mer. C'est là que tout s'est joué. Les actrices sont épatantes. On retrouve même avec plaisir Rossy de Palma, dans un second rôle piquant voire inquiétant...

   Le problème est que c'est cousu de fil blanc. N'importe quel spectateur doté de quelques neurones comprend la véritable raison de la séparation de la fille et de la mère. Les rares péripéties de l'intrigue sont quand même téléphonées (du compagnon pécheur qui prend la mer en pleine tempête à la gamine qui s'éloigne soi-disant pour vivre une retraite spirituelle). Il reste heureusement le savoir-faire d'Almodovar, qui joue avec nous dès la première image, intrigante. Cela donne un film plaisant, sentimental dans le bon sens du terme, mais loin des chefs-d’œuvre qu'il a réalisés auparavant.

The Birth of a Nation

   Ce biopic rend hommage, d'une certaine manière, à Nat Turner, un esclave noir américain qui s'est révolté en 1831, dans l'Etat de Virginie. Derrière et devant la caméra, l'acteur-réalisateur Nate Parker a tenté de concilier film militant et production hollywoodienne.

   Pour cela, il a réuni une brochette de comédiens très convaincants, les méchants comme les gentils. Au niveau de la mise en scène, on remarque la volonté d'appuyer là où ça fait mal, sur les nombreuses (et diverses) violences dont les esclaves ont été victimes. Impressionnante est la scène au cours de laquelle un red neck esclavagiste casse les dents de l'une des ses "propriétés", calmement,  à coups de marteau. Le metteur en scène n'a toutefois pas osé aller "trop" loin : les viols ne sont que suggérés. On en perçoit toutefois parfaitement les conséquences, grâce au talent des actrices.

   La réalisation est assez scolaire et, à ce que j'ai pu en juger, s'inspire de prestigieux précédents. Ainsi, l'inévitable scène du fouet n'est pas sans rappeler ce que l'on voit dans 12 Years a Slave... mais en moins bien. Vers la fin, la bagarre de rue qui oppose esclaves révoltés et milice esclavagiste est un évident décalque du magnifique début de Gangs of New York... sans le talent de Scorsese. Enfin, l'esprit de révolte est bien mieux mis en scène dans l'excellent Django unchained du non moins excellent Quentin Tarantino.

   A part cela, c'est du cinéma très correct, mais qui souffre de la comparaison avec d'autres productions, assez récentes et bien meilleures. De surcroît, je soupçonne les scénaristes d'avoir un peu (beaucoup) "tordu" la réalité historique pour servir leur propos (fort louable), à savoir la dénonciation de l'exploitation de l'homme par l'homme. C'est l'impression que j'ai eue après avoir lu  Confessions de Nat Turner, un excellent petit livre, publié aux éditions Allia (qui ont eu l'intelligence d'en mettre un extrait en ligne).

   Encadré par une présentation et une mise en perspective, on trouve le récit du rebelle, mis par écrit par son avocat juste avant son exécution. On en regrette davantage le film auquel cela aurait pu donner naissance.

La Mécanique de l'ombre

   Ce polar hexagonal a puisé sa matière dans l'histoire politique récente de la France, en mêlant plusieurs époques, à ce qu'il m'a semblé. Ainsi, en toile de fond, on reconnaîtra des aspects aussi bien de la campagne présidentielle de 1988 (avec la libération des otages du Liban en jeu) que de la rivalité Chirac-Balladur de 1995 ou encore de l'ascension politique de Nicolas Sarkozy (puisqu'il est question d'argent libyen).

   Au coeur de l'intrigue se trouvent des écoutes téléphoniques, sans doute illégales. Mais le véritable mystère porte sur le(s) commanditaire(s), que l'on va mettre du temps à découvrir. Nous voilà donc embarqués aux côtés d'un homme ordinaire, cadre moyen qui se retrouve au chômage, en dépit de réelles qualités professionnelles. Cet homme bienveillant, méthodique, qui tente de surmonter sa dépendance à l'alcool et une séparation douloureuse est incarné avec beaucoup de retenue par l'excellent François Cluzet (déjà très bon dans le récent Médecin de campagne).

   Mais le film ne serait pas aussi prenant s'il n'était pas épaulé par une formidable batterie de seconds rôles. Parmi eux, qui distinguer ? Evidemment Denis Podalydès, froid et mystérieux. Mais aussi Simon Abkarian, étonnant en agent de terrain fougueux voire incontrôlable. Je n'oublie pas non plus Sami Bouajila, Philippe Resimont (un visage connu des amateurs de séries télévisées) et Alba Rohrwacher (que l'on a pu voir récemment dans L'Ami, François d'Assise et ses frères).

   L'autre bonne surprise de ce film est la qualité de la mise en scène. Thomas Kruithof est pour moi un illustre inconnu, mais il fait preuve d'un incontestable savoir-faire. Son principal talent est de savoir susciter le malaise et l'étrangeté autour de l'ambiance de barbouzes. On perçoit très bien la paranoïa qui gagne progressivement le personnage principal, qui va d'ailleurs beaucoup évoluer dans l'histoire. Notons que les scènes d'action comme les moments intimistes sont réussis.

   Le scénario est habilement construit. Il associe la vie quotidienne d'un homme qui tente de ne pas perdre pied à la mise en place d'un complot à visée politique. Assez austère sur la forme, le film n'en constitue pas moins une excellente surprise.

