Anselm : le bruit du temps

   C'est à Wim Wenders que l'on doit ce documentaire consacré à l'artiste allemand Anselm Kiefer. Une partie des images a été tournée dans le gigantesque atelier de Barjac, dans le Gard, une ancienne filature où Kiefer a posé ses valises, au début des années 1990.

   Le film commence par des vues étonnantes de robes de mariée, qui semblent fixées à des mannequins sans tête. Assez vite, on se demande si cette installation (en partie en plein air) est composée de véritables robes ou bien de sculptures en plâtre imitant le tissu.

   On en sait un peu plus en pénétrant dans quelques-uns des imposants bâtiments, réaménagés à sa convenance par Kiefer, qui a toutefois laissé tels quels certains éléments, auxquels il a adapté ses créations. Wenders déploie travellings et panoramiques pour nous faire découvrir l'endroit et les déambulations du peintre. On le suit à l’œuvre, avec divers outils, de la palette au chalumeau.

   J'étais un peu dubitatif au début mais, franchement, quand on voit le résultat, on est sidéré par l'impression qu'il donne. Quand on a le nez sur le détail d'une toile en gestation, on ne voit que des tracés informes. Quand la caméra prend du recul, on a la vue d'ensemble... et c'est souvent impressionnant. (Le style est appelé néo-expressionnisme.) Notons que l'artiste s'appuie souvent sur des photographies, qu'il peut insérer dans ses œuvres, ou s'en servir comme matériau de départ, qu'il modifie à sa guise.

   Après cette démonstration, le film nous plonge dans le passé de Kiefer. Dès le début, l'insertion d'images d'archives (tournées en  1945, année de naissance du peintre) nous indique que sa jeunesse a été marquée par la pauvreté, dans une Allemagne vaincue et placée au ban des nations.

   La mémoire du nazisme fait partie intégrante de l’œuvre de celui dont le père a servi dans la Wehrmacht. C'est d'abord au philosophe Martin Heidegger (dont la compromission avec le régime hitlérien a été longtemps masquée, voire niée) qu'il règle son compte, à travers un cahier d'artiste décrivant la décomposition progressive du cerveau présumé du penseur allemand. Mais c'est une série de photographies le montrant faire le salut nazi, en des lieux naguère conquis par l'armée allemande, qui a attiré l'attention des médias et suscité la polémique. On l'a un temps soupçonné d'être un artiste inspiré par le fascisme (parce qu'il réemployait certains mythes allemands, qui avaient fait l'objet d'une récupération sous le nazisme)... mais c'était à une époque où, quand on n'était pas (au minimum) sympathisant communiste, on était accusé de tous les maux.

   Pour ces séquences anciennes, Wenders a mélangé des images d'actualité (y compris télévisuelles) à des scènes tournées avec deux acteurs. Le plus jeune d'entre eux (peut-être le propre petit-fils du cinéaste) incarne Kiefer enfant, quand il s'éveille à l'art. Un adulte (peut-être le fils du peintre) incarne l'artiste débutant, en Allemagne.

   Dès qu'il l'a pu, Kiefer s'est installé dans de grands bâtiments pour nourrir son inspiration. Cela commença par une grande maison perdue dans les bois, puis des immeubles industriels, comme une ancienne briqueterie ou la filature de La Ribaute, devenue aujourd'hui le siège d'une fondation, l'artiste ayant fini par déménager à proximité de Paris. On voit quelques images de son nouvel atelier, situé dans un ancien entrepôt de La Samaritaine.

   Le film se veut à l'image de l’œuvre, monumental et inspirant. Wim Wenders promène doucement sa caméra, permettant aux spectateurs de profiter des œuvres et d'observer le travail de Kiefer. Il convient d'être aussi attentif aux sons : bruits du quotidien, musique et chuchotements n'ont pas été insérés au hasard. Je trouve que Wenders (comme pour Le Sel de la terre) a réussi son coup.

Promenade à Cracovie

   Ce documentaire polonais est le résultat d'un travail effectué entre 2016 et 2021 (de la recherche historique au montage, en passant par le tournage). Une fois que Roman Polanski (ici témoin, et non cinéaste) a donné son accord, il a fallu trouver une période au cours de laquelle lui et son ami le photographe Ryszard Horowitz soient disponibles pour retourner dans la ville de leur enfance, Cracovie.

   Cela débute avec les retrouvailles des deux octogénaires, dans une voiture où il prend l'envie à l'un des deux de couper les poils qui dépassent du nez de l'autre ! C'est un peu la marque de fabrique de ce film, qui évoque des moments souvent dramatiques, mais avec parfois un humour salutaire.

   Déambulant dans les rues de la Cracovie moderne (devenue une importante ville touristique, point de passage quasi obligé avant de se rendre à Auschwitz), les deux hommes retrouvent le vieux cinéma où, enfant, Polanski a connu ses premiers émois sur grand écran. Sa demi-sœur aînée l'y emmenait... mais pas forcément voir ce qui l'intéressait, lui.

   Ils pénètrent ensuite dans l'appartement où logeait la famille Liebling (qui n'a pris le nom de Polanski qu'après la guerre, au retour de la déportation). Il en est un autre dans lequel le cinéaste n'ose demander à pénétrer, de peur de voir de précieux souvenirs gâchés par les images du présent.

   L'un des moments forts du documentaire est la séquence au cimetière (biconfessionnel), où est enterrée une partie de la famille. La remémoration des obsèques du père est riche en anecdotes, certaines très drôles.

   La suite est plus triste, puisqu'il est question du "déménagement" dans le ghetto, créé après l'invasion allemande. Il ne reste quasiment plus aucune trace de celui-ci dans la Cracovie moderne... et pourtant, les souvenirs sont douloureux. Lors des déportations qui ont suivi, Polanski perd une partie de sa famille (notamment sa mère). Son père lui permet de s'échapper. De son côté, Horowitz, déporté à Auschwitz, a eu la chance de figurer sur la célèbre Liste de Schindler. Tous deux sont des exceptions : l'écrasante majorité des 70 000 juifs de Cracovie (sur une population avoisinant les 250 000 habitants  à la veille de la guerre) a été exterminée par les nazis.

   Parmi les rescapés, beaucoup ont fui la Pologne devenue communiste, où leur retour n'a pas toujours été bien accepté. Le film se voulant un pont entre les deux cultures du pays (la catholique et la juive), il se garde de rappeler qu'entre 1945 et 1970, il y eut plusieurs "piqûres de rappel" antisémites (par exemple en 1953 ou 1970). De leur côté, les familles Polanski et Horowitz (du moins, ce qu'il en restait) sont revenues en ville, le père se remariant très vite, au grand dam de son fils. Roman (surnommé Romek par son ami) a pris l'habitude de passer plus de temps chez les Horowitz, en particulier avec Ryszard, avec lequel il va ensuite développer son goût pour les arts et la culture.

   Un autre moment marquant est la rencontre entre Polanski et le petit-fils du couple de paysans polonais qui l'ont caché, au péril de leur vie, à la fin de la guerre. Cela débouche sur la cérémonie qui déclare les défunts "Justes parmi les Nations", à Yad Vashem.

   Si le documentaire est passionnant, sur le plan historique, je dois reconnaître qu'il est parfois difficile à suivre, ayant été tourné en polonais, sous-titré pour sa sortie en France. A la longue (1h15), c'est un peu usant, en dépit des moments humoristiques qui introduisent une salutaire légèreté.

   P.S.

   Mon billet aurait dû s'arrêter là... mais la séance a été suivie d'un mini-débat, au cours duquel l'un des intervenants a signalé que le film semblait avoir été victime d'une forme de boycott. Déjà, à sa sortie, l'été dernier, la distributrice s'était alarmée du petit nombre de salles ayant programmé le documentaire, certaines s'étant même rétractées.

   A Toulouse, aucun cinéma n'aurait accepté de diffuser le film. Les intervenants n'ont pas voulu insister là-dessus (ni nommer les cinémas). Rappelons simplement que, dans la "Ville rose", l'art et essai est très bien installé, avec l'ex-Utopia, renommé American Cosmograph (qui fut en travaux en juillet-août), l'Utopia Borderouge, l'ABC et Le Cratère (qui reprogramme des films déjà diffusés ailleurs). S'ajoutent deux mastodontes, le Pathé Wilson (ex-Gaumont) et l'UGC Montaudran (inauguré en 2021, deux ans après la fermeture de l'enseigne du centre-ville).

   Je n'aime pas cette sorte de néo-maccarthysme qui se développe dans notre  pays (très minoritairement, mais impliquant des gens influents). Des activistes peu soucieux de la vraie justice tentent d'imposer leur bien-pensance, au détriment de la présomption d'innocence... et de la liberté artistique.

Bernadette

   Je n'éprouve pas vraiment de sympathie pour l'ancienne Première Dame qui, à mon avis, avait une trop haute opinion d'elle-même (de par son statut social). Mais l'idée de tourner une comédie politique sous l'angle de l'épouse du président Chirac m'a paru bonne, surtout vu la distribution.

   Catherine Deneuve nous livre une nouvelle facette de son talent... et elle contribue à donner de son personnage une image un peu trop belle à mon goût. Ceci dit, j'ai quand même de la compassion pour l'épouse archicocufiée, aux ordres de son mari et (au départ) méprisée par l'entourage politique. Les images d'archive nous rappellent que Bernadette Chirac fut une jeune femme dotée d'un certain charme et, avec son caractère et son engagement, elle aurait très bien pu mener une vraie carrière politique sans se contenter d'évoluer dans l'ombre de son mari.

   Celui-ci est incarné avec un plaisir évident par Michel Vuillermoz qui, lui aussi, a tendance à rendre son personnage un peu trop sympathique. Toutefois, comme l'épouse finit par prendre un peu d'indépendance, la seconde partie du film est l'occasion d'égratigner (gentiment) un homme politique menteur, égocentrique et malhonnête, dont le bagout (et certains choix judicieux en politique étrangère) a fait oublier bien des défauts.

   La Comédie française est décidément bien représentée dans ce film, puisque outre M. Vuillermoz, on trouve Denis Podalydès en conseiller de la Première Dame et Laurent Stocker en Nicolas Sarkozy. Les apparitions de ce dernier sont toujours une source d'amusement.

   Dans la faune des conseillers de Chirac, il faut distinguer François Vincentelli, lui aussi visiblement ravi d'incarner Dominique de Villepin. A noter, dans la masse des seconds rôles, l'excellente performance d'Olivier Breitman en Karl Lagerfeld.

