John Wick Parabellum

   John Wick (Keanu Reeves, en forme olympique malgré ses 54 balais... enfoiré !) aspirait à une retraite paisible, baignant dans le souvenir de sa femme disparue. Le voilà embarqué dans une véritable guerre contre la Grande Table, la redoutable organisation criminelle qui l'a autrefois employé.

   Autant le dire tout de suite : si l'on ôte de ce film les scènes d'action (principalement des bagarres), il doit rester un gros quart d'heure sur les 2h10 survitaminées. Cela commence presque calmement, artisanalement, dans une immense bibliothèque. Opposé à un géant vicelard, le héros nous prouve que certains livres, en plus d'être assommants, peuvent se révéler mortels !

   Notre ami a à peine le temps de se faire recoudre qu'il doit affronter un redoutable gang chinois, dans un musée des armes. C'est à la fois spectaculaire... et tordant, l'humour venant souvent couronner les scènes sanguinolentes. Dans la foulée, John enchaîne dans une écurie puis, à cheval (Keanu très classe), contre des motards qui vont évidemment en prendre plein la figure.

   Vous avez compris : le scénario ne s'embarrasse pas de subtilités... et c'est très bien comme cela. Tout tourne autour du héros, les invités prestigieux (Anjelica Huston, Halle Berry, Laurence Fishburne, Lance Reddick et Ian McShane) n'étant là que pour jouer les faire-valoir... ce qu'ils font bien, du reste.

   Cerise sur le gâteau : c'est très correctement réalisé. Au bout du troisième film (le premier étant sorti en 2014), Chad Stahelski connaît son affaire. J'apprécie toujours autant les vues urbaines nocturnes. Dans cet épisode, je signale aussi deux séquences faisant intervenir des vitres plus ou moins apparentes, dans l'un des salons privés de l'hôtel Continental de New York. Le long affrontement dont il est le théâtre, à la fin, est chorégraphié avec un incontestable brio.

   Voilà. Cela ne va pas révolutionner le cinéma. C'est de surcroît parfois invraisemblable, mais c'est du bon spectacle, pour qui aime voir un héros quasi invulnérable dézinguer quantité de criminels. Dans une grande salle, on prend son pied.

Le jeune Ahmed

   Deux ans et demi après La Fille inconnue, les frères Dardenne sont de retour avec un sujet brûlant, celui de l'extrémisme musulman en général et de la radicalisation de jeunes éduqués dans un pays occidental en particulier. On peut présumer que les attentats qui ont frappé la Belgique ou mis en cause certains de ses ressortissants ont poussé les réalisateurs à se pencher sur la question.

   Ce film s'inscrit dans une veine qui commence à être fournie, avec les Britanniques de We are four lions, les Marocains des Chevaux de Dieu, les Tunisiens de Mon cher enfant et surtout les Français.es de La Désintégration, Made in France, Les Cowboys et Le Ciel attendra (liste non exhaustive).

   Ici, on sent que les Dardenne veulent sortir des clichés. L'adolescent en voie de radicalisation est un garçon issu d'un couple mixte. Dans la famille proche, Ahmed est le seul à s'engager dans cette voie (où il essaie d'entraîner son frère). Au départ, c'est un garçon timidou, sérieux à l'école sans être brillant, accro à sa console de jeux. Mais il est en quête d'une figure paternelle et se pose peut-être des questions sur son identité. Le voilà pris dans les filets d'un imam rusé, qui n'est pas sans rappeler le recruteur de La Désintégration. Signalons que le "héros" est formidablement interprété par Idir Ben Addi. Les autres comédiens sont au diapason.

   L'histoire est prenante parce que c'est une sorte de thriller. Pourtant, on n'y voit ni explosion, ni poursuite en voiture, ni grosse bagarre. Juste des garçons tombés sous la coupe d'un extrémiste manipulateur, qui profite des difficultés familiales pour entrer dans la tête d'ados mal dans leur peau. C'est filmé près des corps, caméra à l'épaule (façon Rosetta) ou en plans serrés. On est plongé dans la dérive du jeune homme, sans forcément le comprendre.

   A la suite d'une première partie animée, dont je ne raconterai pas le déroulement, Ahmed se retrouve en centre éducatif fermé. De temps à autre, il est envoyé travailler dans une ferme. Comme le garçon est mutique, on se demande ce qu'il pense vraiment. Est-il en voie de recouvrer ses esprits ? Ou bien cet adolescent en apparence inoffensif n'est-il pas en train de se jouer de tout le monde ? Les scènes tournées dans l'exploitation agricole font partie des meilleurs moments du film, notamment quand la jeune Victoria Bluck (qui incarne la fille du paysan) est à l'écran.

   Dans la dernière partie, l'intrigue bascule à nouveau, dans un sens que je me garderai bien de révéler. Jusqu'au bout, les auteurs maintiennent l'incertitude quant à la conclusion de leur histoire, aussi surprenante que (malgré tout) logique.

   Cannes vient de nous livrer sa première pépite.

Ei Reino

   J'ai enfin pu voir ce polar signé Rodrigo Sorogoyen, auteur il y a deux ans de l'excellent Que Dios nos perdone, dont on retrouve d'ailleurs ici une partie de la distribution. Le "royaume" dont il est question est bien sûr celui d'Espagne. Au sens figuré, c'est le petit monde politique dans lequel gravitent les personnages principaux, en particulier Manuel, sorte de plaque tournante des magouilles auxquelles se livre le parti au pouvoir. Dans le rôle, Antonio de la Torre (aussi à l'affiche de Companeros) est formidable... mais il n'est pas le seul. Quasiment tous les acteurs sont excellents (même si j'ai quelques réserves sur celle qui incarne la journaliste). Pour moi, l'une des plus belles prestations est fournie par Luis Zahera, dans le rôle d'un entrepreneur véreux, flambeur et au verbe haut. Sa diatribe sur le balcon de l'immeuble où se trouvent les bureaux de son entreprise mérite à elle seule le détour.

   En dépit de toutes ces qualités, le début ne m'a pas emballé. Je l'ai trouvé trop allusif. On nous plonge dans la vie au quotidien des permanents du parti au pouvoir, qui pourrait être aussi bien le PPE de Mariano Rajoy (l'un des principaux personnages féminins étant à mon avis calqué sur l'une des élues PPE) que le PSOE de Felipe Gonzalez, le jeune "M. Propre" ressemblant à José Luis Rodriguez Zapatero. (De surcroît, l'action est censée se dérouler en 2008.)

   Le réalisateur a choisi de dérouler son intrigue plutôt du point de vue du corrompu Manuel. Il le suit donc souvent caméra à l'épaule. A partie du moment où il est mis sur la sellette par les révélations médiatiques, d'autres angles de prise de vue, plus inattendus, obliques parfois, apparaissent. Cela suscite le trouble, voire l'inquiétude. Manuel ne serait-il pas victime d'un complot ? Ne tente-t-on pas de lui faire porter le chapeau ?

   Le polar va quasiment se muer en thriller... parce que Manuel ne veut pas se laisser faire. Comme le réalisateur est malin (et qu'il ne veut pas que l'on s'identifie trop au personnage  principal), il distille petit à petit les révélations dérangeantes. On comprend que Manuel n'était pas un mari modèle et qu'il est bien plus mouillé dans les scandales que ce qu'il veut reconnaître. Mais, en voulant sauver sa peau, il devient une menace pour ses collègues. Le scénario est suffisamment élaboré pour maintenir le suspens jusqu'au bout, l'action culminant dans une séquence autoroutière nocturne particulièrement réussie.

   D'un point de vue politique, l'histoire trouve sa conclusion dans une scène de télévision à double sens, puisque, dans un premier temps, les spectateurs sont tentés de penser que les deux interlocuteurs sont de connivence. La suite va prouver que non. C'est bien foutu, même si je regrette la tendance au "tous pourris".

   P.S.

   On aimerait que le cinéma français abandonne un peu les autofictions nombrilistes et les comédies bas-de-gamme pour embrasser ce genre de sujets. L'histoire de la Ve République est suffisamment riche en scandales politico-financiers pour que des scénaristes intelligents puissent en tirer de jolies histoires...

Les Témoins de Lendsdorf

   J'ai récemment enfin pu voir ce film israélien, construit autour d'une histoire vraie, celle d'un massacre de Hongrois juifs à la fin de la Seconde Guerre mondiale. L'action se déroule de nos jours. Alors que, dans le village autrichien où a eu lieu le massacre (et où se trouve encore la fosse commune, jamais découverte), un projet prévoit l'aménagement d'une zone commerciale, un juif orthodoxe se jure de retrouver les ossements des victimes. Dans le même temps, en enquêtant sur le passé, il tombe sur un document concernant sa mère. Il n'est pas au bout de ses surprises.

   L'histoire est dure de prime abord. Fort heureusement, le réalisateur a ménagé quelques moments de comédie. Je pense à la première scène entre la mère juive et son fils (chez qui elle est installée). De manière générale, l'attitude énigmatique du héros (fort bien interprété par Ori Pfeffer) est parfois source d'amusement. Ce juif orthodoxe (qui aime circuler en vélo, un superbe casque vissé au-dessus de ses papillotes...) se pose des questions sur son identité, en même temps qu'il enquête sur le passé autrichien.

   C'est la plus grande réussite du film : avoir créé une ambiance de polar autour de la Shoah, sans que rien ne soit excessif ou déplacé. Le héros va-t-il retrouver la fosse commune à temps ? Le massacre a-t-il bien eu lieu dans cette commune ? N'y en-a-t-il pas plutôt eu deux ? Et, surtout, que sont devenus les survivants de l'époque (juifs et non juifs) ? Pourquoi les habitants les plus âgés de la commune, qui ont connu l'époque du massacre, prétendent-ils ne se souvenir de rien ? Qu'est-il arrivé aux deux témoins, convoqués au tribunal des années auparavant, et qu'on a retrouvés morts ?

   C'est prenant, passionnant, rempli de "pâte humaine". C'est l'un des films à voir en ce moment.

   P.S.

   Le scénario ne tient pas compte d'une nouvelle hypothèse concernant le massacre : une soirée entre nazis et collabos hongrois, qui aurait dégénéré.

   P.S. II

   J'ai vu ce film dans le cadre du printemps du cinéma israélien, un festival promu par l'association Hebraïca. Les projections ont lieu principalement dans l'agglomération toulousaine. Cela s'étend jusqu'à Montauban au nord, Albi à l'est (pas l'Aveyron, hélas...) :

 

Sunset

   C'est le titre du deuxième film du réalisateur hongrois Laszlo Nemes, auquel on doit l'une des plus belles oeuvres sur la Shoah, Le Fils de Saul, sortie il y a trois ans et demi. Le crépuscule auquel il nous convie est celui de l'Empire austro-hongrois, à la veille de la Première Guerre mondiale.