Passengers

   Ces "passagers" sont les 5 000 personnes en hibernation sur un vaisseau spatial en route pour une lointaine colonie. Mais l'on va s'attacher au sort de deux d'entre eux (dans un premier temps), un électro-mécanicien (Chris Pratt, très musclé et très débrouillard) et une journaliste (Jennifer Lawrence, dont le corps -magnifique- a visiblement tapé dans l'oeil du metteur en scène...).

   Autant le dire tout de suite : j'ai été passionné par ce film, alors que les deux acteurs principaux font partie des vedettes que j'estime "surcotées". Oh, ils ne jouent pas mal (heureusement !), mais leurs performances n'ont rien d'exceptionnel. (Pour moi, c'est Michael Sheen qui est le plus convaincant, dans le rôle d'un barman-androïde !)

   Par contre, derrière la caméra, il y a un type (Morten Tyldum, auquel on doit notamment Imitation Game) qui connaît son affaire. Ce que l'on voit à l'écran est un habile assemblage de décors futuristes très variés et de paysages numériques d'une beauté somptueuse. Dès le début, j'ai été cueilli par cette vision du vaisseau dans l'espace. Et que dire des deux "promenades en terrasse", au cours desquelles les héros profitent de la vue, en scaphandre ! On pourrait aussi parler des plans du réacteur, très réussis.

   Mais la scène la plus emballante est celle qui se déroule à l'occasion d'une des pertes de gravité. L'héroïne est alors en train de nager dans la piscine-hublot (une excellente trouvaille, soit dit en passant). La voilà piégée dans une gigantesque bulle d'eau, alors que tous les objets flottent dans la pièce ! Quand on n'a pas l'oeil rivé sur le maillot de bain (exquis) que porte J. Lawrence, on peut pleinement profiter du spectacle.

   Ceci dit, le scénario n'est pas d'une grande originalité. Si plusieurs mystères planent sur le vaisseau et son fonctionnement, l'intrigue suit un chemin assez linéaire. La première partie est assez surréaliste : on suit un homme (presque) seul dans une immensité technologique. Les plafonds ont beau être très hauts, c'est parfois étouffant. Puis commence une histoire d'amour un peu particulière, qui va connaître ses hauts et ses bas. Là-dessus se greffe un joli suspense. A un moment, j'ai pensé que l'on se rapprochait un peu trop de Mission to Mars.

   On nous ménage suffisamment de rebondissements pour que l'intérêt soit maintenu jusqu'à la fin, que j'ai toutefois trouvée décevante. Mais cela reste un très bon divertissement grand public (moins prise de tête que Premier Contact), à voir absolument sur (très) grand écran.

Your Name

   Au Japon, Makoto Shinkai est un auteur reconnu, dont les précédents longs-métrages ne sont pas sortis en salles en France. C'est donc avec cette œuvre ambitieuse que le grand public va le découvrir. Le scénario mêle la tradition japonaise (les relations entre adolescents), le fantastique et un romantisme échevelé, surtout vers la fin.

   Cependant, dès le début, on est frappé par la qualité des images. Sur un grand écran, c'est un réel plaisir des yeux. S'y ajoute une incontestable virtuosité technique, visible par exemple quand une femme fume une cigarette ou quand des personnages se retrouvent dans une voiture : ils sont "filmés" de l'extérieur, à travers le pare-brise et les multiples reflets.

   La première partie de l'histoire est assez cocasse : une lycéenne qui s'ennuie dans son village montagnard va vivre temporairement dans la peau d'un garçon de Tokyo qui, à cette occasion, se réveille avec une jolie paire de nichons : le voilà dans le corps de la lycéenne. Cela donne naissance à de bons moments de comédie, un peu appuyés parfois.

   Les ados qui ne se connaissent pas vont apprendre à communiquer (leur interversion n'est qu'intermittente). Chacun va essayer d'améliorer la vie de l'autre. Ainsi, le garçon un peu bourru se découvre une part de féminité, ce qui ne laisse pas indifférent une partie de son entourage. Quant à la jeune fille, elle devient tout à coup plus audacieuse et même caractérielle.

   Les deux histoires vont évidemment finir par se rencontrer, une fois qu'un mystère aura été résolu. Je ne peux pas en révéler la teneur, mais l'intrigue est marquée par un coup de théâtre qui donne une autre ampleur au film. Il prend alors le chemin d'une mission impossible, à laquelle on a envie de croire... jusqu'à la toute fin, qui n'est pas sans rappeler (partiellement) celle de L'Effet papillon.

   En attendant, on aura découvert un peu le "Japon de l'envers", montagnard, rural, où subsistent certaines traditions... et des pouvoirs magiques.

Faut pas lui dire

   A première vue, on serait tenté de classer cette production franco-belge dans la catégorie des chick flicks, une expression anglo-saxonne parfois abruptement traduite en "films de gonzesses". Comme les héroïnes sont issues de la classe moyenne, on pense à Sex and the city.

   La principale qualité est le rythme. Le tempo est rapide, sur une musique entraînante... et ça ne dure qu'1h30. Les actrices (qu'on a voulues assez différentes les unes des autres) ont la pêche. Toutes les quatre sont belles, amoureuses... et trompées, d'une manière ou d'une autre.

   Au coeur de l'histoire se trouve la préparation du mariage de Yaël (Stéphanie Crayencour, qui a des airs d'Alexandra Lamy), un peu la nunuche du groupe. Ses cousines apprennent que le futur, Maxime (Arié Elmaleh, à qui l'on a envie de filer des claques), n'est pas irréprochable. Son infidélité est même un peu plus "corsée" que ce qui est dévoilé dans la bande-annonce. Pour compliquer le tout, l'ancien grand amour de Yaël (caricature d'ex-djeunse qui a gardé sa barbe de trois jours... comme la plupart des personnages masculins, d'ailleurs) est de retour.