   Du côté féminin le casting est beaucoup plus restreint. (Ce film est d'ailleurs l'occasion de vérifier qu'au tournant des années 1990-2000, l'élite politique française est principalement constituée d'une meute de mâles dominants.) Sara Giraudeau est très bien en Claude Chirac (bien que moins tranchante que la vraie), cette fille au prénom androgyne qui est en fait le fils que Chirac n'a pas eu. J'ai trouvé aussi Maud Wyler convaincante dans le rôle de "l'autre fille", celle qu'on ne montre pas.

   Quand on a connu cette époque, on revit des moments de son passé, sous un angle particulier. Le film fourmille de situations cocasses et de bons mots. Cela ne va pas révolutionner l'histoire du cinéma, mais on passe un bon moment.

The Creator - Hollywood décolonial

   Sur une Terre ravagée par une guerre opposant les méchants Occidentaux (qui ont banni les intelligences artificielles) aux gentils Asiatiques (qui vivent en harmonie avec elles), un agent infiltré tente de concilier sa mission et l'amour qu'il éprouve pour la fille d'une sorte de gourou des IA. Il croise la route d'une enfant de synthèse, considérée comme une arme extrêmement redoutable (et donc recherchée par les deux camps)... mais qui se révèle de plus en plus humaine.

   Sur un thème dont la présence ne cesse de croître sur les écrans de cinéma, Gareth Edwards (Rogue One tout de même) a bâti un scénario assez conventionnel, dont il est possible de prévoir presque toutes les péripéties. Dès le début, on sent comment va se terminer la séquence initiale. Il est aussi évident qu'un personnage important va changer de camp. Il est tout aussi prévisible que la gamine va s'attacher à lui... pour une raison de plus en plus transparente, à mesure que se développe l'intrigue. Enfin, quasiment depuis le début, on sent où l'histoire pourrait trouver sa conclusion et même de quelle manière.

   Cet assemblage de recettes faciles, un brin éculées, passe plutôt bien à l'écran parce que c'est réalisé avec un incontestable souffle. Les scènes aériennes sont emballantes, utilisant judicieusement des effets spéciaux très réussis (merci LucasFilm !) et les séquences de combat sont spectaculaires. Ajoutons qu'on a soigné les décors et que ce cher Hans Zimmer a apporté son incontestable savoir-faire à l'emballage musical.

   Un bémol toutefois : on note quelques erreurs de montage (des faux-raccords), par exemple quand un personnage court vers une plage, sur le point de rattraper un bateau qui embarque... et qu'on voit, deux secondes plus loin, au large... ou encore, quand une "méchante", après avoir examiné ce qu'il reste de conscience de l'un de ses soldats, retourne à son véhicule en laissant sur place le précieux équipement qui lui permet de fouiller dans les cerveaux... équipement qui a mystérieusement disparu quand, quelques minutes plus tard, un autre groupe arrive à proximité du cadavre...

   Précisons que cette "méchante" est américaine. Hollywood semble avoir un sérieux problème avec les femmes de pouvoir, quand elles sont blanches. Ces dernières années, on croise de plus en plus souvent ce type de personnage repoussoir, sans que cela semble choquer personne. Récemment, on y a eu droit notamment dans Wakanda Forever (avec l'ambassadrice française), Blue Beetle (avec une cheffe d'entreprise) ou encore Ninja Turtles (avec une femme d'affaires). Le fait que ces clichés dépréciatifs se répandent dans des œuvres populaires me paraît un peu inquiétant.

   Mais, sur le fond, il y a pire. Globalement, ici, les méchants sont les Blancs occidentaux (principalement américains), les populations "colorées" (asiatiques, mais aussi afro-américaines) étant présentées soit comme d'innocentes victimes, soit comme de méritantes combattantes de la liberté. Bref, comme on a mis tout le pognon dans les FX, il ne restait plus grand chose pour la subtilité scénaristique... ou alors (hypothèse audacieuse), c'est parce que l'intrigue a été rédigée... par une IA !

La fake news de l'hôpital Al-Ahli

   Le conflit israélo-palestinien est déjà bien assez dramatique pour qu'il ne soit pas nécessaire d'y ajouter les pires ignominies. Il y a bientôt deux semaines, le Hamas n'a pas déçu ses supporteurs en organisant une attaque d'une sauvagerie inouïe dans le sud d'Israël. Dans un premier temps, en France comme en Europe, les réactions horrifiées ont pris le dessus, avant que la consternation ne gagne quand l'armée israélienne a commencé ses bombardements, faisant des centaines de victimes civiles...

   Mais voilà que, mardi dernier, les médias de tous les pays se mettent à relayer la propagande des islamistes palestiniens : un hôpital aurait été bombardé par Tsahal, le nombre de victimes approchant le demi-millier. S'en suivit un déchaînement de manifestations anti-israéliennes, dont le déclenchement quasi simultané laisse planer quelques doutes sur leur spontanéité...

   Et puis voilà qu'une autre version de l'affaire commence à circuler. Une version qui s'appuie sur des faits. Dans un premier temps, c'est l'armée israélienne qui démonte la théorie du bombardement. Mais ses arguments, bien que pertinents, ne sont pas audibles dans le déferlement de haine et d'inconscience qui marque notamment les réseaux sociaux.

   Aujourd'hui, c'est au tour du Monde de publier son debunking : ce que montre l'analyse détaillée des images. Le quotidien français (notamment les plumes de sa rubrique proche-orientale) a beau être marqué par un prisme plutôt pro-palestinien, ces jours-ci, ses pages consacrées au conflit ont été nourries de reportages des deux côtés du drame (parce que ce sont majoritairement des civils qui trinquent, dans les deux camps).

   On note qu'une équipe de près d'une dizaine de personnes s'est consacrée à la collecte et l'analyse d'images de diverses origines. Au bout du compte, la conclusion est claire comme de l'eau de roche : à l'heure précise où l'hôpital gazaoui a été frappé, aucune bombe israélienne n'a été larguée dans le coin. En revanche, des roquettes ont été lancées de la bande de Gaza, à proximité de l'hôpital. Le Monde n'ose toutefois pas aller au bout de son analyse. L'article se contente d'énoncer des faits, sobrement. Je regrette qu'au vu du déferlement de haine mensongère auquel nous avons assisté ces derniers jours, le quotidien n'ait pas mis plus franchement les points sur les i... mais le travail de ses journalistes, factuel, dépassionné, mérite les louanges.

   P.S.

   La fake news du Hamas ne porte pas que sur l'origine des armes qui ont frappé l'hôpital. Apparemment (selon les informations dont on dispose actuellement), le nombre de victimes serait très surestimé, ce qui pose la question de la pertinence des chiffres communiqués aux médias par les autorités palestiniennes, qui pourraient systématiquement grossir les pertes arabes pour faire pencher la balance de l'émotion en leur faveur.

Terminator 2

   Moins d'un an après la ressortie en salles de Terminator, le deuxième volet (le dernier signé James Cameron) a refait son apparition au cinéma CGR de Rodez, dans le cadre de ses fameux "plans cultes", qui proposent aux cinéphiles locaux d'alléchantes pépites.

   Au début, les spectateurs de l'époque ont dû avoir une impression de déjà-vu, avec ces deux hommes nus débarqués du futur, l'un pour tuer John Connor, l'autre pour le protéger... sauf que, pendant un bon quart d'heure, la mise en scène entretient le doute quant à la mission de chacun... d'autant qu'il s'agit de deux terminators, l'un plus perfectionné que l'autre.

  Ce début est d'autant plus emballant qu'il est émaillé d'humour, comme lorsque le personnage incarné par Schwarzy débarque dans un bar de bikers pour se procurer vêtements et moyen de locomotion. D'autres moments sont devenus cultes, comme lorsque le jeune John enseigne au tueur mécanique certaines subtilités des relations humaines... son (très grand) élève se révélant capable d'étonnants progrès !

   Au niveau de l'intrigue, c'est encore meilleur que dans le premier opus, puisque Sarah Connor y occupe une place plus grande, à tel point que, parfois, le culturiste californien passe au second plan. J'ai pris plaisir à retrouver Linda Hamilton en femme d'action, aux ovaires bien arrimés... et assez sexy, ma fois.

   L'intrigue se déroule un peu moins de dix ans après celle du premier opus. On y croise un John Connor préadolescent, incarné par Edward Furlong... qui, rappelons-le, a repointé le bout de son nez, il y a quelques années (tout comme Linda Hamilton), dans Dark Fate.

   A l'époque, on avait souligné la qualité des effets spéciaux du film de Cameron. Ils ont un peu vieilli aujourd'hui, mais leur insertion dans l'intrigue est remarquable. Ils ne sont pas là juste pour faire joli.

   Ce Terminator est aussi marquant par ses scènes de poursuite, en moto, en voiture, en poids lourd, en hélicoptère... et ça canarde !

   En revanche, je ne regrette pas la mode capillaire de l'époque : on aperçoit plusieurs personnages dotés d'une coupe mulet (notamment le meilleur copain de John Connor), dont jusqu'à il y a peu, je me réjouissais qu'elle fût tombée en désuétude, passant pour un summum de ringardise.

   Sur le fond, l'histoire n'est pas idiote, avec la prémonition des dégâts qu'une sorte d'intelligence artificielle pourrait faire. A noter aussi l'évolution du personnage de Sarah Connor, tentée à un moment par une posture radicale, qui transforme le personnage en quasi-terminator humain (et féminin). Comme le déclare l'un des protagonistes, les humains possèdent l'étrange faculté de s'autodétruire et de s'entretuer, une réflexion hélas corroborée par la brûlante actualité...

Expend4bles

   Expendables, c'est, pour moi, le souvenir d'un film maté dans une chambre d'hôtel climatisée, au cours d'un déplacement professionnel, un début d'été caniculaire, il y a des années. Je me trouvais dans une zone périphérique peu animée... et je n'avais pas envie de ressortir, vu la chaleur qu'il faisait. Va donc pour le bouquet de chaînes d'un célèbre groupe privé. Ce soir-là, l'un des films de la franchise était diffusé. Je me suis endormi avant la fin de la première demi-heure...

   Mais, ce coup-ci, alléché par une bande-annonce promettant bastons spectaculaires et humour facile, j'ai tenté l'aventure de la salle obscure (avec une séance en version originale sous-titrée).

