Tel Aviv on fire

   Cette comédie palestinienne est une coproduction internationale. Le réalisateur, Sameh Zabi, est le co-scénariste du Chanteur de Gaza. L'intrigue fait intervenir des personnages israéliens et palestiniens... et même une "actrice française" ! Au centre se trouve la réalisation chaotique d'un feuilleton sirupeux qui fait les beaux jours de la télévision palestinienne... mais qui rencontre aussi un grand succès côté israélien. Même si l'auteur donne une vision palestinienne du conflit proche-oriental (en particulier de la Guerre des Six-Jours et des Accords d'Oslo), le film insiste plutôt sur ce qui rapproche (ou peut rapprocher).

   Salam est un loser. Il n'est plus un jeune homme et galère entre deux emplois précaires. Il profite de la bienveillance de son oncle pour s'introduire sur le plateau de tournage de la série populaire. Les extraits qu'on nous en propose sont d'une consternante médiocrité. Mais, parfois, c'est à double-sens. Ce qui est diffusé à la télévision fait écho à ce que certains personnages vivent. Parmi les moments drôles, il y a ceux qui voient le néo-scénariste courir après l'inspiration, quitte à recopier un dialogue entendu au café ou à solliciter sa mère au téléphone !

   Mais la source de gags la plus "énorme" est cette étrange relation qui va se nouer entre l'officier israélien dirigeant le check-point (entre Jérusalem-Est et Ramallah) et le scénariste. C'est réussi notamment grâce au talent de Yaniv Biton, qui incarne à la perfection un militaire un peu beauf, mais ayant le sens du concret. A son contact, Salam va progresser, au point, à la fin de l'histoire, de pouvoir presque se passer de toutes les personnes ressources qu'il aura sollicitées.

   Pour faire une bonne histoire orientale, il faut un amour contrarié. Ce sera celui de Salam pour Mariam, son ex-petite amie, la fille de l'épicier de son quartier, qu'il redécouvre devenue médecin... et femme extrêmement séduisante. Même si leur relation n'est pas aussi tendue que celle de l'espionne palestinienne et de l'officier israélien du feuilleton, elle va connaître quelques rebondissements.

   C'est un film malin, pétillant, pas idiot sur le fond, qui trouve le moyen de s'achever sur un coup de théâtre particulièrement cocasse. A découvrir !

L'Homme à la moto

   Ce film argentin nous conte l'histoire de Miguel, une petite racaille, toujours entre deux coups, qui, un jour, se demande s'il n'a pas tué la vieille dame à laquelle son complice vient d'arracher le sac à main. Cette histoire a été inspirée au réalisateur Augustìn Toscano par un fait divers dont sa propre mère a été la victime. Elle parlera aussi à tous ceux dont l'un des proches a été la cible d'un vol à l'arraché.

   C'est que ce Miguel a des scrupules. S'il s'est acoquiné avec des mecs louches pour monter ses vols en moto, c'est parce qu'il manque d'argent. (... comme pas mal de monde en Argentine, à tel point que les truands n'ont guère de difficultés à recruter de la main-d'oeuvre pour organiser le pillage de certains commerces... surtout si les policiers -mal payés- sont en grève !) Il voudrait jouer pleinement son rôle de père... et reconquérir son ex. D'une certaine manière, c'est une "victime de la société", même si le film suggère qu'il est un peu fainéant sur les bords. Est-ce suffisant pour faire de lui, à l'instar des voyous qu'il côtoie, un prédateur ?

   La deuxième partie de l'histoire montre le rapprochement qui s'effectue entre Miguel et la vieille dame, prénommée Elena. Elle semble avoir perdu la mémoire. Le jeune homme saute sur l'occasion pour tenter de se racheter... mais aussi pour profiter de la grande maison vide dans laquelle habite sa victime. Ainsi, elle va bénéficier d'un aide à domicile, tandis que lui remonte dans sa propre estime, tout en s'occupant mieux de son fils. Mais la vieille dame est-elle dupe ? Lui-même, ne finit-il pas comprendre que tous deux jouent un jeu à bénéfices réciproques ? Cela suffira-t-il à le faire échapper à l'influence des voyous qu'il a pris l'habitude de fréquenter ?

   C'est dire si ce film social à la base ne manque pas de subtilité. Cela se complexifie même quand on apprend qu'Elena est une ancienne femme de ménage. Comment a-t-elle pu devenir propriétaire d'une grande maison en plein centre-ville ? (L'action se déroule dans le nord-ouest de l'Argentine, dans la province de Tucumán, sans doute dans la ville de... San Miguel !)

   J'ai trouvé les acteurs très bons et la réalisation pas dégueulasse du tout. Dès le début (dans la séquence à moto), on sent que le metteur en scène ne s'est pas contenté de juxtaposer les plans faciles. Il a su profiter aussi bien du caractère rural de la banlieue que de l'enchevêtrement des immeubles au centre-ville... et il s'est creusé les méninges pour finir son histoire correctement, par une succession de péripéties qui ménage un petit suspens.

Monsieur Link

   Ce "Monsieur Lien" est une sorte de chaînon manquant entre l'être humain et le singe, ici un Sasquatch (ou Bigfoot) supposément présent en Amérique du Nord. C'est ce qu'entend démontrer l'explorateur Lionel Frost (doublé par Thierry Lhermitte dans la version française), un noble britannique aussi distingué qu'opiniâtre. On fait sa connaissance dans la première séquence, située en Ecosse. On comprend très vite de quoi il s'agit. C'est cocasse.

   ... et remarquablement animé, avec la technique du "stop motion", qui a dû demander un travail de fou. Le paradoxe est que c'est le personnage principal (l'homme-singe, doublé par Eric Judor) qui est le moins réussi sur le plan visuel. Les autres sont animés avec brio. Et que dire des effets au niveau des décors et de tout ce qui est aquatique ! Signalons que les producteurs se sont déjà fait remarquer avec Coraline, Les Boxtrolls et Kubo.

   J'ai été emballé. L'histoire pourrait être tirée d'un roman de Jules Verne. D'ailleurs, ce Lionel Frost a des airs de Phileas Fogg. Même si, pour un adulte, les péripéties ne réservent que peu de surprises, on est pris par cette série d'aventures, qui mènent les héros (les deux mâles, bientôt rejoints par une femme au tempérament affirmé) d'Europe en Amérique du Nord puis au coeur de l'Asie. A l'écran, c'est parfois très beau et l'on rit assez souvent.

   PS

   Au passage, l'intrigue tourne en ridicule l'obscurantisme des adversaires de Frost, ancêtres des créationnistes contemporains.

Toulouse va perdre un cinéma...

   ... au centre-ville. Il s'agit de l'UGC-Roosevelt, qui, selon La Dépêche du Midi, devrait fermer ses portes en juin prochain. Ce n'est pas une totale surprise pour ceux qui suivent le sujet. Cela fait déjà des mois qu'UGC avait annoncé le projet d'ouvrir un nouveau multiplexe, en périphérie, dans le quartier de Montaudran. De plus, le nombre d'entrées du cinéma donnant sur les allées Roosevelt ne cessait de baisser : en 2018, il a accueilli moins de spectateurs que le multiplexe de Rodez ! Enfin, les projets d'agrandissement butaient sur le contexte immobilier local :

   La façade du cinéma est encadrée par un Starbucks et un concurrent franchouillard d'une célèbre chaîne de restauration rapide (dont un établissement est d'ailleurs situé juste en face, de l'autre côté de la place). A l'ouest, les bâtiments donnant sur la rue d'Austerlitz ne sont pas non plus à vendre.

   Pour dire le fond de ma pensée, je ne vais sans doute pas regretter la fermeture de l'UGC. Je n'y suis que très rarement allé. Il ne propose quasiment que des films en version française (même s'il y a eu une évolution -tardive- à ce niveau), il est cher et, par-dessus le marché, il faut parfois supporter des spectateurs indélicats, un inconvénient que l'on rencontre aussi dans un autre multiplexe, quasiment voisin.

   Que va-t-il rester en centre-ville ? Le grand rival d'UGC, le Gaumont Wilson (qui, lui, a pu s'agrandir et se moderniser)... et, surtout, les deux cinémas d'art et essai, l'ABC et l'American Cosmograph (ex-Utopia). Complètent l'offre la Cinémathèque de Toulouse et Le Cratère. La première, située à proximité de l'ABC, propose de (re)voir dans sa belle salle des "films du patrimoine", en général restaurés... un filon dont tentent de profiter des réseaux aussi différents qu'Utopia et CGR. Quant au Cratère, c'est une salle associative, un peu excentrée, mais qui donne une seconde vie aux films art et essai, avant qu'ils ne sortent en DVD.

   A cette liste il a failli manquer un nom : celui de l'American Cosmograph, alors Utopia Toulouse, aux locaux vieillissants, menacé en 2015 d'une foudroyante augmentation de loyer. Finalement, il y a eu scission, l'Utopia Toulouse devant l'American Cosmograph, mais en conservant les "valeurs" du réseau art et essai. Le premier numéro de la nouvelle gazette (celui de juin-juillet 2016) contient des papiers racontant ce changement. Entre temps, en 2003, Utopia avait ouvert un nouveau cinéma en banlieue toulousaine, à Tournefeuille.

