The Northman

   Loin, très loin, dans l'Atlantique Nord, vit un peuple farouche, habile navigateur et surtout redoutable guerrier. Un jour de 895, par une mer démontée, de frêles drakkars sont de retour au pays, chargés de butin. A la tête de ses troupes, le roi regagne sa demeure, couvert de gloire et de richesses... mais blessé. Heureusement pour lui, une blondissime épouse botoxée l'accueille avec tendresse, en compagnie du jeune héritier du trône, Amleth.

   La joie des retrouvailles se ternit rapidement, car la perfidie rôde. Le roi sent ses jours comptés, même s'il ne soupçonne pas la traîtrise dont il va être la victime. Il a juste le temps d'initier son fils à ses devoirs de guerrier, à coups de rots et de pets.

   Hélas, hélas, trois fois hélas ! Le jeune Amleth ne peut empêcher l'inévitable. Il parvient toutefois à s'échapper. La force qu'il déploie dans le maniement des avirons aurait pu lui ouvrir la voie des Jeux Olympiques... si ceux-ci avaient été organisés à l'époque. Il doit se contenter de devenir un soudard, une brute épaisse pratiquant le pillage et le meurtre, laissant le viol à ses compagnons d'armes. Entre deux crimes de guerre, il a des visions étranges. Un jour, il sent qu'est venu le temps de se venger.

   Ni une ni deux, voici l'invincible combattant se faisant passer pour un esclave et profitant d'un convoi commercial pour regagner son île. Là-bas, personne ne le reconnaît... et il va de surprise en surprise. Dans son malheur, il a du bol : il croise une jeune et jolie sorcière, qu'impressionne son grand glaive bien dur. Du coup Amleth, devenu Bjornulf, se demande s'il doit écouter sa tête ou sa bite.

   La résolution de ce terrible dilemme survient dans un gigantesque sauna naturel. Les deux principaux antagonistes, après avoir passé des heures sur le banc de muscu, vont s'y affronter à poil, sans se couper le zizi.

The Northman

   Loin, très loin, dans l'Atlantique Nord, vit un peuple farouche, habile navigateur et surtout redoutable guerrier. Un jour de 895, par une mer démontée, de frêles drakkars sont de retour au pays, chargés de butin. A la tête de ses troupes, le roi regagne sa demeure, couvert de gloire et de richesses... mais blessé. Heureusement pour lui, une blondissime épouse botoxée l'accueille avec tendresse, en compagnie du jeune héritier du trône, Amleth.

   La joie des retrouvailles se ternit rapidement, car la perfidie rôde. Le roi sent ses jours comptés, même s'il ne soupçonne pas la traîtrise dont il va être la victime. Il a juste le temps d'initier son fils à ses devoirs de guerrier, à coups de rots et de pets.

   Hélas, hélas, trois fois hélas ! Le jeune Amleth ne peut empêcher l'inévitable. Il parvient toutefois à s'échapper. La force qu'il déploie dans le maniement des avirons aurait pu lui ouvrir la voie des Jeux Olympiques... si ceux-ci avaient été organisés à l'époque. Il doit se contenter de devenir un soudard, une brute épaisse pratiquant le pillage et le meurtre, laissant le viol à ses compagnons d'armes. Entre deux crimes de guerre, il a des visions étranges. Un jour, il sent qu'est venu le temps de se venger.

   Ni une ni deux, voici l'invincible combattant se faisant passer pour un esclave et profitant d'un convoi commercial pour regagner son île. Là-bas, personne ne le reconnaît... et il va de surprise en surprise. Dans son malheur, il a du bol : il croise une jeune et jolie sorcière, qu'impressionne son grand glaive bien dur. Du coup Amleth, devenu Bjornulf, se demande s'il doit écouter sa tête ou sa bite.

   La résolution de ce terrible dilemme survient dans un gigantesque sauna naturel. Les deux principaux antagonistes, après avoir passé des heures sur le banc de muscu, vont s'y affronter à poil, sans se couper le zizi.

The Duke

   Ce duc est celui de Wellington, l'un des plus redoutables adversaires de Napoléon Bonaparte, connu notamment pour son rôle dans la bataille de Waterloo. Son portrait a été réalisé par Francisco Goya. L'objet constitue un bien patrimonial de grande importance outre-Manche, si bien qu'en 1961, les élites britanniques se sont mobilisées pour empêcher son départ aux États-Unis. Cependant, quelques semaines plus tard, le tableau fut volé à la National Gallery.

   C'est à ce moment-là qu'entre en jeu un drôle de lascar, Kempton Bunton, un chauffeur de bus retraité, progressiste et gouailleur, qui a repris du service dans une compagnie de taxi pour arrondir ses fins de mois, son épouse Dorothy continuant, malgré son âge avancé, à faire la bonniche dans une famille bourgeoise.

   Ces personnages sont incarnés par deux acteurs formidables, Jim Broadbent et Helen Mirren. Le premier, habitué des seconds rôles, est sans doute moins connu du public français. On a toutefois pu le voir dans Cloud Atlas, la saga Harry Potter et plus récemment dans Paddington 1 et 2. La seconde confirme qu'elle peut décidément tout jouer, de la reine d'Angleterre (dans The Queen) à la femme de ménage, en passant par la mère d'un truand dans Hobbes & Shaw.

   Ce vieux couple a l'air bancal, de prime abord : il y a beaucoup de mensonges et de non-dits entre eux. Mais c'est aussi une histoire d'amour qui dure, depuis des décennies. Entre eux, les répliques fusent. Ils m'ont faire rire... et ils m'ont touché, à travers la douleur qu'ils éprouvent en repensant au décès de leur fille.

   Bien que désespéré au fond, Kempton essaie de prendre la vie du bon côté et de faire bouger les choses. Au début de l'histoire, on le voit lancer une croisade contre le paiement de la redevance par les retraités et les vétérans de l'armée. Il va jusqu'à rendre son poste de télévision inapte à recevoir la BBC pour justifier son refus de payer la taxe ! C'est vraiment savoureux.

   Le procès est aussi l'occasion d'assister à quelques moments de bravoure. Les dialogues (à savourer de préférence en V.O. sous-titrée) sont vraiment bien écrits ... et servis par des comédiens hors pair. Je ne dirai pas comment tout cela se termine. Sachez toutefois que le film a pris quelques libertés avec l'histoire réelle qui l'a inspiré.

   P.S.

   A la fin, nous avons droit à un clin d’œil cinéphilique, puisque, moins d'un an après avoir été volé, le tableau est apparu dans un célèbre film de fiction... que les héros sont allés voir au cinéma !

The Duke

   Ce duc est celui de Wellington, l'un des plus redoutables adversaires de Napoléon Bonaparte, connu notamment pour son rôle dans la bataille de Waterloo. Son portrait a été réalisé par Francisco Goya. L'objet constitue un bien patrimonial de grande importance outre-Manche, si bien qu'en 1961, les élites britanniques se sont mobilisées pour empêcher son départ aux États-Unis. Cependant, quelques semaines plus tard, le tableau fut volé à la National Gallery.

   C'est à ce moment-là qu'entre en jeu un drôle de lascar, Kempton Bunton, un chauffeur de bus retraité, progressiste et gouailleur, qui a repris du service dans une compagnie de taxi pour arrondir ses fins de mois, son épouse Dorothy continuant, malgré son âge avancé, à faire la bonniche dans une famille bourgeoise.

   Ces personnages sont incarnés par deux acteurs formidables, Jim Broadbent et Helen Mirren. Le premier, habitué des seconds rôles, est sans doute moins connu du public français. On a toutefois pu le voir dans Cloud Atlas, la saga Harry Potter et plus récemment dans Paddington 1 et 2. La seconde confirme qu'elle peut décidément tout jouer, de la reine d'Angleterre (dans The Queen) à la femme de ménage, en passant par la mère d'un truand dans Hobbes & Shaw.

   Ce vieux couple a l'air bancal, de prime abord : il y a beaucoup de mensonges et de non-dits entre eux. Mais c'est aussi une histoire d'amour qui dure, depuis des décennies. Entre eux, les répliques fusent. Ils m'ont faire rire... et ils m'ont touché, à travers la douleur qu'ils éprouvent en repensant au décès de leur fille.

   Bien que désespéré au fond, Kempton essaie de prendre la vie du bon côté et de faire bouger les choses. Au début de l'histoire, on le voit lancer une croisade contre le paiement de la redevance par les retraités et les vétérans de l'armée. Il va jusqu'à rendre son poste de télévision inapte à recevoir la BBC pour justifier son refus de payer la taxe ! C'est vraiment savoureux.

   Le procès est aussi l'occasion d'assister à quelques moments de bravoure. Les dialogues (à savourer de préférence en V.O. sous-titrée) sont vraiment bien écrits ... et servis par des comédiens hors pair. Je ne dirai pas comment tout cela se termine. Sachez toutefois que le film a pris quelques libertés avec l'histoire réelle qui l'a inspiré.

   P.S.

   A la fin, nous avons droit à un clin d’œil cinéphilique, puisque, moins d'un an après avoir été volé, le tableau est apparu dans un célèbre film de fiction... que les héros sont allés voir au cinéma !

Doctor Strange in the multiverse of madness

   Il a fallu attendre plus de cinq ans après la sortie du premier Doctor Strange pour voir débouler la suite dans les salles obscures. Aux manettes se trouve désormais Sam Raimi, qui a jadis réalisé ce que j'estime être les meilleures adaptations cinématographiques de Spider-Man (avec Tobey Maguire)... dont le dernier volet des aventures (coïncidence ?...) fait lui aussi intervenir le "multivers".

   C'est (avec l'inventivité graphique des décorateurs et des spécialistes des effets spéciaux) l'un des atouts de ce long-métrage, qui met le héros en contact avec d'autres versions de lui-même. (Conclusion : notre univers a la chance de posséder le "meilleur" Doctor Strange... cool, non ?)

   J'ai eu un peu peur au début : on découvre notre Stephen avec la coupe de cheveux d'un hipster en train de faire de la gymnastique devant un fond vert, en compagnie d'une adolescente dont on sent qu'elle va nous lui casser les pieds pendant deux bonnes heures. Tous deux sont opposés à un méchant très très méchant.

   ... mais ce n'est pas le principal antagoniste qu'il va leur falloir vaincre. Plus forte que la créature démoniaque est... une sorcière, dont les pouvoirs, déjà bien grands, sont démultipliés par l'usage d'un grimoire maléfique... Faut pas faire chier la dame ! Dans le rôle, Elizabeth Olsen a la chance d'incarner deux versions très différentes d'elle-même. L'actrice s'en sort bien, même si la séquence de la "maman grizzli" (quand la sorcière a pris possession du corps d'une mère de famille en apparence inoffensive) frôle le ridicule.

   La première baston (avec la grosse bébête monoculaire) est la plus réussie. Les autres scènes m'ont semblé répétitives, un peu stéréotypées. Et puis ce personnage prêt à foutre en l'air des centaines d'univers parallèles pour avoir le plaisir de vivre avec les enfants qu'elle n'a pas pu avoir dans notre monde.... comment dire... c'est quand même très limite au niveau du scénario... et je ne parlerai pas de l'intervention d'un groupe d'Illuminati... un des plus mauvais moments du film.