   Le début est percutant. Il est censé se dérouler en Libye (et pas en Lybie, contrairement à ce qu'annonce l'incrustation)... et ça dépote. Le nouveau méchant est impitoyable, organisé et maîtrise les arts martiaux.

   Ça tombe bien, parce qu'en face, la troupe de contractuels (vieillissants) de la CIA compte un certain Christmas (alias Jason Statham) dans ses rangs. Dans cet épisode, le grincheux acariâtre prend le pas sur Stallone et nous régale de quelques bagarres particulièrement bien chorégraphiées.

   Avis aux âmes sensibles : c'est hyper-violent et graphiquement très sanglant. Mais il ne me déplaît pas de voir cette bande de corsaires des temps modernes dézinguer plusieurs centaines de terroristes et trafiquants en tous genres.

   Les cascades sont top et les effets spéciaux plutôt corrects (mais un peu trop visibles). On y a sans doute mis plus d'argent que dans le scénario, parce que j'avais deviné qui était le fameux Ocelot (le mystérieux patrons des terroristes) au bout d'un gros quart d'heure.

   Il reste l'humour, pas d'une grande subtilité, mais efficace. Les gros bras de la troupe n'arrêtent pas de se chambrer. Soyez aussi attentifs aux détails de certaines scènes. Ils sont parfois croustillants, comme le support où la bague de Barney (Stallone) a été fixée après que celui-ci l'a perdue lors d'un pari.

   Après une journée de boulot et un bon repas, un soir, ça détend.

Marie-Line et son juge

   C'est le titre du nouveau film de jean-Pierre Ameris, dont j'avais apprécié Les Folies fermières, sorti l'an dernier. J'ai aussi été attiré par la présence de Michel Blanc au générique. Le risque était qu'il incarne un personnage un peu trop proche de ce qu'on a vu au printemps dernier dans Les Petites Victoires. Ici, le travailleur manuel retraité et illettré cède la place à un juge bien actif, veuf (quasi) inconsolable et un brin alcoolique.

   Dans des circonstances que je me garderai bien de révéler, cet homme cultivé, gagné par la misanthropie, entre en contact avec une jeune serveuse, fille d'un docker victime d'un accident de travail, déscolarisée, un peu paumée, mais tenaillée par l'envie de vivre pleinement sa vie.

   Concernant ce personnage, je n'ai pas aimé le début ; je n'ai pas cru à la naissance de cette improbable histoire d'amour, où les ellipses semblent masquer la difficulté d'insérer des scènes crédibles.

   En revanche,  quand cela se gâte, en particulier quand devient patent le fossé culturel qui sépare Marie-Line de l'entourage de son nouveau petit copain, j'ai trouvé cela plutôt bien fichu, correctement joué et mis en scène.

   Petit à petit, on découvre les antécédents d'une ancienne bonne élève, traumatisée par la mort de sa mère et la dégringolade (physique et mentale) de son père, auquel elle est liée par une étrange relation, mélange d'incompréhension et de dépendance mutuelles. Dans le rôle du paternel, Philippe Rebbot est très bon.

   La réalisateur semble avoir voulu brosser le portrait d'une sympathique "cassos", qui déploie des efforts maladroits pour tenter de s'en sortir... et aurait besoin d'un coup de pouce, sans trop oser le demander. De son côté aussi le juge aurait besoin qu'on l'aide... mais il est trop fier (et acariâtre) pour le reconnaître... du moins au début. Dans le rôle de Marie-Line, Louane est crédible, son physique (empâté par rapport à ses débuts dans La Famille Bélier) se révélant un atout. A l'image de bien des jeunes femmes issues de milieux populaires, c'est une adepte de la malbouffe (ou, du moins, elle mange peu équilibré), avec les conséquences qu'on devine sur sa silhouette.

   L'histoire semble suivre un chemin balisé, avec deux personnages qui vont se découvrir, s'apprivoiser, s'engueuler, s'entraider... Cela nous réserve beaucoup de moments cocasses, qui reposent principalement sur les postures de l'acteur Blanc et les réflexions parfois brutes de décoffrage de la serveuse, devenue chauffeur... en attendant mieux.

   Ce film est une agréable petite chose, dont on sort de bonne humeur.

Acide

   Il y a deux ans était sortie dans les salles La Nuée, de Just Philippot, qui m'avait agréablement surpris. Je me suis donc laissé tenter par ce long-métrage fantastique, qu'on aurait pu jadis (dans les années 1980) qualifier "d'anticipation" et qui, aujourd'hui (heureusement), est plutôt de la science-fiction.

   L'argument fantastique est constitué par les pluies (très acides), qui perforent de plus en plus de bâtiments et provoquent la mort des animaux et des hommes qui n'ont pas trouvé d'abri. C'est bien mis en scène, que cela se passe à l'extérieur ou à l'intérieur, avec des effets spéciaux saisissants.

   Mais, au départ, c'est un film social. La séquence introductive est filmée en caméra subjective, au smartphone ou en caméra-piéton. C'est de la violence brute, façon reportage de l'intérieur : des grévistes prennent le contrôle de leur entreprise (et le patron en otage) ; la police intervient et, de part et d'autre, la violence se déchaîne. L'habileté de la mise en scène permet à chacun de s'y retrouver, soit qu'on estime que la police en fait trop, soit qu'on juge que certains grévistes ont perdu les pédales.

   Le héros de l'histoire, père de famille, est présent dans cette scène... mais je ne dirai pas où. On le retrouve quelques mois plus tard, séparé de son épouse, dans une situation précaire, dans l'attente d'un procès. Cela perturbe la relation qu'il entretient avec sa fille, assez forte au départ, et qui va évoluer. Le père est (très bien) incarné par Guillaume Canet, qui joue un personnage à la Matt Damon, Tom Cruise ou Bruce Willis, un gars ordinaire qui, dans des circonstances extraordinaires, va tout faire pour sauver sa famille.

   Le film oppose deux comportements, un, tranché (celui du père), dans l'action, qui ne se pose pas trop de questions et l'autre, plus empathique (celui de la mère puis celui de la fille), pour qui tout n'est pas possible, en tout cas pas acceptable.

   Fantastique au départ, l'intrigue penche ensuite vers un bon vieux survival, entre le nord de la France (métropolitaine) et la Belgique. J'ai été pris par cette histoire familiale chaotique sur fond de chute d'une civilisation. On ne s'ennuie pas une seconde et certaines scènes sont d'une force inouïe. Je mettrais deux bémols à mon enthousiasme : l'évolution du personnage de la fille, une ado à fort caractère au départ, qui se mue en chialeuse invétérée (avec certes, une fois, une bonne raison de pleurer), et les dix-quinze dernières minutes, durant lesquelles, pour moi, l'intrigue sort du chemin rationnel suivi jusqu'alors, privilégiant l'émotion facile.

Souffler dans l'anus

   Ce matin, j'étais en voiture, la radio branchée sur France Cul', lorsque j'en ai entendu une bien belle. C'était dans le cadre d'une série d'émissions intitulée « Ni mort, ni vivant, une histoire ». Il était question de la réanimation des noyés. L'un des intervenants a évoqué une méthode des plus inattendues : l'insufflation de fumée de tabac... dans l'anus !

   La gravure ci-dessus date de 1775. Je l'ai trouvée dans le billet écrit il y a quelques années par l'un des invités de l'émission de France Culture, Anton Serdeczny. Apparemment, ce n'était pas la plus répandue des méthodes d'insufflation, qui impliquaient plutôt un soufflet (sans doute pour augmenter l'efficacité de la projection de gaz).

   Il semblerait que ce fût assez douloureux, soit en raison du procédé (l'introduction violente d'une masse gazeuse, de surcroît chaude), soit en raison de la nature du produit insufflé, le tabac, qui serait particulièrement irritant (quel que soit l'orifice d'entrée).

   Au XIXe siècle, quand les effets nocifs du tabac furent connus, on renonça peu à peu à cette méthode, remplacée par les techniques répandues aujourd'hui (bouche-à-bouche, massage cardiaque...).

   L'émission évoque aussi la peur d'être enterré vivant et le délai qui a été progressivement fixé avant les inhumations. A l'origine, les autorités (civiles comme religieuses) imposaient d'enterrer les cadavres dans la journée. Reporter l'inhumation d'un ou deux jours a sans doute permis aux familles de mieux vivre leur deuil... et a en outre sauvé quelques vies.

Le Procès Goldman

   Dans la famille Goldman, c'est le petit jeune, Jean-Jacques, qui est devenu célèbre, et même une icône de la chanson populaire contemporaine. Seules quelques milliers de personnes (adeptes des mouvements qui vont de scission en scission) se souvenaient qu'il avait un (demi-)frère aîné, du genre teigneux, emprisonné, jugé pour meurtre et, finalement, assassiné.

   C'est à ce demi-frère maudit que le film de Cédric Kahn est consacré, à travers une tentative de reconstitution de son second procès aux Assises, en 1976. Nous voilà donc confrontés à un nouveau "film de procès" (un genre en vogue chez l'extrême-gauche branchouille), qui se veut à la fois une mise en scène de la Justice, une réflexion sur l'engagement révolutionnaire... et un peu un film de propagande, nourri de préoccupations plus contemporaines.

   Au centre de tout se trouve Pierre Goldman, incarné, habité même par Arieh Worthalter, qui porte le film sur ses épaules. Il n'a pas cherché à rendre son personnage sympathique, pas plus que le réalisateur d'ailleurs, qui filme tout cela de manière froide (un peu scolaire : c'est souvent du champ/contrechamp), avec suffisamment de détails pour permettre à différents types de public de s'y retrouver.

   Après une entame ratée (le dialogue entre les deux avocats -qui n'a pas existé- étant mal joué, le texte récité comme une leçon apprise par cœur), on rentre dans le vif du sujet avec un plan du "héros", d'abord mutique, assez impressionnant. L'ambiance du procès est bien rendue, avec un chahut très fréquent (on a reproché au président de la Cour de ne pas avoir su maîtriser les débats), celui mené par les soutiens gauchistes de Goldman, une agitation qui contraste fortement avec la dignité des familles des victimes, que souligne la mise en scène de Kahn.