   C'est donc en périphérie de Toulouse que l'offre cinématographique a le plus augmenté :

   Si l'on excepte l'Utopia de Tournefeuille, ce sont les multiplexes qui ont peuplé la banlieue : CGR à Blagnac, Gaumont à Labège, Kinépolis à Fenouillet... et donc bientôt (en 2021 ?) UGC à Montaudran (le point rouge sur le plan). Ceux qui ne veulent pas trop s'éloigner du centre peuvent aussi goûter au petit cinéma de Ramonville-Saint-Agne (correspondant au trait rouge ci-dessus).

   Enfin, il est un autre cinéma toulousain qui continue à faire parler de lui : Les Nouveautés. Autrefois situé boulevard Carnot (pas très loin de l'UGC d'ailleurs), il a fermé en 1999. Les gérants de l'Utopia Toulouse ont un temps songé à y transférer leur cinéma, mais les locaux avaient déjà été vendus. Un projet "urbain chic" est en cours de réalisation. les travaux ont mis du temps à démarrer. En octobre dernier, on en était là :

Santiago, Italia

   Le titre de ce documentaire peut paraître étrange : il semble évoquer une ville située en Italie, alors qu'il s'agit de la capitale du Chili. La raison en est qu'une fraction du territoire de cette cité est bien italien : celui de l'ambassade. En septembre 1973, des opposants au coup d'Etat de Pinochet s'y sont réfugiés.

   Le réalisateur Nanni Moretti commence par évoquer la présidence d'Allende, élu de justesse en 1970 après trois tentatives infructueuses. Des images d'archive ressuscitent cet homme de gauche intègre, qui avait sans doute autant de soucis avec sa majorité hétéroclite qu'avec son opposition (soutenue par les Etats-Unis).

   Arrive ensuite le coup d'Etat militaire (qu'en Amérique du Sud on appelle Golpe). Les témoignages permettent de comprendre la sidération d'une partie de la population, pendant qu'une autre part se réjouit ouvertement. Moretti n'élude pas le passage douloureux sur le suicide d'Allende. Même s'il donne la parole à un des derniers tenants de la thèse de l'assassinat, le réalisateur choisit plutôt de tenter d'expliquer les raisons du suicide, en s'appuyant sur des rescapés lucides. Notons qu'il a aussi interrogé d'anciens officiers de l'époque... qui ne regrettent rien.

   C'est à ce moment-là que le documentaire quitte la grande histoire pour la petite, celle de militants de gauche qui ont tout fait pour échapper à l'armée. Dans un premier temps, celle-ci n'a pas mené une surveillance minutieuse des abords des missions diplomatiques, qui ont ainsi  pu accueillir des milliers de personnes. Celle d'Italie était une propriété protégée par un mur d'environ deux mètres de hauteur. Celui qu'on voit dans le film est plus élevé : le gouvernement l'a (par la suite) fait rehausser d'un bon mètre. On sourit en entendant ces témoins parler de leurs efforts pour franchir le mur, ou aider quelqu'un à le faire. L'un d'entre eux se réjouit d'avoir suivi des cours de gym, lui qui pourtant n'aimait pas cela... Un autre révèle que des personnes bien intentionnées avaient descellé quelques pierres pour former un petit escalier de fortune. Une dernière évoque la stupeur du garde enfin posté dans l'angle mort de la bâtisse.

   L'étape suivante est la description de la vie à l'intérieur de l'ambassade. Entre 250 et 300 personnes s'y retrouvent entassées. Fort heureusement, un grand jardin... et une piscine rendent le séjour plus supportable. A l'intérieur, pour le coucher, on opère une stricte répartition : les hommes célibataires au rez-de-chaussée, les familles avec leurs enfants au premier étage et les femmes célibataires au second. D'après certains témoignages, il semble que la bâtisse ait connu de nombreux mouvements nocturnes...

   Enfin, le gouvernement italien ayant attribué des visas, les réfugiés ont pu quitter l'ambassade pour l'Europe, d'où ils pensaient revenir rapidement. La majorité d'entre eux a fait souche en Italie, ce qu'on découvre dans les vingt dernières minutes. Ils ont constitué une main-d'oeuvre bien accueillie sur place, d'autant qu'on a veillé à les placer dans des régions où des "partis frères" (communiste, socialiste) étaient bien implantés. La solidarité politique a fait le reste.

   Même si j'ai trouvé le début un peu laborieux, j'ai finalement été captivé par ce documentaire, rigoureusement construit, nourri de témoignages intéressants, parfois émouvants. Par un curieux hasard de la programmation, le film est sorti en France à peu près en même temps que Companeros, qui évoque les méfaits de la dictature militaire en Uruguay à la même époque.

La Mappa Mundi à Albi

   Elle est conservée à la médiathèque d'Albi. Depuis 2015, elle est inscrite à l'Unesco sur le Registre Mémoire du Monde, tout comme la tapisserie de Bayeux, la Déclaration des droits de l'Homme et du Citoyen et l'Appel du 18 juin 1940. Sur le site, on peut d'ailleurs télécharger un dossier fort instructif.

   Pour compléter ses connaissances, on peut se rendre à la Maison du Vieil Alby, une ancienne demeure privée, rachetée par la commune il y a plus de quarante ans de cela, restaurée et devenue le siège de l'Association pour la sauvegarde du Vieil Alby. Elle se trouve à moins de dix minutes (à pieds) de la cathédrale Sainte-Cécile.

   Au premier étage se trouve une exposition permanente consacrée à Henri de Toulouse-Lautrec, en particulier à ses séjours au château du Bosc, bien connu des Aveyronnais. C'est un utile complément à la visite du musée qui lui est dédié. Au second étage (celui auquel se trouvait jadis le grenier ouvert) a été aménagée une petite salle de projection, où a été disposée une exposition temporaire (visible jusque fin avril, si je ne m'abuse) consacrée à la Mappa Mundi albigeoise.

   J'ai ajouté l'adjectif, parce que "mappa mundi" est en réalité une appellation, qui qualifie les anciennes cartes censées représenter le monde connu. On en voit quelques-unes sur deux des dix panneaux de l'exposition (les 8e et 9e). Le tout premier de l'ensemble évoque le contexte de la création, le deuxième les matériaux (parchemin, encres) utilisés à l'époque. Le troisième est d'ordre descriptif, indiquant les régions et cours d'eau représentés. C'est sur les panneaux 5,6 et 7 que la création du manuscrit et de la carte est abordée. Si l'origine remonte au VIIIe siècle, il y a eu des ajouts au cours du Moyen Age et de l'époque moderne.

   Pour deux euros, on a accès aux deux expos. Elles sont modestes, mais elles méritent le détour.

Companeros

   Intitulé La noche de 12 anos ("La nuit de douze ans") dans sa version originale, ce film uruguayen narre le sort de trois révolutionnaires tupamaros (communistes), que la dictature militaire a emprisonnés et tenté de briser, entre 1973 et 1985.

   C'est une fiction très documentée... et militante. Le réalisateur est en empathie avec les trois héros, tellement même qu'il passe très très vite sur les crimes auxquels certains d'entre eux ont participé. Ceci dit, quand on voit ensuite ce qu'ils ont enduré, on comprend que le souci principal soit de dénoncer la dictature sanguinaire qui a sévi jadis en Uruguay.

   Le début de l'histoire donne un bon aperçu de ce que sera le film. Il mêle violence et traits d'humour, le tout servi par une réalisation parfois inventive. On découvre les héros en prison, au moment de leur extraction pour une destination inconnue. C'est filmé en tourniquet depuis la cage centrale des matons. Détail cocasse : durant le transport en camion, l'un d'entre eux ressent une fulgurante envie de déféquer...

   Dans un premier temps, les rebelles ont été torturés physiquement. On a tenté de leur arracher des informations (méthode qui avait réussi avec l'un de leurs chefs, ce que le film ne dit pas). Devant l'inefficacité des sévices physiques, les militaires sont passés à la torture mentale. Le but était de briser ces hommes fiers et aux convictions profondément ancrées en eux. On les masque, on les déplace, on les frappe, on les déshabille, on les prive de nourriture voire on leur pisse dessus. A l'instar des geôliers, la mise en scène est imaginative et réussit à nous faire toucher du doigt ce qu'ont ressenti les trois prisonniers. Dans certaines scènes, c'est du niveau de Hunger.

   C'est lié aussi à la qualité de l'interprétation. Antonio de la Torre (rappelez-vous : Que Dios nos perdone), Chino Darin et Alfonso Tort incarnent avec brio Mujica le perturbé, Rosencof l'écrivain et Huidobro le matheux. Vu le degré d'isolement qu'on leur impose, leur salut se trouve dans leur tête, dans les souvenirs heureux, les rêves... et un système discret de communication (quand c'est possible). Le problème est que ce qu'ils subissent finit par déformer leurs souvenirs voire leur faire prendre pour réel ce qui ne l'est pas. Ici, la mise en scène est brillante, bien servie par le montage.

   Fort heureusement, le propos du film n'est pas toujours dramatique. Il y a cette séquence drôlissime quand il s'agit de décider s'il faut détacher un détenu pour lui permettre de déféquer assis. Cela part du troufion de base pour remonter jusqu'au commandant de la caserne ! Il y a aussi ces moments d'humanité, autour de l'écriture de lettres d'amour, qui va rapprocher l'un des prisonniers de certains militaires pas complètement obtus. Et j'ai été touché par la conclusion, pleine d'émotion.

   C'est un film à voir.

Whitney (en V.O.D.)

   J'ai raté ce documentaire à sa sortie en salles. Je l'ai regretté par la suite : les critiques sont plutôt bonnes et je me suis rendu compte un peu tard que le réalisateur est Kevin MacDonald. On lui doit notamment Un Jour en septembre, Mon Meilleur ennemi, Jeux de pouvoir et surtout Le Dernier Roi d'Ecosse.

