Sentimental

   Le générique du début laisse entendre que le titre de ce film espagnol est une sorte de mot-valise, signifiant quelque chose comme "Raison et sentiment" (dans l'ordre inverse). C'est (je pense) une allusion à la différence de tempérament au sein du couple de héros. Lui est un prof de musique très autosatisfait, tandis qu'elle est une quadra angoissée, qui a "de beaux restes" comme on dit. Lui est incarné par Javier Cámara (vu récemment dans L'Oubli que nous serons), elle par Griselda Siciliani. Le couple n'est pas des plus solides. La première partie met bien en scène (quoique de manière un peu scolaire) la distance et la tension qui sont apparues entre les deux.

   L'arrivée des voisins du dessus (invités à dîner par l'épouse) relance l'intrigue. Entre les deux duos, il y a pas mal de non-dits, que cette soirée est censée "purger" (de manière civilisée). Si les deux couples se définissent comme "progressistes", au niveau des mœurs, un fossé les sépare, tant les voisins du dessus se révèlent, au fur et à mesure que la conversation progresse, libertaires. Le contraste avec leurs interlocuteurs, pourtant à peine plus âgés qu'eux, est frappant. J'ai remarqué que l'épouse de l'étage du dessus est interprétée (avec pétulance) par Belén Cuesta, remarquée cette année dans Une Vie secrète.

   Cette confrontation de couples, sur le mode comique (grinçant), adaptée d'une pièce de théâtre, n'est pas sans rappeler Carnage de Roman Polanski. Malheureusement, derrière la caméra, Cesc Gay n'a pas le talent de l'auteur de J'accuse. Il a du mal à tenir la distance, certains personnages faisant mine à plusieurs reprises de sortir de l'appartement, avant forcément d'y revenir (sinon le film se serait terminé au bout d'une heure, à tout casser). Je pense qu'il aurait fallu rajouter des plans extérieurs, bref faire preuve d'un peu d'innovation par rapport à la pièce de théâtre.

   Il reste quand même plusieurs moments savoureux, avec de bons dialogues... et une analyse de la crise d'un couple, assez touchante. Mais ce sera vite oublié.

Free Guy

   On a beaucoup comparé ce film à Ready Player One (en raison de l'interpénétration de deux intrigues, une dans le monde réel, l'autre dans le monde virtuel) et à The Truman Show (à cause du héros qui ne sait pas -au départ- qu'il fait partie d'un programme de divertissement). On a souvent oublié les (nombreuses) références à La Grande Aventure Lego... eh, oui ! Le héros est un chic type, un peu naïf, qui trouve tout super génial (du moins au début). Il va s'enticher d'un personnage féminin très badass et se révéler à lui-même, au cours d'aventures extraordinaires.

   Guy est d'abord le narrateur de l'histoire. La première séquence, l'une des plus belles du film, présente le monde merveilleux dans lequel il vit. Chaque jour, le héros suit sa routine, du réveil au bureau jusqu'au retour chez lui, en passant par ce délicieux café, brûlant à l'excès, à tel point que Guy s'exclame que "C'est comme perdre sa virginité, mais dans la bouche !" C'est une indication du double (voire triple) niveau de lecture qu'il faut adopter avec cette histoire. Celle-ci est donc visible par différents publics, les allusions sexuelles étant peu nombreuses et pas trop apparentes (si l'on veut protéger les oreilles chastes des propos grivois).

   Dans le monde réel, l'intrigue repose sur un vol de propriété intellectuelle et un amour inassouvi. Dans le monde virtuel, c'est d'inégalité et d'aliénation qu'il est question. Deux types d'individus y évoluent : les joueurs (qui ont un équivalent dans le monde réel) et les PNJ, "personnages non-joueurs" (NPC, "non-player characters" dans la V.O.), autrement dit les créations des programmeurs. Ils ont l'habitude de se faire frapper, détrousser, assassiner, dans la joie et la bonne humeur. Cela nous vaut de savoureux contrastes entre le premier plan (souvent d'une gaieté appuyée, du moins dans la première partie) et l'arrière-plan, beaucoup plus agité.

   C'est là qu'il faut prendre le film au sens métaphorique. Les PNJ sont l'équivalent des citoyens ordinaires, habitués (selon les scénaristes) à se laisser "entuber" par les gagnants du système, les "héros", qui évoluent dans l'univers virtuel avec d'étranges lunettes de soleil. Mais, grâce à Guy, la révolte n'est peut-être pas loin...

   Sur le plan visuel, je suis partagé. Incontestablement, c'est spectaculaire, avec beaucoup de couleurs vives. Mais, parfois, l'esthétique de jeu vidéo m'a agacé. Cela passe néanmoins grâce au rythme de l'action (élevé) et à l'intérêt que suscite le scénario. L'humour aussi est souvent présent, comme quand la vie réelle et la vie virtuelle se télescopent (les véritables individus ressemblant souvent très peu physiquement à leur avatar...) ou quand, à l'occasion d'une péripétie, on nous gratifie d'un clin d'œil à certaines productions Marvel ou à Star Wars. (Comme c'est une production Century Fox, qu'une partie des effets spéciaux a été réalisée par LucasFilm et que le film est distribué par Disney, on peut dire que cela reste en famille !)

   Au niveau de l'interprétation, j'ai surtout été marqué par Ryan Reynolds (qui coproduit, un bon moyen de s'assurer les meilleures répliques) et Taika Waititi, pas mal du tout dans son rôle de gourou informatique âpre au gain.

   Cela donne un bon divertissement, dont la leçon finale est que la vraie vie ne se trouve pas dans le virtuel.

Escape Game 2

   En 2019, la sortie du premier Escape Game avait été une agréable surprise... et une appréciable source de profits pour les producteurs. Voici donc la suite, tournée par le même réalisateur, écrite par la même scénariste.