   En revanche, les effets spéciaux sont bluffants. J'ai vu cela dans la plus grande salle du cinéma ruthénois et, franchement, ça dépote. J'ai particulièrement aimé la scène qui montre deux personnages traverser plusieurs univers parallèles, ainsi que la bagarre (musicale...) entre deux versions de Strange. Sur le plan visuel, certains plans déjantés rappellent des scènes d'Inception. Vers la fin, une dernière bonne surprise nous est proposée avec la résurrection d'une version de Strange (grâce à un dreamwalking, un état second permettant de prendre possession d'un corps à distance). Sam Raimi s'est rappelé qu'il avait commencé sa carrière en réalisant des films de zombies (Evil Dead) !

   Comme vous pouvez le constater, il y a à boire et à manger. Notons que les producteurs semblent vouloir profiter des longs-métrages sortis en salle pour "booster" les séries-maison, comme WandaVision et Loki, auxquelles certains événements font allusion. On sent aussi, de manière appuyée, la volonté de Disney de se plier aux règles du "politiquement correct". Désormais, les films de super-héros sont peuplés de "minorités visibles" et de femmes d'action (ce dont je ne me plains pas)... mais c'est à se demander si le mâle blanc hétérosexuel n'est pas en voie de disparition outre-Atlantique !

Doctor Strange in the multiverse of madness

   Il a fallu attendre plus de cinq ans après la sortie du premier Doctor Strange pour voir débouler la suite dans les salles obscures. Aux manettes se trouve désormais Sam Raimi, qui a jadis réalisé ce que j'estime être les meilleures adaptations cinématographiques de Spider-Man (avec Tobey Maguire)... dont le dernier volet des aventures (coïncidence ?...) fait lui aussi intervenir le "multivers".

   C'est (avec l'inventivité graphique des décorateurs et des spécialistes des effets spéciaux) l'un des atouts de ce long-métrage, qui met le héros en contact avec d'autres versions de lui-même. (Conclusion : notre univers a la chance de posséder le "meilleur" Doctor Strange... cool, non ?)

   J'ai eu un peu peur au début : on découvre notre Stephen avec la coupe de cheveux d'un hipster en train de faire de la gymnastique devant un fond vert, en compagnie d'une adolescente dont on sent qu'elle va nous lui casser les pieds pendant deux bonnes heures. Tous deux sont opposés à un méchant très très méchant.

   ... mais ce n'est pas le principal antagoniste qu'il va leur falloir vaincre. Plus forte que la créature démoniaque est... une sorcière, dont les pouvoirs, déjà bien grands, sont démultipliés par l'usage d'un grimoire maléfique... Faut pas faire chier la dame ! Dans le rôle, Elizabeth Olsen a la chance d'incarner deux versions très différentes d'elle-même. L'actrice s'en sort bien, même si la séquence de la "maman grizzli" (quand la sorcière a pris possession du corps d'une mère de famille en apparence inoffensive) frôle le ridicule.

   La première baston (avec la grosse bébête monoculaire) est la plus réussie. Les autres scènes m'ont semblé répétitives, un peu stéréotypées. Et puis ce personnage prêt à foutre en l'air des centaines d'univers parallèles pour avoir le plaisir de vivre avec les enfants qu'elle n'a pas pu avoir dans notre monde.... comment dire... c'est quand même très limite au niveau du scénario... et je ne parlerai pas de l'intervention d'un groupe d'Illuminati... un des plus mauvais moments du film.

   En revanche, les effets spéciaux sont bluffants. J'ai vu cela dans la plus grande salle du cinéma ruthénois et, franchement, ça dépote. J'ai particulièrement aimé la scène qui montre deux personnages traverser plusieurs univers parallèles, ainsi que la bagarre (musicale...) entre deux versions de Strange. Sur le plan visuel, certains plans déjantés rappellent des scènes d'Inception. Vers la fin, une dernière bonne surprise nous est proposée avec la résurrection d'une version de Strange (grâce à un dreamwalking, un état second permettant de prendre possession d'un corps à distance). Sam Raimi s'est rappelé qu'il avait commencé sa carrière en réalisant des films de zombies (Evil Dead) !

   Comme vous pouvez le constater, il y a à boire et à manger. Notons que les producteurs semblent vouloir profiter des longs-métrages sortis en salle pour "booster" les séries-maison, comme WandaVision et Loki, auxquelles certains événements font allusion. On sent aussi, de manière appuyée, la volonté de Disney de se plier aux règles du "politiquement correct". Désormais, les films de super-héros sont peuplés de "minorités visibles" et de femmes d'action (ce dont je ne me plains pas)... mais c'est à se demander si le mâle blanc hétérosexuel n'est pas en voie de disparition outre-Atlantique !

L'Affaire Collini

   Cette fiction à caractère documentaire est adaptée d'un roman de Ferdinand von Schirach (que je n'ai pas lu). Tout commence (croit-on) en 2001, à Berlin, où un industriel allemand renommé, Hans Meyer, est assassiné dans un hôtel par un inconnu.

   L'opinion est choquée. Beaucoup de questions se posent quant à cet assassinat (dont on ne voit l'exact déroulement qu'à la fin, pour des raisons que je laisse à chacun le loisir de découvrir). On finit par apprendre que le meurtrier est un Italien vivant en Allemagne. Qu'est-ce qui a motivé son geste ? La Mafia est-elle impliquée ?

   L'avocat commis d'office de Fabrizio Collini se pose les mêmes questions. Son client, mutique, ne veut rien dire. Pour Caspar Leinen (issu d'un couple mixte germano-turc), l'affaire comporte un gros enjeu : c'est la première fois que ce jeune avocat va plaider aux Assises. De surcroît, il est confronté à un conflit de loyauté. En raison d'une erreur d'identification de la victime, il n'a pas compris dès le départ qu'il devait défendre l'assassin d'un homme qu'il connait, un homme auquel il doit beaucoup... et dont il a fréquenté la petite-fille.

   Cerise sur le gâteau : au tribunal, Caspar va affronter le redoutable avocat de la partie civile, Richard Mattinger, juriste réputé, qui fut son prof de fac (en droit pénal) et, à vrai dire, sans doute son mentor.

   Petit à petit, le mystère s'éclaircit concernant les motivations de Collini. Son avocat se fait enquêteur, s'appuyant sur une petite équipe hétéroclite : un autre jeune avocat, une employée de pizzeria... et son propre père, libraire, qu'il n'avait pas revu depuis des années. Cette affaire est l'occasion pour Caspar de faire le point sur sa vie privée... et de faire des choix décisifs.

   On suit le déroulement de la procédure pas à pas. Le film, pas très brillant sur le plan de la mise en scène, détaille le fonctionnement de la procédure criminelle. L'action culmine dans le procès, entrecoupé de pauses. On sent l'influence des films américains, même si, ici, la sobriété l'emporte sur le brio.

   A l'arrière-plan se trouve la Seconde Guerre mondiale, plus précisément les années 1943-1945. Les Alliés anglo-franco-américains progressent dans la péninsule italienne, où ils ont débarqué à l'été 1943. Dans le même temps, Mussolini a été renversé par le roi et une partie des élites locales. Libéré sur ordre d'Hitler, il n'est plus à la tête que d'un État fantoche, la République de Salo. Désormais, la partie nord de l'Italie est occupée par les troupes allemandes, auxquelles s'opposent des résistants italiens, notamment communistes.

   Le film alterne trois trames temporelles : celle de la fin de la Seconde Guerre mondiale, celle de la jeunesse de Caspar (dans les années1980-1990) et celle de l'année 2001. J'ai bien aimé l'effet de miroir entre certaines scènes se déroulant à deux époques différentes. C'est pertinent et techniquement bien fichu.

   Plusieurs événements semblent avoir inspiré l'intrigue. Le public français cultivé pensera au massacre des Fosses ardéatines, mais, hélas, d'autres tueries se sont déroulées à la même époque, comme celle de Cibeno. Je pense aussi que les auteurs avaient en tête l'action du "boucher de Gênes".

   Même si les scènes se déroulant dans les années 1940 sont parfois un peu trop appuyées, elles ont le mérite de rappeler des événements importants. Elles évoquent aussi la complexité de la situation de l'époque, avec notamment le rôle de l'interprète italien. Les acteurs de la partie contemporaine (2001) sont remarquables.

   Sur le plan historique, le film s'appuie aussi sur un aspect méconnu (que j'ignorais), un texte de loi dont la révélation du contenu joue un rôle décisif dans le procès.

   Quelques années après Le Labyrinthe du silence et Fritz Bauer, un héros allemand, le cinéma d'outre-Rhin prouve de nouveau qu'il est capable de regarder avec intelligence et honnêteté le passé trouble de son pays.

L'Affaire Collini

   Cette fiction à caractère documentaire est adaptée d'un roman de Ferdinand von Schirach (que je n'ai pas lu). Tout commence (croit-on) en 2001, à Berlin, où un industriel allemand renommé, Hans Meyer, est assassiné dans un hôtel par un inconnu.

   L'opinion est choquée. Beaucoup de questions se posent quant à cet assassinat (dont on ne voit l'exact déroulement qu'à la fin, pour des raisons que je laisse à chacun le loisir de découvrir). On finit par apprendre que le meurtrier est un Italien vivant en Allemagne. Qu'est-ce qui a motivé son geste ? La Mafia est-elle impliquée ?

   L'avocat commis d'office de Fabrizio Collini se pose les mêmes questions. Son client, mutique, ne veut rien dire. Pour Caspar Leinen (issu d'un couple mixte germano-turc), l'affaire comporte un gros enjeu : c'est la première fois que ce jeune avocat va plaider aux Assises. De surcroît, il est confronté à un conflit de loyauté. En raison d'une erreur d'identification de la victime, il n'a pas compris dès le départ qu'il devait défendre l'assassin d'un homme qu'il connait, un homme auquel il doit beaucoup... et dont il a fréquenté la petite-fille.

   Cerise sur le gâteau : au tribunal, Caspar va affronter le redoutable avocat de la partie civile, Richard Mattinger, juriste réputé, qui fut son prof de fac (en droit pénal) et, à vrai dire, sans doute son mentor.

   Petit à petit, le mystère s'éclaircit concernant les motivations de Collini. Son avocat se fait enquêteur, s'appuyant sur une petite équipe hétéroclite : un autre jeune avocat, une employée de pizzeria... et son propre père, libraire, qu'il n'avait pas revu depuis des années. Cette affaire est l'occasion pour Caspar de faire le point sur sa vie privée... et de faire des choix décisifs.

   On suit le déroulement de la procédure pas à pas. Le film, pas très brillant sur le plan de la mise en scène, détaille le fonctionnement de la procédure criminelle. L'action culmine dans le procès, entrecoupé de pauses. On sent l'influence des films américains, même si, ici, la sobriété l'emporte sur le brio.