   Indirectement, la situation fait un peu penser à une lutte des classes, mais pas dans le sens où le pensent les amis marxistes de Pierre Goldman. En effet, celui-ci est issu d'une famille de notables, le père étant un commerçant aisé (certes aux origines modestes), ancien résistant, bref une sorte de figure morale, qui a financé les errances scolaires de son fils aîné à une époque où seule une faible proportion d'une génération (autour de 10 %) accédait au baccalauréat. En face se trouvent des personnes appartenant à la petite classe moyenne (notamment l'employée de pharmacie, l'un des clients blessés et le policier agressé). L'aisance verbale de Goldman, au tribunal, contraste avec l'expression maladroite de certains de ses contradicteurs, qui n'ont pas reçu une éducation aussi soignée que lui, ni fréquenté d'aussi bonnes écoles... Tout cela est très bien rendu par les comédiens qui campent les seconds rôles.

   Au niveau du déroulé, le réalisateur essaie de montrer comment la Défense a démonté l'accusation, en décrédibilisant certains des témoins, parfois de manière outrancière. Ce fut le travail de Georges Kiejman, un avocat promis à un brillant avenir, mais dont Arthur Harari peine à faire passer le talent. (Il s'est naguère montré beaucoup plus habile derrière la caméra, avec Diamant noir et Onoda.) Le film n'évoque pas une autre piste possible dans l'enquête sur le double meurtre, piste qui aurait pu contribuer à innocenter Goldman.

   La plus grande gêne surgit au détour d'une scène pourtant très belle, celle de l'interrogatoire de la compagne antillaise du délinquant révolutionnaire. La comédienne est très bien... mais cette scène est une pure invention, au service (selon moi) d'une propagande qui ne dit pas son nom.

   Nous sommes en pleine fiction intersectionnelle. Scénaristes et réalisateur ont voulu mettre en scène un "peuple de victimes" (juifs, militants de gauche, Noirs, femmes), tous devenus les cibles d'une police supposée quasi intégralement raciste et d'une Justice aux ordres. La ficelle est un peu grosse, d'abord parce que, si second procès il y a eu (alors qu'à l'époque il n'est pas possible de faire appel d'une condamnation aux Assises), c'est en raison d'un généreux vice de forme : l'absence de la mention de la date sur un document officiel ! Dame Justice s'est donc montrée bien complaisante envers Pierre Goldman.

   Le film a quand même le mérite de montrer cette justice en fonctionnement. Le procès ne permettait pas de conclure de manière irréfutable à la culpabilité de Pierre Goldman (pas plus qu'à son innocence, d'ailleurs). Il était logique que le doute profite à l'accusé.

   Depuis, toutefois, on a appris que l'alibi de l'accusé était bidon... et l'ancien rebelle, devenu chroniqueur au Nouvel Obs puis à Libération, a déçu une partie de ses soutiens à gauche. On l'a découvert sans doute plus attiré par la violence physique qu'authentiquement révolutionnaire... et il s'est lié à de drôles de personnages...

   Cela nous mène à sa mort, à peine évoquée par des insertions à l'écran, dans le film. Un spectateur peu informé serait tenté de conclure de celles-ci que ce sont des policiers d'extrême-droite qui auraient assassiné Pierre Goldman. Aucune preuve n'a été trouvée en ce sens. En revanche, comme il est expliqué (notamment) dans un numéro de Rendez-vous avec X (une émission qui remonte à 2005), les relations troubles entretenues par Goldman avec des types du Milieu pourraient expliquer son exécution. Mais cette fin peu glorieuse ternit trop l'étoile de l'ancien rebelle pour avoir été retenue par les thuriféraires du braqueur soi-disant révolutionnaire.

DogMan

   A part l'amour des chiens, le dernier film de Luc Besson n'a pas grand chose à voir avec l’œuvre homonyme de Matteo Garrone, sortie en 2018.

   C'est vers d'autres films de genre que louche cette enquête à rebours, qui commence par l'arrestation d'une drag-queen handicapée, couverte de sang et se poursuit par son interrogatoire (par une psychiatre), entrecoupé de retours en arrière.

   On pense immanquablement au Silence des agneaux et au Joker de Todd Phillips, avec, comme dans ces deux prestigieux devanciers, un acteur exceptionnel, ici Caleb Landry Jones. Qu'il interprète un jeune handicapé énamouré, le directeur zélé d'un refuge pour chiens, une drag-queen souffreteuse ou un tueur psychopathe, le comédien est époustouflant, impressionnant par sa maîtrise technique tout en réussissant à susciter l'émotion. (Mon gars, ça mérite un Oscar !)

   Besson a eu la chance de bénéficier de la contribution de cet acteur de talent... mais, de son côté, il n'est pas manchot. La mise en scène campe plusieurs ambiances, du glamour au glauque, en passant par l'inquiétante tranquillité d'une banalité affligeante, le tout servi par une chouette musique, intégrée à la construction des plans.

   Et puis il y a ces chiens, de race ou bâtards, grands ou petits, propres ou sales, affectueux ou menaçants, utilisés de manière extraordinaire dans certaines scènes. (Chapeau à la dresseuse !)

   Bref, c'est prenant de bout en bout, la première partie étant plutôt psychologisante, tandis que dans le dernier tiers, on retrouve le Besson filmeur d'action, dans une séquence virtuose qui voit un éclopé entouré de chiens venir à bout d'une bande de voyous surarmés.

   En dépit de considérations religieuses oiseuses, ce film fait peut-être partie de ce que Besson a filmé de plus fort.

Brokenwood, saison 8

   C'est (outre l'arrivée d'un bel été indien) la bonne nouvelle de ce dimanche : le début de la diffusion, sur France 3, de la huitième saison de cette série policière atypique, néo-zélandaise, rurale (country même), ironique et bedonnante, regorgeant de personnages savoureux.

   L'intégralité de la saison est déjà disponible sur le site de France Télévisions. Au vu de la médiocrité des programmes télévisuels actuels, j'ai choisi de déguster cela petit à petit. Commençons donc par l'épisode diffusé ce dimanche soir sur France 3, intitulé "Du berceau au tombeau".

   Au cœur de l'histoire se trouve un improbable quatuor, composé de la directrice du musée local et de trois abrutis, l'un d'entre eux, Frodon (à droite sur la photographie ci-dessus) étant un personnage récurrent de la série, du genre à se retrouver régulièrement mêlé à toute sorte d'embrouille.

   Ce début d'épisode est impossible à raconter, tant il accumule les cocasseries. Il met d'excellente humeur, notamment quand une momie supposée morte surgit d'un sarcophage et lance un « Gros bâtard ! » avant de (définitivement) décéder !

   Démêler les bandelettes fils de l'intrigue va se révéler particulièrement ardu, dans une région où le calme apparent masque différentes activités louches (prostitution, vol, trafic de drogue, escroquerie...).

   Au cours de l'enquête, le véhicule conduit par le commandant Shepherd va occuper le devant de la scène. Cette antiquité est une Holden Kingswood (voiture produite jadis par la filiale australienne de General Motors), datant des années 1980. Équipée d'un lecteur de cassettes audio, elle est considérée par l'officier de police comme une extension de lui-même. Il la bichonne et ne la prête jamais... ou quasiment jamais. Dans cet épisode, pour le bien de l'enquête, il en confie exceptionnellement les clés à l'un de ses subordonnés (qui l'assure de son plus grand respect pour les ancêtres)... mais celles-ci vont tomber entre de mauvaises mains. La séquence de poursuite automobile vaut son pesant de kiwis !

   A noter aussi, parmi les personnages secondaires, celui d'un père particulièrement fertile, dont la découverte de l'activité professionnelle contribue à épicer l'histoire. Il est incarné par Joel Tobeck, vu notamment dans One Lane Bridge.

   PS

   En guise de dessert, en seconde partie de soirée, la chaîne publique propose la rediffusion d'un épisode de la saison 2, intitulé "Les fantômes de la ligne de touche". Au vu de l'actualité sportive de ces dernières semaines, ce choix apparaît approprié, puisque l'intrigue a pour cadre le club local de rugby.

Max à Sandhamn

   Arte vient à peine de diffuser le deuxième épisode (Esther) de la neuvième saison de Meurtres à Sandhamn que le dixième a été mis en ligne, par la chaîne franco-allemande.

   Une fois n'est pas coutume (ces dernières saisons), son titre, Max, ne fait pas référence à l'une des victimes ou à une personne disparue, mais au tueur. On a pu apercevoir celui-ci lors des épisodes précédents, en train d'observer, de suivre ou de prendre en photographie certains des protagonistes. Il va s'en prendre à eux. C'est l'originalité de cette histoire, durant laquelle policiers et magistrate sont en danger.

   Cela change un peu du ronronnement qui s'était installé ces dernières saisons. L'univers un brin bobo de cette région touristique du Sud de la Suède, où juges, avocats, médecins, chefs d'entreprises, cadres supérieurs et officiers de police se fréquentent, est menacé par l'intrusion violente d'un élément perturbateur... lui-même perturbé.

   On comprend assez vite que Max a pour but d'assouvir une vengeance. Il est issu d'une famille de la petite classe moyenne, est d'apparence ordinaire et exerce une activité sans prestige intellectuel. Mais il est déterminé et bien organisé. La manière dont certains personnages vont tomber dans les mailles de son filet, sans être très originale, est bien mise en scène.

   La séquence la plus "flippante" (comme disaient les djeunses naguère) est pour moi la première, nourrie d'angoisse et d'incertitude, sans effets spéciaux, juste avec des décors, un peu de musique, un montage efficace et le jeu de l'acteur qui incarne le tueur.

   Le concernant, les scénaristes ont toutefois évité de tomber dans les travers de certaines productions d'outre-Atlantique (comme Esprits criminels), qui font de leurs tueurs des sortes de "génies du mal". Ici, Max est terriblement efficace et menaçant... mais son action est parfois enrayée par un événement inattendu : une personne qui sort d'une pièce censée être vide, l'arrivée d'un vigile dans un parking, l'inattendue débrouillardise d'une cible qu'on pense facile...

   J'ai beaucoup aimé cet épisode, même si j'ai trouvé la fin trop mélo avec, de surcroît, un cliffhanger qu'on sent venir à des kilomètres... mais on nous prépare une saison 10. Bonne nouvelle !

 

   PS

   Deux références francophones sont perceptibles dans cet épisode : Jacques-Yves Cousteau (lié à un personnage qui n'apparaît pas à l'écran, mais qui joue un rôle important) et Hergé (à travers l'album L'Ile noire, dont je laisse à chacun.e le plaisir de découvrir quel lien il entretient avec l'intrigue).