   Bien que durant deux heures, le film ne s'attarde que très peu sur les premières années de Whitney Houston. Bien qu'étant née dans un ghetto noir (à Newark, dans la partie du New Jersey qui tient lieu de banlieue new-yorkaise), elle a plutôt vécu une enfance de classe moyenne (noire), entre une mère choriste (pour Aretha Franklin et Elvis Presley, entre autres) et un père fonctionnaire municipal pas très honnête. Dans la famille élargie, on chante souvent (les soeurs Warwick, Dionne et Dee Dee, sont des cousines) et l'on se rend régulièrement au temple.

   A l'image de bien des actuelles vedettes de R'N'B, la future diva a fait ses premières armes vocales dans un contexte religieux. L'adolescente n'a pas tardé à être repérée. Les enregistrements qui montrent ses débuts font bien comprendre que, dès cette époque, l'artiste avait une voix hors du commun.

   Arrivent les années 1980, les années Reagan-Bush (père), celles d'une Amérique conquérante, avide de fric facile et de paillettes. Du point de vue de la musique pop, ce furent les années Whitney Houston - Michael Jackson, deux artistes populaires, doués et qui n'ont pas su gérer richesse et célébrité. Whitney devient la vache à lait de la famille et subit des pressions contradictoires : sa mère voit sa carrière comme une revanche sur ses propres échecs, alors que le père voudrait prendre le contrôle de la machine à fric. Quant aux aux frères, cousins et amis, ils initient la chanteuse à diverses drogues... 

   Whitney découvre aussi qu'elle ne peut plus avoir de véritable vie privée. Le problème est qu'elle n'a pas été souvent sincèrement aimée. Le documentaire apprendra à celles et ceux qui l'ignoraient qu'elle était bisexuelle (et que sa compagne fut sans doute son plus grand amour, finalement écarté par les proches, un brin homophobes certes, mais qui redoutaient surtout son influence). Son mariage avec un rappeur de seconde zone fut un échec qui dura, pour le plus grand malheur de l'artiste : elle sombra dans la drogue et la dépression.

   Cependant, la révélation la plus fracassante nous est réservée pour la dernière demi-heure : la source des névroses de la chanteuse serait des abus sexuels subis dans son enfance (par une personne proche). Cela expliquerait son malaise quant à son identité sexuelle et son acharnement à ne pas laisser sa petite fille à la maison, quand elle partait en tournée. La gamine n'en a pas moins souffert : privée de camarades de son âge, elle a navigué dans les eaux troubles de l'entourage de sa mère.

   Même quand, comme moi, on n'est pas fan de la chanteuse, on peut apprécier ce documentaire assez riche, qui parle de la condition de femme, de mère, de chanteuse et d'amoureuse dans les années 1980-1990-2000.

Culture "ncisesque"

   Vendredi, M6 a poursuivi la diffusion de la quinzième saison de la série NCIS. L'épisode 17, intitulé "Un coup de massue", démarre par un clin d'oeil à une émission très populaire aux Etats-Unis (ainsi qu'auprès de certains membres de l'équipe d'enquêteurs) :

   L'émission American Pickers est diffusée sur la chaîne History. Elle suit des sortes d'antiquaires en déplacement. Leur boutique est située dans une toute petite ville, LeClaire, dans l'Etat de l'Iowa, aux confins de l'Illinois :

   Le nom de cette ville ne vous dit peut-être rien, mais sachez qu'elle jouit d'une incontestable renommée. Tous les amateurs d'histoire de la conquête de l'ouest savent qu'elle est la ville de naissance d'un certains William Cody, alias Buffalo Bill (en 1846).

   Mais, aux yeux d'un lecteur hexagonal, c'est le nom même de cette ville qui suscite des questions. Il est un vestige de la présence française en Amérique du Nord. La ville a été baptisée ainsi en hommage à Antoine Le Claire, qui fut, entre autres, commerçant et interprète pour l'armée américaine. Il était le fils (métis) du Français du Canada François Le Claire et d'une Indienne.

   Ce n'est pas le seul intérêt anecdotique de cet épisode, dont l'intrigue policière n'est pas particulièrement élaborée. En se rendant chez les brocanteurs, dans la petite ville, pour enquêter, l'équipe de Gibbs fouille dans le fatras d'objets à vendre. La jeune Bishop a un coup de coeur pour une vieille agrafeuse, tandis que son patron semble soudainement très intéressé par un mystérieux petit objet :

   Si les gags autour des agrafeuses constituent l'un des fils rouges de l'épisode (avec l'introduction d'un personnage destiné à prendre davantage de place par la suite), l'explication du mystère concernant la petite pièce n'intervient qu'en toute fin d'histoire...

Alleluia !

   Le mois dernier, je m'étais inquiété que la plaque de verre portant les noms des morts pour la France ruthénois de la Première Guerre mondiale n'ait toujours pas été réparée, quatre mois après sa mystérieuse détérioration. Les réparations étaient-elles déjà programmées à ce moment-là ou bien une bonne âme de la mairie de Rodez a-t-elle été inspirée par la lecture du billet ? Toujours est-il qu'aujourd'hui, en me baladant avenue Victor-Hugo, j'ai pu constater du changement :

   Vous n'avez pas la berlue. La plaque feuilletée, sur laquelle les noms n'étaient plus lisibles, a été remplacée, comme le confirme ce zoom :

   Les cérémonies du 8 mai pourront donc inclure sans honte un passage par ce monument, sur lequel figurent aussi les noms des victimes ruthénoises du second conflit mondial.

   Deux questions restent en suspens : quelle était la cause de la dégradation du monument ? Combien a coûté sa réhabilitation ?

Le Vent de la liberté

   Ce film de Guerre froide nous conte une histoire vraie, celle de deux familles de (petite) classe moyenne, qui songent à fuir la RDA (l'Allemagne communiste) en 1979. Ils habitent quelque part dans le Sud du pays, pas très loin de la frontière avec la RFA (côté Bavière), qu'ils ambitionnent de franchir par les airs, en ballon.

   Le début relate l'échec de la première tentative. Même si l'on se doute bien qu'il y a peu de chances qu'ils rencontrent le succès au bout d'un quart d'heure (alors que le film est censé durer deux heures), on suit avec attention voire angoisse le vol du premier ballon... et le retour (discret) à la case départ. Cette longue introduction vaut aussi pour la description de climat de suspicion générale qui sévissait à l'époque. Entre policiers en civil et écoutes téléphoniques, tout le monde pouvait se croire espionné.

   Ils ne le réalisent pas tout de suite, mais les héros ont été très imprudents. Ils ont laissé trop d'indices derrière eux, indices que la Stasi va s'évertuer à exploiter pour tenter de remonter jusqu'aux potentiels fuyards. La suite prend donc la forme d'un suspens très bien mené. La police politique est-allemande était redoutable, mais ne disposait que des moyens de son époque. On nous montre des agents scrupuleux, méthodiques, qui mettent du temps à démêler le vrai du faux dans les pistes qui s'ouvrent devant eux. Le personnage de l'officier enquêteur est particulièrement bien campé, avec un zeste d'humour pince-sans-rire, sarcastique, qui détonne dans le monde des ternes bureaucrates soumis au régime.

   Le film mérite aussi le détour pour la manière dont il dépeint la vie quotidienne de gens plutôt ordinaires, avec leurs tracas et leurs faiblesses. Les héros de l'histoire ne sont ni particulièrement intelligents, ni dotés d'une trempe extraordinaire. Cela donne plus de force à l'intrigue.

   La fin est trépidante, abusant toutefois du "juste-à-temps", un peu comme dans Argo. Mais cela reste une belle histoire, un éloge de la liberté à savourer à notre époque, qui voit grossir les mouvements extrémistes de tout bord.

Mon Inconnue

   De prime abord, cette comédie romantique mâtinée de fantastique ne paie pas de mine. Le générique de début nous montre la naissance d'un amour entre un apprenti-écrivain et une jeune pianiste douée. Le conte de fées se poursuit... puis dérape, jusqu'à la rupture : le héros (très bon François Civil, vu récemment dans Le Chant du loup) se réveille dans un monde parallèle, dans lequel sa dulcinée Olivia (Joséphine Japy, déjà remarquée dans Cloclo, for-mi-da-ble) ne le connaît pas.

   Le scénario entretient longtemps le mystère. Le héros est-il en train de rêver ? Ou bien, si c'est à présent la réalité, rêvait-il durant la première partie de l'histoire qui ressemble tant à un roman-photo ? Ou encore, n'est-on pas face à l'une des séquences de fiction visualisée, quand l'écrivain pense aux scènes qu'il est en train d'écrire ? On a la réponse à la question quand il se remet à neiger...

   Les acteurs sont excellents. Ces deux jeunes pousses du cinéma français forment l'un des plus beaux couples qui nous ait été présenté ces dernières années. François Civil est aussi convaincant dans le rôle de l'agent secret que dans celui de l'amoureux transi ou du connard suffisant. Quant à Joséphine Japy, elle me touche autant en artiste introvertie qu'en vedette magnétique, capable de faire rayonner une scène de restaurant, quand les personnages ont abusé d'un vin rosé...

   Ajoutez à cela des seconds rôles bien campés, parmi lesquels se distingue Benjamin Lavernhe, véritable trublion de l'histoire, aussi à l'aise en joueur de ping-pong du dimanche qu'en flatuleur intempestif.