   A l'arrière-plan se trouve la Seconde Guerre mondiale, plus précisément les années 1943-1945. Les Alliés anglo-franco-américains progressent dans la péninsule italienne, où ils ont débarqué à l'été 1943. Dans le même temps, Mussolini a été renversé par le roi et une partie des élites locales. Libéré sur ordre d'Hitler, il n'est plus à la tête que d'un État fantoche, la République de Salo. Désormais, la partie nord de l'Italie est occupée par les troupes allemandes, auxquelles s'opposent des résistants italiens, notamment communistes.

   Le film alterne trois trames temporelles : celle de la fin de la Seconde Guerre mondiale, celle de la jeunesse de Caspar (dans les années1980-1990) et celle de l'année 2001. J'ai bien aimé l'effet de miroir entre certaines scènes se déroulant à deux époques différentes. C'est pertinent et techniquement bien fichu.

   Plusieurs événements semblent avoir inspiré l'intrigue. Le public français cultivé pensera au massacre des Fosses ardéatines, mais, hélas, d'autres tueries se sont déroulées à la même époque, comme celle de Cibeno. Je pense aussi que les auteurs avaient en tête l'action du "boucher de Gênes".

   Même si les scènes se déroulant dans les années 1940 sont parfois un peu trop appuyées, elles ont le mérite de rappeler des événements importants. Elles évoquent aussi la complexité de la situation de l'époque, avec notamment le rôle de l'interprète italien. Les acteurs de la partie contemporaine (2001) sont remarquables.

   Sur le plan historique, le film s'appuie aussi sur un aspect méconnu (que j'ignorais), un texte de loi dont la révélation du contenu joue un rôle décisif dans le procès.

   Quelques années après Le Labyrinthe du silence et Fritz Bauer, un héros allemand, le cinéma d'outre-Rhin prouve de nouveau qu'il est capable de regarder avec intelligence et honnêteté le passé trouble de son pays.

Downton Abbey II

   Je crois n'avoir jamais regardé un seul épisode de la série en entier... et je n'ai pas souvenir d'avoir vu le premier film. (Je ne l'ai pas chroniqué, mais il n'est pas impossible que je l'aie vu. En tout cas, je n'en ai gardé aucun souvenir.) Même si l'on ne connaît pas la série, se plonger dans ce long-métrage a comme un goût de déjà-vu pour les cinéphiles. On pense aux films de James Ivory (Retour à Howards End, Les Vestiges du jour), aux aventures d'Hercule Poirot (incarné par David Suchet) ou encore à Gosford Park (coécrit par Julian Fellowes... créateur de la série Dowton Abbey).

   J'ai saisi l'occasion d'une séance en version originale sous-titrée. J'avais envie de me "rincer les oreilles" avec de l'anglais classique. Cela m'a aussi permis de remarquer que l'on parle une autre langue dans ce film : le français. En effet, l'intrigue a pour cadre deux propriétés : le château anglais où résident les Crowley et une résidence en France, sur la Riviera (comme disent les Britanniques), du côté de Nice.

   Tout tourne autour de la matriarche, la comtesse de Grantham, interprétée avec gourmandise par Maggie Smith (une formidable actrice, vue il y a quelques années dans The Lady in the van). On apprend qu'elle vient d'hériter d'une demeure dans le Sud de la France, demeure qu'elle souhaite donner à l'une de ses arrière-petites-filles. Les raisons pour lesquelles un marquis français (dont elle affirme se souvenir à peine) a préféré léguer cette résidence à une aristocrate britannique plutôt qu'à sa propre famille sont mystérieuses. C'est l'un des secrets que l'intrigue va révéler.

   A l'invitation du fils du marquis (dont la mère est jouée par Nathalie Baye), une partie de la petite troupe de Downton Abbey se lance dans un périple français (notamment en train bleu) pour se rendre dans ladite demeure. Quelques domestiques les accompagnent, le plus gros restant dans le château anglais, où s'installe une équipe de tournage américaine, qui va quelque peu perturber le fonctionnement de l'antique demeure.

   L'un des atouts du film (et de la série, je suppose) est la richesse des personnages, aussi bien membres de la famille que de la domesticité. Cela laisse la place à de multiples intrigues secondaires, servies par une brochette d'acteurs et d'actrices de qualité.

   Il serait trop long de relever ici le nom de toutes celles et ceux qui m'ont marqué. Je distingue toutefois Michelle Dockery, qui incarne Mary Talbot, petite-fille de la matriarche, veuve puis remariée à un aventurier qui la délaisse. Elle personnifie le charme, la délicatesse mais aussi la fermeté, quand il le faut. Je trouve que la comédienne a une classe folle !

   Du côté des domestiques, c'est Sophie McShera qui sort du lot. Elle interprète Daisy Parker, une cuisinière que la venue de l'équipe de tournage met dans tous ses états... surtout qu'elle va devoir s'occuper de la vedette féminine de la troupe.

    J'ai lu ici et là qu'il ne se passerait pas grand chose durant les deux heures que dure le film. Quelle erreur d'appréciation ! Certes, il ne faut pas s'attendre à des rebondissements extraordinaires, ni à des cascades explosives. Mais, dans les relations entre personnages, beaucoup de choses évoluent. Je pense que certains spectateurs ont été perturbés par le style de nos amis britanniques. On dit beaucoup de chose par sous-entendu, euphémisme, voire litote. C'est l'art de l'understatement, à savourer de préférence en version originale.

   Mine de rien, cette tranche de vie, située à la fin des années 1920, en dit long sur la vie, l'amour, l'amitié, la fidélité, les espoirs et les craintes des uns et des autres. Du côté des aristocrates, on comprend que la réputation joue au moins autant que la fortune. Contre une vie confortable, les femmes ont échangé leur liberté, même si les choses commencent à changer durant l'Entre-deux-guerres. Du côté des domestiques, on dépend terriblement du bon vouloir des employeurs, quand bien même ceux-ci seraient relativement éclairés.

   J'ai aussi apprécié le choc des cultures avec l'équipe de cinéma. Certains de ses membres sont chargés de personnifier une sorte d'exubérance décontractée, qui doit d'adapter aux us et coutumes du manoir... dont les occupants sont divisés quant à l'attitude à adopter vis-à-vis de ces intrus. Les spectateurs apprécieront aussi la mise en scène des questionnements concernant le passage du muet au parlant (déjà vu dans The Artist, ceci dit). Bien entendu, cette équipe de cinéma faisant elle-même partie d'une fiction, le scénario joue de la mise en abyme pour faire passer quelques messages à la profession...

   Notons que le scénario prend soin de faire évoluer les personnages, du majordome à l'actrice vedette, en passant par la (encore jeune) lady ou l'enseignant désargenté.

   J'ai passé un très bon moment, savourant à intervalle régulier les répliques bien senties. J'ai aussi été ému, dans la dernière partie, à l'occasion d'une scène, autour d'un lit. Même si la toute fin est trop sentencieuse à mon goût, je recommande vivement ce film.

Downton Abbey II

   Je crois n'avoir jamais regardé un seul épisode de la série en entier... et je n'ai pas souvenir d'avoir vu le premier film. (Je ne l'ai pas chroniqué, mais il n'est pas impossible que je l'aie vu. En tout cas, je n'en ai gardé aucun souvenir.) Même si l'on ne connaît pas la série, se plonger dans ce long-métrage a comme un goût de déjà-vu pour les cinéphiles. On pense aux films de James Ivory (Retour à Howards End, Les Vestiges du jour), aux aventures d'Hercule Poirot (incarné par David Suchet) ou encore à Gosford Park (coécrit par Julian Fellowes... créateur de la série Dowton Abbey).

   J'ai saisi l'occasion d'une séance en version originale sous-titrée. J'avais envie de me "rincer les oreilles" avec de l'anglais classique. Cela m'a aussi permis de remarquer que l'on parle une autre langue dans ce film : le français. En effet, l'intrigue a pour cadre deux propriétés : le château anglais où résident les Crowley et une résidence en France, sur la Riviera (comme disent les Britanniques), du côté de Nice.

   Tout tourne autour de la matriarche, la comtesse de Grantham, interprétée avec gourmandise par Maggie Smith (une formidable actrice, vue il y a quelques années dans The Lady in the van). On apprend qu'elle vient d'hériter d'une demeure dans le Sud de la France, demeure qu'elle souhaite donner à l'une de ses arrière-petites-filles. Les raisons pour lesquelles un marquis français (dont elle affirme se souvenir à peine) a préféré léguer cette résidence à une aristocrate britannique plutôt qu'à sa propre famille sont mystérieuses. C'est l'un des secrets que l'intrigue va révéler.

   A l'invitation du fils du marquis (dont la mère est jouée par Nathalie Baye), une partie de la petite troupe de Downton Abbey se lance dans un périple français (notamment en train bleu) pour se rendre dans ladite demeure. Quelques domestiques les accompagnent, le plus gros restant dans le château anglais, où s'installe une équipe de tournage américaine, qui va quelque peu perturber le fonctionnement de l'antique demeure.

   L'un des atouts du film (et de la série, je suppose) est la richesse des personnages, aussi bien membres de la famille que de la domesticité. Cela laisse la place à de multiples intrigues secondaires, servies par une brochette d'acteurs et d'actrices de qualité.

   Il serait trop long de relever ici le nom de toutes celles et ceux qui m'ont marqué. Je distingue toutefois Michelle Dockery, qui incarne Mary Talbot, petite-fille de la matriarche, veuve puis remariée à un aventurier qui la délaisse. Elle personnifie le charme, la délicatesse mais aussi la fermeté, quand il le faut. Je trouve que la comédienne a une classe folle !

   Du côté des domestiques, c'est Sophie McShera qui sort du lot. Elle interprète Daisy Parker, une cuisinière que la venue de l'équipe de tournage met dans tous ses états... surtout qu'elle va devoir s'occuper de la vedette féminine de la troupe.

    J'ai lu ici et là qu'il ne se passerait pas grand chose durant les deux heures que dure le film. Quelle erreur d'appréciation ! Certes, il ne faut pas s'attendre à des rebondissements extraordinaires, ni à des cascades explosives. Mais, dans les relations entre personnages, beaucoup de choses évoluent. Je pense que certains spectateurs ont été perturbés par le style de nos amis britanniques. On dit beaucoup de chose par sous-entendu, euphémisme, voire litote. C'est l'art de l'understatement, à savourer de préférence en version originale.

   Mine de rien, cette tranche de vie, située à la fin des années 1920, en dit long sur la vie, l'amour, l'amitié, la fidélité, les espoirs et les craintes des uns et des autres. Du côté des aristocrates, on comprend que la réputation joue au moins autant que la fortune. Contre une vie confortable, les femmes ont échangé leur liberté, même si les choses commencent à changer durant l'Entre-deux-guerres. Du côté des domestiques, on dépend terriblement du bon vouloir des employeurs, quand bien même ceux-ci seraient relativement éclairés.

   J'ai aussi apprécié le choc des cultures avec l'équipe de cinéma. Certains de ses membres sont chargés de personnifier une sorte d'exubérance décontractée, qui doit d'adapter aux us et coutumes du manoir... dont les occupants sont divisés quant à l'attitude à adopter vis-à-vis de ces intrus. Les spectateurs apprécieront aussi la mise en scène des questionnements concernant le passage du muet au parlant (déjà vu dans The Artist, ceci dit). Bien entendu, cette équipe de cinéma faisant elle-même partie d'une fiction, le scénario joue de la mise en abyme pour faire passer quelques messages à la profession...