   L'intrigue est construite sur la base d'une forte dichotomie. D'un côté, on découvre un monde en effervescence, prospère, dominé par des hommes "bien nés" (issus de la noblesse ou de la haute bourgeoisie). La reconstitution est soignée et fait écho à la "nostalgie habsbourgeoise", qui voit dans cette Europe centrale multiculturelle une sorte de paradis perdu, avant que la Première Guerre mondiale ne vienne tout chambouler.

   D'un autre côté, le film montre les grandes inégalités qui existaient à cette époque. La majorité de la population vivait dans des conditions très précaires, conditions que l'héroïne Irisz va découvrir, bien qu'étant issue de la bourgeoisie dominante. L'incendie du commerce de chapeaux de sa famille (et la mort de ses parents) a provoqué son déclassement social, même si le nouveau propriétaire (qui a peut-être été l'amant de sa mère) lui accorde beaucoup de considération. A travers les yeux d'Irisz, on découvre aussi le sort réservé aux femmes. Dans la haute société, tout est dit à mots couverts, mais la domination masculine n'en est pas moins prégnante. Dans les catégories plus modestes (et notamment dans la bande de voyous que dirigerait son frère), on est plus franc du collier... Un mystère plane sur le magasin de chapeaux : pourquoi les modistes qui y travaillent sont-elles toutes de ravissantes jeunes femmes ?

   L'intrigue prend la forme d'une (en)quête. Qu'est réellement devenu le frère d'Irisz, que presque tout le monde croit (ou fait semblant de croire) mort ? Que s'est-il passé des années auparavant ? La caméra près du corps, le réalisateur suit les déambulations quasi somnambuliques de son héroïne, qui prend beaucoup de risques pour tenter de retrouver son frère, dont elle ne connaît même pas le visage. Du coup, plusieurs des hommes qu'elle rencontre pourraient être ce frère, qui se garde bien de révéler son identité. A moins que... Irisz, la cervelle un peu dérangée, n'imagine une partie de ce qui nous est montré à l'écran.

   C'est lié au style du réalisateur. La forme de caméra subjective qu'il utilise a été la marque de fabrique du Fils de Saul. C'était particulièrement approprié au type d'histoire qu'il racontait dans ce film. Ici, certains spectateurs ont eu une impression de déjà-vu, que le réalisateur ne se foulait pas et ressortait les mêmes recettes que celles qui avaient contribué au succès de son précédent film.

   En réalité, la caméra est semi-subjective. Il y a bien quelques scènes qui sont filmées comme perçues par les yeux d'Irisz. Mais, la plupart du temps, la caméra filme l'héroïne en gros plan ou plan serré (souvent de dos), le reste apparaissant flou, à l'inverse de ce que le cinéma contemporain pratique. En effet, de nos jours, dans les oeuvres commerciales, quand une scène prétend proposer le point de vue d'un personnage, à l'écran tout est net. C'est ainsi plus "regardable" pour les spectateurs lambda. Mais le style de Nemes est plus proche de la réalité. Dans la vraie vie, quand on déambule dans une rue, on ne voit nettement que ce sur quoi on est concentré, le reste étant périphérique, flou, ce que rend très bien la mise en scène, bien que de manière quelque peu exagérée.

   Cela fait de ce film un "polar de recherche", assez prenant, même si le rythme n'est pas trépidant. Il reste à parler des vingt dernières minutes, qui changent profondément le point de vue que l'on peut avoir sur l'histoire qui nous est racontée.

 

ATTENTION ! LA SUITE RÉVÈLE DES ÉLÉMENTS CLÉS DE L'INTRIGUE, QU'IL VAUT MIEUX NE PAS CONNAÎTRE AVANT D'AVOIR VU LE FILM.

 

   Globalement, je trouvais que l'actrice principale manquait de charisme. Après réflexion, je pense qu'on lui a dit de jouer de la manière dont elle incarne son personnage, qui est une sorte de somnambule. C'est peut-être tout simplement parce qu'il souffre de troubles mentaux.

   Les interrogations des spectateurs naissent quand Irisz Leiter, pénétrant à nouveau (déguisée) dans l'antre de la bande de voyous révolutionnaires (interdit aux femmes), est reconnue comme le chef. Sa présence au moment des attaques menées par les rebelles se comprend alors non pas parce qu'elle est un témoin privilégié (intouchable parce que soeur du patron), mais parce qu'elle est le chef. Ce serait un personnage androgyne (voire un.e hermaphrodite), qui finit d'ailleurs par être mobilisé.e dans l'armée austro-hongroise, en 1914. Cela donnerait un autre sens aux scènes où Irisz se retrouve dans la pension des modistes du commerce de chapeaux. On lui donne la chambre où a séjourné son frère, dont les habits se trouvent dans la malle... SA malle en réalité. Souffrant de troubles de la personnalité, Irisz quitte ses vêtements d'homme quand sa part féminine prend le dessus. Je surinterprète peut-être, mais cela vaudrait la peine de revoir le film avec cette grille d'analyse en tête.

Alpha - The Right to kill

   Le cinéaste Brillante Mendoza a déjà pas mal de films au compteur, mais c'est le premier que je vois. L'intrigue s'insère dans le contexte politico-social philippin, celui de la présidence Duterte, marquée par un discours martial et une grande latitude laissée aux forces de l'ordre pour lutter contre la délinquance en général, le trafic de drogue en particulier.

   On nous met d'ailleurs immédiatement dans le bain. Dans un premier temps, on découvre le duo de personnages principaux, composé d'un sergent d'une sorte de police de proximité et de son indicateur, son "alpha", un petit délinquant qui connaît les rues de Manille comme sa poche... et veut éviter de retourner en prison.

   La suite est une séquence emballante, d'une grande virtuosité : l'organisation et le déroulement d'une opération coup-de-poing contre un gros trafiquant. D'un côté, la caméra suit au corps les différentes unités de la police qui interviennent (le SWAT, les Stups, la Criminelle...). D'un autre, on nous gratifie d'étonnantes vues aériennes du dédale de ruelles du bidonville, situé à quelques encablures du CBD ultra-moderne. On n'est pas très loin de La Cité de Dieu.

   Bien que réunies sous une direction unique et (en apparence) soudées dans la lutte contre le crime, les différentes unités de la police fonctionnent chacune en vase clos... et en plusieurs langues. C'est l'une des surprises de la version originale : on constate que, dans leur vie professionnelle, les policiers mélangent une sorte de globish à des termes espagnols et un vocabulaire de base (sans doute) en tagalog.

   Cette nuit-là, les policiers vont réaliser un gros coup : mettre hors d'état de nuire tout une bande, son chef y compris. Mais leurs prises semblent un peu modestes. Un sac à dos a disparu, avec son contenu. Des ripoux n'auraient-ils pas profité de l'occasion ?

   Là, le propos se fait politique. Derrière la brillante façade de lutte contre le crime se cachent pas mal d'approximations, voire d'erreurs, dont pâtissent des innocents. La corruption est très répandue. Le film mérite aussi le détour pour la vision qu'il donne de l'autre camp. Tous les trafiquants ne sont pas d'impitoyables ordures. Certains, comme l'indic Elijah, cherchent juste à nourrir leur famille. Ils font parfois preuve d'une étonnante imagination, utilisant des pigeons voyageurs... voire les couches de leurs enfants pour faire passer la drogue en petites doses. La ville étant quadrillée par la police, déployée en unités de vigilance (mobiles) au niveau des quartiers, l'étau se resserre autour des trafiquants... et du policier ripou.

   C'est un excellent polar, servi par de très bons acteurs. C'est la révélation du moment, qui complète utilement un autre film philippin, Metro Manila, sorti il y a quelques années.

La Miséricorde de la jungle

   Cette jungle est une forêt équatoriale, celle qui occupe une partie de la République Démocratique du Congo, l'ex-Zaïre (ancien Congo belge), voisin du Rwanda. C'est de ce pays-ci qu'est originaire le réalisateur Joël Karelezi, rescapé du génocide de 1994. L'intrigue se déroule en 1998, entre les régions Kivu et Kasaï :

   On suit les pérégrinations de deux soldats rwandais. A ma gauche se trouve Xavier, un sergent engagé il y a des années de cela. C'est un Rwandais de l'extérieur, sans doute tutsi, qui a presque toujours vécu dans un camp de réfugiés et qui a rejoint le FPR de Paul Kagamé, qui a fini par prendre le pouvoir en 1994. Il est resté dans l'armée pour poursuivre les génocidaires hutus qui se sont enfuis dans les pays voisins, en particulier en RDC. Dans le rôle, Marc Zinga (vu récemment dans Nos Patriotes et Bienvenue à Marly-Gomont) est formidable.

   A ma droite voici Faustin, un jeune paysan dont presque toute la famille a été exterminée en 1994. Il vient de se marier mais n'a pas de quoi assurer la survie de son ménage. Stéphane Bak, jusque ici cantonné à des seconds rôles, réussit à incarner assez subtilement un personnage en évolution.

   Le troisième personnage principal est la forêt dense, humide. On y croise (ou entend) des animaux sauvages, on y souffre de la faim, de la chaleur, de la fatigue, de la soif... et des moustiques. Mais les prédateurs les plus dangereux sont sans conteste les humains. Nos deux soldats pourchassent les fuyards hutus, tout en affrontant les troupes congolaises (et leurs alliées angolaises et zimbabwéennes) ou, à l'occasion, les rebelles de l'est du pays, qui leur sont tout aussi hostiles. C'est, qu'au-delà des rivalités nationales et ethniques, il est question du contrôle des ressources naturelles.

   Le film se révèle intelligent à plusieurs niveaux. Tout d'abord, il évite de déresponsabiliser les protagonistes africains en chargeant les Occidentaux de tous les maux. Ensuite, il tente de démontrer que, quel que soit le camp, cette guerre conduit les hommes qui la mènent à commettre des horreurs. Les personnages les plus positifs sont les paysans (non combattants), ceux du village qui recueillent les deux soldats perdus et ceux que l'on voit à la toute fin.

   Entre temps, on aura suivi les déambulations de Xavier et Faustin. Au départ, le sergent expérimenté mène la vie dure au petit nouveau, assez imprudent et pas très résistant. Le troufion va s'endurcir et se révéler utile à son chef. Je ne peux pas tout dire ici, mais sachez que l'histoire est un peu celle d'un passage de témoin. La compréhension de l'avant-dernière scène (un peu absconse à première vue) donne tout son sens à la fin du film.

 

ATTENTION ! LA SUITE RÉVÈLE DES ÉLÉMENTS QU'IL VAUT MIEUX NE PAS CONNAÎTRE AVANT D'ALLER VOIR LE FILM.