   Même s'il y a ici et là quelques longueurs et quelques facilités, je suis sorti du cinéma avec du baume au cœur, le sourire aux lèvres.

Les Oiseaux de passage

   Ce conte moral amérindien nous est présenté sous la forme d'une tragédie en cinq actes, dont l'intrigue est inspirée d'une histoire vraie, celle d'Indiens de Colombie qui se sont lancés dans le commerce de marijuana, au tournant des années 1960-1970.

   Le premier quart d'heure est peut-être la plus belle séquence du film. On se croirait presque dans un reportage ethnographique, en pleine cérémonie coutumière. Le rite est celui du passage à l'âge adulte d'une adolescente (Zaida) qui a désormais ses règles. Comme elle est issue d'une famille estimée des Wayuu, la cérémonie revêt une certaine ampleur. De surcroît, sa mère, l'imposante Ursula, est dotée de pouvoirs chamaniques, qui semblent se transmettre dans le clan. Les scènes d'extérieur sont filmées avec un incontestable sens du rythme, mais j'ai quand même préféré les plans tournés dans une case, lorsque la mère s'occupe de la fille. Cette séquence voit apparaître le prétendant de Zaida, Rapayet, un gars un peu timide, issu d'une famille moins prestigieuse. Mais il sait ce qu'il veut.

   La suite montre comment Rapayet va obtenir la main de Zaida. Le commerce de café et la contrebande d'alcool ne suffisent pas à réunir la somme nécessaire pour payer la dot de sa promise. Lui et son meilleur ami Moisés croisent des gringos en quête de substances hallucinogènes. De là naît l'idée d'en fournir de grandes quantités, en s'alliant avec un autre clan indigène, qui contrôle les terres où pousse cette étrange herbe sauvage.

   Dans un premier temps, le conte moral devient presque conte de fées. Les clans indiens connaissent la prospérité, mais la violence sous-jacente est prête à éclater. Cet argent facile corrompt une partie de la population. Son mode de vie change et les comportements individuels se dégradent, alors que le confort quotidien s'est considérablement amélioré. Les auteurs ont réussi à mettre en scène le conflit (parfois intérieur) entre les traditions séculaires et l'attirance pour une forme de modernité. (Les oiseaux de passage incarnent l'esprit des défunts, qui reviennent hanter les vivants ou les avertir qu'un danger approche.) La démonstration n'est pas manichéenne, même si l'on sent bien que l'histoire (racontée par une sorte de griot amérindien) suit une pente tragique.

   Attention toutefois : le rythme est un peu lent et tous les interprètes (dont certains ne sont à l'évidence pas des professionnels) ne sont pas irréprochables. Mais c'est prenant et bien filmé.

Astrid et Raphaëlle

   Vendredi 12 avril, France 2 a diffusé Puzzle, l'épisode pilote d'une nouvelle série policière, dont les héroïnes forment un binôme des plus contrastés.

   Ce duo d'enquêtrices est constitué d'une commandante de police et d'une archiviste. La première est plutôt ronde, "nature", bordélique, divorcée en ayant perdu la garde de son fils. La seconde est maigre, introvertie, maniaque, célibataire et... autiste. Toutes deux sont désireuses de faire triompher la justice... et obstinées. C'est ce qui va les réunir.

   A gauche se trouve Raphaëlle la policière, incarnée par Lola Dewaere. Son jeu m'agace un peu (tout comme son personnage, d'ailleurs), mais je trouve que l'alchimie fonctionne bien avec sa partenaire, Astrid, à droite ci-dessus. Elle est interprétée par Sara Mortensen, qui nous livre une formidable composition.

   Leur rencontre est bien mise en scène et, même si cette première enquête n'est pas des plus subtiles, j'ai été pris par l'histoire, qui comporte de nombreux moments comiques, en raison du décalage entre le monde des "neurotypiques" (ie les "gens normaux") et la perception qu'en a Astrid, si attachante.

Rodez dans "L'Equipe"

   Il a rarement été autant question du chef-lieu aveyronnais dans le quotidien sportif français. Sa toute récente accession à la Ligue 2 de football n'y est sans doute pas étrangère. Hier, seul un tout petit article signalait l'événement, un peu plus important dans la version papier que dans la version numérique :

   Aujourd'hui, un papier plus volumineux a été publié. Il est principalement consacré à l'entraîneur du RAF, Laurent Peyrelade (l'un des deux seuls membres du staff à ne pas être né dans l'Aveyron). A cet article s'ajoute un petit bilan de la trentième journée du championnat National (masculin), dont la rédaction a de quoi faire sursauter le lectorat rouergat :

   L'auteur du paragraphe n'est visiblement pas au courant que c'est l'adjectif "ruthénois" qui s'applique à la commune de Rodez, ce dont le collègue qui a écrit l'article de la veille était visiblement au courant.

   Pour être complet, je signale qu'un autre article récent évoque le RAF, mais il n'est (pour l'instant) disponible qu'en ligne (pour les abonnés). Il revient sur les liens entre Zinédine Zidane et le club aveyronnais.

Captain Marvel

   Ce n'est pas le premier personnage féminin de comic books à faire l'objet d'un long-métrage, mais c'est sans doute la première fois qu'on peut dire qu'un film de super-héros a été réalisé dans une optique féministe... et ce n'est en rien dérangeant. (Cette dernière remarque s'adresse aux mecs burnés qui lisent ce billet.)

   On pouvait craindre que Brie Larson (vue dans Kong : Skull Island) ne soit qu'une énième blondasse à prendre la pose sur des fonds verts, eh bien non. Je trouve l'actrice très convaincante, aussi bien dans les scènes d'action que dans les scènes dialoguées où perce une salutaire ironie, qui donne une saveur pas désagréable à cette meringue numérique truffée d'effets spéciaux. Certes, les spectateurs attentifs (jouissant du spectacle sur un très grand écran) remarqueront que, lors de certaines bastons, quand l'héroïne est de dos, il arrive que sa carrure augmente brièvement, signe qu'une doublure (masculine à mon avis) lui a été substituée le temps que "Vers" (prononcer "Verse") projette quelques vilains à dix mètres de là. Mais, le reste du temps, il est indéniable que la comédienne tient sa place, notamment dans la séquence de poursuite qui s'achève dans un métro aérien, très bien mise en scène.

   Ce film d'action bénéficie aussi d'un assez bon scénario, qui préserve longtemps le mystère quant au passé de l'héroïne. Les moins stupides des spectateurs devineront néanmoins l'essentiel assez vite. C'est le renversement des positions qui est le plus habilement amené. Il est question d'une guerre, qui nous est présentée d'une certaine manière au début de l'histoire, avant qu'on ne la découvre, plus loin, sous un autre angle. Un conseil : ne vous fiez pas aux apparences.

   Ce conseil s'applique tout particulièrement au personnage ci-dessus, Goose, le chat de la scientifique Wendy Lawson qui s'est autrefois attaché à Carole Danvers... et se prend désormais d'affection pour Nick Fury. De prime abord, cette boule de poils ("provided by Animals for Hollywood", nous dit le générique) est adorable, câline et ronronnante. La dernière demi-heure nous réserve de colossales surprises à son sujet, surprises qui prennent le plus souvent un tour hilarant.

   Tout cela est possible grâce à l'armée de techniciens des effets spéciaux. A la vue du générique, je pense que plus des trois quarts des personnes qui ont travaillé sur ce film ont été employées à son habillage numérique. Il faut reconnaître que c'est bigrement bien fichu, mais parfois excessif. Comme l'action se déroule dans les années 1990, on nous a rajeuni Nick Fury / Samuel Jackson, au point que cela en devient gênant (surtout si l'on a récemment vu Glass). C'est pire dans le dernier quart de l'histoire, quand l'héroïne voit ses pouvoirs encore augmenter. Les combats se mettent à ressembler à des séquences de jeu vidéo, culminant dans la bataille de l'espace, pas du tout réaliste selon moi.

   Comme c'est une production Disney-Marvel, il ne faut évidemment pas se précipiter hors de la salle lorsque commence à défiler le générique de fin. Même si le film s'achève sur une scène de transition, deux bonus ont été glissés un peu plus loin. Le premier fait le lien avec Avengers - Infinity War (si l'on se souvient de ce qui est arrivé à Nick Fury). Le second voit réapparaître Goose... et annonce la suite, qui va bientôt sortir sur nos écrans. La production a pris la peine de mentionner que Captain Marvel sera de la partie. Viendez dépenser vos sous, bonnes gens !

Le RAF en Ligue 2

   Pour les non-initiés, il convient de commencer par quelques explications. La Ligue 2 est la deuxième division de football français, jadis appelée "D2". Le RAF est le Rodez Aveyron Football, le seul club du département à jouer un rôle notable dans ce sport, actuellement en National (la troisième division).

   Hier, grâce à sa victoire 3-1 sur Boulogne, le RAF a conforté sa place de leader de National. Surtout, à 4-5 journées de la fin du championnat, il a acquis suffisamment de points d'avance sur ses poursuivants (notamment le 3e, Laval, qui ne peut plus rejoindre Rodez) pour être certain de jouer l'an prochain en Ligue 2. Il reste à savoir à quelle place le club va finir l'année : première ou deuxième ?