   Notons que le scénario prend soin de faire évoluer les personnages, du majordome à l'actrice vedette, en passant par la (encore jeune) lady ou l'enseignant désargenté.

   J'ai passé un très bon moment, savourant à intervalle régulier les répliques bien senties. J'ai aussi été ému, dans la dernière partie, à l'occasion d'une scène, autour d'un lit. Même si la toute fin est trop sentencieuse à mon goût, je recommande vivement ce film.

Le Stade

   Ce documentaire en noir et blanc... et rouge (pour les incrustations) nous raconte la deuxième partie de la saison 2020-2021 de ce club de rugby "mythique", de mars à juin 2021. Je pense rien dévoiler aucun secret en rappelant que ce fut une saison exceptionnelle, conclue par un titre européen et le titre national, remportés tous deux contre la même équipe en finale (La Rochelle).

   A l'arrière-plan se trouve la pandémie de covid-19 : on voit des personnes porter (plus ou moins rigoureusement) un masque, des stades vides de public, un effectif rarement au complet, que ce soit pour cause de maladie ou de blessure.

   C'est l'un des mérites de ce film que de ne pas cacher la brutalité de ce sport, certes davantage réglementé qu'autrefois, mais désormais pratiqué par des immeubles ambulants, des boules de muscles dont il vaut mieux ne pas croiser le chemin. Certains regretteront le temps où un "quinziste" musclé sec pouvait faire office de demi ou d'ailier. Au très haut niveau, aujourd'hui, cela ne semble plus possible. Quelques scènes nous font entrapercevoir la quantité d'efforts à fournir par les athlètes pour acquérir la masse musculaire requise. On ne nous dit cependant rien de leur régime alimentaire.

   La première partie relate principalement le début de la phase finale du championnat de France. La seconde est concentrée sur la Coupe d'Europe, notamment l'exploit réalisé en huitième de finale : la victoire en Irlande, face au Munster, jamais obtenue auparavant. A côté de certains moments épiques (très bien filmés, même si je regrette le faible nombre de vues du dessus), la finale (contre La Rochelle) laisse un goût d'inachevé, sur le terrain comme à l'écran. Mais, dans ce match, l'essentiel était de gagner.

   La fin du documentaire souligne les difficultés à terminer la saison... mais, comme tous les bons clubs français sont allés très loin dans les coupes européennes, en juin, tout le monde est fatigué et les effectifs sont rarement au complet.

   A l'issue de cette plongée dans la vie du club, on comprend qu'outre les efforts physiques, la répétition des schémas tactiques, l'habileté d'une équipe d'entraîneurs (autour du charismatique Ugo Mola) et le travail sur le mental, il a fallu... de l'argent. Ces dernières années, le premier budget (annuel) du Top 14 oscille entre trente et cinquante millions d'euros (39 millions pour la saison 2021-2022). Voilà une information qui fera sourire les spécialistes de football : le PSG qatari s'appuie sur un apport annuel de 620 millions d'euros, le budget du Stade toulousain correspondant à celui d'Angers ou de Brest, l'un des quatre derniers...

   On peut faire le même type de remarque à propos des salaires des joueurs (hors contrats publicitaires personnels). Dans le Top 14, c'est le Sud-Africain Handré Pollard (qui a sans doute de lointaines origines françaises) qui est le mieux payé (1,19 million par an), le Français touchant le plus étant Antoine Dupont (du Stade toulousain), avec 600 000 euros. C'est à comparer à ce que gagnent les footeux (les trente mieux payés), de 300 000 à 3 millions d'euros ... par mois (3,246 millions pour Lionel Messi cette saison).

   Pour apprécier pleinement ce documentaire, je pense qu'il faut quand même s'intéresser un peu au rugby... ou au physique des joueurs !

Le Stade

   Ce documentaire en noir et blanc... et rouge (pour les incrustations) nous raconte la deuxième partie de la saison 2020-2021 de ce club de rugby "mythique", de mars à juin 2021. Je pense rien dévoiler aucun secret en rappelant que ce fut une saison exceptionnelle, conclue par un titre européen et le titre national, remportés tous deux contre la même équipe en finale (La Rochelle).

   A l'arrière-plan se trouve la pandémie de covid-19 : on voit des personnes porter (plus ou moins rigoureusement) un masque, des stades vides de public, un effectif rarement au complet, que ce soit pour cause de maladie ou de blessure.

   C'est l'un des mérites de ce film que de ne pas cacher la brutalité de ce sport, certes davantage réglementé qu'autrefois, mais désormais pratiqué par des immeubles ambulants, des boules de muscles dont il vaut mieux ne pas croiser le chemin. Certains regretteront le temps où un "quinziste" musclé sec pouvait faire office de demi ou d'ailier. Au très haut niveau, aujourd'hui, cela ne semble plus possible. Quelques scènes nous font entrapercevoir la quantité d'efforts à fournir par les athlètes pour acquérir la masse musculaire requise. On ne nous dit cependant rien de leur régime alimentaire.

   La première partie relate principalement le début de la phase finale du championnat de France. La seconde est concentrée sur la Coupe d'Europe, notamment l'exploit réalisé en huitième de finale : la victoire en Irlande, face au Munster, jamais obtenue auparavant. A côté de certains moments épiques (très bien filmés, même si je regrette le faible nombre de vues du dessus), la finale (contre La Rochelle) laisse un goût d'inachevé, sur le terrain comme à l'écran. Mais, dans ce match, l'essentiel était de gagner.

   La fin du documentaire souligne les difficultés à terminer la saison... mais, comme tous les bons clubs français sont allés très loin dans les coupes européennes, en juin, tout le monde est fatigué et les effectifs sont rarement au complet.

   A l'issue de cette plongée dans la vie du club, on comprend qu'outre les efforts physiques, la répétition des schémas tactiques, l'habileté d'une équipe d'entraîneurs (autour du charismatique Ugo Mola) et le travail sur le mental, il a fallu... de l'argent. Ces dernières années, le premier budget (annuel) du Top 14 oscille entre trente et cinquante millions d'euros (39 millions pour la saison 2021-2022). Voilà une information qui fera sourire les spécialistes de football : le PSG qatari s'appuie sur un apport annuel de 620 millions d'euros, le budget du Stade toulousain correspondant à celui d'Angers ou de Brest, l'un des quatre derniers...

   On peut faire le même type de remarque à propos des salaires des joueurs (hors contrats publicitaires personnels). Dans le Top 14, c'est le Sud-Africain Handré Pollard (qui a sans doute de lointaines origines françaises) qui est le mieux payé (1,19 million par an), le Français touchant le plus étant Antoine Dupont (du Stade toulousain), avec 600 000 euros. C'est à comparer à ce que gagnent les footeux (les trente mieux payés), de 300 000 à 3 millions d'euros ... par mois (3,246 millions pour Lionel Messi cette saison).

   Pour apprécier pleinement ce documentaire, je pense qu'il faut quand même s'intéresser un peu au rugby... ou au physique des joueurs !

Un Talent en or massif

   Nicolas Cage coproduit ce film autoparodique, consacré à un acteur encore célèbre, qui connut naguère son heure de gloire, mais se contente désormais d'aligner les productions plutôt bas-de-gamme, qui ne lui assurent plus le même train de vie qu'auparavant. Du coup, le gars, que son épouse vient de quitter, se sent vieillir, à cours de moyen... sous le regard de sa fille adorée qui semble le trouver de plus en plus ringard. (La séquence liée à l'anniversaire est particulièrement pathétique.)

   Le début est vraiment savoureux. Cage (dont je me suis toujours demandé s'il aurait eu la même carrière s'il n'avait pas été un Coppola) est très bon en has been, qui enchaîne les déconvenues. Notons toutefois qu'à intervalle régulier, il se ménage quelques scènes qui témoignent de son talent. Le meilleur intervient quand il dialogue avec la version jeune de lui-même, incontestablement plus fringante.

   Pour échapper à la lose, Cage (le personnage) accepte la proposition d'un milliardaire espagnol douteux... qui se révèle être un fan. Entre les deux hommes naît une drôle de complicité (qui tend vers une bisexualité non assumée). La mise en scène maintient longtemps le doute quant à savoir lequel en cache le plus à l'autre.

   Bien évidemment, cette histoire de fête d'anniversaire va déraper, d'autant que Cage (le personnage) est prié de faire l'agent secret (pour de vrai) pour la CIA. Cela devient du grand n'importe quoi, les spectateurs étant censés laisser leur souci de vraisemblance au vestiaire.

   Bref, l'acteur sur le retour et papa bedonnant (re)devient un homme d'action, épaulé par des compères à peine moins amateurs que lui. Quand on supporte Cage (et sa moumoute) et qu'on accepte le principe de dérision, on suit avec plaisir des péripéties dont on se doute qu'elles ne peuvent pas mal finir.

   Ce sera assez vite oublié, mais j'ai passé un bon moment.

   P.S.

   Sans être aussi dithyrambique que certains personnages du film, je partage néanmoins leur affection pour le film Paddington 2, l'un des running gags de l'intrigue.

Un Talent en or massif

   Nicolas Cage coproduit ce film autoparodique, consacré à un acteur encore célèbre, qui connut naguère son heure de gloire, mais se contente désormais d'aligner les productions plutôt bas-de-gamme, qui ne lui assurent plus le même train de vie qu'auparavant. Du coup, le gars, que son épouse vient de quitter, se sent vieillir, à cours de moyen... sous le regard de sa fille adorée qui semble le trouver de plus en plus ringard. (La séquence liée à l'anniversaire est particulièrement pathétique.)

   Le début est vraiment savoureux. Cage (dont je me suis toujours demandé s'il aurait eu la même carrière s'il n'avait pas été un Coppola) est très bon en has been, qui enchaîne les déconvenues. Notons toutefois qu'à intervalle régulier, il se ménage quelques scènes qui témoignent de son talent. Le meilleur intervient quand il dialogue avec la version jeune de lui-même, incontestablement plus fringante.

   Pour échapper à la lose, Cage (le personnage) accepte la proposition d'un milliardaire espagnol douteux... qui se révèle être un fan. Entre les deux hommes naît une drôle de complicité (qui tend vers une bisexualité non assumée). La mise en scène maintient longtemps le doute quant à savoir lequel en cache le plus à l'autre.

   Bien évidemment, cette histoire de fête d'anniversaire va déraper, d'autant que Cage (le personnage) est prié de faire l'agent secret (pour de vrai) pour la CIA. Cela devient du grand n'importe quoi, les spectateurs étant censés laisser leur souci de vraisemblance au vestiaire.

   Bref, l'acteur sur le retour et papa bedonnant (re)devient un homme d'action, épaulé par des compères à peine moins amateurs que lui. Quand on supporte Cage (et sa moumoute) et qu'on accepte le principe de dérision, on suit avec plaisir des péripéties dont on se doute qu'elles ne peuvent pas mal finir.