 

   La scène du début est tronquée. Elle montre un soldat en treillis pourchassant (avec difficulté) un fuyard armé, qu'il finit presque par rejoindre. 1h20 plus tard, on en découvre les tenants et les aboutissants. Une nuit, au camp rwandais que Xavier et Faustin ont fini par rejoindre, des coups de feu éclatent. Comme les adversaires congolais, angolais et zimbabwéens ne se trouvent pas loin, on est tenté de penser que les gardiens retrouvés morts ont été abattus par ces ennemis. Xavier se lance à leur poursuite... et on ne voit qu'un seul fuyard, dont on finit par apercevoir le visage : il s'agit de Faustin, que les militaires rwandais avaient tabassé lorsqu'il était arrivé au camp. Il s'est donc échappé de l'infirmerie et a tué les gardes. Voilà pourquoi, lorsqu'il le reconnaît, Xavier baisse la garde et se laisse tirer dessus. Voilà pourquoi aussi le fuyard, lorsqu'il s'approche de son adversaire à terre, ne l'achève pas.

Monrovia, Indiana

   Pendant plusieurs mois, le documentariste Frederick Wiseman a filmé les habitants d'une toute petite ville de l'Etat d'Indiana, dans le Middle West, au sud-ouest d'Indianapolis.

   Le document de présentation nous dit que, peuplée d'environ 1400 habitants, la cité compte 96 % de Blancs d'origine européenne, massivement protestants... et républicains. En 2016, alors que Donald Trump  a été minoritaire en voix au niveau national, en Indiana, il avait recueilli plus de 57 % des suffrages exprimés. Mais, si les habitants d'Indianapolis avaient placé Hillary Clinton en tête, les comtés ruraux (comme celui de Morgan, auquel appartient Monrovia) ont massivement apporté leurs voix à D. Trump :

   A Monrovia même, le candidat républicain a recueilli plus de 76 % des suffrages exprimés. Ajoutons que le gouverneur (élu en 2016 avec 51 % des voix... 66 % dans le comté de Morgan) est républicain et, qu'en 2016 comme en 2018, on a assez largement voté pour des parlementaires (représentant et sénateur) républicains. Pour compléter le tableau politique, je signale que, lorsque les électeurs sont consultés (lors de référendums locaux), ils participent en masse et ont voté à près de 80 % une proposition en faveur du droit de chasser et de pêcher (en 2016) et à plus de 70 % la nécessité d'avoir des budgets en équilibre (en 2018).

   Frederick Wiseman s'est fait le plus discret possible. Sa méthode est la suivante : il filme beaucoup, ne pose pas de question, puis passe des mois au montage, sans ajouter de commentaire ni de musique. Il n'apparaît jamais à l'écran. Il a su se faire accepter des habitants du coin, qu'il filme au café, chez le coiffeur, la tatoueuse, le marchand d'armes, dans la supérette, au sein du conseil municipal, du Lions Club, du lycée, du temple protestant, de l'association cultuelle... et même chez les Francs-Maçons !

   C'est donc d'abord une leçon d'éducation civique qui nous est donnée. Comment, au sein d'un conseil municipal, décide-t-on l'aménagement de telle ou telle zone ? Quels problèmes sont liés à l'adduction d'eau ? (L'eau potable destinée aux particuliers n'arrive pas par les mêmes canalisations que celle aboutissant aux bornes d'incendie !) Qu'est-ce qui pousse le Lions Club à financer l'installation de bancs publics ? Pourquoi tel paysan vient-il acheter une arme ? Comment aide-t-on les habitants à gérer certains problèmes personnels ?

   Bien entendu, le réalisateur a d'autres idées en tête. Il veut comprendre comment une communauté prospère (dont le revenu moyen est supérieur à la moyenne des Etats-Unis et de l'Indiana), composée de "gens normaux", a pu massivement apporter ses suffrages à un type comme Trump.

   Ces "gens normaux" ne s'habillent pas très bien (sauf pour les cérémonies religieuses), ne mangent pas très sainement, semblent consommer beaucoup de sodas et d'alcools forts. La quasi-totalité des adultes est en surpoids ou obèse.

   Le plus étonnant est qu'en dépit des milliers d'heures tournées, il n'est jamais question de politique. Pourtant, dans plusieurs commerces, une télévision est allumée. Mais les habitants ne discutent pas des affaires du pays, pas plus que de celles du monde, auquel ils ne s'intéressent pas. Ils parlent de leurs voisins, de leurs soucis de santé, de l'arrivée ou du départ d'une personne, des affaires communales. On est dans un entre-soi presque caricatural. On le sent poindre dans certaines réunions du Conseil municipal : les élus sont divisés entre ceux qui veulent favoriser l'installation de nouveaux habitants, pour augmenter les ressources fiscales de la commune et ainsi pouvoir financer de nouveaux projets, et ceux qui veulent que rien ne change et qui redoutent l'arrivée d'inconnus. On discute beaucoup d'un précédent quartier aménagé, source de délinquance selon l'une des élus, contredite par sa voisine (dans la salle). Au bout de 2h20, on n'aura jamais vu la police en action (ni entendu la moindre sirène), pas plus que le moindre tag dans la ville, ni de détritus par terre. C'est propre et calme comme tout !

   L'autre élément marquant est la place tenue par la religion. Dans les conversations quotidiennes, elle est en général absente, sauf dans la bouche de personnes particulièrement croyantes. Par contre, le culte réunit beaucoup de monde et, lors des cérémonies particulières (mariage, baptême, décès), la salle est comble. La religion est clairement le secours de ces personnes simples, qui cherchent des réponses dans la Bible. L'un des pasteurs locaux semble particulièrement doué. Pour des funérailles, il a concocté un prêche (intégralement filmé) très structuré, aussi habile d'un discours électoral.

   Alors, oui, c'est long, pas toujours passionnant. Mais le réalisateur a eu besoin de cette longueur pour laisser parler ses "personnages", pour leur donner leur chance sans les juger. Le résultat n'en pas moins frappant.

Avengers : #Meetoo & BlackLivesMatter

   La grosse, l'énorme, la gigantesque meringue marvellienne commence paradoxalement par une véritable scène de cinéma : on retrouve l'un des membres de l'équipe, en famille... et bracelet électronique au pied. Cette entame bucolique est plutôt bien vue, d'autant qu'elle se conclut de manière à faire le lien avec Infinity War. 

   La suite voit la tentative menée par quelques rescapés pour reconstituer une équipe de super-héros digne de ce nom avec, en renfort, le retour du plus petit d'entre eux, qui a une idée géniale en tête. La reformation d'une bande est un intelligent retour aux sources. Elle produit aussi un énorme effet comique quand on découvre ce qu'est devenu Thor, cinq ans après. Je ne peux pas trop en dire, mais sachez que, dépressif, le dieu du Tonnerre n'a pas arrêté de se gaver de bières et de nourriture riche en graisses... (Rien que pour cela, je conseille à tous mes lecteurs mâles hétérosexuels chez qui l'âge, le manque d'exercice et/ou une alimentation déséquilibrée ont eu des conséquences disgracieuses d'emmener l'élue de leur cœur voir ce film !)

   Dans Infinity War, par l'intermédiaire de Dr Strange, les spectateurs les moins stupides avaient compris qu'il y aurait un "match retour", avec univers parallèle ou voyage dans le temps à la clé. Là, le scénario bifurque (et l'on s'éloigne du grand film pour rester dans les sentiers balisés de la grosse production à succès) : au lieu de poursuivre l'histoire dans un monde "délesté" d'un peu moins de 4 milliards de Terriens (situation dont s'accommoderaient très bien Tony Stark et Bruce Banner, par exemple), les auteurs ont appuyé sur la touche "replay". Une nouvelle équipe finit par se former. Elle va se diviser en petits commandos, chacun ayant une cible spécifique dans le passé... et, comme par hasard, chacun de ces moments révolus fait allusion à l'un des précédents films de la saga. C'est qu'ils sont malins, chez Disney ! Par contre, pour ceux qui n'en ont pas vus au moins quelques-uns, ces retours en arrière risquent de manquer de saveur.

   Bien entendu, tout ne va pas se passer comme prévu. La situation des héros se complique. La solution va venir, en partie, des personnages féminins, mis sur un véritable pied d'égalité avec les héros masculins. On avait vu le coup venir avec le récent Captain Marvel mais, ici, certaines scènes ont visiblement été spécifiquement tournées dans une optique féministe. Je pense notamment à l'un des moments de la loooongue séquence de baston (quelque chose comme 40 minutes dans le dernier tiers du film), qui montre plusieurs héroïnes prendre le relais de messieurs dépassés par les événements. Ceci dit, la présence à l'écran de cet aréopage de femmes ravissantes, au caractère bien trempé, dans des costumes très seyants, cognant sans retenue sur des méchants, n'est pas pour me déplaire. Et attention messieurs les gentils : un geste déplacé peut vous valoir un méga coup de genou dans les roustons !

   Quant aux "minorités visibles", elles sont presque toutes là une fois que la population est ressuscitée. Les Afro-américains sont particulièrement représentés. On pense bien sûr aux personnages de Black Panther... mais une colossale surprise est réservée aux spectateurs patriotes (américains) en fin d'histoire...

   La grosse bataille que tous les adolescents et jeunes adultes présents dans la salle attendent finit par arriver... et elle ne déçoit pas, pour peu qu'on ne se lasse ni de l'explosion de violence ni du déluge d'effets spéciaux. Cette guerre intergalactique se conclut par une émouvante cérémonie, qui réunit sans doute la plus coûteuse distribution jamais recrutée pour un film. Pour avoir une idée de qui va survivre et qui va périr, il faut se fier aux bandes-annonces des prochains films et aux projets en cours de développement : cherchez les absent.e.s.

   P.S.

   Bien que très charpenté, le scénario souffre de quelques faiblesses. Il y en a une (ou deux), énorme(s).

 

ATTENTION DIVULGÂCHAGE(S) !

 

   Dans l'un des arcs narratifs se déroulant dans le passé, Iron Man, Captain America et Ant-Man mettent la main sur le sceptre de Loki mais échouent, dans un premier temps, à récupérer une autre des six pierres (qui atterrit d'ailleurs dans les mains de Loki). Le trio se sépare, Ant-Man retournant dans le temps présent avec le sceptre, les deux autres s'embarquant pour un nouveau voyage dans le temps, a priori sans retour. Cela nous vaut une belle séquence rétro, au cours de laquelle Tony Stark rencontre... son père. C'est aussi le moment où Captain America récupère la pierre qui leur avait échappé auparavant (mais plus tard dans la trame historique). Le problème est que cette prise aurait dû changer la suite et donc rendre la récupération du sceptre de Loki impossible... 