Nouveaux meurtres à Sandhamn

   La série policière suédoise est de retour sur Arte, avec six épisodes inédits, ceux des saisons 8 et 9. Il y a un peu plus de quatre ans, j'avais signalé la diffusion de la saison 4, l'une des plus réussies. J'ai continué à suivre la série jusqu'à la saison 6. Malheureusement, à l'issue de celle-ci, la distribution a changé, du côté policier : Jacob Cedergren et ses acolytes ont cédé la place à de nouveaux enquêteurs, des personnages beaucoup moins intéressants, plus caricaturaux, qui m'ont fait lâcher le programme.

   Je n'en aurais pas reparlé si je n'avais pas vu Esther, le deuxième épisode de la saison 9 et le cinquième des six nouveaux proposés par la chaîne franco-allemande.

   J'ai retrouvé avec plaisir ce faux rythme lent, qui suit en fait une ligne scénaristique habilement sinueuse. (Ce n'est hélas pas le cas de tous les épisodes.) Tout commence quand un groupe d'adolescents chrétiens (qui cherchent à épicer leur retraite spirituelle), fait une macabre découverte, sur une île appartenant à une communauté religieuse. Cette découverte impose la réouverture d'une enquête vieille de trente ans, sur la disparition de trois ados, deux garçons et une fille, dans des circonstances jamais élucidées, les cadavres n'ayant pas été retrouvés.

   J'ai aimé l'alternance entre les scènes du XXIe siècle et celles, plus anciennes, montrant certains personnages alors beaucoup plus jeunes. Parmi eux se trouvent l'héroïne de la série, la procureure Nora Linden (Alexandra Rapaport), et son ex-mari Henrik, qui vient de devenir, à l'époque, son petit ami. C'est touchant, parce qu'on suit alternativement un couple naissant, charmant, et un duo d'ex, qui ne s'entendent plus aussi bien. Les acteurs sont convaincants... en tout cas plus que ceux qui incarnent les policiers. Que ce soit en V.O. ou en V.F., j'ai du mal avec ces enquêteurs peu charismatiques au possible.

   En revanche, l'intrigue policière est palpitante, faisant intervenir un pasteur, son ex-femme devenue prof de yoga, un religieux défroqué, une ancienne gamine jalouse, le tout entre le sud de la Suède (paysages superbes) et... l'Estonie (qui est très proche de la Finlande, voisine de la Suède).

   Cet épisode, déjà disponible en ligne, va être diffusé sur Arte vendredi 29 septembre... en même temps que Nouvelle-Zélande - Italie. Les All Blacks ont beau proposer un jeu spectaculaire, je conseille de choisir le polar !

France 3 soutient ouvertement l'immigration illégale...

   ... avec des fonds publics ! J'ai failli tomber de mon fauteuil, ce soir, en regardant Meurtres à Font-Romeu, énième épisode d'une collection qui alterne l'acceptable et le moins bon. Mais, ça, c'est sur le plan technique : des comédiens approximatifs, des dialogues écrits avec les pieds, des rebondissements abracadabrantesques... mais de beaux paysages et, parfois, un scénario bien troussé.

   L'épisode inédit de ce soir respecte le cahier des charges de la série : un duo d'enquêteurs qui, au départ, ne s'entend pas, va unir ses forces pour résoudre une ténébreuse affaire, sur fond de paysages superbes, dans une province où les langues ne se délient pas facilement. Cette fois-ci, hélas, on n'a pas de légende locale (ni d'anecdote historique marquante) à se mettre sous la dent.

   La distribution comprend du lourd (sur le plan télévisuel... le budget n'est tout de même pas illimité) : Béatrice de La Boulaye (remarquée dans Tropiques criminels) côtoie Stéphane Henon, issu lui d'un programme iconique de la chaîne publique : Plus belle la vie. C'est dire l'importance que la direction des programmes accorde à ce téléfilm. (La titulaire du poste, Anne Holmes, s'est fait la main en supprimant des séries parmi les plus populaires des chaînes publiques -Mongeville et Commissaire Magellan- sans doute jugées pas assez dans le coup de la "modernitude"...)

   Déjà, le côté enquête policière n'est pas des plus réussis. On nous ressert le coup de la Parisienne -forcément dynamique- qui débarque dans une rugueuse province et qui se retrouve avec un collègue plutôt taiseux. Il faut plaindre B. de La Boulaye, pas uniquement en raison de l'horrible coupe de cheveux dont est affublé son personnage :

   En effet, la comédienne, qui pouvait légitimement penser qu'on lui réservait le rôle phare, se retrouve à jouer les faire-valoir du principal interprète masculin, incarnant un officier de gendarmerie qui... aide les migrants clandestins !

   Les promoteurs de l'épisode se sont bien gardés d'informer le public de la teneur de cette intrigue secondaire, qui prend de plus en plus de place au fur et à mesure que l'histoire se déroule. Seule une courte bande-annonce a été diffusée, en avant-première, dans laquelle il est impossible de deviner ce qu'on s'apprête à nous servir.

  L'enquête gendarmesque prend un tour pas du tout crédible, certains personnages secondaires étant mal campés. Même l'enquêtrice est mise dans des situations qui prêtent à sourire : par une soirée glaciale, elle épie son collègue pendant plusieurs heures, sans s'être emmitouflée, ses vêtements restant ouverts au niveau du col !

   Ce soir-là comme la nuit suivante (quand elle prend son collègue en filature), elle est d'une absence de discrétion consternante pour un officier supposé chevronné.

   En revanche, les scénaristes semblent s'être appliqués à rendre les migrants les plus sympathiques possibles. Tous sont calmes, gentils, craintifs. Au besoin, on tente d'attendrir les spectateurs avec les enfants, de manière limite putassière (le coup du gamin qui fait tomber son jouet au moment de fuir une intervention de la gendarmerie...). Que tout cela est lourd, appuyé !

   Ah, j'allais oublier : on finit par apprendre que le capitaine de gendarmerie a entretenu une liaison avec une sans-papier... Par-dessus le marché, le commandant qui a le capitaine dans le viseur et qui mène la chasse aux migrants s'appelle... Hicham Naouri ! N'en jetez plus, la coupe de la bien-pensance est déjà pleine !

   P.S.

   Sans surprise, la personne qui a commis les meurtres est blanche, de culture catholique.

Les (nouveaux) carnets de Max Liebermann

   Cette série autrichienne, tournée en anglais, est de retour sur France 3, où elle a le grand avantage de remplacer l'insipide commissaire Dupin. J'avais découvert ce programme il y a deux ans et demi mais, déçu par le tour pris par certains épisodes, je n'avais pas suivi la saison 2. J'avais tort. Celle-ci est actuellement rediffusée en deuxième partie de soirée, après les épisodes inédits de la saison 3. Le tout est visible en replay de longue durée sur le site de France Télévisions.

   Commençons par la saison 2. La semaine dernière a été diffusé La Comtesse mélancolique (disponible pendant encore trois semaines environ).

   L'apparent suicide d'une riche comtesse cache un meurtre que l'exploration du cerveau humain va permettre aux enquêteurs de résoudre. Le jeune psychanalyste Max Liebermann n'a pas eu le temps de découvrir la source du traumatisme subi jadis par sa patiente, désormais décédée. Mais, avec l'inspecteur Oskar Rheinhardt, il va apprendre qu'un traumatisme peut en cacher un autre. L'intrigue est excellemment construite, superbement mise en images et interprétée avec talent.

   Ce soir, c'est au tour du deuxième épisode de la saison 2 d'être rediffusé... et il est sensationnel. Le Baiser du diable (visible pendant un mois) nous entraîne dans les méandres de la géopolitique d'Europe centrale, au début du XXe siècle, juste avant le déclenchement des Guerres Balkaniques (annonciatrices de la Première Guerre mondiale).

   Tout commence par la découverte, en apparence fortuite, du cadavre d'un homme disparu une vingtaine d'années auparavant. Très vite, l'inspecteur Rheinhardt est prié de se détacher de l'enquête, qui a des implications qui le dépassent. Mais il semble disposer d'un informateur privilégié. Dans cette histoire, (presque) rien ni personne ne semble conforme aux apparences. Dans l'ombre agit la Main noire (serbe), tandis que Liebermann essaie de faire parler une petite fille traumatisée. Le dénouement est stupéfiant. (Je me dois toutefois de signaler un petit anachronisme : la Main noire n'a été créée officiellement qu'en 1911, alors qu'ici l'action se déroule en 1908.)

   Passons aux inédits. La semaine dernière a été diffusé le premier épisode de la saison 3 : Étreinte mortelle (qui restera accessible en ligne pendant plus de deux ans).

   On y retrouve Max Liebermann, désormais confortablement installé dans son cabinet privé. Il s'est un peu éloigné des enquêtes policières. Mais une affaire particulière va le rapprocher de l'inspecteur Rheinhardt. De jeunes femmes sont victimes de meurtres machiavéliques, assassinées au cours d'un rapport sexuel consenti... La psyché du criminel fascine le psychiatre, qui devient aussi l'objet de l'attention du tueur. Notons que l'intrigue a pour cadre principal le milieu de la mode, au début du XXe siècle.

   Ce soir est diffusé l'épisode 2, Le Dieu des ombres. Deux affaires s'entrecroisent : de mystérieux vols commis chez de riches propriétaires de mobilier chinois et le cas d'un malade particulier, ancien soldat du corps expéditionnaire européen à Pékin, traumatisé par la Révolte des Boxeurs, quelques années plus tôt.

   Ce n'est pas le meilleur du lot, mais il est fidèle au style et aux qualités de la série, réalisée avec soin et s'appuyant sur un sympathique duo d'acteurs principaux : Matthew Beard (le psy) en intellectuel raffiné et Jürgen Maurer (l'inspecteur) en ours mal léché. L'ambiance se situe quelque part entre Les Enquêtes de Murdoch et Les Brigades du Tigre.

Le Château solitaire dans le miroir

   Bien placée dans la course du film au titre le plus long sorti en France cette année, cette animation japonaise est assez étonnante, en raison du croisement des genres qu'elle opère. Sur le fond, il s'agit d'une œuvre sociétale, qui traite de la phobie scolaire et du harcèlement, entre autres. Mais le traitement s'effectue par le prisme d'une intrigue fantastique.

   Les héros sont sept adolescents, tous collégiens (même si certains ont plutôt un physique de lycéens), tous japonais, tous (sauf un) réfugiés au domicile de leurs parents. Par le biais de miroirs magiques, ils vont se retrouver, à intervalle régulier, pendant un an, dans un mystérieux château, perché sur une île-rocher perdue au milieu de nulle part, avec pour hôtesse une mystérieuse reine-louve, apparemment une enfant portant un masque, mais qui semble diablement mûre (et forte) pour son âge. Elle assigne une mission au groupe : trouver une clé dissimulée dans le château. Elle permettra à l'un(e) d'entre eux de réaliser son vœu le plus cher.