   Mais la véritable héroïne est la femme de tête du quatuor, Laura l'avocate, dont le personnage s'inspire sans doute du vécu de la réalisatrice, Solange Cicurel, à laquelle ressemble physiquement Jenifer Bartoli, qui interprète le personnage. Elle s'en sort d'ailleurs plutôt bien. Elle aussi se retrouve coincée entre deux mecs, son futur ex-mari (qui semble penser avec sa bite) et un nouveau client, charmeur mais un peu dépassé par les événements.

   Ma préférée, la plus drôle de la bande, est Anouch, l'Arménienne folle de son papa (qu'aucun homme ne peut égaler). Du coup, elle batifole, évite de s'attacher... et traite les mecs assez durement. Tania Garbarski donne toute sa fougue à ce personnage moins lisse que les autres.

   On termine avec Eve, celle qui semble la plus heureuse, au début. Elle s'agace que tout le monde lui répète sans cesse à quel point elle a de la chance d'avoir un mari séduisant, attentionné et fidèle. Le problème est que cela dure depuis vingt ans et qu'elle s'emmerde un peu ! Comme ses cousines, elle va se retrouver coincée entre deux mecs... et avec une rivale. Dans le rôle, Camille Chamoux est vraiment très bien :

   Par contre, si les personnages féminins sont globalement sympathiques, leurs homologues masculins sont plutôt à pleurer. Grosso modo, ce sont des mous et/ou des lâches et leurs interprètes ne contribuent pas à leur donner du relief... sauf Laurent Capelluto (qu'on a vu incarner Imad Lahoud dans L'Enquête). Cela se vérifie au niveau des scènes : celles qui ne font intervenir que les femmes sont très bonnes. Par contre, quand un couple est seul à l'écran, c'est plus inégal.

   Heureusement, les dialogues sont assez bons, avec beaucoup de réparties (certaines graveleuses) qui font mouche. Alors, on se laisse volontiers entraîner dans les aventures du sympathique quatuor, en sachant que la conclusion de l'histoire risque d'être prévisible, voire politiquement correcte.

Père fils thérapie !

   Tout d'abord, l'intrigue est plus complexe que ce que laissait supposer la petite bande-annonce que j'avais vue avant : ce n'est pas qu'une histoire de deux duos père-fils qui vont tenter de se rabibocher. C'est aussi une enquête policière. Sans que cela soit transcendant, cela donne un peu de piment à l'intrigue.

   Ceci dit, elle en avait besoin, parce que le début du film m'a fait craindre le pire. La mise en scène des conflits familiaux est très appuyée, mais ces scènes sont indispensables pour que la pelote se déroule complètement par la suite. Bref, l'un des duos est composé de flics, l'autre d'un avocat et de son fils drogué. Dans les deux cas, la personnalité du père (Richard Berry, Jacques Gamblin) est écrasante. Se greffe là-dessus un troisième "couple" père-fils, celui du truand intouchable (Féodor Atkine, très bien, comme d'hab') et de son rejeton un peu crétin, qui vient d'être incarcéré.

   Une fois posées les fondations, le film peut vraiment décoller avec le début du "stage de réconciliation", géré par la pétulante Julie Ferrier, qui nous livre ici une excellente composition, quelque part entre Benoît Poelvoorde et Bérengère Krief.

   Très drôles aussi sont les présentations des autres duos père-fils. Les seconds rôles sont formidables. On est encore plus emballé quand commence la série d'épreuves de réconciliation. Dès la première (le choix d'une poupée ou d'un objet pour représenter l'autre), on rit beaucoup. J'ai aussi adoré la séquence du cri primal ainsi que celle du combat de boue.

   Ah, j'oubliais : l'un des (autres) duos de participants ment, pour une raison que je ne peux pas révéler. En outre, les flics père et fils sont assistés à distance par deux collègues, l'ex-petite amie du fils (Alice Belaïdi, toujours aussi  craquante... et qui a droit à sa minute féministe) et le subalterne préféré du père (qui cache plus ou moins bien son secret).

   Du côté des papas, j'ai préféré Jacques Gamblin, qui a un rôle plus difficile que Richard Berry, et qui développe une plus grande palette de jeu, à mon avis.

   Evidemment, les pères et les fils vont se réconcilier (après moult péripéties), d'une part parce que les "vieux" vont finir par faire l'effort de se tourner vers les "jeunes", d'autre part parce que les fils vont davantage s'affirmer.

   Ce n'est pas la comédie du siècle, mais elle permet de passer un agréable moment.

Le Fondateur

   Le titre appuie là où ça fait mal : qui est le véritable créateur de la chaîne de restaurants McDonald's ? Les deux frères éponymes, Dick et Mac, inventeurs d'un nouveau type d'établissement, de "recettes" particulières, ou bien Ray Kroc, le commercial qui a contribué à répandre l'enseigne et structurer un groupe devenu tentaculaire ?

   Le scénario évite de trancher dans le vif, sans doute parce que les trois hommes sont des incarnations de la réussite à l'américaine. Dick et Mac McDonald's sont des archétypes de petits patrons besogneux, économes, honnêtes et ingénieux. Ray Kroc est une grande gueule entreprenante, avide de conquête(s) et d'enrichissement.