   Au risque de divulgâcher, je me dois de préciser que les deux vainqueurs de la précédente épreuve sont présents dans cette histoire. La demoiselle en particulier veut régler son compte à l'organisation Minos, qui crée des divertissements meurtriers pour gens friqués en mal de sensations.

   Sans surprise, le duo de jeunes adultes se trouve à nouveau pris au piège, en compagnie de quatre autres personnes, dans une rame de métro spécialement aménagée à leur intention. C'est l'occasion de préciser que, si vous ne faites pas semblant de croire qu'il est possible de dépenser des centaines de millions de dollars pour construire, dans le plus grand secret, cinq salles de jeu remplies de pièges dans les sous-sols de New York, ce film n'est pas pour vous.

   Une fois ce présupposé accepté, on peut jouir du spectacle. Comme dans le premier opus, les décorateurs et le réalisateur font montre de leur savoir-faire (bien épaulés, il est vrai, par les effets spéciaux... juste ce qu'il faut). Du coup, on suit les concurrents (six, puis cinq...) dans la rame de métro, le hall d'une banque (la meilleure séquence, à mon goût), une station balnéaire, une fausse rue de New York... et une chambre d'enfant. C'est bien foutu, trépidant... à déconseiller toutefois au jeune public : dans la salle où je me trouvais, une famille entière était venue voir ce film, les parents et trois enfants, mais le petit dernier n'a visiblement pas tout compris (sans parler des cauchemars qu'il a sans doute dû faire par la suite).

   La caractérisation des personnages n'est toujours pas le point fort de l'histoire, qui insiste sur la nécessaire collaboration des protagonistes pour s'en sortir. Mais, comme le scénario est malin et qu'à l'écran, c'est assez joli à voir, on passe un bon moment, pour peu qu'on aime ce genre de cinéma.

   P.S.

   Celles et ceux qui ont vu le premier film ne seront pas surpris de constater que la fin ménage la possibilité d'une suite...

Rouge

   À la lecture de ce titre, les "vieux" cinéphiles auront tendance à penser à un film de Krzysztof Kieslowski datant de plus de vingt ans. Il n'en est rien, puisque le long-métrage auquel est consacré ce billet vient juste de sortir, même s'il fait partie de la promotion (maudite) de Cannes 2020 (le festival qui n'a pas eu lieu). La majorité de la sélection a débarqué dans nos salles ces derniers mois. Rétrospectivement, on se rend compte d'ailleurs que c'était une promotion de qualité, puisqu'elle comptait des œuvres comme Teddy, Des Hommes, Les Deux Alfred, Nadia, Butterfly et L'Oubli que nous serons.

   Rouge bénéficie d'une bonne critique presse, qui le compare souvent à Dark Waters. On est donc tenté de penser qu'il s'agit d'un "film-dossier", d'autant qu'il s'appuie sur un scandale bien réel, celui des "boues rouges de Gardanne". Mais, plus qu'un pamphlet sociétal, Rouge est d'abord selon moi un film psychologique, qui s'apparente au drame familial.

   L'intrigue tourne autour de deux personnages principaux, Slimane, ouvrier-syndicaliste (sans doute CGT) de l'usine d'aluminium Arkalu (un décalque d'Alteo) et Nour, sa fille, infirmière qui vient de quitter l'hôpital pour intégrer l'entreprise où son père travaille depuis près de trente ans. Dans cette boîte, elle va avoir pour collègues les amis de la famille, mais aussi son futur beau-frère.

   Outre l'ambiance de travail, le réalisateur (Farid Bentoumi) réussit à mettre en scène le conflit d'allégeance qui tenaille Nour (Zita Hanrot, formidable) : soit elle reste la fille à son père (Sami Bouajila, tout aussi excellent) et elle renie une partie de sa vocation d'infirmière, soit elle demeure fidèle à son engagement professionnel (sauver des vies) et, dans ce cas, elle entre en conflit avec ceux qu'elle aime.

   Le résultat, qui pourrait être platement manichéen, est d'une remarquable subtilité. Même le personnage du patron de l'usine (interprété par Olivier Gourmet, une fois de plus impeccable) a droit à une vision nuancée. On découvre un monde ouvrier divisé, d'abord entre titulaires et intérimaires, ensuite entre "Français de souche" racistes (ou pas), Français d'origine immigrée et étrangers. Qu'est-ce qui maintient l'unité ? L'envie de garder son boulot.

   Les seconds rôles sont au poil et contribuent à nuancer le tableau, de la journaliste écolo (Céline Sallette) à la sœur de Nour (Alka Balbir), en passant par les anciens ouvriers basculés au service restauration, les cadres de la boîte, le député du coin et des militants écologistes plus ou moins regardants sur les  méthodes.

   Dans le même temps, Slimane prépare le mariage de sa fille aînée. J'ajoute qu'à l'usine tout le monde redoute la venue d'une inspection, dont l'avis est indispensable pour obtenir le droit de rejeter à nouveau des déchets en mer. Dans le dernier tiers de l'histoire, l'ambiance de thriller prend le dessus... et c'est prenant.

   Je conseille de se jeter sans délai sur ce film, parce qu'il risque de disparaître rapidement de nos écrans. Ce n'est pas le genre d'histoire que les Français ont envie de voir au cinéma en ce moment. C'est pourtant l'un des plus beaux films sortis ces dernières semaines.

   P.S.

   L'avenir de l'usine Alteo (la vraie) n'est toujours pas assuré. Des améliorations ont été apportées au processus de fabrication d'aluminium, mais l'entreprise est en difficulté, en quête de repreneur.

C'est quoi ce papy ?!

   Deux ans après le succès du médiocre C'est quoi cette mamie ?! (un million deux cent mille entrées tout de même), Gabriel Julien-Laferrière revient avec la suite (le troisième volet d'un triptyque, en fait). Les petits-enfants ont plus ou moins grandi, les parents pas vraiment changé... et la grand-mère pète toujours le feu ! Chantal Ladesou bénéficie des meilleurs saillies écrites par les dialoguistes, qui ont néanmoins réservé quelques perles à un nouveau venu, le grand-père (présumé), interprété par Patrick Chesnais.