   Des sept nous suivons surtout le parcours de Kokoro, fille unique d'un couple de cadres urbains, scolarisée dans un collège public où elle est devenue le souffre-douleur d'une bande de pétasses. Au fil de ses séjours dans le château, elle découvre qu'elle a d'autres points communs avec ses six compagnons, qui vont devenir des amis. Mais pourquoi ont-ils été réunis là ? Et comment trouver la clé ?

   Le mystère semble dans un premier temps s'épaissir (l'existence d'univers parallèles ne tenant pas la route). Sans me vanter, j'ai assez vite deviné le twist... ainsi que l'identité réelle de la reine-louve. Cela n'a nullement entamé mon plaisir, puisque le scénario (adapté d'un roman) est foisonnant, ouvrant de multiples perspectives.

   La réalisation est cependant inégale. La majeure partie des scènes est assez plan-plan. Toutefois, dès qu'il est question d'une surface réfléchissante (miroir, glace, vitre...), on remarque un incontestable brio.

   C'est visible par les petits et les grands. Je pense que le film est conçu pour susciter des discussions dans les familles... et c'est aussi une histoire particulièrement énigmatique, pour qui aime se triturer les méninges.

   PS

   Du réalisateur, Keiichi Hara, on a déjà pu voir dans les salles : Wonderland, le royaume sans pluie, Miss Hokusai et Colorful.

Mystère à Venise

   Jamais deux sans trois... Un an et demi après Mort sur le Nil (qui succédait au médiocre Crime de l'Orient-Express), Kenneth Branagh revient en Hercule Poirot, adaptant (très très librement) cette fois-ci Le Crime d'Halloween, l'intrigue étant déplacée à Venise, ce qui nous vaut quelques jolis plans (surtout à la fin).

   Comme dans les précédents films, le casting secondaire est impeccable. Du côté féminin, j'ai été marqué par Kelly Reilly et Camille Cottin (qui confirme la qualité de son basculement à l'international, déjà perçu dans Stillwater). Du côté masculin, on peut signaler les prestations de Jamie Dornan et de Jude Hill, stupéfiant en gamin à la maturité précoce.

   Je suis moins enthousiasmé par le duo d'enquêteurs, incarné par K. Branagh et Tina Frey, celle-ci tenant le rôle d'Ariadne Oliver, le double littéraire d'Agatha Christie.

   Leurs interactions sont parfois savoureuses (l'écrivaine s'étant autoparodiée et profitant aussi de l'occasion pour se moquer de son célébrissime détective, qui avait peut-être pris trop d'importance à ses yeux)... mais, clairement, les comédiens, aussi talentueux soient-ils, n'ont pas le charisme de Zoë Wanamaker et David Suchet, qui tenaient ces rôles dans la série d'ITV.

   Fort heureusement, la photographie est soignée et l'intrigue fouillée, croisant l'univers d'Agatha Christie avec le surnaturel. C'est suffisamment bien écrit pour que chaque type de spectateur s'y retrouve : les rationalistes  estimeront que toutes les réponses ont été données à la fin de l'enquête (principalement par Poirot), tandis que les adeptes de paranormal affirmeront qu'il y a bien eu intervention surnaturelle.

   Je crois que les puristes n'ont pas trop apprécié ce mélange des genres. J'ai trouvé cela plutôt réussi, même si je pense que le film aurait pu avoir plus de force sans cet attirail tape-à-l'oeil. De surcroît, Branagh aurait pu se dispenser de certains effets de caméra, en particulier quand il se filme sans doute équipé d'un harnais et d'une sorte de caméra GoPro (en plus évoluée).

   Comme cela dure moins d'1h45 et que le suspens est assez prenant, j'ai tendance à recommander ce film, en dépit de ses imperfections.

Equalizer 3

   Cinq ans après le volume 2, revoilà Robert McCall dans ses œuvres... à ceci près que, dorénavant, l'ancien employé de magasin de bricolage, ancien chauffeur VTC... et surtout ancien tueur à la solde d'Oncle Sam est à la retraite. Il coule des jours paisibles dans un coin de l'Italie... qu'il découvre pas si bien fréquenté que cela.

   Cette fois-ci, ce sont des mafieux (d'abord siciliens, puis napolitains... faites la queue, les gars, y en aura pour tout le monde) qui vont tâter des méthodes expéditives de l'ange exterminateur américain.

   Mais le réalisateur Antoine Fuqua prend son temps avant de nous montrer le héros en action. Il surprend agréablement avec la séquence inaugurale, durant laquelle, dans un premier temps, on ne découvre que les conséquences du passage de la tornade exterminatrice (avec un joli plan-séquence à la clé). C'est tout aussi parlant qu'une scène d'action chorégraphiée. Autre atout de cette introduction (annonciateur du ton du film) : le mystère qui plane autour de l'identité ou des motivations de certains personnages. Ici, c'est à propos d'un père et de son fils que l'on se pose des questions. Entre le début et la fin de la séquence, ils auront totalement changé de statut à nos yeux.

   Denzel Washington se faisant vieux, Fuqua ne pouvait plus le faire passer pour un as du corps-à-corps... mais il lui a laissé la maniaquerie et une incontestable dextérité dans le maniement des armes, qu'elles le soient par nature ou par destination. Les quelques scènes de combat sont impeccablement réalisées.

   Il m'a aussi semblé que la bobine du héros avait été volontairement un peu "retravaillée". Parfois, le visage de Denzel est presque difficile à reconnaître. Il devient une sorte de colonel Kurtz de la lutte contre le crime organisé. Cet aspect est une nouveauté et je trouve qu'il donne une saveur supplémentaire au film.

   S'ajoute à cela un scénario assez bien troussé (émaillé d'humour), qui ménage quelques surprises. A noter que la version originale marie l'anglo-américain et l'italien. C'est un plaisir pour les oreilles.

   J'ai passé un excellent moment.

Joseph Staline et sa Cour

   Arte a récemment rediffusé le film La Mort de Staline (que j'avais chroniqué à sa sortie, en 2018). Il est visible sur le site internet de la chaîne pendant encore quelques jours.

   A celles et ceux qui n'auraient jamais vu cette coproduction franco-britannique, je conseille vivement de remédier à cette lacune, de préférence en version originale (anglaise) sous-titrée. Cela permet de mieux profiter du talent des interprètes, qui ont su parfaitement rendre compte de l'ambiance tragi-comique des derniers jours du tyran communiste et de la "course à l'échalote" qui a suivi son décès.

   Je profite de l'occasion pour signaler la réédition d'un ouvrage historique remarquable, Staline, La Cour du tsar rouge, de Simon Sebag Montefiore. Sorti au début du XXIe siècle, ce pavé de plus de mille pages avait rencontré un grand succès. En français, on en connaissait une édition de poche, en deux tomes. Pour les soixante-dix ans de la mort de Staline (décédé en mars 1953), les éditions Perrin ont ressorti le bouquin, dans une version "semi-poche" de luxe (sur un papier de qualité) :

   La lecture est vraiment aisée. C'est bien écrit (bien traduit ?), divisé en chapitres assez courts, disposés grosso modo de manière chronologique, de 1928-1929 à 1953. Une conclusion prolonge jusqu'au XXIe siècle, les descendants des dirigeants staliniens (du moins, ceux qui ont survécu) s'étant très bien intégrés à la Russie poutinienne. Les notes érudites sont repoussées en fin de volume. Si l'on veut en savoir plus, il est utile de les lire, mais le bouquin se savoure très bien sans.

   Attention : ce n'est ni une biographie, ni une histoire de l'URSS, ni une analyse stricte des mécanismes de la dictature stalinienne... mais tout cela figure dans le livre. L'originalité de l'auteur est d'avoir choisi l'angle des relations entre les familles des dirigeants bolcheviks (certains connus, d'autres moins). C'est à la fois instructif et riche en anecdotes.

   Je pense que les scénaristes de La Mort de Staline et de la bande dessinée d'origine se sont inspirés du livre de Montefiore, même s'ils s'en écartent un peu de temps à autre (pour mieux servir leurs effets comiques ou dramatiques).

   J'ai longtemps rechigné à me plonger dans le bouquin (à cause de son volume). Ce fut mon "pavé de l'été" (coucou dasola)... et je me suis régalé.

La Coupe du monde mise en pièces

   Dans un peu plus d'une semaine, de grands malabars musclés originaires de tous les continents vont commencer à se rentrer dedans, en short, sur gazon vert. Le début de la Coupe du monde de rugby (à XV) approche... et c'est en faisant mes courses que je m'en suis rendu compte :

   J'ai récupéré une pièce de deux euros, dont, curieusement, la Monnaie de Paris ne signale la disponibilité qu'à partir du... 8 septembre !

   Au centre est dessiné un joueur sur le point de réaliser une passe (à la main). On note la présence des deux doubles poteaux, alors que le terrain a été remplacé par le globe terrestre, sans qu'il soit possible de distinguer de quel hémisphère il s'agit. (Dans le ciel semble être présente la planète Saturne, qui est visible des deux hémisphères. La faible hauteur -par rapport à la surface terrestre- pourrait indiquer que nous sommes dans l'hémisphère Nord.)

   Le texte principal est gravé deux fois : en arc de cercle au-dessus de la scène et, en petits caractères, en bas à gauche. On repère aussi, en bas à droite, les majuscules RF (symboles de la France), ainsi que, semble-t-il, une corne d'abondance (à gauche)... et peut-être le poinçon du graveur ou de l'imprimerie, à droite.

Hypnotic

   L'intrigue de ce thriller fantastique ne repose pas tant sur l'hypnose (au sens strict) que sur la faculté de tromper, de mystifier voire d'annihiler la volonté d'autrui que possèdent certains individus. Cette capacité semble être à l’œuvre lors de l'intervention à laquelle participe un officier de police, qui sort de chez sa psy. Le traumatisme qu'il a naguère subi (la disparition de sa fille) joue un rôle clé dans l'intrigue, mais l'on met un bon bout de temps à comprendre les dessous de l'affaire...

   ... parce qu'on nous mystifie nous aussi, spectateurs ! Il faut se méfier de ce que l'on nous montre à l'écran, y compris quand un personnage dénonce une manipulation. Il peut y avoir mystification dans la mystification, avec, cerise sur le gâteau, l'effacement de certains souvenirs et l'implantation d'autres, fictifs.