   Le début de l'histoire nous prend toutefois presque à contrepied. On nous présente les frères McDonald's comme des types très à cheval sur la qualité de leurs produits et la présentation de leurs restaurants. Ils sont incarnés par des acteurs "de second rang" (très bons au demeurant) : Nick Offerman (dont le public américain connaît surtout la voix, entendue dans de nombrex films d'animation) et John Carroll Lynch (un habitué des séries télévisées).

   Face à eux, Michael Keaton (ressuscité depuis Birdman) est grandiose. Dans un premier temps, on le trouve pathétique, en commercial adepte de la méthode Coué, mais qui accumule les échecs. On le sent aussi en porte-à-faux avec le milieu social dans lequel évolue son épouse, visiblement issue de la "Haute". Ceci dit, on rit volontiers de ses mésaventures. De plus, la rencontre entre le vibrionnant VRP et les taiseux frères McDonald's ne manque pas de saveur.

   La suite tente de ménager la chèvre et le chou. On nous montre Kroc comme un type très entreprenant, ayant parfois des intuitions géniales, mais ne s'embarrassant pas de scrupule pour arriver à ses fins. Quant aux frangins californiens, ils sont dépeints de telle manière que chaque spectateur en tire les conclusions qui l'arrangent. Les partisans de Kroc relèveront leur frilosité et leur côté vieux garçons coincés. Les adversaires du commercial souligneront l'éloge de leur intégrité et de leur ténacité au quotidien.

   Le basculement va s'opérer autour de la propriété des restaurants (qui commencent à ouvrir dans tout le pays) et du fonctionnement du système de franchise. Un conflit va aussi naître à propos des ingrédients. Notons que le scénario s'est efforcé d'intégrer des aspects économiques et commerciaux à l'intrigue, sans que cela soit difficile à suivre.

   Le plus cocasse est que, lorsqu'il est question de prendre un bon repas, tout ce beau monde (y compris le personnel que Kroc va recruter pour diriger les nouveaux restaurants ou gérer la société commerciale qui commence à grossir) se rend dans un établissement traditionnel, à l'opposé de la machine alimentaire fordiste dont ils assurent le développement... sans que cela paraisse contradictoire. Le film est donc assez ambigu, n'ayant pas réellement choisi de point de vue. Mais il nous raconte une formidable histoire.

La Bataille géante de boules de neige

   Pour nous Français, victimes des conséquences du réchauffement climatique, cette animation canadienne joue sur la nostalgie, celle de l'époque où l'on pouvait, pendant les vacances de Noël, faire de la luge et construire des bonhommes de neige, même dans des régions situées à basse altitude.

   L'intrigue met l'accent sur l'aspect guerrier de ces divertissements hivernaux : la bataille de boules de neige. C'est aussi la mise en scène de l'antagonisme factice qui oppose souvent filles et garçons dans ces tranches d'âge (6-12 ans).

   Les auteurs ont pris soin de créer une grande variété de personnages, nombreux étant ceux dotés d'un minimum d'épaisseur. De prime abord, on aurait pu craindre que tout fût centré autour du couple de héros, le général des garçons et la meneuse du groupe adverse. Fort heureusement, il n'en est rien. Parmi les personnages principaux, on trouve un gamin très inventif, un autre adepte des gadgets que lui offrent ses parents, un troisième très attaché à sa chienne, Cléo, celle-ci occupant beaucoup d'espace, avec sa masse poilue comme avec ses flatulences... Notons aussi la présence d'un grand costaud balourd et d'une ribambelle de tout-petits, les "mini-tuques" ! Du côté des filles, c'est la soeur cadette (et rouquine) de Sophie qui m'a marqué. Quel tempérament !

   Le début met en place la rivalité qui va s'installer, sur fond d'ennui pendant des vacances passées au fin fond d'une province au climat très rude. Ensuite apparaît à l'écran ce qui va devenir l'enjeu de la bataille : un château-fort, élaboré par le petit génie de la bande de garçons. La bâtisse recèle beaucoup de surprises. Les scènes de "combat" sont très chouettes, à la fois drôles et animées.

   Les scènes intermédiaires ne sont pas bâclées pour autant. Les adultes en sont curieusement absents. On découvre le côté fragile de certains de ces enfants. Je trouve que leurs interactions sont très réalistes. Les auteurs semblent bien connaître leur sujet et évitent de tomber dans la caricature. Du côté de l'animation, c'est assez joli et propre, sans être d'une étourdissante virtuosité.

   Signalons que, dans la dernière partie de l'histoire, la comédie mélancolique subit une rupture de ton, assez gonflée, mais qui a tout son sens : plutôt que de jouer à s'entretuer, les enfants vont choisir de travailler tous ensemble. Les personnages comme leurs jeunes spectateurs auront appris une bonne leçon.

Une Semaine et un jour

   C'est le temps pour que passe le deuil traditionnel, chez les juifs. On découvre donc une famille de la classe moyenne israélienne (la mère est institutrice, le père employé dans un magasin de prêt-à-porter), frappée par le décès du fils unique (sans doute victime d'un cancer). Vus de l'extérieur, de prime abord, les "héros" ne sont pas sympathiques. Elle (Evgenia Dodina, remarquée il y a quelques années dans L'Attentat) semble assez froide, très sûre d'elle. On sent qu'elle "porte la culotte" dans le couple. Lui paraît immature. Il a des sautes d'humeur et des réactions de gamin.