   C'est en raison de sa présence au générique (et grâce à une bande-annonce percutante) que je me suis lancé dans cette aventure. La première partie joue sur l'amnésie de l'héroïne, suite à un accident survenu au cours d'une de ces bamboches qu'affectionne Aurore. J'ai été agréablement surpris par tout ce qu'il se passe à l'hôpital... où elle est censée se reposer... (Notons que cet institut s'appelle "Julien-Laferrière-Mounier", des noms des deux scénaristes !)

   L'intérêt pour l'histoire vient aussi de l'évolution des personnages des petits-enfants. Dans le lot, on a une ribambelle de têtes à claques, entre la féministe extrémiste, le végan, le noir homosexuel intersectionnel, la bonne sœur, le flic "bogosse" et le youtubeur fumeur de joints. Les scénaristes aiment visiblement leurs jeunes personnages... toutefois pas au point de totalement les épargner. Ainsi, le défenseur de la nature doit accepter de voyager en véhicule polluant, la féministe de "sécher" une manif', le policier d'enfreindre la loi, le Noir de jouer au "petit nègre", la bonne sœur de "s'ouvrir" au monde séculier (je n'en dis pas plus)... Ma préférée reste Clara (Violette Guillon, fille de... avec du talent), pas la plus âgée mais la cheville ouvrière de la tribu de petits-enfants, qui s'est donné pour mission de faire recouvrer la mémoire à Aurore.

   Pour cela, ils comptent sur ses retrouvailles avec ce qu'ils présument être son amour de jeunesse, un certain Gégé. Caché au fin fond des Cévennes, cet éleveur de moutons n'est pas submergé de joie quand débarque la petite troupe. Plus attendue, cette partie est savoureuse pour la confrontation entre le vieil anar et les jeunes bobos, qui ont sans doute des valeurs en commun, mais avec deux générations d'écart. (Je laisse à chacun.e le plaisir de découvrir quels animaux de la ferme ont été nommés Lénine, Staline, Mao, Méluche et... Sarko !)

   En revanche, je trouve le côté sentimental (la renaissance de l'amour entre les deux "aînés") complètement raté. Là, on sent que Chesnais se fait un peu chier. Il est un autre aspect de l'histoire qui m'a semblé très maladroit : la grossesse de Juliette (la féministe). Au début du film, on distingue à peine son petit bidon, alors qu'elle est censée être enceinte de huit mois. En quelques jours, on la voit prendre des seins et du ventre de manière impressionnante ! (Cela m'a rappelé un passage du récent Old, qui, lui, est étiqueté film fantastique...) La séquence de l'accouchement (dans une grange, en présence d'un âne...) accumule les clichés, sans le second degré d'OSS 117, hélas. Mais, comme les deux vieux cons tiennent bien la barre, l'ensemble n'est pas déplaisant, loin de là.

Ice Road

   Sic transit gloria mundi... Il fut un temps où la sortie d'un film avec Liam Neeson était un événement et occupait une impressionnante combinaison de salles. Le problème est que, depuis au moins dix ans, l'ancienne gloire irlandaise enchaîne les films d'action potables et les navets, le public ayant de plus en plus de mal à s'y retrouver. Ajoutez à cela les conséquences de la pandémie de covid (en particulier la sortie en rafales des films stockés depuis des mois dans les cartons des distributeurs) et vous comprendrez pourquoi, à part dans les métropoles, il est très difficile d'avoir accès à ce long-métrage.

   Pourtant, le sujet est porteur. Le scénario s'appuie sur une réalité : le transport de marchandises, au Canada, sur des "routes de glace" (des pistes aménagées notamment sur des lacs gelés). Cela a même donné naissance, au début du XXIe siècle, à une émission de télé-réalité, "Le Convoi de l'extrême", qui a peut-être inspiré ce film.

   C'est principalement une histoire de burnes. Le début nous fait découvrir le travail de mineurs couillus, dans le Grand Nord canadien. Certains de ces valeureux prolétaires vont se retrouver piégés au fond de la mine, après un "coup de grisou". Le matériel nécessaire à leur sauvetage se trouve à des centaines de kilomètres de là et, vu sa taille, il ne peut être livré que par camion. Le problème est qu'on est au début du printemps et qu'à cette époque de l'année, beaucoup de chauffeurs routiers sont en vacances. Surtout, les routes de glace sont de moins en moins sûres.

   Pour ce convoi à risque, le patron couillu de la boîte de transport (Laurence Fishburne le bien nommé) a du mal à trouver du personnel compétent... et volontaire. Il sélectionne deux frères, Mike et Gurty, le premier parce qu'il en a une énorme paire (il est bien entendu interprété par Liam Neeson), le second (vétéran d'Irak atteint de stress post-traumatique) parce qu'il est un mécanicien de génie. Complètent l'équipe un cadre de la compagnie minière et... une délinquante, aux ovaires solidement arrimés. (Est-il nécessaire de préciser qu'Amber Midthunder est belle comme un camion ?) Comme, en plus, elle est issue d'une tribu indienne, on se dit que les quotas de minorités sont respectés. 

   À partir du moment où les trois camions sont lancés sur la piste glacée, c'est prenant. Les péripéties, mécaniques comme climatiques, sont mises en scène avec un indéniable savoir-faire... parce que péripéties il y a. Vous vous doutez bien que rien ne va se passer comme prévu, d'abord parce que la préparation d'un transport aussi risqué à la dernière minute ne peut être optimale... mais aussi parce que de curieux "incidents" vont se produire sur le parcours. Un complot est à l'œuvre, que nos vaillants conducteurs vont devoir déjouer.