  Un autre problème survient au cours du combat final. Je ne vais pas aller jusqu'à divulguer la supercherie qui permet à l'un des Vengeurs de duper Thanos, mais, franchement, compte tenu de ce qu'on a vu dans ce film et les précédents, c'est peu vraisemblable. Mais je reconnais que cela débouche sur un effet théâtral. Soyez indulgent, public chéri !

Sergio & Sergei

   A partir d'anecdotes réelles (des radio-amateurs ont bien communiqué avec différentes stations spatiales), Ernesto Daranas a construit une intrigue originale, autour d'une jeune femme se remémorant son enfance, à la fin de la Guerre froide. Elle idolâtre son père (veuf), Sergio, un professeur d'université cubain, "communiste réformiste" qui n'ose pas trop le dire. Celui-ci est en outre radio-amateur, comme son défunt père. Il communique régulièrement avec un habitant de Miami. Un jour, à l'autre bout des ondes, il tombe sur un interlocuteur parlant russe, seul dans l'espace : Sergei.

   C'est d'abord une comédie, qui tourne en dérision le totalitarisme cubain (qui considère Gorbatchev comme un traître). Sergio est l'objet d'une surveillance intensive de la part d'un fonctionnaire communiste pur et dur, à la fois stupide et acharné, dont les déboires font la joie des spectateurs.

   C'est aussi un tableau du Cuba de la débrouille. Le pays ne bénéficie plus des aides des "pays frères", qui n'existent plus (ou qui ont changé de nom et d'orientation politique). La population souffre de pénuries. Alors on traficote, on consomme son rhum artisanal (qu'on revend, à l'occasion), on fabrique discrètement des cigares... et l'on compte sur l'envoi de colis de la part des expatriés. C'est filmé dans des tons chauds, pas avec un point de vue misérabiliste.

   La qualité de la mise en scène se vérifie au niveau des scènes "spatiales" (à l'intérieur et l'extérieur de Mir). Le réalisateur a pu profiter d'un studio barcelonais et, franchement, même si ce n'est pas du niveau de Gravity, c'est du bon boulot.

   Histoire d'épicer le tout, E. Daranas a ajouté une romance naissante entre le prof de fac et une étudiante très indépendante... et ravissante. Mais Sergio a un peu la tête dans les étoiles. Dans le même temps, de plus en plus de Cubains songent à quitter le nouveau paradis du communisme pour rejoindre les Etats-Unis. C'est ce dont s'occupe Hall, le meilleur ami de Sergio, interprété par A.J. Buckley, que les téléspectateurs français ont pu découvrir jadis dans Les Experts Manhattan.

   Au final, cela donne une comédie historique douce-amère, bien filmée.

Tel Aviv on fire

   Cette comédie palestinienne est une coproduction internationale. Le réalisateur, Sameh Zabi, est le co-scénariste du Chanteur de Gaza. L'intrigue fait intervenir des personnages israéliens et palestiniens... et même une "actrice française" ! Au centre se trouve la réalisation chaotique d'un feuilleton sirupeux qui fait les beaux jours de la télévision palestinienne... mais qui rencontre aussi un grand succès côté israélien. Même si l'auteur donne une vision palestinienne du conflit proche-oriental (en particulier de la Guerre des Six-Jours et des Accords d'Oslo), le film insiste plutôt sur ce qui rapproche (ou peut rapprocher).

   Salam est un loser. Il n'est plus un jeune homme et galère entre deux emplois précaires. Il profite de la bienveillance de son oncle pour s'introduire sur le plateau de tournage de la série populaire. Les extraits qu'on nous en propose sont d'une consternante médiocrité. Mais, parfois, c'est à double-sens. Ce qui est diffusé à la télévision fait écho à ce que certains personnages vivent. Parmi les moments drôles, il y a ceux qui voient le néo-scénariste courir après l'inspiration, quitte à recopier un dialogue entendu au café ou à solliciter sa mère au téléphone !

   Mais la source de gags la plus "énorme" est cette étrange relation qui va se nouer entre l'officier israélien dirigeant le check-point (entre Jérusalem-Est et Ramallah) et le scénariste. C'est réussi notamment grâce au talent de Yaniv Biton, qui incarne à la perfection un militaire un peu beauf, mais ayant le sens du concret. A son contact, Salam va progresser, au point, à la fin de l'histoire, de pouvoir presque se passer de toutes les personnes ressources qu'il aura sollicitées.

   Pour faire une bonne histoire orientale, il faut un amour contrarié. Ce sera celui de Salam pour Mariam, son ex-petite amie, la fille de l'épicier de son quartier, qu'il redécouvre devenue médecin... et femme extrêmement séduisante. Même si leur relation n'est pas aussi tendue que celle de l'espionne palestinienne et de l'officier israélien du feuilleton, elle va connaître quelques rebondissements.

   C'est un film malin, pétillant, pas idiot sur le fond, qui trouve le moyen de s'achever sur un coup de théâtre particulièrement cocasse. A découvrir !

L'Homme à la moto

   Ce film argentin nous conte l'histoire de Miguel, une petite racaille, toujours entre deux coups, qui, un jour, se demande s'il n'a pas tué la vieille dame à laquelle son complice vient d'arracher le sac à main. Cette histoire a été inspirée au réalisateur Augustìn Toscano par un fait divers dont sa propre mère a été la victime. Elle parlera aussi à tous ceux dont l'un des proches a été la cible d'un vol à l'arraché.

   C'est que ce Miguel a des scrupules. S'il s'est acoquiné avec des mecs louches pour monter ses vols en moto, c'est parce qu'il manque d'argent. (... comme pas mal de monde en Argentine, à tel point que les truands n'ont guère de difficultés à recruter de la main-d'oeuvre pour organiser le pillage de certains commerces... surtout si les policiers -mal payés- sont en grève !) Il voudrait jouer pleinement son rôle de père... et reconquérir son ex. D'une certaine manière, c'est une "victime de la société", même si le film suggère qu'il est un peu fainéant sur les bords. Est-ce suffisant pour faire de lui, à l'instar des voyous qu'il côtoie, un prédateur ?

   La deuxième partie de l'histoire montre le rapprochement qui s'effectue entre Miguel et la vieille dame, prénommée Elena. Elle semble avoir perdu la mémoire. Le jeune homme saute sur l'occasion pour tenter de se racheter... mais aussi pour profiter de la grande maison vide dans laquelle habite sa victime. Ainsi, elle va bénéficier d'un aide à domicile, tandis que lui remonte dans sa propre estime, tout en s'occupant mieux de son fils. Mais la vieille dame est-elle dupe ? Lui-même, ne finit-il pas comprendre que tous deux jouent un jeu à bénéfices réciproques ? Cela suffira-t-il à le faire échapper à l'influence des voyous qu'il a pris l'habitude de fréquenter ?

   C'est dire si ce film social à la base ne manque pas de subtilité. Cela se complexifie même quand on apprend qu'Elena est une ancienne femme de ménage. Comment a-t-elle pu devenir propriétaire d'une grande maison en plein centre-ville ? (L'action se déroule dans le nord-ouest de l'Argentine, dans la province de Tucumán, sans doute dans la ville de... San Miguel !)

   J'ai trouvé les acteurs très bons et la réalisation pas dégueulasse du tout. Dès le début (dans la séquence à moto), on sent que le metteur en scène ne s'est pas contenté de juxtaposer les plans faciles. Il a su profiter aussi bien du caractère rural de la banlieue que de l'enchevêtrement des immeubles au centre-ville... et il s'est creusé les méninges pour finir son histoire correctement, par une succession de péripéties qui ménage un petit suspens.

Monsieur Link

   Ce "Monsieur Lien" est une sorte de chaînon manquant entre l'être humain et le singe, ici un Sasquatch (ou Bigfoot) supposément présent en Amérique du Nord. C'est ce qu'entend démontrer l'explorateur Lionel Frost (doublé par Thierry Lhermitte dans la version française), un noble britannique aussi distingué qu'opiniâtre. On fait sa connaissance dans la première séquence, située en Ecosse. On comprend très vite de quoi il s'agit. C'est cocasse.

   ... et remarquablement animé, avec la technique du "stop motion", qui a dû demander un travail de fou. Le paradoxe est que c'est le personnage principal (l'homme-singe, doublé par Eric Judor) qui est le moins réussi sur le plan visuel. Les autres sont animés avec brio. Et que dire des effets au niveau des décors et de tout ce qui est aquatique ! Signalons que les producteurs se sont déjà fait remarquer avec Coraline, Les Boxtrolls et Kubo.

   J'ai été emballé. L'histoire pourrait être tirée d'un roman de Jules Verne. D'ailleurs, ce Lionel Frost a des airs de Phileas Fogg. Même si, pour un adulte, les péripéties ne réservent que peu de surprises, on est pris par cette série d'aventures, qui mènent les héros (les deux mâles, bientôt rejoints par une femme au tempérament affirmé) d'Europe en Amérique du Nord puis au coeur de l'Asie. A l'écran, c'est parfois très beau et l'on rit assez souvent.

   PS

   Au passage, l'intrigue tourne en ridicule l'obscurantisme des adversaires de Frost, ancêtres des créationnistes contemporains.

Toulouse va perdre un cinéma...

   ... au centre-ville. Il s'agit de l'UGC-Roosevelt, qui, selon La Dépêche du Midi, devrait fermer ses portes en juin prochain. Ce n'est pas une totale surprise pour ceux qui suivent le sujet. Cela fait déjà des mois qu'UGC avait annoncé le projet d'ouvrir un nouveau multiplexe, en périphérie, dans le quartier de Montaudran. De plus, le nombre d'entrées du cinéma donnant sur les allées Roosevelt ne cessait de baisser : en 2018, il a accueilli moins de spectateurs que le multiplexe de Rodez ! Enfin, les projets d'agrandissement butaient sur le contexte immobilier local :

   La façade du cinéma est encadrée par un Starbucks et un concurrent franchouillard d'une célèbre chaîne de restauration rapide (dont un établissement est d'ailleurs situé juste en face, de l'autre côté de la place). A l'ouest, les bâtiments donnant sur la rue d'Austerlitz ne sont pas non plus à vendre.

   Pour dire le fond de ma pensée, je ne vais sans doute pas regretter la fermeture de l'UGC. Je n'y suis que très rarement allé. Il ne propose quasiment que des films en version française (même s'il y a eu une évolution -tardive- à ce niveau), il est cher et, par-dessus le marché, il faut parfois supporter des spectateurs indélicats, un inconvénient que l'on rencontre aussi dans un autre multiplexe, quasiment voisin.