   Le talent du réalisateur est de finir par nous les rendre sympathiques, parce qu'il nous fait comprendre ce qu'ils endurent. Les époux ne réagissent pas au deuil de la même manière. Vicky tente de ne rien laisser paraître et de reprendre sa vie comme auparavant. Pour décompresser, elle court. Eyal (le mari) végète à la maison, se laisse aller et tente (pathétiquement) de se rouler des joints.

   L'arrivée du fils des voisins (censés être des amis) va changer la donne. C'est un djeunse, un peu crétin, mais qui a bon fond. Dans le passé, c'était un bon copain du fils disparu. Avec le temps, la différence d'âge entre les deux garçons a fait que le livreur s'est détaché du gamin malade. Il est néanmoins resté assez proche du père, auquel il va être très utile... parfois à son corps défendant !

   C'est la bonne surprise de l'intrigue : au deuil se superposent des instants de comédie, vraiment bienvenus. Il y a évidemment tout ce qui touche au cannabis. Mais il convient aussi de mentionner les délicates relations avec les amis, en particulier avec le couple très "ardent", qui n'a pas compris à quel point il peut être inconvenant de copuler bruyamment pendant le deuil des voisins !

   L'histoire se conclut au cimetière, mais lors d'un autre enterrement que celui du fils des héros. Pour le père, c'est une catharsis et pour les spectateurs, un petit bijou d'émotion.

L'Ami, François d'Assise et ses frères

   Cette évocation de la vie du saint du XIIIe siècle s'appuie sur une prestigieuse distribution franco-italienne. A l'image de son sujet, la réalisation se veut sans concession. Du coup, même si la mise en scène fait preuve d'un incontestable brio, l'ensemble est assez austère, un peu à l'image de ce qu'on a pu voir récemment dans Une Vie.

   Quel que soit l'intérêt que l'on porte aux paysages et aux animaux qui peuplent la campagne italienne de l'époque, ce sont les rapports humains qui éveillent l'intérêt. Cette reconstitution tente de nous faire comprendre les débats qui agitaient les chrétiens de l'époque. Le groupe qui suit François d'Assise est particulièrement tourné vers la pauvreté.

   Mendiants, les Franciscains les plus endurcis prennent la parole d'Evangile au pied de la lettre et rejettent toute possession matérielle... et toute autorité. Plus pragmatique, une minorité (autour d'Elie, qui fut le plus fidèle disciple), pense qu'il faut s'accommoder des pouvoirs existants et qu'il ne faut négliger aucun moyen pour venir en aide aux pauvres. J'ai été plus convaincu par ceux-ci, menés par un Jérémie Rénier très inspiré.

   L'histoire est découpée en chapitres, qui portent le nom d'un ou plusieurs personnages. Fort logiquement, le premier s'intitule "François". On y découvre l'homme charismatique et pénétré de sa mission, ainsi que l'influence qu'il exerce sur son entourage. Le deuxième s'intitule "Etienne". On y rencontre un nouveau membre de la troupe, un bébé abandonné qui va grandir au contact des frères. Dans le troisième chapitre, "Dominique", il y est plus question de l'un de ceux-ci, un peu exalté. La quatrième partie, "Elie", est davantage centrée sur le disciple qui va trahir le maître, mais finalement peut-être pour le bien de son oeuvre. L'intrigue se conclut sur "Les Frères", qui évoque surtout les derniers moments de François.

   Le problème est, qu'outre son austérité, le film ne veut pas choisir entre les deux camps... et qu'il me semble manquer d'objectivité quant au personnage de François, qu'on croirait sorti d'une hagiographie.

La Jeune Fille sans mains

   A l'origine, c'est un conte des frères Grimm. (Attention : sur le site auquel mène le lien qui précède, la version anglaise est sans doute plus fidèle à l'original que la traduction française.) Il a été adapté en film d'animation par Sébastien Laudenbach, dont l'oncle Philippe (un des seconds rôles les plus connus du cinéma français) a prêté sa voix au personnage du diable.

   C'est d'abord une histoire de cupidité, celle du père de l'héroïne, un meunier que le diable va prendre dans ses filets. Plus loin, on voit que la fille accorde peu de prix aux prothèses en or (en argent, dans le conte) que le prince lui a fait faire.

   C'est aussi une histoire d'amour. Celui des parents pour leur fille et celui qui va naître entre le prince et celle-ci. C'est la mère qui laisse d'abord le plus libre cours à ses sentiments, le père étant rattrapé par ceux-ci (ainsi que par la culpabilité) bien plus tard. Ces éléments, très allusifs dans le conte, sont développés dans le film. lls densifient l'intrigue et, à mon avis, sont bien dans l'esprit d'une histoire destinée aux enfants.

   Comme c'est un conte à l'ancienne, il n'est pas aseptisé. L'héroïne se fait amputer des mains et le diable tente de la faire assassiner, une fois qu'elle a été épousée par le prince et qu'elle a donné naissance à un enfant. Dans le film, le démon semble mû par le désir de soumettre la volonté de la jeune femme trop pure à son goût. Le réalisateur a évacué l'arrière-plan chrétien que les frères Grimm avaient donné à l'histoire. Il est remplacé par des références plus panthéistes, comme cette déesse aquatique qui va aider la jeune fille. Celle-ci a la (délicieuse) voix d'Elina Löwensohn, ancienne égérie de Hal Hartley, qu'on a pu voir ces dernières années dans Romaine par moins 30, Vénus noire ou encore La Chambre interdite.