   Hier, le centre de Rodez a été étonnamment animé pour un soir de semaine. L'événement a été salué comme il se doit par le quotidien local Centre Presse, qui a publié un numéro spécial :

   Le quotidien a consacré une partie importante du numéro à la réussite du club, une double page étant dédiée à l'effectif du RAF (joueurs et encadrement). Un lecteur attentif y remarquera que seuls 3 des 26 joueurs sont nés dans l'Aveyron : Hendrick Foucras, Loïc Poujol et Loïc Coupin. Ceux nés dans l'Hérault, à Béziers ou Montpellier (comme l'attaquant de poche Ugo Bonnet, qui a explosé cette année) sont aussi nombreux. Au total, 9 sont originaires de la région Midi-Languedoc (en ajoutant ceux nés dans le Lot et le Tarn). Les autres viennent d'un peu partout : de la Bretagne à l'Alsace, en passant par les Hauts-de-France, la région parisienne, PACA, Auvergne-Rhône-Alpes :

   Sont coloriés en rouge les départements où sont nés 3 joueurs, en orange ceux où sont nés 2 joueurs, en jaune ceux où est né un seul joueur. Cela représente 24 des 26 membres de l'équipe. Les deux derniers sont nés en Géorgie et Tunisie. 

   Dans sa composition, le RAF est donc désormais un club très peu aveyronnais. Seul le tiers de l'effectif est originaire de la région administrative à laquelle appartient l'Aveyron.

   Si, sur le plan sportif, l'humeur est au beau fixe, sur le plan financier, l'avenir n'est pas exempt de nuages. Le premier problème est posé par le stade, qui n'est pas, pour l'instant, aux normes de la Ligue 2. Le financement des travaux a été présenté lors de la réunion du Conseil municipal de Rodez du 22 février dernier. Le détail est donné page 22 du compte-rendu. Il est prévu que cela atteigne 12 millions d'euros... hors taxes... sans doute 15 millions au final. Environ 20 % du coût sera assumé par Rodez agglomération, le reste étant financé par l'Etat, le Conseil régional et le Conseil départemental. Les contribuables locaux respirent...

   A cela s'ajoute la subvention annuelle versée par la commune. D'après le compte-rendu de la séance du 14 décembre dernier (page 24),  en 2019, il est prévu de verser 120 000 euros au RAF (à peine plus qu'au SRA, le club de rugby). Je pense que cette somme est amenée à évoluer...

   On espère que le mécénat d'entreprise viendra appuyer les dépenses publiques. Peut-être faudra-t-il aussi envisager une modification de l'actionnariat. En 2012, à l'occasion de l'augmentation de son capital, le RAF avait vu l'arrivée de Zinédine Zidane comme actionnaire minoritaire. A l'époque, j'avais estimé l'apport de l'ancien joueur à 10 000 euros. Mais, dans les conversations discrètes qui se tiennent parfois à ce sujet, on évoque une somme plus importante (le décuple ?).

   En attendant que le nouveau stade soit livré (en octobre prochain, si tout va bien...), le RAF va devoir jouer ses matchs à domicile... en Corse semble-t-il, sur le terrain du club de Bastia. Même si je comprends les motifs de la décision, je regrette qu'on n'ait pas creusé davantage la possibilité d'aller jouer à Béziers. L'idéal serait quand même que les travaux commencent le plus vite possible et s'achèvent plus tôt qu'initialement prévu. L'an prochain, le club risque d'avoir besoin de tous les points gagnables à domicile pour se maintenir en Ligue 2.

Royal Corgi

   Pendant des années, le nom de cette race de chiens n'a évoqué pour moi qu'un groupe britannique, auteur d'un seul grand succès, une chanson qui a accompagné nombre de mes soirées et de mes nuits sur la route, jadis. Ce n'est que tardivement que j'ai appris que les membres des Korgis avaient choisi ce nom en relation avec les canidés dont la reine Elizabeth II s'est entichée.

   L'amour immodéré de ces chiens courts sur pattes est d'ailleurs source de gags dans la première partie de l'histoire, la plus enlevée. On nous présente d'abord le fonctionnement du palais royal, de manière évidemment caricaturale, entre postures guindées, protocole suranné, bonnets à poils et décoration à l'ancienne. L'arrivée de Rex, le petit dernier corgi, rebat les cartes au sein du chenil royal, dont il devient rapidement la coqueluche, quand bien même il lui arrive d'uriner et de déféquer mal à propos...

   Une autre séquence particulièrement réussie est celle de la visite du couple Trump. Le président des Etats-Unis est caricaturé (?) en malotru, auquel il va arriver quelques bricoles... De son côté, Rex tente d'échapper à un accouplement programmé avec... une Texane ! Je n'en dis pas plus : c'est très réussi. Le tout culmine lors du dîner de gala, qui, bien évidemment, dérape.

   L'intrigue bascule alors dans le roman d'aventures, ma foi assez prévisible. Les films carcéraux ont visiblement inspiré la longue séquence de la fourrière. Celle-ci ne manque pas de rebondissements, mais, même au niveau des films d'animation, c'est du déjà-vu (par exemple dans Shaun le mouton ou encore Ozzy, la grande évasion). Cet épisode est néanmoins essentiel à l'intrigue, puisqu'il voit le personnage principal découvrir l'amitié véritable et l'amour, en dehors de son douillet cocon.

   On s'achemine vers une fin sans surprise, mais nourrie de péripéties. L'animation est très correcte, tant au niveau des détails dessinés que des mouvements des personnages. Par contre, la musique ne m'a pas du tout emballé. S'il est regrettable que la première partie soit (pour moi) nettement meilleure que la seconde, l'ensemble reste un divertissement très plaisant, de surcroît bref : il ne dure qu'1h20.

   PS

   En raison de son grand âge, la reine d'Angleterre a renoncé à élever des corgis, afin qu'aucun n'ait à lui survivre. Le dernier, Willow, est décédé l'an dernier. Une journaliste a collecté une jolie brochette de photographies d'Elizabeth avec ses animaux préférés.

Marie Stuart, reine d'Ecosse

   J'ai enfin pu voir ce drame historique, un brin romancé. L'action se déroule dans la seconde moitié du XVIe siècle, en Grande-Bretagne, alors agitée par les affrontements religieux, entre catholiques et protestants. A cela s'ajoutent des rivalités politiques et la question de la place des femmes dans cette société de mâles dominants.

   L'intrigue oppose deux personnages aux personnalités affirmées, mais différentes. A ma droite se trouve Marie Stuart, la catholique, la "Française", la flamboyante. Veuve du roi de France François II (un des fils de Catherine de Médicis), elle revient dans une Ecosse qui bascule dans le calvinisme... et où son demi-frère s'accommodait fort bien de son absence. Elle est brillamment interprétée par Saoirse Ronan, qui trace sa route depuis Les Chemins de la liberté et The Grand Budapest Hotel.

   A ma gauche se trouve Elizabeth, l'une des filles du roi Henri VIII et donc apparentée à Marie Stuart (la soeur aînée d'Henri VIII, Marguerite Tudor, est la grand-mère de Marie). Dans le rôle, Margot Robbie (déjà formidable dans Moi, Tonya) est méconnaissable. Elle s'est littéralement fondue dans son personnage, plus ingrat, mais doté d'un meilleur sens politique que Marie Stuart.

   Le film vaut donc pour ces deux beaux numéros d'actrices et (pour ceux que cela intéresse), pour le contexte de lutte politique et religieuse. C'est aussi une réflexion sur les femmes et le pouvoir. Dans leur milieu, les mariages sont arrangés. Ces princesses (puis reines) sont d'excellents partis, voire des proies de premier choix pour l'ambitieux qui cherche à atteindre le pouvoir par leur intermédiaire. L'amour authentique et durable n'a pas vraiment sa place dans ce monde impitoyable. Le film aborde toutes ces questions et prend le temps de montrer l'évolution des personnages, les principaux comme certains secondaires (masculins). Même si le rythme est un peu lent, je trouve que c'est une belle réussite.

Chamboultout

   Je suis allé voir ce film en pensant me divertir avec une comédie certes un peu lourdingue, mais bien interprétée. De ce point de vue, le contrat est rempli. José Garcia excelle dans le rôle de cet homme hyperactif devenu aveugle, boulimique et "sans filtre". On se régale de ses saillies et de son côté "tactile".

   Mais l'humour jaillit aussi de la lecture du livre que vient de publier son épouse, interprétée par Alexandra Lamy. Elle y raconte sa vie avec son homme accidenté, ainsi que les relations avec l'entourage proche, la famille et les amis. C'est là que cela devient caustique. Chacun d'entre eux a reçu un exemplaire, juste avant le séjour à Biarritz, organisé pour fêter l'anniversaire du couple. J'ai beaucoup aimé suivre les interrogations, les incompréhensions, les craintes, les joies et les indignations de cette savoureuse bande de seconds rôles, très bien campés par Michaël Youn, Anne Marivin, Michel Vuillermoz, Medi Sadoun, Ludivine de Chastenet...

   Béatrice/Alexandra a écrit une autobiographie à clés, dans laquelle les véritables noms des personnes de son entourage ont été masqués. Je recommande tout particulièrement les péripéties nées du questionnement à propos du mot "velléitaire"... Le tout culmine dans le repas d'anniversaire, qui, évidemment, ne va pas se dérouler comme prévu.

   Le film surprend néanmoins à deux niveaux. D'abord, il offre de beaux moments d'émotion avec les deux acteurs principaux (José Garcia et Alexandra Lamy, encore plus formidable que dans Tout le monde debout). De surcroît, l'intrigue évite de tomber dans un angélisme politiquement correct. La vie n'est pas un filet d'eau tiède et j'ai apprécié que l'on ne fasse pas du personnage de Béatrice une sainte laïque. C'est une femme moderne, active, aimante, qui doit gérer son boulot, les enfants et un époux en pleine régression mentale. Elle a besoin de prendre l'air. Cela donne une saveur inattendue à cette histoire qui, de prime abord, pouvait paraître un peu trop balisée.