   Que va-t-il rester en centre-ville ? Le grand rival d'UGC, le Gaumont Wilson (qui, lui, a pu s'agrandir et se moderniser)... et, surtout, les deux cinémas d'art et essai, l'ABC et l'American Cosmograph (ex-Utopia). Complètent l'offre la Cinémathèque de Toulouse et Le Cratère. La première, située à proximité de l'ABC, propose de (re)voir dans sa belle salle des "films du patrimoine", en général restaurés... un filon dont tentent de profiter des réseaux aussi différents qu'Utopia et CGR. Quant au Cratère, c'est une salle associative, un peu excentrée, mais qui donne une seconde vie aux films art et essai, avant qu'ils ne sortent en DVD.

   A cette liste il a failli manquer un nom : celui de l'American Cosmograph, alors Utopia Toulouse, aux locaux vieillissants, menacé en 2015 d'une foudroyante augmentation de loyer. Finalement, il y a eu scission, l'Utopia Toulouse devant l'American Cosmograph, mais en conservant les "valeurs" du réseau art et essai. Le premier numéro de la nouvelle gazette (celui de juin-juillet 2016) contient des papiers racontant ce changement. Entre temps, en 2003, Utopia avait ouvert un nouveau cinéma en banlieue toulousaine, à Tournefeuille.

   C'est donc en périphérie de Toulouse que l'offre cinématographique a le plus augmenté :

   Si l'on excepte l'Utopia de Tournefeuille, ce sont les multiplexes qui ont peuplé la banlieue : CGR à Blagnac, Gaumont à Labège, Kinépolis à Fenouillet... et donc bientôt (en 2021 ?) UGC à Montaudran (le point rouge sur le plan). Ceux qui ne veulent pas trop s'éloigner du centre peuvent aussi goûter au petit cinéma de Ramonville-Saint-Agne (correspondant au trait rouge ci-dessus).

   Enfin, il est un autre cinéma toulousain qui continue à faire parler de lui : Les Nouveautés. Autrefois situé boulevard Carnot (pas très loin de l'UGC d'ailleurs), il a fermé en 1999. Les gérants de l'Utopia Toulouse ont un temps songé à y transférer leur cinéma, mais les locaux avaient déjà été vendus. Un projet "urbain chic" est en cours de réalisation. les travaux ont mis du temps à démarrer. En octobre dernier, on en était là :

Santiago, Italia

   Le titre de ce documentaire peut paraître étrange : il semble évoquer une ville située en Italie, alors qu'il s'agit de la capitale du Chili. La raison en est qu'une fraction du territoire de cette cité est bien italien : celui de l'ambassade. En septembre 1973, des opposants au coup d'Etat de Pinochet s'y sont réfugiés.

   Le réalisateur Nanni Moretti commence par évoquer la présidence d'Allende, élu de justesse en 1970 après trois tentatives infructueuses. Des images d'archive ressuscitent cet homme de gauche intègre, qui avait sans doute autant de soucis avec sa majorité hétéroclite qu'avec son opposition (soutenue par les Etats-Unis).

   Arrive ensuite le coup d'Etat militaire (qu'en Amérique du Sud on appelle Golpe). Les témoignages permettent de comprendre la sidération d'une partie de la population, pendant qu'une autre part se réjouit ouvertement. Moretti n'élude pas le passage douloureux sur le suicide d'Allende. Même s'il donne la parole à un des derniers tenants de la thèse de l'assassinat, le réalisateur choisit plutôt de tenter d'expliquer les raisons du suicide, en s'appuyant sur des rescapés lucides. Notons qu'il a aussi interrogé d'anciens officiers de l'époque... qui ne regrettent rien.

   C'est à ce moment-là que le documentaire quitte la grande histoire pour la petite, celle de militants de gauche qui ont tout fait pour échapper à l'armée. Dans un premier temps, celle-ci n'a pas mené une surveillance minutieuse des abords des missions diplomatiques, qui ont ainsi  pu accueillir des milliers de personnes. Celle d'Italie était une propriété protégée par un mur d'environ deux mètres de hauteur. Celui qu'on voit dans le film est plus élevé : le gouvernement l'a (par la suite) fait rehausser d'un bon mètre. On sourit en entendant ces témoins parler de leurs efforts pour franchir le mur, ou aider quelqu'un à le faire. L'un d'entre eux se réjouit d'avoir suivi des cours de gym, lui qui pourtant n'aimait pas cela... Un autre révèle que des personnes bien intentionnées avaient descellé quelques pierres pour former un petit escalier de fortune. Une dernière évoque la stupeur du garde enfin posté dans l'angle mort de la bâtisse.

   L'étape suivante est la description de la vie à l'intérieur de l'ambassade. Entre 250 et 300 personnes s'y retrouvent entassées. Fort heureusement, un grand jardin... et une piscine rendent le séjour plus supportable. A l'intérieur, pour le coucher, on opère une stricte répartition : les hommes célibataires au rez-de-chaussée, les familles avec leurs enfants au premier étage et les femmes célibataires au second. D'après certains témoignages, il semble que la bâtisse ait connu de nombreux mouvements nocturnes...

   Enfin, le gouvernement italien ayant attribué des visas, les réfugiés ont pu quitter l'ambassade pour l'Europe, d'où ils pensaient revenir rapidement. La majorité d'entre eux a fait souche en Italie, ce qu'on découvre dans les vingt dernières minutes. Ils ont constitué une main-d'oeuvre bien accueillie sur place, d'autant qu'on a veillé à les placer dans des régions où des "partis frères" (communiste, socialiste) étaient bien implantés. La solidarité politique a fait le reste.

   Même si j'ai trouvé le début un peu laborieux, j'ai finalement été captivé par ce documentaire, rigoureusement construit, nourri de témoignages intéressants, parfois émouvants. Par un curieux hasard de la programmation, le film est sorti en France à peu près en même temps que Companeros, qui évoque les méfaits de la dictature militaire en Uruguay à la même époque.

Companeros

   Intitulé La noche de 12 anos ("La nuit de douze ans") dans sa version originale, ce film uruguayen narre le sort de trois révolutionnaires tupamaros (communistes), que la dictature militaire a emprisonnés et tenté de briser, entre 1973 et 1985.

   C'est une fiction très documentée... et militante. Le réalisateur est en empathie avec les trois héros, tellement même qu'il passe très très vite sur les crimes auxquels certains d'entre eux ont participé. Ceci dit, quand on voit ensuite ce qu'ils ont enduré, on comprend que le souci principal soit de dénoncer la dictature sanguinaire qui a sévi jadis en Uruguay.

   Le début de l'histoire donne un bon aperçu de ce que sera le film. Il mêle violence et traits d'humour, le tout servi par une réalisation parfois inventive. On découvre les héros en prison, au moment de leur extraction pour une destination inconnue. C'est filmé en tourniquet depuis la cage centrale des matons. Détail cocasse : durant le transport en camion, l'un d'entre eux ressent une fulgurante envie de déféquer...

   Dans un premier temps, les rebelles ont été torturés physiquement. On a tenté de leur arracher des informations (méthode qui avait réussi avec l'un de leurs chefs, ce que le film ne dit pas). Devant l'inefficacité des sévices physiques, les militaires sont passés à la torture mentale. Le but était de briser ces hommes fiers et aux convictions profondément ancrées en eux. On les masque, on les déplace, on les frappe, on les déshabille, on les prive de nourriture voire on leur pisse dessus. A l'instar des geôliers, la mise en scène est imaginative et réussit à nous faire toucher du doigt ce qu'ont ressenti les trois prisonniers. Dans certaines scènes, c'est du niveau de Hunger.

   C'est lié aussi à la qualité de l'interprétation. Antonio de la Torre (rappelez-vous : Que Dios nos perdone), Chino Darin et Alfonso Tort incarnent avec brio Mujica le perturbé, Rosencof l'écrivain et Huidobro le matheux. Vu le degré d'isolement qu'on leur impose, leur salut se trouve dans leur tête, dans les souvenirs heureux, les rêves... et un système discret de communication (quand c'est possible). Le problème est que ce qu'ils subissent finit par déformer leurs souvenirs voire leur faire prendre pour réel ce qui ne l'est pas. Ici, la mise en scène est brillante, bien servie par le montage.

   Fort heureusement, le propos du film n'est pas toujours dramatique. Il y a cette séquence drôlissime quand il s'agit de décider s'il faut détacher un détenu pour lui permettre de déféquer assis. Cela part du troufion de base pour remonter jusqu'au commandant de la caserne ! Il y a aussi ces moments d'humanité, autour de l'écriture de lettres d'amour, qui va rapprocher l'un des prisonniers de certains militaires pas complètement obtus. Et j'ai été touché par la conclusion, pleine d'émotion.

   C'est un film à voir.

Whitney (en V.O.D.)

   J'ai raté ce documentaire à sa sortie en salles. Je l'ai regretté par la suite : les critiques sont plutôt bonnes et je me suis rendu compte un peu tard que le réalisateur est Kevin MacDonald. On lui doit notamment Un Jour en septembre, Mon Meilleur ennemi, Jeux de pouvoir et surtout Le Dernier Roi d'Ecosse.

   Bien que durant deux heures, le film ne s'attarde que très peu sur les premières années de Whitney Houston. Bien qu'étant née dans un ghetto noir (à Newark, dans la partie du New Jersey qui tient lieu de banlieue new-yorkaise), elle a plutôt vécu une enfance de classe moyenne (noire), entre une mère choriste (pour Aretha Franklin et Elvis Presley, entre autres) et un père fonctionnaire municipal pas très honnête. Dans la famille élargie, on chante souvent (les soeurs Warwick, Dionne et Dee Dee, sont des cousines) et l'on se rend régulièrement au temple.

   A l'image de bien des actuelles vedettes de R'N'B, la future diva a fait ses premières armes vocales dans un contexte religieux. L'adolescente n'a pas tardé à être repérée. Les enregistrements qui montrent ses débuts font bien comprendre que, dès cette époque, l'artiste avait une voix hors du commun.

   Arrivent les années 1980, les années Reagan-Bush (père), celles d'une Amérique conquérante, avide de fric facile et de paillettes. Du point de vue de la musique pop, ce furent les années Whitney Houston - Michael Jackson, deux artistes populaires, doués et qui n'ont pas su gérer richesse et célébrité. Whitney devient la vache à lait de la famille et subit des pressions contradictoires : sa mère voit sa carrière comme une revanche sur ses propres échecs, alors que le père voudrait prendre le contrôle de la machine à fric. Quant aux aux frères, cousins et amis, ils initient la chanteuse à diverses drogues... 

   Whitney découvre aussi qu'elle ne peut plus avoir de véritable vie privée. Le problème est qu'elle n'a pas été souvent sincèrement aimée. Le documentaire apprendra à celles et ceux qui l'ignoraient qu'elle était bisexuelle (et que sa compagne fut sans doute son plus grand amour, finalement écarté par les proches, un brin homophobes certes, mais qui redoutaient surtout son influence). Son mariage avec un rappeur de seconde zone fut un échec qui dura, pour le plus grand malheur de l'artiste : elle sombra dans la drogue et la dépression.