   Si le fond de l'histoire est parfois très dur, il est contrebalancé par la voix douce de certains personnages, l'héroïne (Anaïs Demoustier), le prince (Jérémie Elkaïm) et la déesse. Et puis il y a les dessins. C'est de la peinture animée, volontairement incomplète : les personnages ne sont pas complètement "remplis", ce qui donne une grande fluidité à leurs mouvements.

   Le style a pu déconcerter certains spectateurs. Moi, j'ai aimé et j'ai été emporté par cette histoire d'amour et de mort, qui voit une jeune femme abandonnée tenter de se créer un petit paradis terrestre.

Norm

   Cette animation de saison a puisé son inspiration (notamment) dans L'Age de glace et Madagascar. Les personnages les plus attrayants sont d'ailleurs les petits lémuriens indestructibles, sortes de mini-samouraïs au service du héros et de sa cause (la défense de l'Arctique)... et puis, surtout, ils pètent, ils rotent et ils pissent !

   Le problème vient plutôt de Norm, l'ours polaire qui parle et comprend le langage humain (comme son grand-père d'ailleurs). Pour les adolescents et les adultes, c'est conceptuellement évident. En revanche, pour les petits, étant donné que rien ne distingue le langage de Norm selon qu'il s'adresse aux autres animaux ou aux humains, cela n'est pas super-évident. Ça l'est d'autant moins que, par moments, l'intrigue va trop vite, ne prenant pas assez de temps à expliquer certains éléments. Du coup, des ellipses mal choisies nuisent à notre plaisir.

   Pourtant, le film démarre bien avec cette poursuite du phoque... que l'ours ne parvient pas à manger. C'est assez original et il y a du gag à la clé. Mais cela retombe assez vite (sauf quand les lémuriens sont de la partie).

   L'intervention des humains est censée faire remonter la tension. J'ai apprécié que soient tournés en ridicule ces touristes de l'extrême. J'ai aussi trouvé gonflé qu'un dessin animé destiné au grand public soit autant de parti-pris : l'intrigue est furieusement écologiste, voire anticapitaliste, quand on voit le portrait qui est fait des investisseurs. (En tendant l'oreille, on pourra même percevoir une allusion au mouvement Occupy Wall Street.) Hélas, les bonnes intentions ne suffisent pas à faire un bon film.

   Au niveau de l'animation, c'est moyen, ni très bon, ni mauvais. La plupart des personnages sont réussis (et bien doublés), mais, graphiquement, cela dépasse à peine la qualité des productions télévisuelles. On peut même remarquer quelques faiblesses, au niveau des déplacements de certains objets (bateau, grue, voiture hélicoptère) : cela manque de naturel.

   L'ensemble n'est pas déplaisant mais, comparé aux films d'animation qui sont sortis ces dix-quinze dernières années, c'est décevant. Mieux vaut aller avoir Vaiana ou Ballerina.

Algérie du possible

   Ce documentaire tourne autour de la mort d'Yves Mathieu, anticolonialiste français décédé dans un mystérieux accident de la route, en 1966, dans l'Algérie indépendante. Il a été réalisé par sa fille, Viviane Candas. Pour cela, il lui a fallu du temps, plus de quatre ans : parmi les personnes interrogées, on reconnaît l'avocat Jacques Vergès, mort en 2013 (et dont le frère est décédé le mois dernier).

   La première partie du film présente la lutte pendant la guerre d'Algérie. Yves Mathieu, ancien résistant, est à l'époque un avocat communiste, qui défend les combattants du FLN et les Métropolitains ou les pieds-noirs qui soutiennent sa cause. L'affaire la plus retentissante est celle de l'attentat contre les installations industrialo-portuaires de Marseille. Techniquement, à l'écran, la réalisatrice croise les images d'archives avec des reconstitutions s'appuyant sur des objets : toge d'avocat, stylo, carte d'identité... Cela donne un aspect concret aux propos qui sont tenus. Je reproche toutefois au film de ne pas clairement distinguer (pour les spectateurs non avertis) les images d'archives des extraits de fiction. Tout est mis sur le même plan.

   Pour les militants, le plus dur a commencé après la guerre, lorsque l'Algérie est devenue indépendante. Yves Mathieu est resté en Algérie. Il faisait partie de ceux qui pensaient que la libération de l'Algérie ne devait pas se limiter à un mouvement nationaliste, mais qu'elle devait s'accompagner d'une révolution sociale. A l'époque, le modèle yougoslave a du prestige chez les gauchistes. On a donc tenté une expérience d'autogestion dans les campagnes algériennes. Je dois avouer qu'à ce moment-là, j'ai un peu décroché.

   Mon intérêt s'est réveillé dès qu'il a été question d'éclaircir les circonstances de la mort d'Yves Mathieu. La réalisatrice nous décrit les tensions qui agitaient le pouvoir algérien à cette époque. En s'appuyant sur des témoignages précis, elle a le courage de dire ce que beaucoup savent depuis longtemps à propos du pouvoir exercé par le FLN : certains clans ont confisqué la révolution algérienne à leur profit et ont mis en place une dictature qui n'avait rien à envier à la domination coloniale française, dont elle a repris bien des travers. D'ailleurs, c'est fou comme la disparition d'Yves Mathieu m'a rappelé celle de Maurice Audin, autre pied-noir communiste favorable à l'indépendance de l'Algérie.

   Il reste que la mort d'Yves Mathieu conserve son parfum de mystère. Sur ce sujet précis, la réalisatrice n'a pu recueillir que des témoignages de seconde main. Officiellement, le décès est dû à un accident de la route, la voiture dans laquelle circulait l'avocat ayant été percutée par... un camion de l'armée algérienne. Curieux, tout de même.