Dumbo

   Depuis une douzaine d'années, Disney s'est lancée dans le retournage de ses grands classiques d'animation, avec des acteurs réels (et pas mal de technologie). Cela donne des résultats aussi contrastés que Maléfique, Le Livre de la jungle (pour le meilleur) et Into the Woods (pas très emballant).

   Là, il est question d'adapter l'un des films d'animation que j'ai le plus aimés dans ma jeunesse, un bijou de poésie et d'humour surréaliste. L'intrigue en a été réécrite, en supprimant l'intervention des cigognes (souci de réalisme oblige) et celle des corbeaux (pour cause de "politiquement correct"). Du coup, comme le film d'origine était déjà assez bref, il a fallu développer l'histoire, qui commence par un tableau social de l'après-Première Guerre mondiale aux États-Unis. Le cirque Medici est au bord de la faillite. L'une de ses vedettes revient enfin de France, mais dans un état qui lui interdit (de prime abord) de reprendre son rôle. Entre temps, sa compagne est morte de la grippe espagnole (qui, rappelons-le, a sans doute été introduite en Europe par des Américains).

   L'histoire a donc un arrière-plan plus sombre que l'animation de 1941, qui n'évoquait le contexte international qu'à la toute fin, en montrant Dumbo enrôlé dans l'effort de guerre. On ne nous cache pas les mauvais traitements subis parfois par les animaux de cirque. Le coeur de l'intrigue est la séparation de la mère et du fils. C'est peut-être éculé, attrape-nigaud, mais j'ai marché. J'ai été d'autant plus touché que les éléphants (créés en images de synthèse) sont d'un réalisme étonnant.

   Les personnages incarnés par de vrais acteurs sont moins convaincants. Collin Farrell est transparent. Michael Keaton n'est pas mauvais, mais cabotine trop (tout comme Danny de Vito). La meilleure est sans conteste Eva Green (déjà dirigée par Burton dans Dark Shadows et Miss Peregrine), qui incarne une artiste française ratée (?) devenue la maîtresse du patron. Le personnage ne manque ni de charme ni de caractère. Pendant plusieurs minutes, je me serais bien vu dans la peau d'un trapèze... ou d'un éléphanteau ! Signalons aussi que le personnage de la souris (sorte de Jiminy Cricket de Dumbo dans la version animée) est remplacé ici par deux enfants, un garçon timide et sa sœur, une gamine très intelligente, qui contribue à donner une petite coloration féministe à cette histoire (notamment dans la scène qui la voit se réfugier devant un stand dédié à Marie Curie).

   La mise en scène m'a davantage emballé. Les vrais acteurs interagissent parfaitement avec les animaux. Les effets spéciaux sont très bons, sauf quand il est question de montrer Dumbo volant avec un ou plusieurs passagers. Là, les trucages sont trop voyants. Sinon, c'est parfois magnifique, comme lors de la scène des éléphants en bulles de savon, une pure merveille qui est censée faire oublier la séquence des éléphants roses dans le film d'origine.

   Je ne pense pas trahir un secret en révélant que l'histoire ne se conclut pas de manière négative (pour les gentils). C'est donc une œuvre visible par tous et qui ne vise pas spécifiquement le jeune public.

   PS

   Les adultes auront l'occasion de s'intéresser aussi au sous-texte. Dumbo ("Crétinou") le maladroit est une projection de Tim Burton, artiste qui peine à s'intégrer au monde des adultes, et qui doit, pour pratiquer son art, passer sous les fourches caudines des financiers d'Hollywood. Si le personnage de Vandevere (interprété par M. Keaton) rappellera sans doute au public états-unien la famille Vanderbilt, lui et son parc d'attraction extravagant sont sans doute des doubles de Disney, entreprise avec laquelle Burton réussit donc à régler quelques comptes, tout en étant financé par elle !

Gentlemen cambrioleurs

   C'est l'histoire (vraie !) d'une bande de papys voleurs, qui a mis au point le "casse du siècle" au Royaume-Uni, il y a quelques années. Pour incarner ces délinquants à carte vermeil, on a choisi des acteurs (plus que) chevronnés, parfois chevrotants. Le meilleur d'entre eux est incontestablement Michael Caine, sobre, digne et d'un maintien parfait. Il incarne le cerveau de la bande.

   Le début du film est marqué par la nostalgie, celle des anciens films de braquage... et celle du passé des acteurs. La musique est chouette et, même si cela manque un peu de rythme, on est touché notamment par le couple formé par Reader/Caine et sa compagne malade.

   La formation de l'équipe de cambrioleurs est assez "exotique". Ces vieux mecs ne doivent pas sentir très bon, entre ceux qui pètent à loisir et ceux qui ont besoin de fréquemment uriner... C'est tourné comme cela se fait, cahin-caha. On sourit de temps en temps. Par contre, la séquence de l'effraction puis du cambriolage (en deux temps, un week-end de Pâques) est bien mise en scène.

   C'est ensuite que cela se gâte. Les messieurs ne s'entendent pas si bien que cela. Ils ont tous des caractères bien trempés et, parfois, de vieux comptes à régler. Ils sont de surcroît plutôt malhonnêtes, y compris (surtout ?) entre eux. La bande se délite. Cela devrait être hilarant, mais c'est poussif, pas tant mal joué que mal écrit.

   Un petit suspens naît de l'enquête menée en parallèle par Scotland Yard. Des policiers beaucoup plus jeunes que nos "héros" utilisent des méthodes ultra-modernes pour tenter d'arrêter des malfrats à l'ancienne. Cela redonne de l'intérêt au film, dans sa dernière partie. On se demande si l'un des membres de la bande ne va pas tirer les marrons du feu.

    A voir uniquement si l'on apprécie beaucoup ces vieux acteurs et si l'on ne connaît pas cette histoire rocambolesque. Dans un genre approchant, Braquage à l'ancienne et surtout Insaisissables 2 sont meilleurs.

Frankie Drake Mysteries

   C'est une série canadienne, diffusée depuis quelques semaines sur France Ô. Les deux héroïnes (Frankie et Trudy) sont des détectives privées, qui ont monté une agence dans le Toronto des années 1920. Ce sont deux femmes libres, la trentaine, célibataires :

   Frankie est interprétée par Lauren Lee Smith, que les amateurs de séries policières ont déjà vue dans Les Experts Las Vegas : durant la saison 9, elle jouait l'une des techniciennes de scènes de crime, Riley Adams.

   Deux autres personnages féminins épaulent les enquêtrices : une légiste (Flo) et un agent de la police des mœurs, en uniforme (Mary).

   Cette dernière est mon personnage préféré. Les scénaristes en ont fait une jeune femme très prude, mais d'une grande conscience professionnelle. Elle rêve de devenir une "vraie" policière. C'est aussi une ressource précieuse pour les deux enquêtrices. Je dois avouer que j'ai un faible pour l'actrice qui l'incarne (Rebecca Liddiard). On a beau l'avoir enlaidie pour le rôle, elle a un charme fou et joue très bien des expressions de son visage pour donner un aspect comique à son personnage.

   Comme Arte avec Meurtres à Sandhamn, France Télévisions offre la possibilité de (re)voir les épisodes plus d'une semaine, jusqu'au 5 avril prochain. C'est d'autant plus intéressant que la programmation de la série (inédite en France) est presque discrète, en catimini, sur une chaîne de la TNT vouée à disparaître.

   Le premier épisode permet à l'héroïne d'en savoir plus sur son passé. Ses parents sont censés être tous les deux décédés... et c'étaient des voleurs de banques et des arnaqueurs. Frankie va aller de surprise en surprise...

   Le deuxième épisode voit les héroïnes s'infiltrer dans une usine où sévirait de la propagande communiste. (Rappelons que nous sommes au début des années 1920.) C'est l'occasion de dépeindre les conditions de travail difficiles des femmes de l'époque, auxquelles pouvait s'ajouter le harcèlement sexuel.

   Le troisième épisode évolue dans les milieux de la boxe et de la spéculation immobilière. Frankie s'y montre plus transgressive que jamais. Elle côtoie, entre autres, un jeune journaliste nommé Ernest Hemingway.

   Au centre du quatrième épisode se trouve une fille de pasteur, chanteuse talentueuse et guérisseuse présumée. Nous voilà plongés dans le milieu du jazz. Le scénario pose la question du choix de leur vie par les jeunes femmes. On en apprend aussi davantage sur la famille de Trudy, l'associée noire de Frankie.

   Le cinquième épisode propulse les héroïnes dans le monde du cinéma, avec ses paillettes et ses extravagances. C'est plein de clins d'œil (notamment à Blow up, d'Antonioni) et sans complaisance pour le "septième art".

   La contrebande d'alcool est au cœur du sixième épisode, construit sous la forme de retours en arrière. Précisons que Frankie est une adepte des boissons fortes (comme le fameux "thé froid", dont je laisse à chacun le loisir de découvrir la véritable nature) et qu'elle possède un petit alambic personnel... en pleine période de prohibition.