   Cela ne vous rappelle rien ? Inception, bien sûr. Certes, Robert Rodriguez n'est pas aussi talentueux que Christopher Nolan (et Ben Affleck est plus convaincant dans la première partie de l'histoire que dans la seconde, où son personnage change de statut), mais j'ai trouvé les critiques bien sévères pour ce très honnête film de genre. Entre le brio de Nolan et le navet intersidéral (qui se porte bien dans les salles françaises), il y a de la place pour des films de qualité, divertissants. Celui-ci entre dans cette catégorie... mais il nécessite un peu de gymnastique intellectuelle, dans sa seconde partie.

   P.S.

   A la fin de la séance, ne quittez pas la salle trop vite...

Retribution

   Et c'est reparti pour un tour avec ce bon vieux Liam Neeson, que je n'avais pas vu en salles depuis un bail février dernier, dans Marlowe.

   Avis à celles et ceux qui attendent un énième film de baston, dans lequel un héros vieillissant va flanquer une raclée à quelques dizaines centaines de sales types : ce n'est pas le cas ici. (Pour cela, il va falloir patienter jusqu'à la sortie d'Equalizer III.) Les scénaristes ont enfin pris en compte les effets de l'âge sur Liam. Ici, tout (ou presque) se passe dans des voitures, l'essentiel se concentrant dans le SUV de luxe du héros Matt Turner (dont on ne cesse de voir la marque à l'écran) et dans les téléphones qu'il utilise.

   Ce n'en est pas moins spectaculaire pour autant. Il y a évidemment des poursuites automobiles (dans les rues de Berlin)... l'une d'entre elles montrant le héros échapper, un peu par miracle, à toutes les polices locales. Mais l'essentiel de la tension dramatique réside ailleurs : dans le jeu macabre avec un mystérieux maître-chanteur, qui a piégé le véhicule de Matt (ainsi que d'autres... mais combien ?).

   Au niveau de l'intrigue, il est question de détournement de fonds. L'acteur-vedette incarne un type qui se veut droit, mais qui, pour gagner sa vie, doit mettre en confiance ses potentiels clients... voire leur mentir. Bien entendu, un complot est à l’œuvre. On peut s'amuser à essayer de deviner qui est derrière. (Ce n'est pas très compliqué.)

   Un Liam Neeson convaincant (parfois même émouvant) et un montage nerveux rendent le film tout à fait visible. Il n'y a rien de bien nouveau dans cette histoire et certaines péripéties sont un peu téléphonées (!) mais, comme le boulot est bien fait, les 90 minutes passent vite, assez agréablement, sans plus.

Les Avantages de voyager en train

   Mes pérégrinations estivales (et la perspective de passer un moment agréable en zone climatisée) m'ont conduit à voir ce film, sorti il y a deux semaines, de manière confidentielle. C'est l'adaptation d'un roman espagnol, réputé foutraque.

   La première partie fonctionne sur la base d'un emboîtement de récits. Un narrateur évoque une rencontre dans un train, celle d'une éditrice et d'un médecin. Celui-ci, pour passer le temps, propose de lui parler d'un de ses anciens patients, signalé par sa sœur. Ce soldat avait été déployé au Kosovo, pendant la guerre, à la toute fin du XXe siècle. Il a été traumatisé par les événements racontés par une travailleuse humanitaire, elle-même informée par un homme d'affaires, qui a été témoins d'horreurs.

   Sur le plan formel, c'est assez brillant, mis en scène avec plus de subtilité que ce que je viens d'écrire suggère. Mais, sur le fond, c'est assez putassier et très pessimiste sur la nature humaine. Toutefois, au fur et à mesure que l'histoire se déroule, on est amené à remettre en cause une partie des histoires. C'est assez savoureux, pour peu qu'on ait été attentif au début.

   Je suis beaucoup moins enthousiaste envers la deuxième partie, qui raconte un asservissement progressif, celui d'une femme, mais mis en scène de manière dégradante (je trouve) pour le personnage et la comédienne (Pilar Castro, vue notamment dans Compétition officielle et Julieta). Cette séquence permet toutefois de mettre en perspective une partie de ce qui a été dit par le personnage d'Helga au début du film.

   La troisième partie commence comme une belle histoire, celle de deux handicapés qui se rapprochent progressivement... mais je n'ai pas vu l'intérêt de son insertion dans l'intrigue.

   La quatrième partie est celle qui remet le plus de choses en questions. Elle fait singulièrement remonter l'intérêt. Le film se conclut sur un ultime clin d’œil.

Ninja Turtles - Teenage Years

   Un peu moins de dix ans après le reboot (tourné en prises de vues réelles, avec des comédiens en chair et en os et beaucoup de trucages numériques), voilà que Nickelodeon tente de relancer la machine à cash, avec un nouveau film, mais d'animation cette fois. Celui-ci navigue entre références au passé et style urbain contemporain, la parenté avec le dernier Spider-Man (across the spider-verse) étant frappante.

   Au niveau des voix de doublage (dans la version originale), on a pris du lourd, puisqu'on entend Ice Cube, John Cena, Rose Byrne... et Jackie Chan, qui donne vie à Splinter, un rat maître en arts martiaux. Les séquences qui font intervenir ce personnage sont d'ailleurs très réussies, dynamiques et drôles... mais, visuellement, je préfère quand même la version du reboot de 2014.

   Le début nous conte le genèse des mutants, les tortues, le rat... mais aussi les autres, leurs futurs adversaires/potes : une mouche-tueuse et quantité d'animaux plus ou moins dégoûtants... mais c'est cool à regarder !

   Historiquement, les tortues-ninjas sont un décalque de population mise à l'écart, un statut dans lequel les minorités ethniques peuvent se reconnaître, aux États-Unis. Ici, quand les mutants tentent de se mêler aux humains, parmi les habitants de New York, ils sont victimes de racisme de la part d'une population fortement métissée. Le message sur la tolérance n'en prend que plus de force. Je regrette toutefois que la grande méchante de l'histoire soit une fois de plus une femme blanche qui, dans la VO, s'exbrime aveg un bedit agzent chermanique.

   Visuellement, c'est bien foutu. L'intrigue est rythmée... un peu trop peut-être à mon goût : j'aurais aimé avoir un peu plus de temps pour savourer certaines scènes. La musique est globalement entraînante (exception faite de quelques morceaux de rap). Les héros aiment la good vibe et les pizzas. Ils ne sont pas vindicatifs, ni antipathiques, même si parfois ils se font passer pour de gros durs.

   Voilà. Cela dure nettement moins longtemps que la plupart des grosses productions sorties cet été. On ne s'ennuie pas, mais on aura sans doute assez rapidement oublié.

Les Ombres persanes

   Il paraît que l'idée que nous ayons tous au moins un sosie sur la planète serait une légende urbaine... alors imaginez quand un couple iranien découvre que, dans la même ville (Téhéran), vit un autre couple, physiquement en tout point semblable !

   J'ai enfin pu voir ce thriller sociétal iranien... dans une salle climatisée, ce qui m'a fait le plus grand bien, en ces temps caniculaires. Mais ce ne fut pas la seule source de contentement. Ce film est jubilatoire, d'une richesse et d'une finesse étonnantes.

   Si les deux couples sont de quasi-copies sur le plan physique (les personnages étant interprétés par les mêmes acteurs, qui se livrent à un sacré numéro, soit dit en passant), sur le plan moral, les caractères des deux femmes comme des deux hommes diffèrent fortement. Sur le plan social, on a affaire à deux franges de la classe moyenne : le couple n°1 est composé d'un employé commercial et d'une monitrice d'auto-école, alors que le couple n°2 est composé d'une ancienne infirmière (devenue femme au foyer) et d'un cadre supérieur d'une grosse entreprise (à moins qu'il ne s'agisse d'un haut fonctionnaire). Mine de rien, le cinéaste Mani Haghighi pointe certaines inégalités sociales... et (indirectement) le statut des femmes, dans une société patriarcale. (Mais ce n'est pas le propos principal du film.)

   La mise en scène est pleine de malice. Ainsi, lorsque Farzaneh, l'épouse du couple 1, voit son mari (infidèle ?) entrer (de nouveau, pense-t-elle) dans un immeuble où réside une autre femme, elle attend d'abord à l'extérieur, à côté de son véhicule. Une petite ellipse survient. On se retrouve dans les escaliers internes de l'immeuble, où l'époux n°1 est pris pour l'époux n°2... mais, surtout, un gros quiproquo surgit concernant l'identité d'une des femmes présentes.

   Cette confusion de personnes nous est resservie en toute fin d'intrigue, dans un autre contexte. Je n'en dis pas plus, même si, dans ce cas, on voit venir la supercherie.

   Évidemment, on se demande comment une telle double ressemblance est possible. Les deux épouses sont nées la même année, le même mois. Seraient-elles des jumelles ? Concernant les époux, c'est moins précis. Le seul parent survivant, le père de l'époux n°1, affirme aux grands dieux qu'il n'a jamais eu qu'un seul fils.

   Fort heureusement, le film ne se limite pas à ce questionnement. La subtilité du jeu des acteurs nous fait comprendre que, petit à petit, quasi imperceptiblement, quelque chose semble naître, ouvrant le champ des possibles.

   Dans un premier temps, la ressemblance entre les deux hommes est utilisée pour résoudre le gros problème rencontré par l'époux n°2. De chaque côté, on se rend compte que, si la supercherie est bien préparée, (presque) personne ne remarque quand il y a substitution d'époux. Cela débouche sur une deuxième partie assez inattendue, avant que ne survienne un petit coup de théâtre, à un gros quart d'heure de la fin.

   J'ai été pris, du début à la fin. Ce sera à coup sûr un de mes films de l'année.

Rendez-vous à Tokyo

   Ce film nous conte une histoire d'amour, dans le Japon urbain du début du XXIe siècle, en sept épisodes (à l'image des sept pas de danse qu'esquisse le couple, le soir de la rencontre)... sauf que ces sept chapitres nous sont montrés dans l'ordre chronologique inverse. Chacun se déroule le même jour, le 26 juillet (à chaque fois d'une année différente, bien sûr), qui est aussi le jour de naissance du héros.