   Je ne vais pas survendre ce film : certaines péripéties sont un peu téléphonées et les corps à corps ne sont pas très bien chorégraphiés. (Ceci dit, les fans de Liam Neeson verront avec plaisir ce quasi-septuagénaire venir à bout d'un mercenaire surentraîné qui a trente ans de moins que lui...) Mais, dans une salle obscure, sur grand écran, la chaleur estivale revenant, c'est rafraîchissant.

Profession du père

   C'est l'histoire d'un homme, André Choulans, marié, père de famille provincial, frustré dans sa vie professionnelle, aigri par la politique française et qui a tendance à voir des complots partout. Eh non, il ne s'agit pas d'un de ces manifestants antivax... puisque l'intrigue débute en 1961, au moment du putsch des généraux en Algérie.

   Le film repose beaucoup sur le talent de Benoît Poelvoorde, qu'on a déjà vu dans des rôles de perdant magnifique. Ici, le père de famille en apparence débonnaire va petit à petit dévoiler un côté psychopathe de plus en plus inquiétant.

   Son fils, Émile (incarné jeune par le surprenant Jules Lefebvre) ne sait pas trop comment renseigner la ligne "profession du père", le jour de la rentrée des classes (au collège). Doit-il écrire "chanteur" ? (Son père prétend avoir fait partie des membres fondateurs des Compagnons de la chanson.) Doit-il écrire "agent secret" ? (Le meilleur ami de son père, Ted, serait membre de la CIA.) Doit-il écrire "joueur de football" ? "professeur de judo" ? "parachutiste" ?... Son père ne cesse de lui raconter des  histoires, au propre comme au figuré. Comment démêler le vrai du faux, dans ce magma auquel la mère (Audrey Dana, très bien) a renoncé à apporter un minimum de cohérence ?

   La première partie du film met en scène le "bourrage de crâne" familial, sous les yeux d'une épouse qui reconnaît de moins en moins l'homme charmant qu'elle a jadis épousé. Rappelons que nous sommes au début de la Ve République, à Lyon, dans un ménage de "Français moyens". À la maison, c'est l'homme qui commande, au besoin par la force... même (surtout ?) si c'est sur les épaules de madame que repose le foyer.

   La deuxième partie de l'intrigue renforce l'intérêt du film : le gamin se met à son tour à inventer des histoires. On a bien compris qu'il ne croit pas à tout ce que lui raconte son père mais, comme lui, il développe une propension à la mythomanie pour rendre son quotidien plus supportable. Il s'imagine membre actif de "l'organisation" (l'O.A.S.). Je ne vais pas en dire plus, mais sachez que cela va très loin, surtout à partir du moment où débarque au collège un jeune pied-noir (Tom Levy, lui aussi très bien), dont Émile cherche à devenir l'ami.

   Au-delà du contexte de la Guerre d'Algérie (le film adapte un roman de Sorj Chalandon, en partie autobiographique), c'est une réflexion sur l'influence qu'ont les parents sur leurs enfants et comment leurs délires peuvent en faire des individus névrosés, voire dangereux. Je trouve que c'est d'une étonnante actualité.

   P.S.

   Les spectateurs aveyronnais doivent être particulièrement attentifs à la première scène de repas familial, au début de l'histoire. On y voit André Choulans déplier un célèbre couteau de poche (avec tire-bouchon)...

Nadia, Butterfly

   Tourné en 2019 pour sortir en 2020, au moment des Jeux de Tokyo (durant lesquels est censée se dérouler l'action), ce film a subi le même sort que les compétitions olympiques : le report. Son arrivée dans les salles obscures françaises est opportune à plusieurs titres, d'autant qu'il aborde un sujet qui a récemment fait l'actualité (à propos de la joueuse de tennis Noami Osaka et de la gymnaste Simone Biles) : la difficulté d'être une sportive professionnelle et la charge mentale qui pèse sur les jeunes femmes. (Les Frenchies auront tendance à faire le lien avec le cas Laure Manaudou.)

   Cette fiction à caractère documentaire revêt donc plusieurs intérêts. Notons que les quatre actrices principales sont nageuses de formation. Dans l'intrigue, elles constituent une équipe de relais canadien, où l'on trouve "l'ancienne" (qui approche la trentaine !) en fin de carrière, deux nageuses confirmées plus jeunes et le grand espoir national (encore mineure). Trois sont québécoises, la quatrième anglophone stricte.

   L'héroïne est Nadia, spécialiste du papillon (d'où le titre). À 23 ans, elle est un pilier de l'équipe nationale et l'une des meilleures spécialistes mondiales de sa discipline. On la suit tout d'abord à l'entraînement, avec de superbes plans de piscine. Un regard extérieur aurait tendance à la voir comme une machine : la jeune femme aux larges épaules et aux cuisses musculeuses enchaîne les longueurs avec une apparente impassibilité. En réalité, cela bouillonne dans sa tête : elle a décidé d'arrêter la natation et de reprendre ses études après les Jeux. Cela suscite beaucoup d'incompréhension dans son entourage où, curieusement, on note l'absence totale des membres de sa famille (même en communication à distance).

   La compétition, à Tokyo, est filmée de manière classique. Notons que le scénariste avait quasiment prévu l'exact podium du relais (dont la finale s'est déroulée le 1er août dernier) ! En alternance, on nous montre les à-côtés de la vie des sportifs du village, entre soirées, obligations médiatiques et découverte du Japon. La scène qui voit Nadia tenter de gagner une peluche (de la mascotte olympique) à un jeu de capture est symbolique de ce que vit la jeune femme, qui peine à obtenir ce qu'elle veut... pour finalement changer d'avis. Elle ne sait plus trop où elle en est.

   Les Jeux sont aussi l'occasion de faire des rencontres... du moins quand sa part de compétition est achevée. Deux des membres du relais vont s'offrir une soirée déjantée, avec maquillage, godasses de "poulette", musique, alcool fort et mecs dispos. Cette séquence devrait rayonner de bonheur... mais le mal-être n'est pas loin.