   P.S.

   Les amateurs de curiosités apprécieront d'entendre un extrait d'un discours prononcé en français par Che Guevara, à l'occasion de sa venue en Algérie, en 1965. (Il y était déjà venu en 1963.)

Assassin's Creed

   Ce "credo de l'assassin" est l'adaptation d'un célèbre jeu vidéo... mais on peut (comme moi) voir le film sans être un "gaimeur" ou une "gaimeuse"... à condition de passer outre certaines invraisemblances scénaristiques.

   L'action se déroule à notre époque et à la fin du XVe siècle (autour de la prise de Grenade, qui conclut la Reconquista). Or, sont présents à l'écran des Templiers, dont l'ordre a pourtant été supprimé au début du XIVe siècle, l'essentiel de ses biens revenant aux Hospitaliers. Quitte à situer l'intrigue en Espagne, on aurait plutôt dû évoquer l'ordre de Calatrava, dont des membres ont participé à la prise de Grenade.

   Un autre problème est la proximité affichée dans le film entre les pseudo-Templiers et l'Inquisition... une totale incohérence historique ! Et que dire de la présence dans la péninsule ibérique de ces Assassins, dont on nous rappelle l'origine proche-orientale... Cerise sur le gâteau : les "gentils" Assassins veulent empêcher les méchants de s'emparer de la "pomme d'Eden" (pas la pomme d'Adam, hein !), sorte de boule de pétanque méga-puissante.

   Bref, au niveau de l'intrigue, c'est un gloubi-boulga de références mal maîtrisées... mais le pire est que cela marche ! Une fois qu'on est entré dans l'histoire et qu'on a compris qui est qui, où sont les méchants, où sont les gentils et qui est susceptible de changer de camp (ça se devine assez vite), on peut savourer un excellent film d'aventures.

   Pour moi, les meilleures scènes sont celles censées se dérouler à Grenade, en 1492. C'est d'une force et d'une beauté extraordinaires, avec une réelle maîtrise de la direction d'acteurs. A chaque fois qu'on nous transporte à cette époque, on sait qu'on va en avoir plein la vue. Au début, c'est la libération du fils de l'émir qui est en jeu. La seconde fois, on assiste à une étourdissante course-poursuite dans les rues (et sur les toits) de la ville fortifiée. Plus tard, les deux époques finissent par se rejoindre...

   Cela nous amène aux scènes contemporaines, se déroulant pour la plupart dans un complexe secret, évidemment ultramoderne. L'une des réussites du film (et de la réalisation) est la synchronisation (à l'écran) des deux époques, principalement à travers le personnage du héros, Cal Lynch (Michael Fassbender très bon, un peu à l'image de ce qu'aurait pu faire Viggo Mortensen dans le rôle). Les cinéphiles repèreront dans une scène de prison du début un clin d'oeil à Hunger, le film qui a jadis révélé l'acteur.

   Dans ce complexe, on reconnaît une multitude de visages connus, à commencer par celui de Marion Cotillard, dont j'ai pu constater (pour avoir vu le film en V.O. sous-titrée), qu'elle maîtrise désormais très bien langue de Donald Trump Barack Obama. L'actrice n'a pas un rôle aussi fouillé que dans le récent Alliés, mais elle est quand même meilleure que dans The Dark Knight rises.

   Parmi les autres figures, je distingue Ariane Labed (remarquée dans Voir du pays), Michael K Williams et Denis Ménochet. Du côté des anciens, Jeremy Irons fait le job, mais j'ai été un peu déçu par les prestations de Charlotte Rampling et Brendan Gleeson. Enfin, sous les traits de la mère de Cal Lynch, j'ai eu le plaisir de retrouver Essie Davis, la piquante interprète de Phryne Fisher, héroïne la série consacrée aux aventures de cette détective australienne de l'Entre-deux-guerres.

   Pour la petite histoire, signalons qu'Essie Davis est la compagne du réalisateur Justin Kurzel. Celui-ci semble aimer travailler en famille, puisque la musique (au diapason de l'action) a été composée par son frère Jed. (On pourrait ajouter que Cotillard et Fassbender étaient déjà à l'affiche de son précédent film, Macbeth.)

   Voilà. Cela ne va pas changer l'histoire du cinéma, mais, vu dans une grande salle, c'est un beau spectacle. Outre les limites énoncées au début, je lui reprocherais aussi un fond un peu manichéen. Les méchants sont les élites catholiques du XVe siècle et leurs lointains successeurs comploteurs-apprentis-maîtres-du-monde de nos jours. Les gentils sont les rebelles à capuche... On comprend quel est le public ciblé...

   Un conseil pour terminer : choisissez soigneusement votre place dans la salle, parce qu'il semblerait que ce film soit un aimant à blaireaux !

Baccalauréat

   Sous ce titre se cache un film roumain (récompensé à Cannes par le prix de la mise en scène) de Cristian Mungiu, dont l'action se déroule dans une petite ville de Transylvanie.

   Le héros est médecin à l'hôpital local. Il est respecté à la fois pour ses compétences et pour son intégrité, une rareté dans la région, gangrenée par la corruption et les passe-droit. Bien qu'appartenant à la bourgeoisie locale (son épouse est bibliothécaire), il habite dans un appartement que nous Français aurions tendance à trouver ordinaire (mais le couple en est propriétaire). On comprend très vite qu'une part non négligeable des revenus des parents a été "investie" dans l'éducation de leur fille unique Eliza (Maria Dragus, bourrée de talent), une adolescente en apparence sans histoire, bosseuse et douée pour les études.