   On commence par l'année 2021, celle des Jeux Olympiques, alors que la pandémie de covid fait encore sentir ses effets. L'ancien danseur Teruo est désormais éclairagiste, dans une salle de spectacle. Il assiste à une représentation de danse, avec une nouvelle vedette féminine, qui ne le reconnaît pas. De son côté Yo est (toujours) chauffeuse de taxi, dans une compagnie assez prestigieuse. Ce soir-là, elle prend en charge un client qui lui rappelle quelque chose... Les deux anciens amoureux vont-ils se retrouver ?

   Le deuxième chapitre se déroule sans doute un an auparavant, en pleine pandémie. Teruo est contraint au télétravail, tandis que Yo a mis en place des protocoles stricts pour pouvoir continuer à exercer son métier. Financièrement, c'est un peu difficile pour elle. Elle ne semble pas penser à son ancien amour (pas plus que Teruo, d'ailleurs).

   Le troisième chapitre nous ramène un peu en arrière, à une époque où chacun tente de refaire sa vie de son côté. Yo est embarquée par des copines dans une soirée avec des mecs pas subtils, tandis que Teruo croise par hasard une ancienne élève de son école de danse, qui lui fait bien comprendre qu'elle est désormais majeure et qu'elle s'intéresse bigrement à lui...

   La quatrième séquence est celle de la rupture entre Yo et Teruo. Elle est furieuse qu'il se replie sur lui depuis sa blessure au pied, tandis que lui se désespère de ne pas être compris. On sent qu'ils pourraient se rabibocher mais, comme on  a déjà vu la suite, on comprend pourquoi cela ne va pas se faire. C'est d'ailleurs l'un des intérêts de ce film : analyser une séquence antérieure à partir de ce que l'on déjà de ce qui va suivre... et aussi, quand on a un peu de mémoire, mieux comprendre ce que l'on a vu auparavant (comme l'histoire de l'homme du parc ou le rôle de la mystérieuse borne funéraire, devant laquelle les personnages s'inclinent).

   Le cinquième chapitre montre le couple bien installé, lui danseur prometteur, elle conductrice dans une petite compagnie de taxi. Ils habitent ensemble, dans cet appartement qui sert de point de départ à chaque historiette, avec ce chat qui n'arrête pas de rajeunir et l'affiche d'un film de Jim Jarmush (dont des extraits sont visibles dans plusieurs séquences). On n'est peut-être pas très loin du mariage. On commence à évoquer la possibilité d'avoir un enfant. Quand on connaît la suite, c'est assez poignant.

   Le sixième chapitre tourne aussi autour du couple, qui ne s'est pas encore mis en ménage. Yo est jalouse, elle voit certaines apprenties danseuses tourner autour de Teruo. Celui-ci ne semble pas savoir s'il doit donner la priorité à la danse où à cette histoire d'amour qui commence à devenir sérieuse. On évoque la possibilité d'habiter ensemble.

   Le septième chapitre relate la rencontre. On l'attendait avec impatience. C'est un peu à l'image d'une histoire d'amour que l'on a vécue intensément et qui s'est achevée. On aime à en retrouver les prémices. Cela se passe un soir, à l'issue d'un spectacle à moitié réussi et d'un cocktail plus ou moins ennuyeux. Mais cela se poursuit par une discussion enjouée dans un petit bar (géré par un patron philosophe, que l'on voit dans presque chaque séquence) et quelques pas de danse dans la rue...

   Cela aurait pu s'arrêter là, le chapitre initial (qui est le dernier, dans l'ordre chronologique) laissant le champ des possibilités ouvert. Le cinéaste a peut-être voulu imposer sa conclusion (ou on lui a demandé de terminer de manière plus traditionnelle, pour ne pas trop perdre le public). En tout cas, l'histoire s'achève de manière touchante, délicate, à l'image du film.

Blue Beetle

   Je ne connaissais pas ce super-héros de comic books, mais je me suis laissé tenté par un film d'action nourri d'humour et d'effets spéciaux.

   Cependant, le début est bourré de clichés, avec une famille de Latino-américains forcément haute en couleur... et limite cassos. On y est très croyant et les dialogues alternent l'anglais, l'espagnol voire un mélange des deux (le spanglish). Ça, c'est plutôt pas mal, mais les personnages sont caractérisés à la louche. La mère est assez autoritaire et protectrice, le père malade d'avoir travaillé comme un dingue toute sa vie, la grande-mère un peu zinzin va se révéler tenace... mais le pire vient du tonton blagueur et complotiste, agaçant et ridicule... et qui va prendre de plus en plus de place dans l'intrigue. J'ai finalement préféré les jeunes : le héros, Jaime, un garçon bien élevé, un chic type et sa sœur Milagros, un peu moins "politiquement correcte". Sans surprise, le héros va s'amouracher d'une bomba latina... qui, elle-même, n'est pas insensible à son charme. De ce point de vue-là, aucune surprise n'est à attendre.

   Le meilleur vient quand le fameux scarabée (d'origine extraterrestre) se réveille et choisit son nouvel "hôte"... et quand je dis « choisit », cela signifie « pénètre »... pas par les oreilles, ni les narines, ni la bouche... eh, oui ! Blue Beetle nous présente un cas unique, où le principal personnage masculin devient un super-héros par... sodomie ! Je dois dire que j'ai été agréablement surpris par ce détail croquignolesque, même si, sur le plan de la vraisemblance, c'est nul. Après être entré dans le corps de son hôte, le scarabée remonte... le long de sa colonne vertébrale, et non du tube digestif... le tout, sans provoquer le moindre saignement (mais quelques douleurs chez ce pauvre Jaime, toutefois).

   On rigole aussi franchement quand le scarabée se déconnecte de son hôte (tout en restant présent physiquement). Celui-ci, jusqu'alors recouvert d'une carapace protectrice, se retrouve tout nu, la première fois devant les membres de sa famille, qui ironisent sur une partie de son anatomie :

- Range-moi tes noisettes ! (dixit la grand-mère)

- On dirait qu'il a cinq ans ! (la sœur, je crois)

- C'est parce qu'il a très froid ! (le papa, compatissant)

   Quelques détails scabreux supplémentaires ont été insérés dans la suite de l'histoire, comme un vaisseau péteur (redoutable) et le début d'une érection chez le jeune homme quand il flirte avec sa bomba latina. On a donc tenté de mélanger l'esprit de Spider-Man avec celui de Deadpool (ou des Gardiens de la galaxie), mais en plus sage : c'est un divertissement tout public.

   Cet aspect est accentué par l'insistance mise sur la famille et ses supposées valeurs. On s'en prend des tartines, surtout quand l'un des membres décède. On assiste à un déluge de larmes, avec ralenti et gros plans. Je ne vous parle même pas des scènes d'au-delà, kitschissimes.

   Supplice supplémentaire, il faut (surtout dans la première partie) se farcir de la musique latino de supermarché, ainsi que des reprises en espagnol de tubes anglo-saxons (dont un de Michael Jackson). Si j'ajoute que l'on voit le jeune héros déambuler en bermuda-chaussettes-claquettes, vous aurez compris que l'ambiance est des plus raffinées.

   La film a quand même pour lui des effets spéciaux très corrects et des scènes d'action plutôt bien fichues. Le problème vient du fond. Même si les lieux sont fictifs, on comprend bien que les méchants sont les capitalistes nord-américains, incarnés par une femme blanche qui semble avoir tous les défauts. (Dans le rôle, on sent que Susan Sarandon est là pour toucher de quoi maintenir un train de vie dispendieux.) Déjà, dans Black Panther 2, on s'était rendu compte qu'Hollywood misait sur l'anti-occidentalisme et le dénigrement de personnages blancs (notamment féminins) pour vendre sa soupe au plus grand nombre. Warner-DC semble avoir pris le même virage que Disney-Marvel.

Reality

   Le titre de ce film est à double sens. C'est le prénom du personnage principal (une nouvelle occasion de constater que certains parents ont le cerveau dérangé), une quête (celle des agents du FBI)... et le projet de la réalisatrice. En effet, les dialogues du long-métrage sont issus du rapport du FBI, plus précisément de l'enregistrement de l'interpellation de Reality Winner, suivie de la perquisition de son domicile et du premier interrogatoire.

   La mise en scène est un peu plus subtile que ce que laisse penser cette présentation. Elle alterne les séquences jouées (les plus nombreuses), les extraits de l'authentique enregistrement et la reconstitution de fragments du rapport écrit. S'y ajoutent quelques rapides retours en arrière (censés se passer dans la tête de l'héroïne). A signaler aussi une coquetterie visuelle (mais qui a du sens) : de petits effets spéciaux remplaçant les passages censurés du rapport, évoquant les détails les plus délicats de l'affaire. Toutefois, les spectateurs attentifs comprendront sans peine ce que l'on a voulu éviter d'ébruiter.

   Je conseille d'aller voir ce court film (1h20 environ) en en sachant le moins possible. L'un de ses attraits est de deviner ce qu'il y a dans la tête de Reality (remarquablement interprétée par Sydney Sweeney). Pour quelle raison le FBI la considère-t-il comme une personne digne d'intérêt ? Cette membre des forces armées serait-elle une suprémaciste blanche (dont le domicile compte autant d'armes que celui d'un de ses interrogateurs) ? Au contraire, aurait-elle été contaminée par l'idéologie islamiste (un Coran de luxe, abondamment annoté, ayant été trouvé à son domicile) ? Ne serait-elle pas plutôt une lanceuse d'alerte... ou alors, est-elle tout simplement un peu cinglée ?

   Le suspens dure grâce à l'ambiguïté du jeu de la comédienne, vraiment excellente (et très bien dirigée). La manière de procéder des enquêteurs ne nous aide pas non plus. Ils avancent pas à pas, précautionneusement, méticuleusement, tentant visiblement de d'abord mettre en confiance Reality, avant de dévoiler leurs cartes.

   L'histoire se divise en trois parties : d'abord l'interpellation (dans le jardin du domicile de Reality), à laquelle succèdent un long interrogatoire puis la séquence finale, en extérieur. Le dialogue du début, plein de sous-entendus, crée une ambiance étrange, accentuée par la mise en scène, qui adopte des prises de vue anguleuses. Cela culmine dans la deuxième partie, un huis-clos impressionnant, avec un petit bout de femme confronté à deux grands costauds, dans une pièce quasiment sans décor. A certains moments, on n'est pas très loin de David Lynch, je trouve.

   On finit par tout comprendre, par petites touches... même si, pour moi, la personnalité de Reality conserve une part de mystère. C'est passionnant. Un peu conceptuel certes, mais le film vaut vraiment le détour.