   Ce sera assez vite oublié, mais j'ai passé un bon moment.

   P.S.

   Sans être aussi dithyrambique que certains personnages du film, je partage néanmoins leur affection pour le film Paddington 2, l'un des running gags de l'intrigue.

Et il y eut un matin

   Ce matin succède à une nuit de noces, celles de deux jeunes Arabes israéliens. La veille, on a beaucoup mangé, bu, dansé. On a discuté aussi. Deux pères de famille comparent les réussites respectives de leurs fils, qui ont une bonne place à Jérusalem, dans des entreprises israéliennes. On est à la limite du concours de bite : c'est à celui qui a acquis le plus d'avantages, du téléphone à la voiture de fonction... remboursement de l'essence compris.

   C'est un peu à l'image du film, qui évoque la complexité des rapports entre ces Palestiniens de l'intérieur et l’État juif. On tient aussi à nous montrer la diversité des comportements, côté palestinien. La famille du héros fait partie de la classe moyenne, laïque. Dans le village arabe, d'autres, à l'image du chauffeur de taxi, ont un niveau de vie plus modeste. En bas de l'échelle sociale se trouvent les travailleurs illégaux, des Palestiniens sans doute venus de Cisjordanie. Contrairement aux autres habitants du village, ils ne sont pas citoyens israéliens... et leurs patrons arabes profitent un peu de la situation. Il ne faut pas négliger une quatrième "catégorie" d'habitants : les voyous, qui tentent de prendre le contrôle du village... et qui s'accommodent très bien de la domination israélienne.

   Le héros Sami a le cul entre deux chaises. Il laisse croire aux membres de sa famille qu'il est prêt à revenir habiter dans le village, alors qu'il a définitivement fait sa vie à Jérusalem. Il fait semblant de prendre du plaisir à la fête de mariage, un peu kitsch, alors que le citadin sophistiqué qu'il est a d'autres divertissements, quand il réside dans la grande ville. Il est même en train de s'éloigner de son épouse palestinienne et songe à s'installer chez sa maîtresse israélienne... et juive. Enfin, il ne semble guère s'indigner de la situation du "peuple" palestinien, contrairement à certains habitants du village, qui subissent régulièrement les mesures autoritaires prises par l'armée israélienne.

   Le blocage de l'unique route menant à Jérusalem, pour une raison (au départ) obscure, va tout faire basculer. Vie privée, vie professionnelle et positionnement politique sont remis en question par le blocus du village (télécommunications comprises).

   Eran Kolirin, auteur jadis de La Visite de la fanfare réussit à mêler l'histoire familiale aux méandres du conflit israélo-palestinien. Attention toutefois : le propos est fortement idéologisé. Derrière la façade moderne et aimable, le personnage de Sami est dépeint comme un égoïste, un bourgeois peu viril, plutôt lâche, auquel le séjour forcé dans son village natal va redonner le sens des "vraies valeurs".

   On n'est pas obligé d'adhérer à l'intégralité du propos et l'on peut légitimement trouver certaines métaphores (comme celle des colombes) un peu lourdes. Le film n'en est pas moins intéressant pour le portrait qu'il dresse d'une catégorie de population méconnue.

 

   P.S.

   Mira, l'épouse de Sami, est interprétée par Juna Suleiman (dont je me demande si elle n'est pas apparentée au cinéaste Elia Suleiman). C'est une militante ardente de la cause palestinienne. Avec une partie de l'équipe, elle avait boycotté la première mondiale du film, au Festival de Cannes. Cela ne l'a pas empêchée d'être récompensée aux derniers Ophir (les César israéliens). Israël va donc être représenté aux Oscar par un film dont l'équipe dénonce publiquement et avec véhémence l'action du gouvernement.

Et il y eut un matin

   Ce matin succède à une nuit de noces, celles de deux jeunes Arabes israéliens. La veille, on a beaucoup mangé, bu, dansé. On a discuté aussi. Deux pères de famille comparent les réussites respectives de leurs fils, qui ont une bonne place à Jérusalem, dans des entreprises israéliennes. On est à la limite du concours de bite : c'est à celui qui a acquis le plus d'avantages, du téléphone à la voiture de fonction... remboursement de l'essence compris.

   C'est un peu à l'image du film, qui évoque la complexité des rapports entre ces Palestiniens de l'intérieur et l’État juif. On tient aussi à nous montrer la diversité des comportements, côté palestinien. La famille du héros fait partie de la classe moyenne, laïque. Dans le village arabe, d'autres, à l'image du chauffeur de taxi, ont un niveau de vie plus modeste. En bas de l'échelle sociale se trouvent les travailleurs illégaux, des Palestiniens sans doute venus de Cisjordanie. Contrairement aux autres habitants du village, ils ne sont pas citoyens israéliens... et leurs patrons arabes profitent un peu de la situation. Il ne faut pas négliger une quatrième "catégorie" d'habitants : les voyous, qui tentent de prendre le contrôle du village... et qui s'accommodent très bien de la domination israélienne.

   Le héros Sami a le cul entre deux chaises. Il laisse croire aux membres de sa famille qu'il est prêt à revenir habiter dans le village, alors qu'il a définitivement fait sa vie à Jérusalem. Il fait semblant de prendre du plaisir à la fête de mariage, un peu kitsch, alors que le citadin sophistiqué qu'il est a d'autres divertissements, quand il réside dans la grande ville. Il est même en train de s'éloigner de son épouse palestinienne et songe à s'installer chez sa maîtresse israélienne... et juive. Enfin, il ne semble guère s'indigner de la situation du "peuple" palestinien, contrairement à certains habitants du village, qui subissent régulièrement les mesures autoritaires prises par l'armée israélienne.

   Le blocage de l'unique route menant à Jérusalem, pour une raison (au départ) obscure, va tout faire basculer. Vie privée, vie professionnelle et positionnement politique sont remis en question par le blocus du village (télécommunications comprises).

   Eran Kolirin, auteur jadis de La Visite de la fanfare réussit à mêler l'histoire familiale aux méandres du conflit israélo-palestinien. Attention toutefois : le propos est fortement idéologisé. Derrière la façade moderne et aimable, le personnage de Sami est dépeint comme un égoïste, un bourgeois peu viril, plutôt lâche, auquel le séjour forcé dans son village natal va redonner le sens des "vraies valeurs".

   On n'est pas obligé d'adhérer à l'intégralité du propos et l'on peut légitimement trouver certaines métaphores (comme celle des colombes) un peu lourdes. Le film n'en est pas moins intéressant pour le portrait qu'il dresse d'une catégorie de population méconnue.

 

   P.S.

   Mira, l'épouse de Sami, est interprétée par Juna Suleiman (dont je me demande si elle n'est pas apparentée au cinéaste Elia Suleiman). C'est une militante ardente de la cause palestinienne. Avec une partie de l'équipe, elle avait boycotté la première mondiale du film, au Festival de Cannes. Cela ne l'a pas empêchée d'être récompensée aux derniers Ophir (les César israéliens). Israël va donc être représenté aux Oscar par un film dont l'équipe dénonce publiquement et avec véhémence l'action du gouvernement.

Le Secret de la cité perdue

   Le titre fleure bon le film d'aventures, en terre exotique, avec végétation luxuriante, chaleur étouffante, énigme intrigante et trésor caché. Le contenu correspond grosso modo à l'étiquette... à ceci près qu'il s'agit d'une parodie. Les scènes oscillent donc entre les péripéties d'aventures trépidantes et la cocasserie la plus saugrenue, parfois graveleuse.

   Dès le début, le ton est donné, avec la séquence dans un temple antique, les deux héros semblant piégés au milieu d'une armée de serpents venimeux. Un changement de cadre nous fait passer de la romance au danger... puis à l'ironie. c'est comme ça pendant presque tout le film, de manière plus ou moins réussie.

   Le comique repose sur les dialogues et l'abattage des acteurs.

   Sandra Bullock met toute son énergie à incarner Loretta Sage, romancière à succès atteinte par le syndrome de la page blanche. Elle s'est enrichie en écrivant des histoires d'aventures romantiques, pimentées d'un peu de sexe. Pour assurer la promo de son dernier bouquin, elle accepte d'enfiler une combinaison pailletée hyper-moulante... à tel point que "ça lui rentre dedans, par devant et par derrière"... Si l'accessoire ne permet pas d'ignorer que la presque sexagénaire est encore très bien gaulée, il va accompagner son personnage pendant un peu plus de temps que celui de la soirée de présentation...

   De son côté, Channing Tatum prête ses muscles et sa belle gueule à Alan, le mannequin qui pose pour les couvertures des romans écrits par Loretta... à tel point qu'il a fini par se prendre pour le principal personnage masculin des histoires, le dénommé Dash, viril, courageux, irrésistible. Son entrée en scène, sur The Final Countdown (du groupe Europe) le soir de la présentation du dernier roman, vaut son pesant d'extensions capillaires...

   Aux côtés de l'héroïne, on remarque aussi la présence de son éditrice, la pétulante Beth, que rien ne semble pouvoir arrêter.

   Tout bon film d'aventures a besoin d'un méchant convaincant. Daniel Radcliffe (eh, oui ! Harry Potter) est chargé d'interpréter un milliardaire excentrique, un peu allumé... voire psychopathe. Ses adversaires finiront par le qualifier de "perfide", ce qui leur semble naturel, puisqu'il est... anglais ! (Parfois, j'adore Hollywood !)

   Ledit milliardaire est à la recherche d'un mystérieux trésor, caché sur une île dont il a fini par découvrir la localisation. Pour mener son projet à terme, il a besoin des connaissances d'une personne qui a étudié cette civilisation disparue... ce qui est le cas de la romancière, autrefois mariée à un archéologue.

   Tout ce petit monde se retrouve embarqué pour l'océan Atlantique, en zone tropicale. Les deux héros vont tenter d'échapper aux sbires du milliardaire, épaulés par un aventurier musclé, tatoué... les cheveux au vent :

   L'irruption de Brad Pitt dans l'intrigue nous vaut certains des meilleurs moments comiques du film. Brad est... pittissime !

   L'histoire est nourrie de rebondissements et de "détails qui tuent" : une victime que l'on transporte attachée à une chaise, une voiture qui ne fait pas du tout baroudeur, une héroïne glamour qui urine dans la rivière... ce que perçoit l'homme qui la suit !

   Bon, voilà. ce n'est pas bien subtil, mais les acteurs ne se prenant pas au sérieux, on passe un bon moment.

Le Secret de la cité perdue

   Le titre fleure bon le film d'aventures, en terre exotique, avec végétation luxuriante, chaleur étouffante, énigme intrigante et trésor caché. Le contenu correspond grosso modo à l'étiquette... à ceci près qu'il s'agit d'une parodie. Les scènes oscillent donc entre les péripéties d'aventures trépidantes et la cocasserie la plus saugrenue, parfois graveleuse.

   Dès le début, le ton est donné, avec la séquence dans un temple antique, les deux héros semblant piégés au milieu d'une armée de serpents venimeux. Un changement de cadre nous fait passer de la romance au danger... puis à l'ironie. c'est comme ça pendant presque tout le film, de manière plus ou moins réussie.