   Enfin, vendredi dernier ont été diffusés les épisodes 7 et 8. Le septième a pour cadre Chinatown et l'immigration chinoise au Canada, avec tous les trafics qui peuvent lui être liés. Le huitième plonge l'héroïne (ravie) dans le petit monde de l'aviation... et de l'eugénisme. On y croise quelques vieilles connaissances, comme Laurence Fox :

   Pendant une dizaine d'années, il a incarné James Hathaway, l'adjoint de l'inspecteur Lewis, dans la série du même nom (qui est dérivée d'Inspecteur Morse).

   L'autre invité de marque est un certain George Crabtree... eh oui, l'ancien adjoint de William Murdoch :

   Son personnage a quelque peu vieilli et c'est normal, puisque l'action de Frankie Drake se déroule environ vingt ans après celle des Enquêtes de Murdoch. Cette présence n'est en rien due au hasard... et ce n'est pas la première fois qu'une connexion est établie entre les deux séries. Ainsi, en 2017, pour lancer Frankie Drake, la chaîne CBC (qui produit les deux programmes) a diffusé une mini-série, dont les six épisodes sont accessibles en ligne, en version originale uniquement. On y voit les héroïnes féminines côtoyer deux partenaires masculins pas comme les autres : l'inspecteur Watts et Brackenreid, présenté comme commissaire à la retraite :

   L'intrigue oscille entre les années 1905 et 1921, ce qui permet de voir les personnages de la série Murdoch à deux époques de leur vie.

   J'apprécie Frankie Drake Mysteries en raison du talent des actrices, de leur charme, du piquant des dialogues, de la reconstitution d'époque, des couleurs et de la musique. Je reconnais que c'est parfois limite invraisemblable et que les scénaristes ont quelque peu gommé la ségrégation à l'œuvre à l'époque. Cela n'en reste pas moins un divertissement plaisant, dans la lignée de ce que les Australiens ont produit il y a quelques années avec Miss Fisher enquête.

Rebelles

   C'est l'histoire de trois drôles de dames (sans Bosley ni Charlie), qui vivent dans la dèche, sous la domination masculine, à Boulogne-sur-Mer.

   Sandra (Cécile de France, comme je ne l'ai jamais vue) est une ancienne miss Nord-Pas-de-Calais qui n'a pas réussi à capitaliser sur son succès d'origine. Elle revient de Nice avec un magnifique oeil au beurre noir. Marilyn (Audrey Lamy, en pleine forme) est une une pile électrique, mère célibataire alcoolique et droguée, qui a succombé naguère aux assauts libidineux de son chef d'atelier. Notons que sa coupe de cheveux était déjà ringarde chez les messieurs dans les années 1980. Nadine la matriarche (Yolande Moreau, qui suit très bien le rythme imposé par ses deux consoeurs) est l'une des anciennes de la conserverie. Elle se plie en quatre pour son mari chômeur et ses deux gamins bas de plafond.

   Je n'aime pas le titre. Une partie du sous-texte indique que, pour être rebelle, il faut voler, utiliser des armes et ingurgiter de grandes quantités d'alcool de mauvaise qualité. Fort heureusement, les actrices font (presque) oublier tout cela, tant elles sont talentueuses.

   La première moitié du film est une comédie sarcastique. Pour résumer, je pourrais dire qu'un bout de bite est le noeud de l'intrigue. C'est réjouissant... et terrible à la fois. Les rapports humains sont bruts de décoffrage, torgnoles à la clé.

   La seconde partie est un polar rythmé, drôle, saignant (pas pour les petits, donc), avec pas mal de rebondissements. Quelques messieurs se distinguent, au premier rang desquels je place Simon Abkarian, qu'on n'est pas étonné de retrouver en petit chef d'une bande de trafiquants... et papa concerné. Du côté masculin, il faut aussi signaler la prestation de Samuel Jouy, que les téléspectateurs ont pu découvrir en maire de commune rurale (et fils d'entrepreneur véreux) dans la série Zone blanche. Les amateurs de comédie policière reconnaîtront aussi Béatrice Agenin, la procureure de Cassandre, qui incarne ici la mère de Sandra, sorte de concierge dans un camp de mobile homes.

   C'est drôle, on ne s'ennuie pas et il y a un arrière-plan sociétal plutôt bien campé. C'est la comédie française à voir en ce moment.

Des matous suédois

   Actuellement, chaque jeudi, sur Arte, est (re)diffusée l'intégralité des épisodes de la série suédoise Meurtres à Sandhamn. Chaque saison (pour l'instant) est constituée de trois épisodes, programmés à la suite l'un de l'autre, et qui constituent un tout.

   Le 21 mars a été diffusée la saison 4 (intitulée "Les Secrets de l'île"), au cours de laquelle certains "sacs à puces" ont été à l'honneur, pour diverses raisons. C'est dans l'épisode 2 que les habitués ont pu faire la connaissance d'un personnage mentionné dans la saison précédente, à savoir Glen :

   Sur l'image ci-dessus, il se trouve à droite, dans les bras de la voisine de l'inspecteur Thomas Andreasson (le héros de la série, interprété par Jakob Cedergren, vu dans The Guilty). Il s'agit du chat de l'ex-femme de Thomas, venue le rejoindre sur la petite île où il possède une maison de vacances. Sa seule voisine est cette dame âgée, un peu revêche de prime abord, un peu pique-assiette sur les bords... et surtout très soucieuse de protéger ses oiseaux de l'appétit du félin qui déambule sans la moindre gêne dans les parages. La saison précédente, ce Glen avait été l'objet d'un quiproquo entre Thomas et son amie d'enfance Nora, qui loge sur l'île voisine de Sandhamn, située au large de Stockholm, dans le sud-est de la Suède :

   Mais, aussi mignon soit-il, ce n'est pas Glen la vedette des matous de cette saison. Cet autre chat est le compagnon exclusif d'un ancien militaire alcoolique. On l'aperçoit dès le premier épisode de la saison 4 :

   Au cours de l'enquête (à propos d'une ancienne unité des commandos de Marine, au sein de laquelle il s'est passé des trucs louches, jadis), la collègue de Thomas (depuis la saison 2), la pétulante Mia, se prend d'affection pour ledit matou, qu'elle aimerait bien adopter :

   Lorsque j'ai découvert cette série, il y a quelques années, j'avais eu un peu de mal à m'habituer au rythme des enquêtes (un peu lent) et à l'ambiance dans laquelle baignent les intrigues. Mais, au fil des saisons, je trouve que la série s'est bonifiée. Les scénaristes veillent à écrire des histoires assez complexes : il n'est pas facile de deviner l'identité des tueurs (mon jeu préféré quand je visionne ce genre de programme). Et puis il y a, en fil rouge, les relations entre Thomas et Nora, anciens bons amis, qui ont un peu fleureté, qui semblent très attirés l'un.e par l'autre... mais dont la possible idylle est systématiquement contrariée, soit par les rebondissements d'une enquête, soit par l'arrivée dans la vie de l'un d'entre eux d'une tierce personne toujours pleine de charme.

   La chaîne franco-allemande a eu la bonne idée de permettre le visionnage des épisodes sur une assez longue durée. Ainsi, vous avez jusqu'au 5 avril pour regarder la saison 1 (qui démarre par la découverte d'un mystérieux cadavre, sur la plage, et se conclut dans un phare) et la saison 2 (qui débute par une compétition de yatch et mêle relations sexuelles secrètes et questions d'argent).

   La saison 3 est disponible jusqu'au 12 avril. Elle tourne autour de la disparition, un an auparavant, d'une adolescente, dont une partie du cadavre finit par être découverte. Cette mort est liée à une autre, un peu plus ancienne. Comme souvent dans la série, le passé enfoui ressurgit, avec une vengeance à la clé.

   J'aime le format des mini-séries. France Télévisions a récemment diffusé Kepler(s) (avec Marc Lavoine) et la suite de Zone blanche (une incursion réussie de la fiction française dans le thriller rural). Meurtres à Sandhamn est un peu plus lisse : c'est un polar mâtiné de chronique sentimentale. Mais c'est bien mené.

Aïlo : une odyssée en Laponie

   Ce documentaire fictionné (ou cette fiction documentaire) s'attache aux débuts dans la vie d'un renne, nommé Aïlo, de sa naissance jusqu'à quasiment son entrée dans l'âge adulte. De sa naissance on ne voit toutefois que le résultat, pas la mise-bas. C'est d'ailleurs une constante dans le film : Guillaume Maidatchevski n'a pas voulu montrer à l'écran des scènes susceptibles de choquer le jeune public. On ne verra pas donc les loups mettre à mort un grand mâle ni le glouton égorger un renne domestiqué.

  Les débuts d'Aïlo sont pleins de poésie... et d'angoisse. Bon, d'accord, nous les adultes savons que, comme c'est le héros, il va échapper aux dangers qui le guettent, mais je trouve quand même bienvenue la mise en scène de tous les pièges auxquels le faon va devoir échapper. On pense bien sûr aux loups (qui n'ont rien à voir avec de sympathiques chiots pleins de poils gambadant innocemment dans les neiges nordiques). On suit aussi (brièvement) un superbe harfang des neiges. On aperçoit un aigle, ainsi que quelques prédateurs d'en-bas, le plus dangereux étant sans conteste le glouton.

   Plus intéressantes encore sont les rencontres effectuées par Aïlo. Il y a cette hermine surexcitée (un vrai personnage de dessin animé), ce lièvre amical (et habile à repousser les putois), cet écureuil affamé et curieux, ce renard des neiges solitaire, ces ours tranquilles dans leur coin et puis les rennes, quantité de rennes, adultes et jeunes, mâles et femelles, superbes.