   Cependant, la révélation la plus fracassante nous est réservée pour la dernière demi-heure : la source des névroses de la chanteuse serait des abus sexuels subis dans son enfance (par une personne proche). Cela expliquerait son malaise quant à son identité sexuelle et son acharnement à ne pas laisser sa petite fille à la maison, quand elle partait en tournée. La gamine n'en a pas moins souffert : privée de camarades de son âge, elle a navigué dans les eaux troubles de l'entourage de sa mère.

   Même quand, comme moi, on n'est pas fan de la chanteuse, on peut apprécier ce documentaire assez riche, qui parle de la condition de femme, de mère, de chanteuse et d'amoureuse dans les années 1980-1990-2000.

Culture "ncisesque"

   Vendredi, M6 a poursuivi la diffusion de la quinzième saison de la série NCIS. L'épisode 17, intitulé "Un coup de massue", démarre par un clin d'oeil à une émission très populaire aux Etats-Unis (ainsi qu'auprès de certains membres de l'équipe d'enquêteurs) :

   L'émission American Pickers est diffusée sur la chaîne History. Elle suit des sortes d'antiquaires en déplacement. Leur boutique est située dans une toute petite ville, LeClaire, dans l'Etat de l'Iowa, aux confins de l'Illinois :

   Le nom de cette ville ne vous dit peut-être rien, mais sachez qu'elle jouit d'une incontestable renommée. Tous les amateurs d'histoire de la conquête de l'ouest savent qu'elle est la ville de naissance d'un certains William Cody, alias Buffalo Bill (en 1846).

   Mais, aux yeux d'un lecteur hexagonal, c'est le nom même de cette ville qui suscite des questions. Il est un vestige de la présence française en Amérique du Nord. La ville a été baptisée ainsi en hommage à Antoine Le Claire, qui fut, entre autres, commerçant et interprète pour l'armée américaine. Il était le fils (métis) du Français du Canada François Le Claire et d'une Indienne.

   Ce n'est pas le seul intérêt anecdotique de cet épisode, dont l'intrigue policière n'est pas particulièrement élaborée. En se rendant chez les brocanteurs, dans la petite ville, pour enquêter, l'équipe de Gibbs fouille dans le fatras d'objets à vendre. La jeune Bishop a un coup de coeur pour une vieille agrafeuse, tandis que son patron semble soudainement très intéressé par un mystérieux petit objet :

   Si les gags autour des agrafeuses constituent l'un des fils rouges de l'épisode (avec l'introduction d'un personnage destiné à prendre davantage de place par la suite), l'explication du mystère concernant la petite pièce n'intervient qu'en toute fin d'histoire...

Le Vent de la liberté

   Ce film de Guerre froide nous conte une histoire vraie, celle de deux familles de (petite) classe moyenne, qui songent à fuir la RDA (l'Allemagne communiste) en 1979. Ils habitent quelque part dans le Sud du pays, pas très loin de la frontière avec la RFA (côté Bavière), qu'ils ambitionnent de franchir par les airs, en ballon.

   Le début relate l'échec de la première tentative. Même si l'on se doute bien qu'il y a peu de chances qu'ils rencontrent le succès au bout d'un quart d'heure (alors que le film est censé durer deux heures), on suit avec attention voire angoisse le vol du premier ballon... et le retour (discret) à la case départ. Cette longue introduction vaut aussi pour la description de climat de suspicion générale qui sévissait à l'époque. Entre policiers en civil et écoutes téléphoniques, tout le monde pouvait se croire espionné.

   Ils ne le réalisent pas tout de suite, mais les héros ont été très imprudents. Ils ont laissé trop d'indices derrière eux, indices que la Stasi va s'évertuer à exploiter pour tenter de remonter jusqu'aux potentiels fuyards. La suite prend donc la forme d'un suspens très bien mené. La police politique est-allemande était redoutable, mais ne disposait que des moyens de son époque. On nous montre des agents scrupuleux, méthodiques, qui mettent du temps à démêler le vrai du faux dans les pistes qui s'ouvrent devant eux. Le personnage de l'officier enquêteur est particulièrement bien campé, avec un zeste d'humour pince-sans-rire, sarcastique, qui détonne dans le monde des ternes bureaucrates soumis au régime.

   Le film mérite aussi le détour pour la manière dont il dépeint la vie quotidienne de gens plutôt ordinaires, avec leurs tracas et leurs faiblesses. Les héros de l'histoire ne sont ni particulièrement intelligents, ni dotés d'une trempe extraordinaire. Cela donne plus de force à l'intrigue.

   La fin est trépidante, abusant toutefois du "juste-à-temps", un peu comme dans Argo. Mais cela reste une belle histoire, un éloge de la liberté à savourer à notre époque, qui voit grossir les mouvements extrémistes de tout bord.

Mon Inconnue

   De prime abord, cette comédie romantique mâtinée de fantastique ne paie pas de mine. Le générique de début nous montre la naissance d'un amour entre un apprenti-écrivain et une jeune pianiste douée. Le conte de fées se poursuit... puis dérape, jusqu'à la rupture : le héros (très bon François Civil, vu récemment dans Le Chant du loup) se réveille dans un monde parallèle, dans lequel sa dulcinée Olivia (Joséphine Japy, déjà remarquée dans Cloclo, for-mi-da-ble) ne le connaît pas.

   Le scénario entretient longtemps le mystère. Le héros est-il en train de rêver ? Ou bien, si c'est à présent la réalité, rêvait-il durant la première partie de l'histoire qui ressemble tant à un roman-photo ? Ou encore, n'est-on pas face à l'une des séquences de fiction visualisée, quand l'écrivain pense aux scènes qu'il est en train d'écrire ? On a la réponse à la question quand il se remet à neiger...

   Les acteurs sont excellents. Ces deux jeunes pousses du cinéma français forment l'un des plus beaux couples qui nous ait été présenté ces dernières années. François Civil est aussi convaincant dans le rôle de l'agent secret que dans celui de l'amoureux transi ou du connard suffisant. Quant à Joséphine Japy, elle me touche autant en artiste introvertie qu'en vedette magnétique, capable de faire rayonner une scène de restaurant, quand les personnages ont abusé d'un vin rosé...

   Ajoutez à cela des seconds rôles bien campés, parmi lesquels se distingue Benjamin Lavernhe, véritable trublion de l'histoire, aussi à l'aise en joueur de ping-pong du dimanche qu'en flatuleur intempestif.

   Même s'il y a ici et là quelques longueurs et quelques facilités, je suis sorti du cinéma avec du baume au cœur, le sourire aux lèvres.

Les Oiseaux de passage

   Ce conte moral amérindien nous est présenté sous la forme d'une tragédie en cinq actes, dont l'intrigue est inspirée d'une histoire vraie, celle d'Indiens de Colombie qui se sont lancés dans le commerce de marijuana, au tournant des années 1960-1970.

   Le premier quart d'heure est peut-être la plus belle séquence du film. On se croirait presque dans un reportage ethnographique, en pleine cérémonie coutumière. Le rite est celui du passage à l'âge adulte d'une adolescente (Zaida) qui a désormais ses règles. Comme elle est issue d'une famille estimée des Wayuu, la cérémonie revêt une certaine ampleur. De surcroît, sa mère, l'imposante Ursula, est dotée de pouvoirs chamaniques, qui semblent se transmettre dans le clan. Les scènes d'extérieur sont filmées avec un incontestable sens du rythme, mais j'ai quand même préféré les plans tournés dans une case, lorsque la mère s'occupe de la fille. Cette séquence voit apparaître le prétendant de Zaida, Rapayet, un gars un peu timide, issu d'une famille moins prestigieuse. Mais il sait ce qu'il veut.

   La suite montre comment Rapayet va obtenir la main de Zaida. Le commerce de café et la contrebande d'alcool ne suffisent pas à réunir la somme nécessaire pour payer la dot de sa promise. Lui et son meilleur ami Moisés croisent des gringos en quête de substances hallucinogènes. De là naît l'idée d'en fournir de grandes quantités, en s'alliant avec un autre clan indigène, qui contrôle les terres où pousse cette étrange herbe sauvage.

   Dans un premier temps, le conte moral devient presque conte de fées. Les clans indiens connaissent la prospérité, mais la violence sous-jacente est prête à éclater. Cet argent facile corrompt une partie de la population. Son mode de vie change et les comportements individuels se dégradent, alors que le confort quotidien s'est considérablement amélioré. Les auteurs ont réussi à mettre en scène le conflit (parfois intérieur) entre les traditions séculaires et l'attirance pour une forme de modernité. (Les oiseaux de passage incarnent l'esprit des défunts, qui reviennent hanter les vivants ou les avertir qu'un danger approche.) La démonstration n'est pas manichéenne, même si l'on sent bien que l'histoire (racontée par une sorte de griot amérindien) suit une pente tragique.

   Attention toutefois : le rythme est un peu lent et tous les interprètes (dont certains ne sont à l'évidence pas des professionnels) ne sont pas irréprochables. Mais c'est prenant et bien filmé.

Astrid et Raphaëlle

   Vendredi 12 avril, France 2 a diffusé Puzzle, l'épisode pilote d'une nouvelle série policière, dont les héroïnes forment un binôme des plus contrastés.

   Ce duo d'enquêtrices est constitué d'une commandante de police et d'une archiviste. La première est plutôt ronde, "nature", bordélique, divorcée en ayant perdu la garde de son fils. La seconde est maigre, introvertie, maniaque, célibataire et... autiste. Toutes deux sont désireuses de faire triompher la justice... et obstinées. C'est ce qui va les réunir.

   A gauche se trouve Raphaëlle la policière, incarnée par Lola Dewaere. Son jeu m'agace un peu (tout comme son personnage, d'ailleurs), mais je trouve que l'alchimie fonctionne bien avec sa partenaire, Astrid, à droite ci-dessus. Elle est interprétée par Sara Mortensen, qui nous livre une formidable composition.

   Leur rencontre est bien mise en scène et, même si cette première enquête n'est pas des plus subtiles, j'ai été pris par l'histoire, qui comporte de nombreux moments comiques, en raison du décalage entre le monde des "neurotypiques" (ie les "gens normaux") et la perception qu'en a Astrid, si attachante.

Captain Marvel

   Ce n'est pas le premier personnage féminin de comic books à faire l'objet d'un long-métrage, mais c'est sans doute la première fois qu'on peut dire qu'un film de super-héros a été réalisé dans une optique féministe... et ce n'est en rien dérangeant. (Cette dernière remarque s'adresse aux mecs burnés qui lisent ce billet.)