   Nadia, qui a consacré la majeure partie de son temps à la natation depuis l'âge de dix ans, a l'impression d'être passée à côté de sa jeunesse. La période des Jeux est celle des choix, non sans regrets, contre lesquels elle tente de se prémunir à l'aide de son smartphone. (Soyez attentifs à ce qu'elle fait avec.)

   J'ai trouvé cette histoire très touchante, avec des interprètes authentiques et une caméra près des corps, mais sans impudeur.

Le Soupir des vagues

   Sous ce titre ressort en France un film du Japonais Koji Fukada. Depuis deux-trois ans, ses œuvres arrivent sur nos écrans, un peu dans le désordre. Leur qualité est d'ailleurs inégale. Si j'avais apprécié L'Infirmière, l'an dernier, j'ai globalement été déçu cette année par Hospitalité (son premier long métrage, moins maîtrisé que les suivants), qui nous a été un peu survendu par la critique.

   Il y a deux ans, au mois de juin, le cinéma CGR de Rodez avait programmé plusieurs films japonais (parfois en avant-première), sur deux semaines. C'est à cette occasion que j'avais pu voir L'Homme qui venait de la mer... qui ressort donc sous un nouveau titre. Je ne vais pas réécrire le billet. Pour lire ma recension, il suffit de cliquer sur le lien précédent. Ce film mérite vraiment le détour.

Benedetta

   J'ai rechigné à aller voir ce film, tant le battage fait autour de certains aspects (supposés) provocateurs m'a paru artificiel. Et puis, récemment, j'ai profité d'un déplacement pour m'offrir la séance, dans un cinéma qui le programme depuis sa sortie à Cannes. À ma grande surprise, la salle fut aux trois quarts pleine, avec comme public un océan de tempes argentées (plutôt féminines), dans lequel s'étaient noyés un étudiant et quelques actifs en goguette.

   Commençons par l'aspect technique : c'est bien filmé, avec de bons décors. Le contexte de l'Italie du Nord du début du XVIIe siècle (à peine sortie du Moyen-Âge...) est assez bien planté, quoique de manière sommaire.

   Les scènes les plus intéressantes sont (pour moi) celles qui se déroulent à l'intérieur du couvent. Plus que le confinement, c'est la promiscuité qui a été mise en scène, avec ces pseudo-cellules monastiques qui ne sont séparées que par un rideau pas tout à fait opaque. Le mystère et le désir qui accompagnent cette fausse étanchéité sont quasiment palpables.

   À cela s'ajoute la prestation des acteurs. J'ai été davantage convaincu par les deux principales interprètes féminines (Virginie Éfira et Daphne Patakia) que par les deux "anciens" (Lambert Wilson, juste correct dans le rôle du nonce, Charlotte Rampling très à la peine). Heureusement, une pléiade de seconds rôles bien campés (notamment par Olivier Rabourdin et Louise Chevillotte) donne de la consistance à la distribution.

   Reste le propos global. Bien que Verhoeven s'en défende, il a construit une œuvre anticléricale, provocatrice (un peu tape-à-l'oeil) et dans l'air du temps pro-LGBT. Cela ne me dérange guère, à ceci près qu'il a déformé l'histoire (réelle) de cette religieuse homosexuelle (bisexuelle sans doute) pour la faire cadrer avec ses idées.

   Contrairement à ce que j'ai parfois lu et entendu, le livre dont s'est inspiré Paul Verhoeven n'est pas un roman. C'est une étude universitaire rigoureuse, parue il y a plus de trente ans et que les éditions Gallimard ont fort opportunément décidé de republier (pas en collection de poche, toutefois... il n'y a pas de petit profit). De plus, le film n'est pas la simple adaptation du livre. Il y a eu réécriture de l'histoire, au profit d'un scénario en partie fictif... et ce n'est a priori pas forcément un mal.

   L'ouvrage de l'universitaire états-unienne mérite le détour pour plusieurs raisons. Tout d'abord, il présente beaucoup mieux le contexte, évoquant notamment la place de la "déviance" sexuelle dans la société de l'époque... ainsi qu'au sein de l'Église. Le livre est beaucoup plus intéressant que le film par l'analyse détaillée qu'il fait des enquêtes ecclésiastiques. La hiérarchie toscane s'est demandée si Benedetta n'avait pas rêvé, puis si ses visions relevaient de l'extase ou du ravissement... et surtout si ce n'était pas Satan qui était derrière.

   À la lecture de l'étude, on comprend mieux quels étaient les enjeux de pouvoir, entre les autorités locales et régionales, entre les hommes et les femmes, entre les riches et les pauvres. Durant 90 % de l'ouvrage, l'historienne se garde de prendre position, se contentant de rendre compréhensibles par un public du XXe siècle (époque de la première publication) les mentalités de l'époque. Ce n'est qu'à la toute fin qu'elle semble trancher au niveau de la réalité des visions et de la relation nouée entre Benedetta et sa "protégée". Le livre n'est pas toujours facile à lire, mais il est passionnant. Il contient en outre de précieuses annexes traduites.

OSS 117 : alerte rouge en Afrique noire

   Cela fait plus de douze ans que les cinéphiles attendent la suite des aventures d'Hubert Bonisseur de la Bath, que l'on avait laissé du côté de Rio, en galante compagnie. Je connais des fans qui redoutaient le changement de réalisateur. Mais, comme le scénario et les dialogues sont restés de la main de Jean-François Halin, le passage de témoin s'est fait sans heurt.

   Nicolas Bedos a gardé les éléments identitaires des précédents films : le pastiche/hommage à des films de genre et la mise en scène d'une franchouillardise qu'on est censé prendre au second (troisième ? quatrième ?) degré. Le générique de début est d'ailleurs un montage de plans faisant référence à plusieurs James Bond. C'est assez joliment réalisé... et Jean Dujardin est toujours aussi bon.