   C'est le moment de souligner la qualité des gros plans (un plaisir à savourer dans une salle de cinéma) et celle de l'habillage sonore. On est vraiment plongé dans la nature. Le commentaire (dit par Aldebert) est instructif, puisqu'il identifie les espèces rencontrées. Le langage est parfois trivial, contemporain : on n'a pas voulu faire un film pontifiant. Je dois reconnaître que cela passe, même si j'ai trouvé que c'était parfois un peu trop verbeux. C'est le genre de film qui incite à la contemplation des merveilles de la nature. Et c'est très bien ainsi.

L'exploitation des ours

   Le sort des ursidés a récemment fait l'actualité. Le 23 février dernier, c'était la Journée mondiale pour sauver les ours, dont le plus grand (seul ?) prédateur est incontestablement l'être humain. Sur le coup, je n'y avais pas particulièrement fait attention... et je dois dire que je n'apprécie pas l'activisme des personnes qui poussent à la réintroduction de l'ours dans les Pyrénées, quitte à menacer l'élevage extensif.

   Par un curieux hasard de la programmation, la chaîne TMC (appartenant au groupe TF1) a récemment rediffusé un épisode des Experts Las Vegas (la meilleure des quatre séries de la franchise "CSI"), le quatorzième de la saison 5, intitulé "La peau de l'ours". Les enquêteurs sont chargés de deux affaires : le décès d'une jeune mère de famille (dont sont soupçonnés d'être responsables son époux, sa belle-mère, sa meilleure amie... et un dragueur lourdingue) et la mort (en apparence accidentelle) d'un chasseur, agressé par un ours Kodiak, lui aussi décédé. Cela permet au médecin-légiste en chef, le docteur Robbins, de procéder à une improbable (mais rigoureuse) autopsie d'ursidé.

   La vésicule biliaire de l'animal a été prélevée (post mortem)... et ce n'est pas le fruit du hasard. La bile d'ours est particulièrement recherchée en Asie (et dans les communautés expatriées), où on lui attribue (faussement) des vertus médicinales. Ce qui était vrai en 2005 (année de la première diffusion de l'épisode) l'est encore malheureusement aujourd'hui, comme nous le révèle un article récemment paru sur le site natura-sciences. En Asie (principalement en Chine et au Vietnam), ce sont les ours noirs qui en sont victimes. Ils sont capturés puis détenus dans des conditions particulièrement horribles, dans le but de prélever le précieux liquide.

   10 000 animaux seraient concernés. La bonne nouvelle est que, sous la pression (notamment) d'ONG (comme Animals Asia), les autorités des pays concernés semblent avoir pris conscience au moins de la mauvaise image que ce genre de pratiques leur vaut. Il reste à espérer que ces traitements odieux soient voués à disparaître à court terme.

Victoire pour Laguiole

   L'information vient d'être mise en ligne sur le site du Monde : la commune de Laguiole a obtenu gain de cause contre l'entrepreneur Gilbert Szajner dans le deuxième procès en appel qui les opposait à propos de la marque "Laguiole". C'est peut-être (le perdant peut encore essayer d'aller en cassation) la conclusion d'une procédure judiciaire qui dure depuis plusieurs décennies... et cela va dans le sens de l'histoire, si j'ose dire.

   En effet, cette victoire obtenue par la commune aveyronnaise fait suite à deux autres décrochées par l'entreprise Forge de Laguiole devant les juridictions européennes : le tribunal de première instance de l'Union européenne en 2014, la CJUE, en appel, en 2017. Mais ces victoires n'étaient que partielles. Elles permettaient à l'entreprise suisso-aveyronnaise de continuer son activité sans être gênée par les marques déposées par G. Szajner, qui restait libre d'utiliser le nom de la commune pour vendre quantité de produits fabriqués au Pakistan ou en Chine.

   Là, c'en est peut-être fini des couteaux bas-de-gamme entassés dans les rayons des grandes surfaces (ou vendus sur certains marchés...) et portant mensongèrement le nom de Laguiole.

   Cerise sur le gâteau : la cour d'appel condamne G. Szajner aux dépens ; cela veut dire qu'il va devoir régler les frais judiciaires, y compris ceux de la commune aveyronnaise, ce dont les contribuables locaux ne peuvent que se réjouir !

   Allez, champagne !

Le Château de Cagliostro

   Quelques semaines après la sortie d'un documentaire consacré à Hayao Miyazaki, voilà que son premier long-métrage est de nouveau sur les écrans. C'est l'un des rares que je n'avais encore pas vus.

   Au niveau de la forme, cela rappelle les dessins animés des années 1970-1980. C'est donc moins élaboré que les œuvres ultérieures du maître... mais c'est toujours mieux que n'importe quelle adaptation de Dragon Ball (comme celle dont on nous a fait la promotion dans les bandes-annonces)... Le style rappelle ce que Miyazaki a fait dans la série Sherlock Holmes ou dans Edgar de la Cambriole, que ce film a permis de lancer.

   On retrouve néanmoins le souci du détail des œuvres de Miyazaki, ainsi que le désir de "creuser" ses personnages, au long d'une histoire fouillée, pleine de rebondissements. C'est feuilletonnesque, à l'image de ce qu'on peut lire sous la plume d'un Jules Verne ou d'un Alexandre Dumas. (Ce dernier est l'auteur d'un Joseph Balsamo, dont le héros est un certain Cagliostro.)

   De quoi est-il question ? D'une jeune femme enlevée, de mystérieuses bagues, d'un trafic de fausse monnaie, d'une bande de mafieux ressemblant à des créatures extraterrestres... et d'un château fantastique, regorgeant de souterrains, passages secrets et ouvertures masquées.

   C'est plaisant à suivre et visible par tout le monde, puisque l'humour est bon enfant. On voit clairement la parenté avec d'autres mangas mettant en scène un héros cavaleur et dont l'une des acolytes est une jeune femme furieusement indépendante (et ravissante, cela va sans dire). Ici, elle se prénomme Magali. Rappelons-nous que nous sommes en 1979 et que c'est destiné à des enfants.

   Pendant 1h40, on peut se plonger dans ce roman d'aventures illustré, un brin surréaliste, dont on sait par avance qu'il ne va pas mal finir.

Cretinus Rouergatus

   J'aime à me balader aux environs du jardin du Foirail. A l'une des extrémités de celui-ci se trouve le monument aux morts, initialement conçu en hommage aux soldats victimes de la Première Guerre mondiale. Au siècle dernier, il a été déplacé depuis la place d'Armes. 2014 a vu la restauration de la statue, réinstallée ensuite sur un nouveau  socle, en acier Corten, en référence au musée Soulages situé à proximité.

   Ce lundi, en passant devant le monument, j'ai remarqué quelque chose d'étrange :

   Vous n'avez pas la berlue. (Au besoin, cliquez sur la photographie pour l'agrandir.) Des individus peu recommandables ont placé un petit extincteur sur l'épaule droite de la Victoire. A mon avis, c'est tout récent. Faut-il voir un lien avec les incendies de poubelles de la nuit dernière ? Je n'en sais rien. Cela pourrait tout aussi bien être l'une des séquelles d'une soirée trop arrosée. Il y a sept ans, c'est une statue de Jeanne d'Arc (du côté de Marcillac-Vallon) qui en avait été victime. Une bonne âme m'a avancé l'hypothèse d'un pari stupide. En raison de la localisation de la statue, j'en envisage une autre : l'action de "gilets jaunes", dont les défilés du samedi passent à proximité.

   La rédaction de Centre Presse se trouvant juste à côté, il serait étonnant qu'on n'en entende pas bientôt parler. (Alors, les gars, on ne fait plus attention à ce qu'il se passe dans le quartier quand on sort s'en griller une ?)

   Aux Aveyronnais (et touristes de passage) qui prendraient la peine de venir voir le monument, je conseille de regarder la base de la statue. On peut y observer un curieux phénomène naturel :

   La présence de ces petites stalactites (visibles aussi de temps à autre sur les gargouilles de la cathédrale) s'explique par l'orientation de la statue (dont la base est représentée en rouge ci-dessous) :

   A midi, lorsque le soleil est au sud, comme il n'est actuellement pas très haut dans le ciel, la base de la statue est à peine effleurée par les rayons. Dans l'après-midi, quand la lumière solaire vient du sud-ouest puis de l'ouest, la base de la statue se trouve à l'ombre. Voilà pourquoi sans doute le récent rafraîchissement a permis la formation de ces pittoresques concrétions.

   Au passage, j'ai remarqué que la dégradation subie par le (grand) socle du monument en novembre dernier n'avait toujours pas été réparée. La paroi vitrée sur laquelle ont été gravés les noms des soldats décédés entre 1914 et 1918 a toujours cet aspect de verre brisé. Or, sur la paroi vitrée d'entre face (sur la partie intérieure gauche du monument) -heureusement restée intacte- sont gravés les noms des victimes ruthénoises de la Seconde Guerre mondiale. Si l'on veut que le monument ait retrouvé un aspect convenable d'ici le 8 mai prochain, il faudrait peut-être se dépêcher !

   Pour le 19 mars, c'est visiblement trop tard. Mais c'est sans doute moins grave, puisqu'il existe à Rodez, sous le tribunal, un square avec une stèle rendant hommage aux anciens combattants d'Afrique du Nord.

    Il est possible que soit devant elle (ou, plus probablement, face au monument départemental situé à La Primaube) que se tiendra la cérémonie commémorant le cessez-le-feu en Algérie.