   Le comique repose sur les dialogues et l'abattage des acteurs.

   Sandra Bullock met toute son énergie à incarner Loretta Sage, romancière à succès atteinte par le syndrome de la page blanche. Elle s'est enrichie en écrivant des histoires d'aventures romantiques, pimentées d'un peu de sexe. Pour assurer la promo de son dernier bouquin, elle accepte d'enfiler une combinaison pailletée hyper-moulante... à tel point que "ça lui rentre dedans, par devant et par derrière"... Si l'accessoire ne permet pas d'ignorer que la presque sexagénaire est encore très bien gaulée, il va accompagner son personnage pendant un peu plus de temps que celui de la soirée de présentation...

   De son côté, Channing Tatum prête ses muscles et sa belle gueule à Alan, le mannequin qui pose pour les couvertures des romans écrits par Loretta... à tel point qu'il a fini par se prendre pour le principal personnage masculin des histoires, le dénommé Dash, viril, courageux, irrésistible. Son entrée en scène, sur The Final Countdown (du groupe Europe) le soir de la présentation du dernier roman, vaut son pesant d'extensions capillaires...

   Aux côtés de l'héroïne, on remarque aussi la présence de son éditrice, la pétulante Beth, que rien ne semble pouvoir arrêter.

   Tout bon film d'aventures a besoin d'un méchant convaincant. Daniel Radcliffe (eh, oui ! Harry Potter) est chargé d'interpréter un milliardaire excentrique, un peu allumé... voire psychopathe. Ses adversaires finiront par le qualifier de "perfide", ce qui leur semble naturel, puisqu'il est... anglais ! (Parfois, j'adore Hollywood !)

   Ledit milliardaire est à la recherche d'un mystérieux trésor, caché sur une île dont il a fini par découvrir la localisation. Pour mener son projet à terme, il a besoin des connaissances d'une personne qui a étudié cette civilisation disparue... ce qui est le cas de la romancière, autrefois mariée à un archéologue.

   Tout ce petit monde se retrouve embarqué pour l'océan Atlantique, en zone tropicale. Les deux héros vont tenter d'échapper aux sbires du milliardaire, épaulés par un aventurier musclé, tatoué... les cheveux au vent :

   L'irruption de Brad Pitt dans l'intrigue nous vaut certains des meilleurs moments comiques du film. Brad est... pittissime !

   L'histoire est nourrie de rebondissements et de "détails qui tuent" : une victime que l'on transporte attachée à une chaise, une voiture qui ne fait pas du tout baroudeur, une héroïne glamour qui urine dans la rivière... ce que perçoit l'homme qui la suit !

   Bon, voilà. ce n'est pas bien subtil, mais les acteurs ne se prenant pas au sérieux, on passe un bon moment.

My Favourite War

   La "guerre préférée" de l'auteure de ce documentaire autobiographique est la "Grande Guerre patriotique", ainsi qu'on l'appelait en URSS, autrement dit la Seconde Guerre mondiale. Enfant, à la télévision, elle raffolait des fictions de propagande, produites dans la Patrie des travailleurs ou l'un de ses satellites. Quelques extraits nous en sont proposés au cours du film.

   Ilze Burkovska Jacobsen est originaire de Lettonie, un des trois pays baltes coincés en haut à droite de la carte de l'Europe. Objet des convoitises rivales des différents États allemands et russes, le pays a connu une histoire mouvementée.

   L'auteure n'en a vécu qu'une partie : la fin de la période soviétique puis la deuxième indépendance. Le film entremêle trois époques : la fin de la Seconde Guerre mondiale (période des grands-parents maternels), les années 1970-1980 (la jeunesse de l'auteure) et le début des années 2020.

   Sur le plan formel, ce documentaire d'un genre particulier alterne prises de vue réelles (contemporaines), images d'archives (des années 1940, 1970 ou 1980) et images animées, chargées de mettre en scène l'enfance et l'adolescence d'Ilze.

   Au début, le style est un peu déroutant, avec ces formes anguleuses, les yeux tout noirs et la texture qui semble de carton. Finalement, cela colle assez bien avec l'époque. A l'occasion de certaines scènes, les animateurs démontrent qu'ils sont tout de même capables de réaliser des prouesses. Notons que la voix off s'exprime en anglais, tandis que, de temps à autre, on entend des dialogues en russe ou en letton.

   J'ai été touché par l'histoire de cette gamine, au départ bouffée par la propagande mélenchoniste soviétique, qui ne comprend pas pourquoi son grand-père a hérité jadis de l'appellation infâme d'ennemi du peuple (déportation à la clé). Elle ne saisit pas non plus l'intensité de l'amour qui unit ses parents, issus de milieux si différents, la fille du paysan réprouvé ayant épousé un jeune cadre dynamique du parti communiste.

   Je ne vais pas dire pourquoi, mais, à un moment, l'héroïne est contrainte de mûrir plus rapidement que ce que son âge exige. Son regard devient plus lucide sur son entourage et les lieux qu'elle fréquente. Cela nous vaut de savoureux portraits du système scolaire letton (à la mode soviétique) et du mouvement des Pionniers, auquel l'adolescente adhère au moins autant pour assurer son avenir de journaliste que pour contribuer à améliorer sa vie quotidienne avec sa mère et son petit frère.

   En revanche, quand le passé (celui de la guerre) percute la vie de l'héroïne enfant, c'est en général par un aspect macabre, de la menace représentée par des hommes armés à la découverte de mystérieux restes humains, dans le bac à sable de l'école.

   Cela dure 1h20, c'est très chouette à voir et, pour un public français, cela dévoile une part méconnue de l'histoire européenne du XXe siècle.

My Favourite War

   La "guerre préférée" de l'auteure de ce documentaire autobiographique est la "Grande Guerre patriotique", ainsi qu'on l'appelait en URSS, autrement dit la Seconde Guerre mondiale. Enfant, à la télévision, elle raffolait des fictions de propagande, produites dans la Patrie des travailleurs ou l'un de ses satellites. Quelques extraits nous en sont proposés au cours du film.

   Ilze Burkovska Jacobsen est originaire de Lettonie, un des trois pays baltes coincés en haut à droite de la carte de l'Europe. Objet des convoitises rivales des différents États allemands et russes, le pays a connu une histoire mouvementée.

   L'auteure n'en a vécu qu'une partie : la fin de la période soviétique puis la deuxième indépendance. Le film entremêle trois époques : la fin de la Seconde Guerre mondiale (période des grands-parents maternels), les années 1970-1980 (la jeunesse de l'auteure) et le début des années 2020.

   Sur le plan formel, ce documentaire d'un genre particulier alterne prises de vue réelles (contemporaines), images d'archives (des années 1940, 1970 ou 1980) et images animées, chargées de mettre en scène l'enfance et l'adolescence d'Ilze.

   Au début, le style est un peu déroutant, avec ces formes anguleuses, les yeux tout noirs et la texture qui semble de carton. Finalement, cela colle assez bien avec l'époque. A l'occasion de certaines scènes, les animateurs démontrent qu'ils sont tout de même capables de réaliser des prouesses. Notons que la voix off s'exprime en anglais, tandis que, de temps à autre, on entend des dialogues en russe ou en letton.

   J'ai été touché par l'histoire de cette gamine, au départ bouffée par la propagande mélenchoniste soviétique, qui ne comprend pas pourquoi son grand-père a hérité jadis de l'appellation infâme d'ennemi du peuple (déportation à la clé). Elle ne saisit pas non plus l'intensité de l'amour qui unit ses parents, issus de milieux si différents, la fille du paysan réprouvé ayant épousé un jeune cadre dynamique du parti communiste.

   Je ne vais pas dire pourquoi, mais, à un moment, l'héroïne est contrainte de mûrir plus rapidement que ce que son âge exige. Son regard devient plus lucide sur son entourage et les lieux qu'elle fréquente. Cela nous vaut de savoureux portraits du système scolaire letton (à la mode soviétique) et du mouvement des Pionniers, auquel l'adolescente adhère au moins autant pour assurer son avenir de journaliste que pour contribuer à améliorer sa vie quotidienne avec sa mère et son petit frère.

   En revanche, quand le passé (celui de la guerre) percute la vie de l'héroïne enfant, c'est en général par un aspect macabre, de la menace représentée par des hommes armés à la découverte de mystérieux restes humains, dans le bac à sable de l'école.

   Cela dure 1h20, c'est très chouette à voir et, pour un public français, cela dévoile une part méconnue de l'histoire européenne du XXe siècle.

Touroulis - Voyage entre le Larzac et le causse Comtal

   Ce documentaire aveyronnais évoque, par son titre, un volatile particulier : l’œdicnème criard, qui passe les hivers en Afrique du Nord, mais le reste de l'année en France métropolitaine, en particulier dans l'Aveyron.

   La carte ci-dessus (extraite de la plaquette LPO) met en évidence les zones où des couples ont été observés (donc les zones de reproduction). Ce sont principalement les causses du Larzac (au sud) et Comtal (au nord)... d'où le titre du documentaire, qui embrasse toutefois un espace plus important et diversifié :

   Une histoire nous est contée par une voix off (censée être celle d'un de ces oiseaux), celle d'un territoire parcouru/survolé par les œdicnèmes. Du causse du Larzac, on est transporté dans les gorges (de la Jonte, du Tarn), puis du côté de Bertholène (près de Laissac, sur la carte ci-dessus). Le parcours s'achève au nord et nord-est de Rodez, avec en vedette (notamment) le "Trou de Bozouls" (que les âmes raffinées appellent "canyon") et la cascade de Salles-la-Source (dont l'écoulement d'eau fait l'objet de polémiques depuis des années).

   L'une des qualités de ce film est le soin apporté aux images, qu'elles soient aériennes, terrestres, souterraines ou aquatiques. Les vues sont splendides, qu'il s'agisse de plateaux, de vallées ou de très gros plans des espèces, animales comme végétales. Ce soin, ajouté à la scénarisation sur (presque) quatre saisons, est (à mon avis) une référence au Farrebique de Georges Rouquier.

   Une autre qualité est l'insertion d'incrustations, donnant le nom de tel animal ou telle plante. Cumulées aux informations données par le commentaire (pas super emballant, ceci dit), elles permettent au commun des mortels de parfaire sa culture environnementale.

   En revanche, je n'ai pas bien vu l'intérêt d'ajouter des séquences montrant une petite famille pratiquant l'escalade ou la spéléologie. Là, on est à la limite du dépliant touristique... (Mais il est vrai que le film a été cofinancé par le Conseil départemental de l'Aveyron.)

   Parmi les activités sportives, il manque la randonnée, à laquelle les Aveyronnais s'adonnent massivement et qui constitue un excellent moyen de découvrir les beautés d'un territoire. C'est dommage, parce que, le film ne durant qu'1h10, il y avait de la place pour quelques scènes pédestres. Cela n'enlève toutefois rien aux qualités visuelles de l'ensemble, un bien bel hommage à la faune et à la flore des régions calcaires centre-orientales du Rouergue.