   Ah, j'oubliais : le papa médecin (prénommé Romeo !) a une vie secrète. A quelques indices, on comprend qu'il a dû avoir une aventure avec l'une des infirmières de l'hôpital. Surtout, au moment où commence l'histoire, il entretient une liaison avec une charmante institutrice, de dix ans plus jeune que son épouse.

   Après avoir brossé ce tableau de vie de province, le scénario nous entraîne lentement sur la voie du dérèglement. C'est un accident qui fait déraper la machine : Eliza est victime d'une agression, juste avant de passer les écrits du bac, dont les notes sont déterminantes pour valider l'inscription dans une prestigieuse université britannique.

   A partir de là, on suit le déroulement de plusieurs pelotes : le médecin intègre doit décider jusqu'où il est prêt à aller pour que le programme établi pour sa fille se concrétise. C'est d'autant plus délicat qu'au départ, il n'est question que de services mutuels. Rien de trop illégal. Mais, une fois qu'on a le doigt dans l'engrenage... Les seconds rôles masculins sont excellents, criants de vérité.

   La deuxième pelote est celle de la vie privée de Romeo. La relation avec l'institutrice se complique, tout comme la vie avec son épouse. Mais le pire est qu'il sent qu'il perd prise vis-à-vis de sa fille. L'agression dont elle a été victime semble l'avoir changée. De surcroît, le papa découvre que le petit copain exerce une influence plus grande que prévu sur sa progéniture. Enfin, quelle autorité peut-il conserver sur Eliza (à laquelle il a inculqué ses principes moraux), quand celle-ci découvre son infidélité et les manoeuvres dans lesquelles il s'est engagé ?

   La troisième pelote est l'évolution psychologique de la fille. Au départ, on ne nous la présente que comme une très bonne élève. Ensuite, on a tendance à la voir comme une victime, traumatisée par l'agression dont elle a été victime. Enfin, elle apparaît sous un jour nouveau, plus indépendante, plus mature.

   La tension monte progressivement, d'autant plus que Romeo se sent observé. Une pierre a été lancée dans la vitre de son salon. Plus tard, c'est la voiture qui subit une dégradation. Là-dessus débarquent des magistrats, qui enquêtent sur les manigances d'un caïd local. Cela culmine une nuit, dans un quartier louche, quand le père tente de trouver la solution de l'une des énigmes. A ce moment-là, la caméra à l'épaule suit le personnage. On partage son trouble, tout en percevant l'aspect inquiétant de son environnement.

   Voilà donc une oeuvre majeure de l'année 2016, portrait intime d'une famille en dé/re-composition, tableau d'une société très inégalitaire et questionnement moral.

Ressorties de Noël

   La période est propice aux rééditions. Plusieurs films d'animation de qualité en ont bénéficié en cette fin d'année. Il convient donc de surveiller la programmation des cinémas qui sont proches de chez vous : ces ressorties ne sont pas forcément annoncées avec fracas.

   On commence avec Wallace et Gromit - Les inventuriers, qui recycle deux épisodes des aventures des personnages créés par le studio Aardman (le vieux célibataire et son chien très futé) : Une Grande Excursion (A Grand Day out, qui voit nos héros se rendre sur la Lune) et Un Mauvais Pantalon (The Wrong Trousers, inspiré sans doute de Fenêtre sur Pacifique, avec Michael Keaton), deux petites merveilles qui datent d'un peu plus de vingt ans. A l'époque, la sortie de ces animations en pâte à modeler avait provoqué un mini-séisme dans le monde du cinéma. Aujourd'hui, on les ressort toilettées par la technologie numérique. On y a ajouté un court-métrage, qui se moque gentiment de la mode du selfie de l'autophoto. Notons que, pour toucher le jeune public, on  ne nous propose le plus souvent que la version française, ce qui nous prive du délicieux accent anglais de Wallace.

   On continue avec Le Géant de fer, la première grande réalisation de Brad Bird, qui nous a donné par la suite Les Indestructibles, Ratatouille ou encore Mission : impossible - protocole fantôme. Même si l'animation n'a pas, à l'époque (1999) atteint la qualité de ce que l'on a connu plus tard, on s'aperçoit quand même du grand soin apporté aux détails du dessin. De surcroît, le scénario est béton : l'action se déroule en pleine Guerre froide, à la fin des années 1950, alors que les Etats-Unis sombrent en pleine paranoïa antisoviétique. Le film ne manque pas d'humour... ni d'émotion. A un moment, vers la fin, j'ai même eu les yeux qui piquent... Satanées poussières qui encombrent les salles obscures !

   On termine avec un sacré retour en arrière, Alice comedies, une série de courts-métrages produits par le jeune Walt Disney dans les années 1920. Ces oeuvres mélangent scènes réelles et images d'animation. Trois des quatre petits films ont pour héroïne une adorable petite chipie blonde, incarnée par Virginia Davis, une gamine qui n'avait pas froid aux yeux ! C'est drôle, rafraîchissant... et révélateur de la maîtrise technique de la première équipe qui travaillait autour de Walt Disney. (Au passage, au vu des tenues portées par les gamines et des attitudes qu'elles adoptent, on remarquera que le puritanisme n'avait pas encore touché les productions destinées aux enfants.)

   Joyeux Noël !