   On pouvait craindre que Brie Larson (vue dans Kong : Skull Island) ne soit qu'une énième blondasse à prendre la pose sur des fonds verts, eh bien non. Je trouve l'actrice très convaincante, aussi bien dans les scènes d'action que dans les scènes dialoguées où perce une salutaire ironie, qui donne une saveur pas désagréable à cette meringue numérique truffée d'effets spéciaux. Certes, les spectateurs attentifs (jouissant du spectacle sur un très grand écran) remarqueront que, lors de certaines bastons, quand l'héroïne est de dos, il arrive que sa carrure augmente brièvement, signe qu'une doublure (masculine à mon avis) lui a été substituée le temps que "Vers" (prononcer "Verse") projette quelques vilains à dix mètres de là. Mais, le reste du temps, il est indéniable que la comédienne tient sa place, notamment dans la séquence de poursuite qui s'achève dans un métro aérien, très bien mise en scène.

   Ce film d'action bénéficie aussi d'un assez bon scénario, qui préserve longtemps le mystère quant au passé de l'héroïne. Les moins stupides des spectateurs devineront néanmoins l'essentiel assez vite. C'est le renversement des positions qui est le plus habilement amené. Il est question d'une guerre, qui nous est présentée d'une certaine manière au début de l'histoire, avant qu'on ne la découvre, plus loin, sous un autre angle. Un conseil : ne vous fiez pas aux apparences.

   Ce conseil s'applique tout particulièrement au personnage ci-dessus, Goose, le chat de la scientifique Wendy Lawson qui s'est autrefois attaché à Carole Danvers... et se prend désormais d'affection pour Nick Fury. De prime abord, cette boule de poils ("provided by Animals for Hollywood", nous dit le générique) est adorable, câline et ronronnante. La dernière demi-heure nous réserve de colossales surprises à son sujet, surprises qui prennent le plus souvent un tour hilarant.

   Tout cela est possible grâce à l'armée de techniciens des effets spéciaux. A la vue du générique, je pense que plus des trois quarts des personnes qui ont travaillé sur ce film ont été employées à son habillage numérique. Il faut reconnaître que c'est bigrement bien fichu, mais parfois excessif. Comme l'action se déroule dans les années 1990, on nous a rajeuni Nick Fury / Samuel Jackson, au point que cela en devient gênant (surtout si l'on a récemment vu Glass). C'est pire dans le dernier quart de l'histoire, quand l'héroïne voit ses pouvoirs encore augmenter. Les combats se mettent à ressembler à des séquences de jeu vidéo, culminant dans la bataille de l'espace, pas du tout réaliste selon moi.

   Comme c'est une production Disney-Marvel, il ne faut évidemment pas se précipiter hors de la salle lorsque commence à défiler le générique de fin. Même si le film s'achève sur une scène de transition, deux bonus ont été glissés un peu plus loin. Le premier fait le lien avec Avengers - Infinity War (si l'on se souvient de ce qui est arrivé à Nick Fury). Le second voit réapparaître Goose... et annonce la suite, qui va bientôt sortir sur nos écrans. La production a pris la peine de mentionner que Captain Marvel sera de la partie. Viendez dépenser vos sous, bonnes gens !

Royal Corgi

   Pendant des années, le nom de cette race de chiens n'a évoqué pour moi qu'un groupe britannique, auteur d'un seul grand succès, une chanson qui a accompagné nombre de mes soirées et de mes nuits sur la route, jadis. Ce n'est que tardivement que j'ai appris que les membres des Korgis avaient choisi ce nom en relation avec les canidés dont la reine Elizabeth II s'est entichée.

   L'amour immodéré de ces chiens courts sur pattes est d'ailleurs source de gags dans la première partie de l'histoire, la plus enlevée. On nous présente d'abord le fonctionnement du palais royal, de manière évidemment caricaturale, entre postures guindées, protocole suranné, bonnets à poils et décoration à l'ancienne. L'arrivée de Rex, le petit dernier corgi, rebat les cartes au sein du chenil royal, dont il devient rapidement la coqueluche, quand bien même il lui arrive d'uriner et de déféquer mal à propos...

   Une autre séquence particulièrement réussie est celle de la visite du couple Trump. Le président des Etats-Unis est caricaturé (?) en malotru, auquel il va arriver quelques bricoles... De son côté, Rex tente d'échapper à un accouplement programmé avec... une Texane ! Je n'en dis pas plus : c'est très réussi. Le tout culmine lors du dîner de gala, qui, bien évidemment, dérape.

   L'intrigue bascule alors dans le roman d'aventures, ma foi assez prévisible. Les films carcéraux ont visiblement inspiré la longue séquence de la fourrière. Celle-ci ne manque pas de rebondissements, mais, même au niveau des films d'animation, c'est du déjà-vu (par exemple dans Shaun le mouton ou encore Ozzy, la grande évasion). Cet épisode est néanmoins essentiel à l'intrigue, puisqu'il voit le personnage principal découvrir l'amitié véritable et l'amour, en dehors de son douillet cocon.

   On s'achemine vers une fin sans surprise, mais nourrie de péripéties. L'animation est très correcte, tant au niveau des détails dessinés que des mouvements des personnages. Par contre, la musique ne m'a pas du tout emballé. S'il est regrettable que la première partie soit (pour moi) nettement meilleure que la seconde, l'ensemble reste un divertissement très plaisant, de surcroît bref : il ne dure qu'1h20.

   PS

   En raison de son grand âge, la reine d'Angleterre a renoncé à élever des corgis, afin qu'aucun n'ait à lui survivre. Le dernier, Willow, est décédé l'an dernier. Une journaliste a collecté une jolie brochette de photographies d'Elizabeth avec ses animaux préférés.

Marie Stuart, reine d'Ecosse

   J'ai enfin pu voir ce drame historique, un brin romancé. L'action se déroule dans la seconde moitié du XVIe siècle, en Grande-Bretagne, alors agitée par les affrontements religieux, entre catholiques et protestants. A cela s'ajoutent des rivalités politiques et la question de la place des femmes dans cette société de mâles dominants.

   L'intrigue oppose deux personnages aux personnalités affirmées, mais différentes. A ma droite se trouve Marie Stuart, la catholique, la "Française", la flamboyante. Veuve du roi de France François II (un des fils de Catherine de Médicis), elle revient dans une Ecosse qui bascule dans le calvinisme... et où son demi-frère s'accommodait fort bien de son absence. Elle est brillamment interprétée par Saoirse Ronan, qui trace sa route depuis Les Chemins de la liberté et The Grand Budapest Hotel.

   A ma gauche se trouve Elizabeth, l'une des filles du roi Henri VIII et donc apparentée à Marie Stuart (la soeur aînée d'Henri VIII, Marguerite Tudor, est la grand-mère de Marie). Dans le rôle, Margot Robbie (déjà formidable dans Moi, Tonya) est méconnaissable. Elle s'est littéralement fondue dans son personnage, plus ingrat, mais doté d'un meilleur sens politique que Marie Stuart.

   Le film vaut donc pour ces deux beaux numéros d'actrices et (pour ceux que cela intéresse), pour le contexte de lutte politique et religieuse. C'est aussi une réflexion sur les femmes et le pouvoir. Dans leur milieu, les mariages sont arrangés. Ces princesses (puis reines) sont d'excellents partis, voire des proies de premier choix pour l'ambitieux qui cherche à atteindre le pouvoir par leur intermédiaire. L'amour authentique et durable n'a pas vraiment sa place dans ce monde impitoyable. Le film aborde toutes ces questions et prend le temps de montrer l'évolution des personnages, les principaux comme certains secondaires (masculins). Même si le rythme est un peu lent, je trouve que c'est une belle réussite.

Chamboultout

   Je suis allé voir ce film en pensant me divertir avec une comédie certes un peu lourdingue, mais bien interprétée. De ce point de vue, le contrat est rempli. José Garcia excelle dans le rôle de cet homme hyperactif devenu aveugle, boulimique et "sans filtre". On se régale de ses saillies et de son côté "tactile".

   Mais l'humour jaillit aussi de la lecture du livre que vient de publier son épouse, interprétée par Alexandra Lamy. Elle y raconte sa vie avec son homme accidenté, ainsi que les relations avec l'entourage proche, la famille et les amis. C'est là que cela devient caustique. Chacun d'entre eux a reçu un exemplaire, juste avant le séjour à Biarritz, organisé pour fêter l'anniversaire du couple. J'ai beaucoup aimé suivre les interrogations, les incompréhensions, les craintes, les joies et les indignations de cette savoureuse bande de seconds rôles, très bien campés par Michaël Youn, Anne Marivin, Michel Vuillermoz, Medi Sadoun, Ludivine de Chastenet...

   Béatrice/Alexandra a écrit une autobiographie à clés, dans laquelle les véritables noms des personnes de son entourage ont été masqués. Je recommande tout particulièrement les péripéties nées du questionnement à propos du mot "velléitaire"... Le tout culmine dans le repas d'anniversaire, qui, évidemment, ne va pas se dérouler comme prévu.

   Le film surprend néanmoins à deux niveaux. D'abord, il offre de beaux moments d'émotion avec les deux acteurs principaux (José Garcia et Alexandra Lamy, encore plus formidable que dans Tout le monde debout). De surcroît, l'intrigue évite de tomber dans un angélisme politiquement correct. La vie n'est pas un filet d'eau tiède et j'ai apprécié que l'on ne fasse pas du personnage de Béatrice une sainte laïque. C'est une femme moderne, active, aimante, qui doit gérer son boulot, les enfants et un époux en pleine régression mentale. Elle a besoin de prendre l'air. Cela donne une saveur inattendue à cette histoire qui, de prime abord, pouvait paraître un peu trop balisée.

Dumbo

   Depuis une douzaine d'années, Disney s'est lancée dans le retournage de ses grands classiques d'animation, avec des acteurs réels (et pas mal de technologie). Cela donne des résultats aussi contrastés que Maléfique, Le Livre de la jungle (pour le meilleur) et Into the Woods (pas très emballant).

   Là, il est question d'adapter l'un des films d'animation que j'ai le plus aimés dans ma jeunesse, un bijou de poésie et d'humour surréaliste. L'intrigue en a été réécrite, en supprimant l'intervention des cigognes (souci de réalisme oblige) et celle des corbeaux (pour cause de "politiquement correct"). Du coup, comme le film d'origine était déjà assez bref, il a fallu développer l'histoire, qui commence par un tableau social de l'après-Première Guerre mondiale aux États-Unis. Le cirque Medici est au bord de la faillite. L'une de ses vedettes revient enfin de France, mais dans un état qui lui interdit (de prime abord) de reprendre son rôle. Entre temps, sa compagne est morte de la grippe espagnole (qui, rappelons-le, a sans doute été introduite en Europe par des Américains).