Touroulis - Voyage entre le Larzac et le causse Comtal

   Ce documentaire aveyronnais évoque, par son titre, un volatile particulier : l’œdicnème criard, qui passe les hivers en Afrique du Nord, mais le reste de l'année en France métropolitaine, en particulier dans l'Aveyron.

   La carte ci-dessus (extraite de la plaquette LPO) met en évidence les zones où des couples ont été observés (donc les zones de reproduction). Ce sont principalement les causses du Larzac (au sud) et Comtal (au nord)... d'où le titre du documentaire, qui embrasse toutefois un espace plus important et diversifié :

   Une histoire nous est contée par une voix off (censée être celle d'un de ces oiseaux), celle d'un territoire parcouru/survolé par les œdicnèmes. Du causse du Larzac, on est transporté dans les gorges (de la Jonte, du Tarn), puis du côté de Bertholène (près de Laissac, sur la carte ci-dessus). Le parcours s'achève au nord et nord-est de Rodez, avec en vedette (notamment) le "Trou de Bozouls" (que les âmes raffinées appellent "canyon") et la cascade de Salles-la-Source (dont l'écoulement d'eau fait l'objet de polémiques depuis des années).

   L'une des qualités de ce film est le soin apporté aux images, qu'elles soient aériennes, terrestres, souterraines ou aquatiques. Les vues sont splendides, qu'il s'agisse de plateaux, de vallées ou de très gros plans des espèces, animales comme végétales. Ce soin, ajouté à la scénarisation sur (presque) quatre saisons, est (à mon avis) une référence au Farrebique de Georges Rouquier.

   Une autre qualité est l'insertion d'incrustations, donnant le nom de tel animal ou telle plante. Cumulées aux informations données par le commentaire (pas super emballant, ceci dit), elles permettent au commun des mortels de parfaire sa culture environnementale.

   En revanche, je n'ai pas bien vu l'intérêt d'ajouter des séquences montrant une petite famille pratiquant l'escalade ou la spéléologie. Là, on est à la limite du dépliant touristique... (Mais il est vrai que le film a été cofinancé par le Conseil départemental de l'Aveyron.)

   Parmi les activités sportives, il manque la randonnée, à laquelle les Aveyronnais s'adonnent massivement et qui constitue un excellent moyen de découvrir les beautés d'un territoire. C'est dommage, parce que, le film ne durant qu'1h10, il y avait de la place pour quelques scènes pédestres. Cela n'enlève toutefois rien aux qualités visuelles de l'ensemble, un bien bel hommage à la faune et à la flore des régions calcaires centre-orientales du Rouergue.

Seule la terre est éternelle

   ... pas les écrivains, puisque le romancier et poète Jim Harrison est mort en 2016. Ce documentaire, signé François Busnel et Adrien Soland, lui rend un vibrant hommage, tout en célébrant les beautés de l'Amérique de l'intérieur.

   Vivant entre le Montana (où il avait hérité d'une demeure familiale) et l'Arizona (où il est décédé), Jim Harrison, qui fut, dans sa jeunesse adulte, un beatnik des villes, avait grandi à la campagne. C'est là qu'il a quasiment perdu son œil gauche, au cours d'une dispute avec une gamine du coin. À l'écran, on voit celui-ci tantôt ouvert, tantôt fermé, à l'image d'un physique déclinant. Âgé de plus de 75 ans, l'écrivain marche avec difficulté, tremble des mains, peine parfois à respirer... mais l'esprit est resté vif. C'est de surcroît un conteur doué.

   Le film est nourri d'anecdotes, sur la famille et ses drames. Malgré les années passées, on le sent marqué par le décès du père et d'une sœur au cours d'une partie de chasse... et par la rudesse d'une mère autoritaire (sans doute luthérienne stricte), d'origine suédoise. Ses horizons se sont ouverts à l'école, grâce notamment à une prof francophile, qui lui a fait lire tout Stendhal, mais aussi Apollinaire, Rabelais... Est-ce la raison pour laquelle, lorsqu'il va pêcher, il porte une casquette sur laquelle est écrit, dans la langue d'Emmanuel Macron, "PÊCHE A LA MOUCHE" ? Mystère...

   Il reconnaît son alcoolisme et les ravages qu'il a faits (au cas où on ne l'aurait pas remarqué). Il en profite pour détruire une légende : c'est à jeun que l'on écrit le mieux. Lui a besoin d'un calepin classique, de nombreux stylos (de marque Bic... même si des feutres fins Pilot sont aussi visibles sur son bureau), d'un mur blanc... et d'eau plate.

   Ses débuts furent laborieux. C'est le journalisme qui a, dans un premier temps, rempli le frigo. A partir du succès de Légendes d'automne, la vie a pris un tour confortable. L'écrivain est même devenu proche de l'acteur Jack Nicholson, qui en avait marre des scénaristes d'Hollywood.

   La grand talent de ce film, qui bénéficie d'une très bonne qualité d'image et de son, est la représentation d'une partie de l’œuvre de Harrison par des paysages, des collines enneigées et boisées du Montana au désert de l'Arizona. Aux souvenirs de l'écrivain (majoritaires dans la première partie) succède un joli road moavie, (passant par entre autres l'Idaho, le Wyoming et le Nebraska) dans le dernier tiers de l'histoire.

   C'est un peu long, mais rafraîchissant et passionnant, tant les thématiques abordées sont nombreuses : de l'extermination des Amérindiens au féminisme, en passant par la pêche, la relation aux animaux sauvages (grizzli, loup) et la culture littéraire. J'ajoute que la musique d'accompagnement, jouée sur guitare sèche ou électrique douce, est parfaitement dans le ton.

Seule la terre est éternelle

   ... pas les écrivains, puisque le romancier et poète Jim Harrison est mort en 2016. Ce documentaire, signé François Busnel et Adrien Soland, lui rend un vibrant hommage, tout en célébrant les beautés de l'Amérique de l'intérieur.

   Vivant entre le Montana (où il avait hérité d'une demeure familiale) et l'Arizona (où il est décédé), Jim Harrison, qui fut, dans sa jeunesse adulte, un beatnik des villes, avait grandi à la campagne. C'est là qu'il a quasiment perdu son œil gauche, au cours d'une dispute avec une gamine du coin. À l'écran, on voit celui-ci tantôt ouvert, tantôt fermé, à l'image d'un physique déclinant. Âgé de plus de 75 ans, l'écrivain marche avec difficulté, tremble des mains, peine parfois à respirer... mais l'esprit est resté vif. C'est de surcroît un conteur doué.

   Le film est nourri d'anecdotes, sur la famille et ses drames. Malgré les années passées, on le sent marqué par le décès du père et d'une sœur au cours d'une partie de chasse... et par la rudesse d'une mère autoritaire (sans doute luthérienne stricte), d'origine suédoise. Ses horizons se sont ouverts à l'école, grâce notamment à une prof francophile, qui lui a fait lire tout Stendhal, mais aussi Apollinaire, Rabelais... Est-ce la raison pour laquelle, lorsqu'il va pêcher, il porte une casquette sur laquelle est écrit, dans la langue d'Emmanuel Macron, "PÊCHE A LA MOUCHE" ? Mystère...

   Il reconnaît son alcoolisme et les ravages qu'il a faits (au cas où on ne l'aurait pas remarqué). Il en profite pour détruire une légende : c'est à jeun que l'on écrit le mieux. Lui a besoin d'un calepin classique, de nombreux stylos (de marque Bic... même si des feutres fins Pilot sont aussi visibles sur son bureau), d'un mur blanc... et d'eau plate.

   Ses débuts furent laborieux. C'est le journalisme qui a, dans un premier temps, rempli le frigo. A partir du succès de Légendes d'automne, la vie a pris un tour confortable. L'écrivain est même devenu proche de l'acteur Jack Nicholson, qui en avait marre des scénaristes d'Hollywood.

   La grand talent de ce film, qui bénéficie d'une très bonne qualité d'image et de son, est la représentation d'une partie de l’œuvre de Harrison par des paysages, des collines enneigées et boisées du Montana au désert de l'Arizona. Aux souvenirs de l'écrivain (majoritaires dans la première partie) succède un joli road moavie, (passant par entre autres l'Idaho, le Wyoming et le Nebraska) dans le dernier tiers de l'histoire.

   C'est un peu long, mais rafraîchissant et passionnant, tant les thématiques abordées sont nombreuses : de l'extermination des Amérindiens au féminisme, en passant par la pêche, la relation aux animaux sauvages (grizzli, loup) et la culture littéraire. J'ajoute que la musique d'accompagnement, jouée sur guitare sèche ou électrique douce, est parfaitement dans le ton.

Les Animaux fantastiques 3

   ... Les secrets de Dumbledore. Je n'avais pas été particulièrement emballé par les deux premiers volets, mais la vision de la bande-annonce du troisième m'a donné envie de tenter l'expérience, en version originale sous-titrée.

   Les vingt premières minutes lancent parfaitement le film. On commence dans un salon du thé, très chic, où se rencontrent les deux principaux antagonistes, anciens amants devenus adversaires mortels. Dans le rôle de Grindelwald, Mads Mikkelsen succède avantageusement à Colin Farrell et Johnny Depp. Il incarne vraiment très bien la puissance maléfique, servi, une fois n'est pas coutume dans cette série, par de très bons dialogues (sauf peut-être à la fin).

   Lui succède une séquence enlevée, qui démarre par une naissance nocturne, avant de se poursuivre en cavalcade violente. C'est assez brillant.

   Tout est (presque) dit par le titre intégral. Les effets spéciaux (somptueux) mettent parfaitement en valeur les créatures virtuelles (dont une nouvelle, une petite Qilin), avec lesquelles Eddie Redmayne interagit très bien (même si son personnage a toujours ce côté nunuche agaçant). Au niveau de l'image, c'est aussi souvent splendide, avec (heureusement), moins de plans sombres dans lesquels on a du mal à se retrouver.

   L'arrière-plan politique est nourri de références aux années 1930 et à notre époque. La partie ayant pour théâtre Berlin, avec ces statues aux casques si caractéristiques et ces hommes de main (portant chapeau sombre, nuque rasée), fait immanquablement penser au régime nazi. Mais la facilité avec laquelle les foules (ici de sorciers) peuvent être manipulées par des complotistes, en vue d'une élection, évoque plutôt le XXIe siècle.

   Du coup, j'ai été emballé, emporté par la féérie visuelle et l'intrigue trépidante, nourrie de rebondissements, certains étant prévisibles... d'autant que tout le monde dans la salle savait que Dumbledore ne pouvait pas mourir assassiné ! (Surprise au passage : l'histoire fait intervenir non pas un, ni même deux, mais trois Dumbledore !) Je recommande tout particulièrement la séquence de la prison, formellement très réussie et drôle à la fois. C'est une autre qualité de ce long-métrage, émaillé d'un humour savamment dosé et plutôt bon enfant. La conclusion, en haute montagne, au Bhoutan, est particulièrement inspirée.

   Dans la salle, les ados et les adultes ont été captivés pendant plus de deux heures.

Les Animaux fantastiques 3

   ... Les secrets de Dumbledore. Je n'avais pas été particulièrement emballé par les deux premiers volets, mais la vision de la bande-annonce du troisième m'a donné envie de tenter l'expérience, en version originale sous-titrée.