   Le vieillissement de son personnage fait partie des réussites du film. On le sent moins svelte qu'auparavant... et moins "vigoureux" au lit. (Je recommande vivement toutes les scènes de chambre à coucher !) On le voit porter des lunettes de lecture et se mettre à l'informatique. Surtout, l'arrivée à ses côtés de l'agent "1001" (Pierre Niney, très bien) contribue à le ringardiser. L'association de ces deux tempéraments, issus de deux générations différentes, est une autre réussite du film.

   Les dialogues sont souvent savoureux. Halin a pris plaisir à placer dans la bouche du héros des répliques qui, soit sont d'une consternante beaufitude, soit sont à double-sens. Même quand il essaie de passer pour un type bien, le héros finit par sortir des énormités. Mais c'est un bon agent de terrain. Sa mission en Afrique noire subsaharienne est riche en péripéties, parfois spectaculaires, comme l'intrusion des deux espions français dans la cache des trafiquants d'armes.

   Culturellement, l'histoire baigne dans la fin des années 1970 et le début des années 1980 (avec notamment le célèbre générique de la Gaumont, en introduction). Cela aura comme un petit goût de madeleine de Proust pour les spectateurs entre deux âges. Toutefois, en fil rouge sous-jacent, ce sont plutôt des questionnements contemporains que l'on trouve. Le duo Bedos-Halin s'amuse du "politiquement correct" à la française et de ses dérives... tout en dénonçant (gentiment) la "Françafrique".

   Pour un film de divertissement grand public, ce n'est déjà pas si mal.

   P.S.

   La toute fin laisse présager une suite, sous la forme d'une dernière référence cinématographique, cette fois-ci à La Revanche des Sith !

Jungle Cruise

   Et c'est parti pour un nouveau blockbuster de l'été !... avec encore une production Disney, au moins ma troisième de la saison, après le surprenant Cruella et et le bastonnant Black Widow.

   C'est un film d'aventures, bourré d'effets spéciaux, inspiré paraît-il d'une attraction d'un des parcs d'attractions de la Mickey Company. Les spectateurs pas trop mous du bulbe remarqueront aussi des ressemblances avec Pirates des Caraïbes (les conquistadors espagnols remplaçant les écumeurs des mers) et avec Indiana Jones (le vilain prince allemand semblant être un précurseur des nazis opposés à l'homme au fouet). Les plus âgés se souviendront d'autres œuvres de fiction (cinématographiques ou télévisuelles) ayant pour cadre une forêt tropicale.

   Attention toutefois : il n'est pas question ici de présenter les peuples indigènes comme de redoutables sauvages... même si le film s'amuse à jouer avec les clichés (le cannibalisme et la réduction des têtes). On a aussi modernisé la caractérisation des personnages, avec la présence (parmi les protagonistes) d'un homosexuel et une romance interraciale. Ceci dit, ces éléments ont été insérés avec une relative finesse.

   Ainsi, l'histoire d'amour entre le baroudeur très musclé et l'entreprenante exploratrice britannique met du temps à émerger... et c'est tant mieux. Dans ces deux rôles, Dwayne Johnson et Emily Blunt (délicieux accent britannique en V.O.) font merveille.

   En 1916, une petite expédition s'enfonce dans la forêt amazonienne, à la recherche d'un arbre miraculeux. Les Britanniques sont poursuivis par de méchants Allemands (leur chef étant une caricature vivante). Ils doivent aussi échapper à de dangereux fantômes, qui hantent la forêt... mais seulement à proximité du fleuve. Celui-ci recèle bien d'autres menaces, dont doivent se méfier de riches touristes de passage, limite inconscients.

   Aux manettes se trouve Jaume Collet-Serra, qui a déjà prouvé qu'il sait mettre en scène un film d'action (récemment dans The Passenger). On ne s'ennuie pas une seconde, avec quelques séquences particulièrement spectaculaires, comme la première poursuite avec le sous-marin et le périple dans une grotte mystérieuse. L'humour (familial) est très présent, notamment à travers les chamailleries entre les deux héros. À ce sujet, à titre exceptionnel, j'aurais tendance à recommander plutôt la VF, si l'on n'a pas une bonne maîtrise de l'anglais : Frank Wolff / Dwayne Johnson ne cesse de balancer des calembours plus ou moins réussis, au grand désespoir de son entourage. D'après ce que j'ai vu des traductions, ils m'ont l'air plus savoureux en français qu'en anglais !

   J'ai passé un très bon moment.

Les Sorcières de l'Orient

   Entre 1960 et 1982, le Japon fut une nation majeure du volley-ball féminin, avec deux titres olympiques, trois de championnes du monde et cinq places de finaliste, toutes compétition confondues.

   Ce documentaire, tourné par le Français Julien Faraut, rend hommage à la première génération de volleyeuses championnes, celle des années 1960, surnommée par les Soviétiques "les sorcières de l'Orient". Le film entremêle les séquences tournées au XXIe siècle, des extraits de manga (apparemment de la série Les Attaquantes, même si j'ai parfois eu l'impression de revoir Jeanne et Serge) et des images d'époque (actualités, reportage sur les joueuses et extraits de matchs).

   Pour qui a déjà pratiqué le volley-ball, il est évident que les adaptations animées manquent de réalisme (contrairement aux versions papier, paraît-il). Toutefois, le choix des extraits est pertinent, parce que ceux-ci font écho à ce qu'on peut voir dans les images d'archives ou celles tournées très récemment. Le montage a été judicieux.

   Le documentaire est particulièrement évocateur lorsqu'il s'appuie sur les films tournés dans les années 1960, auxquels sont juxtaposés les témoignages de celles qui sont désormais souvent grands-mères (quand elles sont encore en vie). La plus jeune devait avoir, au moment du tournage, autour de 75 ans ! Deux d'entre elles font encore beaucoup d'efforts pour rester en forme, l'une continuant à promouvoir son sport de prédilection auprès des jeunes générations.