   L'histoire a donc un arrière-plan plus sombre que l'animation de 1941, qui n'évoquait le contexte international qu'à la toute fin, en montrant Dumbo enrôlé dans l'effort de guerre. On ne nous cache pas les mauvais traitements subis parfois par les animaux de cirque. Le coeur de l'intrigue est la séparation de la mère et du fils. C'est peut-être éculé, attrape-nigaud, mais j'ai marché. J'ai été d'autant plus touché que les éléphants (créés en images de synthèse) sont d'un réalisme étonnant.

   Les personnages incarnés par de vrais acteurs sont moins convaincants. Collin Farrell est transparent. Michael Keaton n'est pas mauvais, mais cabotine trop (tout comme Danny de Vito). La meilleure est sans conteste Eva Green (déjà dirigée par Burton dans Dark Shadows et Miss Peregrine), qui incarne une artiste française ratée (?) devenue la maîtresse du patron. Le personnage ne manque ni de charme ni de caractère. Pendant plusieurs minutes, je me serais bien vu dans la peau d'un trapèze... ou d'un éléphanteau ! Signalons aussi que le personnage de la souris (sorte de Jiminy Cricket de Dumbo dans la version animée) est remplacé ici par deux enfants, un garçon timide et sa sœur, une gamine très intelligente, qui contribue à donner une petite coloration féministe à cette histoire (notamment dans la scène qui la voit se réfugier devant un stand dédié à Marie Curie).

   La mise en scène m'a davantage emballé. Les vrais acteurs interagissent parfaitement avec les animaux. Les effets spéciaux sont très bons, sauf quand il est question de montrer Dumbo volant avec un ou plusieurs passagers. Là, les trucages sont trop voyants. Sinon, c'est parfois magnifique, comme lors de la scène des éléphants en bulles de savon, une pure merveille qui est censée faire oublier la séquence des éléphants roses dans le film d'origine.

   Je ne pense pas trahir un secret en révélant que l'histoire ne se conclut pas de manière négative (pour les gentils). C'est donc une œuvre visible par tous et qui ne vise pas spécifiquement le jeune public.

   PS

   Les adultes auront l'occasion de s'intéresser aussi au sous-texte. Dumbo ("Crétinou") le maladroit est une projection de Tim Burton, artiste qui peine à s'intégrer au monde des adultes, et qui doit, pour pratiquer son art, passer sous les fourches caudines des financiers d'Hollywood. Si le personnage de Vandevere (interprété par M. Keaton) rappellera sans doute au public états-unien la famille Vanderbilt, lui et son parc d'attraction extravagant sont sans doute des doubles de Disney, entreprise avec laquelle Burton réussit donc à régler quelques comptes, tout en étant financé par elle !

Gentlemen cambrioleurs

   C'est l'histoire (vraie !) d'une bande de papys voleurs, qui a mis au point le "casse du siècle" au Royaume-Uni, il y a quelques années. Pour incarner ces délinquants à carte vermeil, on a choisi des acteurs (plus que) chevronnés, parfois chevrotants. Le meilleur d'entre eux est incontestablement Michael Caine, sobre, digne et d'un maintien parfait. Il incarne le cerveau de la bande.

   Le début du film est marqué par la nostalgie, celle des anciens films de braquage... et celle du passé des acteurs. La musique est chouette et, même si cela manque un peu de rythme, on est touché notamment par le couple formé par Reader/Caine et sa compagne malade.

   La formation de l'équipe de cambrioleurs est assez "exotique". Ces vieux mecs ne doivent pas sentir très bon, entre ceux qui pètent à loisir et ceux qui ont besoin de fréquemment uriner... C'est tourné comme cela se fait, cahin-caha. On sourit de temps en temps. Par contre, la séquence de l'effraction puis du cambriolage (en deux temps, un week-end de Pâques) est bien mise en scène.

   C'est ensuite que cela se gâte. Les messieurs ne s'entendent pas si bien que cela. Ils ont tous des caractères bien trempés et, parfois, de vieux comptes à régler. Ils sont de surcroît plutôt malhonnêtes, y compris (surtout ?) entre eux. La bande se délite. Cela devrait être hilarant, mais c'est poussif, pas tant mal joué que mal écrit.

   Un petit suspens naît de l'enquête menée en parallèle par Scotland Yard. Des policiers beaucoup plus jeunes que nos "héros" utilisent des méthodes ultra-modernes pour tenter d'arrêter des malfrats à l'ancienne. Cela redonne de l'intérêt au film, dans sa dernière partie. On se demande si l'un des membres de la bande ne va pas tirer les marrons du feu.

    A voir uniquement si l'on apprécie beaucoup ces vieux acteurs et si l'on ne connaît pas cette histoire rocambolesque. Dans un genre approchant, Braquage à l'ancienne et surtout Insaisissables 2 sont meilleurs.

Rebelles

   C'est l'histoire de trois drôles de dames (sans Bosley ni Charlie), qui vivent dans la dèche, sous la domination masculine, à Boulogne-sur-Mer.

   Sandra (Cécile de France, comme je ne l'ai jamais vue) est une ancienne miss Nord-Pas-de-Calais qui n'a pas réussi à capitaliser sur son succès d'origine. Elle revient de Nice avec un magnifique oeil au beurre noir. Marilyn (Audrey Lamy, en pleine forme) est une une pile électrique, mère célibataire alcoolique et droguée, qui a succombé naguère aux assauts libidineux de son chef d'atelier. Notons que sa coupe de cheveux était déjà ringarde chez les messieurs dans les années 1980. Nadine la matriarche (Yolande Moreau, qui suit très bien le rythme imposé par ses deux consoeurs) est l'une des anciennes de la conserverie. Elle se plie en quatre pour son mari chômeur et ses deux gamins bas de plafond.

   Je n'aime pas le titre. Une partie du sous-texte indique que, pour être rebelle, il faut voler, utiliser des armes et ingurgiter de grandes quantités d'alcool de mauvaise qualité. Fort heureusement, les actrices font (presque) oublier tout cela, tant elles sont talentueuses.

   La première moitié du film est une comédie sarcastique. Pour résumer, je pourrais dire qu'un bout de bite est le noeud de l'intrigue. C'est réjouissant... et terrible à la fois. Les rapports humains sont bruts de décoffrage, torgnoles à la clé.

   La seconde partie est un polar rythmé, drôle, saignant (pas pour les petits, donc), avec pas mal de rebondissements. Quelques messieurs se distinguent, au premier rang desquels je place Simon Abkarian, qu'on n'est pas étonné de retrouver en petit chef d'une bande de trafiquants... et papa concerné. Du côté masculin, il faut aussi signaler la prestation de Samuel Jouy, que les téléspectateurs ont pu découvrir en maire de commune rurale (et fils d'entrepreneur véreux) dans la série Zone blanche. Les amateurs de comédie policière reconnaîtront aussi Béatrice Agenin, la procureure de Cassandre, qui incarne ici la mère de Sandra, sorte de concierge dans un camp de mobile homes.

   C'est drôle, on ne s'ennuie pas et il y a un arrière-plan sociétal plutôt bien campé. C'est la comédie française à voir en ce moment.

Des matous suédois

   Actuellement, chaque jeudi, sur Arte, est (re)diffusée l'intégralité des épisodes de la série suédoise Meurtres à Sandhamn. Chaque saison (pour l'instant) est constituée de trois épisodes, programmés à la suite l'un de l'autre, et qui constituent un tout.

   Le 21 mars a été diffusée la saison 4 (intitulée "Les Secrets de l'île"), au cours de laquelle certains "sacs à puces" ont été à l'honneur, pour diverses raisons. C'est dans l'épisode 2 que les habitués ont pu faire la connaissance d'un personnage mentionné dans la saison précédente, à savoir Glen :

   Sur l'image ci-dessus, il se trouve à droite, dans les bras de la voisine de l'inspecteur Thomas Andreasson (le héros de la série, interprété par Jakob Cedergren, vu dans The Guilty). Il s'agit du chat de l'ex-femme de Thomas, venue le rejoindre sur la petite île où il possède une maison de vacances. Sa seule voisine est cette dame âgée, un peu revêche de prime abord, un peu pique-assiette sur les bords... et surtout très soucieuse de protéger ses oiseaux de l'appétit du félin qui déambule sans la moindre gêne dans les parages. La saison précédente, ce Glen avait été l'objet d'un quiproquo entre Thomas et son amie d'enfance Nora, qui loge sur l'île voisine de Sandhamn, située au large de Stockholm, dans le sud-est de la Suède :

   Mais, aussi mignon soit-il, ce n'est pas Glen la vedette des matous de cette saison. Cet autre chat est le compagnon exclusif d'un ancien militaire alcoolique. On l'aperçoit dès le premier épisode de la saison 4 :

   Au cours de l'enquête (à propos d'une ancienne unité des commandos de Marine, au sein de laquelle il s'est passé des trucs louches, jadis), la collègue de Thomas (depuis la saison 2), la pétulante Mia, se prend d'affection pour ledit matou, qu'elle aimerait bien adopter :

   Lorsque j'ai découvert cette série, il y a quelques années, j'avais eu un peu de mal à m'habituer au rythme des enquêtes (un peu lent) et à l'ambiance dans laquelle baignent les intrigues. Mais, au fil des saisons, je trouve que la série s'est bonifiée. Les scénaristes veillent à écrire des histoires assez complexes : il n'est pas facile de deviner l'identité des tueurs (mon jeu préféré quand je visionne ce genre de programme). Et puis il y a, en fil rouge, les relations entre Thomas et Nora, anciens bons amis, qui ont un peu fleureté, qui semblent très attirés l'un.e par l'autre... mais dont la possible idylle est systématiquement contrariée, soit par les rebondissements d'une enquête, soit par l'arrivée dans la vie de l'un d'entre eux d'une tierce personne toujours pleine de charme.

   La chaîne franco-allemande a eu la bonne idée de permettre le visionnage des épisodes sur une assez longue durée. Ainsi, vous avez jusqu'au 5 avril pour regarder la saison 1 (qui démarre par la découverte d'un mystérieux cadavre, sur la plage, et se conclut dans un phare) et la saison 2 (qui débute par une compétition de yatch et mêle relations sexuelles secrètes et questions d'argent).

   La saison 3 est disponible jusqu'au 12 avril. Elle tourne autour de la disparition, un an auparavant, d'une adolescente, dont une partie du cadavre finit par être découverte. Cette mort est liée à une autre, un peu plus ancienne. Comme souvent dans la série, le passé enfoui ressurgit, avec une vengeance à la clé.

   J'aime le format des mini-séries. France Télévisions a récemment diffusé Kepler(s) (avec Marc Lavoine) et la suite de Zone blanche (une incursion réussie de la fiction française dans le thriller rural). Meurtres à Sandhamn est un peu plus lisse : c'est un polar mâtiné de chronique sentimentale. Mais c'est bien mené.