   Les vingt premières minutes lancent parfaitement le film. On commence dans un salon du thé, très chic, où se rencontrent les deux principaux antagonistes, anciens amants devenus adversaires mortels. Dans le rôle de Grindelwald, Mads Mikkelsen succède avantageusement à Colin Farrell et Johnny Depp. Il incarne vraiment très bien la puissance maléfique, servi, une fois n'est pas coutume dans cette série, par de très bons dialogues (sauf peut-être à la fin).

   Lui succède une séquence enlevée, qui démarre par une naissance nocturne, avant de se poursuivre en cavalcade violente. C'est assez brillant.

   Tout est (presque) dit par le titre intégral. Les effets spéciaux (somptueux) mettent parfaitement en valeur les créatures virtuelles (dont une nouvelle, une petite Qilin), avec lesquelles Eddie Redmayne interagit très bien (même si son personnage a toujours ce côté nunuche agaçant). Au niveau de l'image, c'est aussi souvent splendide, avec (heureusement), moins de plans sombres dans lesquels on a du mal à se retrouver.

   L'arrière-plan politique est nourri de références aux années 1930 et à notre époque. La partie ayant pour théâtre Berlin, avec ces statues aux casques si caractéristiques et ces hommes de main (portant chapeau sombre, nuque rasée), fait immanquablement penser au régime nazi. Mais la facilité avec laquelle les foules (ici de sorciers) peuvent être manipulées par des complotistes, en vue d'une élection, évoque plutôt le XXIe siècle.

   Du coup, j'ai été emballé, emporté par la féérie visuelle et l'intrigue trépidante, nourrie de rebondissements, certains étant prévisibles... d'autant que tout le monde dans la salle savait que Dumbledore ne pouvait pas mourir assassiné ! (Surprise au passage : l'histoire fait intervenir non pas un, ni même deux, mais trois Dumbledore !) Je recommande tout particulièrement la séquence de la prison, formellement très réussie et drôle à la fois. C'est une autre qualité de ce long-métrage, émaillé d'un humour savamment dosé et plutôt bon enfant. La conclusion, en haute montagne, au Bhoutan, est particulièrement inspirée.

   Dans la salle, les ados et les adultes ont été captivés pendant plus de deux heures.

Les Bad Guys

   Ce film d'animation (visible par les pas trop jeunes et les adultes) est produit par DreamWorks et réalisé par... un Français : Pierre Perifel. Les "mauvais garçons" (ou "sales types") sont des as de la cambriole, qui vont se voir proposer l'occasion de se racheter.

   Loup (Pierre Niney dans la VF) est le chef de la bande. Charismatique et charmeur, il a toujours un plan de secours en poche. De temps à autre, il lui arrive de "faire son Clooney", référence transparente à la série de films Ocean's.

   Serpent est son meilleur ami. Sans pitié dans les affaires, il a un péché mignon : les cochons d'Inde, d'autant plus savoureux qu'ils sont gentils.

   Requin est le gros bras de la bande... très habile aussi dans les déguisements. Cela donne lieu à quelques scènes particulièrement cocasses. Il est doublé par Jean-Pascal Zadi (oui, celui de Tout Simplement Noir).

   Son principal acolyte est Piranha. Petit mais costaud, il est redoutable par sa force physique... et ses problèmes gastriques, qui enchanteront les petits comme les grands !

   Cette bande de mecs ne serait rien sans Tarentule, l'as du piratage informatique, un personnage dont l'animation se révèle vraiment virtuose.

   Toutefois, mon coup de cœur est un autre personnage féminin : la renarde Diane Foxington, gouverneure de Californie qui ne s'en laisse conter par personne. C'est une femme engagée, brillante... qui réserve quelques surprises. Alice Belaïdi lui prête sa voix, avec talent.

   L'intrigue comme la mise en scène fourmillent de références. Dès le début, la conversation dans un diner fait penser à Tarantino. D'autres allusions à Pulp Fiction sont présentes dans le film. On pense aussi évidemment à la série de films mentionnée plus haut, avec George Clooney. Quant aux policiers (et à leur cheffe), ils semblent sortir tout droit d'un manga. Les gags sont souvent visuels. Les petits aiment. Les allusions sont plutôt destinées aux adultes.

   J'ai été enchanté par cette histoire. Elle est pleine de rebondissements et quasiment chaque scène contient une petite surprise ou un effet de décalage, qui lui donne une saveur particulière. J'ajoute que la musique (orchestrale) est chouette. C'est sans doute la meilleure comédie sortie ce 6 avril.

Les Bad Guys

   Ce film d'animation (visible par les pas trop jeunes et les adultes) est produit par DreamWorks et réalisé par... un Français : Pierre Perifel. Les "mauvais garçons" (ou "sales types") sont des as de la cambriole, qui vont se voir proposer l'occasion de se racheter.

   Loup (Pierre Niney dans la VF) est le chef de la bande. Charismatique et charmeur, il a toujours un plan de secours en poche. De temps à autre, il lui arrive de "faire son Clooney", référence transparente à la série de films Ocean's.

   Serpent est son meilleur ami. Sans pitié dans les affaires, il a un péché mignon : les cochons d'Inde, d'autant plus savoureux qu'ils sont gentils.

   Requin est le gros bras de la bande... très habile aussi dans les déguisements. Cela donne lieu à quelques scènes particulièrement cocasses. Il est doublé par Jean-Pascal Zadi (oui, celui de Tout Simplement Noir).

   Son principal acolyte est Piranha. Petit mais costaud, il est redoutable par sa force physique... et ses problèmes gastriques, qui enchanteront les petits comme les grands !

   Cette bande de mecs ne serait rien sans Tarentule, l'as du piratage informatique, un personnage dont l'animation se révèle vraiment virtuose.

   Toutefois, mon coup de cœur est un autre personnage féminin : la renarde Diane Foxington, gouverneure de Californie qui ne s'en laisse conter par personne. C'est une femme engagée, brillante... qui réserve quelques surprises. Alice Belaïdi lui prête sa voix, avec talent.

   L'intrigue comme la mise en scène fourmillent de références. Dès le début, la conversation dans un diner fait penser à Tarantino. D'autres allusions à Pulp Fiction sont présentes dans le film. On pense aussi évidemment à la série de films mentionnée plus haut, avec George Clooney. Quant aux policiers (et à leur cheffe), ils semblent sortir tout droit d'un manga. Les gags sont souvent visuels. Les petits aiment. Les allusions sont plutôt destinées aux adultes.

   J'ai été enchanté par cette histoire. Elle est pleine de rebondissements et quasiment chaque scène contient une petite surprise ou un effet de décalage, qui lui donne une saveur particulière. J'ajoute que la musique (orchestrale) est chouette. C'est sans doute la meilleure comédie sortie ce 6 avril.

De nos frères blessés

   Ce film relate (de manière un peu romancée) la fin de vie de Fernand Iveton, militant communiste pied noir, engagé aux côtés du FLN dans la lutte pour l'indépendance algérienne... contre l'armée française, dans la seconde moitié des années 1950.

   Au départ, j'ai eu du mal à reconnaître Vincent Lacoste dans le rôle. Il est vrai que la moustache, ça vous change un homme. Mais il est surtout très bon. J'ai été moins convaincu par le choix de Vicky Krieps pour incarner sa compagne. Elle parle français avec un accent anglais... alors qu'elle est censée être d'origine polonaise ! Le côté sentimental de l'intrigue m'est passé un peu au-dessus de la tête.

   J'ai été davantage intéressé par la mise en scène du contexte de la Guerre d'Algérie. Sans surprise, cette fiction engagée nous présente une version de gauche. Les indépendantistes sont de courageux résistants, victimes de l'ignoble État colonial raciste. On a quand même droit une fois ou deux à la mention de certains des "exploits" des membres du FLN et de leurs sympathisants... mais je pense que cela a glissé sur le public, tant la réalisation est en empathie avec le héros et ceux qu'il soutient.

   Les scènes de tribunal militaire sont prenantes. Au début, on se dit que tout est joué d'avance. Mais, au fur et à mesure des interrogatoires, on est amené à penser qu'il y a de l'espoir, la procédure étant suivie de manière assez scrupuleuse. La conclusion nous ramène sur terre... et le héros aussi, dont on finit par découvrir qu'il se berçait d'illusions sur la future Algérie indépendante. (Seuls les imbéciles ont pu croire que les types du FLN allaient instaurer une démocratie multiculturelle de ce côté-là de la Méditerranée.)

   Je recommande malgré tout ce film pour sa peinture d'une époque et pour la découverte d'un destin particulier, celui d'un pied noir pro-FLN qui n'a sans doute jamais versé le sang d'autrui.

   P.S.

   Parmi les seconds rôles figure Henri, incarné par Yoann Zimmer, vu l'an dernier dans Des Hommes, dans la peau d'un Depardieu jeune, lui aussi empêtré dans le conflit algérien.

De nos frères blessés

   Ce film relate (de manière un peu romancée) la fin de vie de Fernand Iveton, militant communiste pied noir, engagé aux côtés du FLN dans la lutte pour l'indépendance algérienne... contre l'armée française, dans la seconde moitié des années 1950.

   Au départ, j'ai eu du mal à reconnaître Vincent Lacoste dans le rôle. Il est vrai que la moustache, ça vous change un homme. Mais il est surtout très bon. J'ai été moins convaincu par le choix de Vicky Krieps pour incarner sa compagne. Elle parle français avec un accent anglais... alors qu'elle est censée être d'origine polonaise ! Le côté sentimental de l'intrigue m'est passé un peu au-dessus de la tête.

   J'ai été davantage intéressé par la mise en scène du contexte de la Guerre d'Algérie. Sans surprise, cette fiction engagée nous présente une version de gauche. Les indépendantistes sont de courageux résistants, victimes de l'ignoble État colonial raciste. On a quand même droit une fois ou deux à la mention de certains des "exploits" des membres du FLN et de leurs sympathisants... mais je pense que cela a glissé sur le public, tant la réalisation est en empathie avec le héros et ceux qu'il soutient.

   Les scènes de tribunal militaire sont prenantes. Au début, on se dit que tout est joué d'avance. Mais, au fur et à mesure des interrogatoires, on est amené à penser qu'il y a de l'espoir, la procédure étant suivie de manière assez scrupuleuse. La conclusion nous ramène sur terre... et le héros aussi, dont on finit par découvrir qu'il se berçait d'illusions sur la future Algérie indépendante. (Seuls les imbéciles ont pu croire que les types du FLN allaient instaurer une démocratie multiculturelle de ce côté-là de la Méditerranée.)

   Je recommande malgré tout ce film pour sa peinture d'une époque et pour la découverte d'un destin particulier, celui d'un pied noir pro-FLN qui n'a sans doute jamais versé le sang d'autrui.

   P.S.

   Parmi les seconds rôles figure Henri, incarné par Yoann Zimmer, vu l'an dernier dans Des Hommes, dans la peau d'un Depardieu jeune, lui aussi empêtré dans le conflit algérien.