   À ce sujet, le contraste entre les années 1960 et notre époque est flagrant au niveau de l'entraînement (même si les groupes filmés n'évoluent pas au même niveau). À celles et ceux qui l'ignoreraient, le documentaire montre quels sacrifices il faut être prêt(e) à faire pour jouer au très haut niveau. On a d'ailleurs eu tendance à estimer que le charismatique entraîneur des Japonaises avait quasiment fait œuvre de maltraitance auprès des joueuses. C'était oublier un peu vite les conditions dans lesquelles ces jeunes femmes vivaient, à l'époque. La majorité avait perdu son père très jeune (surtout à cause de la Seconde Guerre mondiale). Presque toutes ont découvert le volley-ball au lycée et ont continué une fois devenues actives. C'étaient des ouvrières du textile. Je pense qu'on peut considérer que, vu la place des femmes au Japon à cette époque et vu leur situation professionnelle, s'engager dans la compétition sportive de haut niveau a été perçu comme une forme d'ascension sociale et d'épanouissement personnel. (On pourrait comparer cela à l'épopée des Verts au football, en France, dans les années 1960-1970.) L'emploi du temps des joueuses n'en était pas moins effrayant ! Quoi qu'il en soit, l'équipe est devenue très populaire, parce qu'elle a contribué au regain de fierté nationale d'un pays qui cherchait à retrouver le lustre passé (celui d'avant 1945).

   Sur le plan cinématographique, ce n'est pas particulièrement emballant. La réalisation est très classique. Mais quel sujet !

C'est la vie

- M'sieur l'producteur ! M'sieur l'producteur !

- Oui Julien ?

- J'voudrais faire une comédie sociétale, avec plein d'acteurs connus à la tél...

- ... J't'arrête tout de suite, bonhomme, on en a déjà plein des comme ça !

- ... Oui, mais celle-là, elle sera pas chère !

- Je t'écoute.

- Imaginez cinq femmes sur le point d'accoucher. Elles ont des âges différents et sont issues de milieux hétérog... euh très variés !

- Oui ? Et ?...

- Ben, on aurait une pédégère quadragénaire, maîtresse femme soutenue par un mari dévoué et qui arrive à jongler entre toutes ses obligations !

- Pas mal, ça. C'est bien de briser le plafond de verre au cinéma ! Continue, mon garçon !

- Il y aurait aussi un couple recomposé, la femme attendant son deuxième enfant, sous le regard d'une mère très envahissante...

- C'est pas un peu trop cliché, ça ?

- Oui, mais, j'ai ajouté un truc : le jour où sa compagne accouche, le mari apprend le décès de son propre père ! C'est pas génial ?

- Mouais... Faut voir comment c'est joué. Quoi d'autre ?

- L'une des femmes arrive seule à la maternité. L'enfant a été conçu avec un type trouvé sur une appli de rencontre. C'est trop moderne !

- Mouais... On espère que les spectateurs oublieront que, lors de ce genre de rencontre, les adultes responsables sont censés avoir des capotes sous la main...

- Pensez donc ! Le public est prêt à croire n'importe quoi ! Y en a même qui défilent contre la vaccination !

- T'as raison, bonhomme. Certains de nos compatriotes sont de grosses truffes.

- Ah, pis j'ai mis de la diversité aussi : un couple lesbien, dont l'un des membres est "d'ascendance africaine" !

- Bien joué ! C'est toujours mieux avoir les assoc' de son côté. Et puis tu connais le petit monde du cinéma...

- Pour l'émotion, j'ai prévu une naissance prématurée, les parents étant séparés par une grande distance. Ce sera le fil rouge de l'histoire : le père parviendra-t-il à assister à la naissance de son premier enfant ? Suspens...

- Aaaah, ça j'aime ! N'oublie pas de souligner ces "moments d'émotion" à coups de musique d'ascenseur. Ça coûte que dalle et ça tire toujours des larmes dans les chaumières !... Finalement, tu m'as l'air d'avoir bien préparé ton affaire. Que te manque-t-il ?

- Six millions !

- Tu les as !

The Suicide Squad

   En ajoutant l'article défini, la Warner retente le coup avec son équipe d'anti-super-héros, cinq ans plus tard. De la distribution principale d'origine ne restent que Viola Davis (en directrice d'agence sans scrupule), Joel Kinnaman (en boy-scout bodybuildé), Jai Courtney (un délinquant adepte du boomerang) et, surtout, Margot Robbie, de nouveau dans la peau d'Harley Quinn, un an après Birds of Prey.

   L'histoire débute dans une prison, dans une cour de promenade, où l'on découvre l'un des personnages "à haut potentiel". J'aime beaucoup la manière dont cette scène est réalisée : ce n'est pas parce que la prod' a dépensé des dizaines de millions en effets spéciaux qu'il ne faut pas travailler la mise en scène ! Et puis... cela se conclut de manière "politiquement incorrecte". À un moment, on comprend que le personnage a une idée en tête. Les scénaristes ont-ils osé ? se demande-t-on. Oui !

   C'est à l'image du film, à la photographie chiadée et au ton mal élevé. Ainsi, une délicate petite brune évoque la possibilité d'introduire des rats dans l'anus d'un scientifique, tandis qu'Harley Quinn n'hésite pas à révéler la cause de son retard : un passage par les toilettes, pour la grosse commission... Amis de la délicatesse, bonjour ! Comme les messieurs ne sont pas en reste (l'un d'entre eux se baladant le soir en slip kangourou), c'est assez fendard.

   Tout en recyclant les codes du film de super-héros, celui-ci se positionne comme un anti-Marvel (ce qui ne manque pas de sel, quand on sait que le réalisateur, James Gunn, est celui des Gardiens de la galaxie). Ainsi, c'est un Noir et non un Blanc qui va diriger l'équipe, dans laquelle on distingue une sorte de Captain America (le mal nommé Peace maker)... mais en nettement moins sympathique. Il est incarné par John Cena, dont les gros muscles sont aussi à l'affiche de Fast & Furious 9.

   De son côté, au vu de la sorte d'armure qu'il porte, l'ancien tueur à gages Bloodsport (Idris Elba, chargé de remplacer Will Smith, qui n'a pas rempilé) pourrait être un succédané d'Iron Man. Complètent le groupe un homme-requin aussi balèze qu'Hulk (mais anthropophage) et un type indéfinissable, qui balance... des pastilles !

   Attention toutefois : le début est trompeur. Les spectateurs sont (presque) mis dans la position des habitants d'une île. Dans un premier temps, on nous immerge dans un arc narratif... que l'on finit par voir sous un autre angle, un peu à l'image de ce qui est présenté dans Deadpool 2 (le plus DC des Marvel).

   Le scénario est narquois à un point tel que je ne peux pas raconter en détail. Sachez néanmoins que, lorsque l'équipe finale est constituée, elle engage son premier véritable combat contre un adversaire sur lequel elle se trompe grandement. C'est savoureux, après coup !

   L'humour est souvent présent, en particulier quand Harley Quinn est à l'écran. J'ai adoré la parodie de romance entre la garce blonde et le nouveau dictateur... ainsi que sa conclusion. Il vaut mieux ne pas contrarier l'ex-patineuse, qui a des valeurs ! Quant à son évasion, c'est est une véritable symphonie sanguinaire...

   Les amateurs de crânes éclatés, de membres arrachés et de giclées de sauce tomate sont servis par les péripéties de l'intrigue. La petite armée d'un dictateur centre-américain fournit une pelletée de victimes convenables. (Au passage, le scénario, s'il ridiculise les combattants latinos, dénonce la politique étrangère états-unienne.) Cependant, au sein d'une tour fortifiée, se trouve un ennemi autrement plus dangereux : une créature extra-terrestre, jusque-là prisonnière, mais qui, bien entendu, va parvenir à se libérer.

   Le combat final est mi-héroïque mi-parodique, les membres du commando affrontant une créature aussi gigantesque que ridicule... mais bigrement redoutable. (Je pense que la séquence du combat, en zone urbaine, est un décalque ironique d'un des Avengers, alors que les avatars de la créature sont une référence à Alien.) Cette dernière partie est assez prévisible (en particulier concernant le rôle joué par Harley Quinn), mais on passe toujours un bon moment.

   P.S.

   La musique, plutôt rock'n'roll, est sympa !

   P.S. II

   Deux scènes supplémentaires encadrent le générique de fin. Chacune voit le retour à la vie d'un des personnages présumés décédés...

Spirale : l'héritage de Saw

   Le plus important est dans le sous-titre : ce film-ci se place dans la continuité de la (lucrative) série Saw qui, jadis, avait (un peu) renouvelé le genre horrifique. J'ai tenté le coup pour voir où les scénaristes en étaient. (Je m'étais arrêté à Saw IV.)

   Un nouveau tueur en série s'en prend cette fois-ci spécifiquement à des policiers. Le choix cornélien auquel il confronte ceux-ci est toujours aussi tordu que dans les précédents films. Je dois reconnaître que les dispositifs de torture sont bien conçus et efficacement mis en scène (par Darren Lynn Bousman, qui avait déjà tourné trois des précédents volets)... mais c'est à peu près tout.

   Le scénario est hyper-classique. Le montage n'est pas très réussi : l'insertion des retours en arrière arrive un peu comme un cheveu sur la soupe. Comme les scénaristes n'ont pas su/voulu correctement raccrocher l'intrigue de Spirale à celle des précédents films, ils ont été obligés de recourir à ces acrobaties.

   De surcroît, quand on est un minimum dégourdi et qu'on a déjà vu des films / épisodes de série dans le même genre, on comprend assez rapidement qui est derrière ce qui ressemble à une vengeance. Du coup, les policiers apparaissent vraiment pas très futés, tombant facilement dans les pièges tendus par l'assassin.

   J'ajoute que, pour attirer un public particulier, les auteurs ont mâtiné leur histoire d'un côté Black Lives Matter. Il est question de corruption et de violence policières... dont les responsables sont aussi bien blancs que noirs, soit dit en passant (le "bon" flic étant afroaméricain).

   Je ne sais pas trop ce que Samuel L. Jackson est venu faire là-dedans. (N'a-t-il pas été assez payé pour Hitman & Bodyguard 2 ?) Bref, ce sera vite oublié.

La Loi de Téhéran

   Voici venu le désormais traditionnel polar étranger de l'été, une catégorie qui, ces dernières années, a vu la sortie en France de La Isla minima, Que Dios nos perdone, Lands of Murders ou encore Le Caire confidentiel. C'est avec celui-ci que la parenté est la plus forte, puisque l'action se déroule au Moyen-Orient (en Iran au lieu de l'Égypte) et que l'enquête policière est prétexte à dresser un portrait socio-politique du pays.

   Intitulé "Six et demi" dans la version originale, le film se concentre sur la lutte contre le trafic de crack, une drogue qui fait des ravages en Iran, avec 6,5 millions de consommateurs ! Dès le départ, on est plongé dans le travail de la police, avec l'interpellation d'un revendeur, incluant une course-poursuite dans les rues tortueuses de la capitale. Lui succèdent des séquences mises en scène avec le même brio. J'ai été particulièrement impressionné par le coup de filet organisé dans un bidonville, entre carcasses de voiture et grands cylindres de béton (avec immeubles en construction à l'arrière-plan). À cette séquence succèdent d'autres moments parfaitement maîtrisés : la garde à vue de masse, au commissariat, puis les scènes de cellule, avec le rôle stratégique du "coin toilettes". Très vite s'impose à nos oreilles la "jactance" de Samad, le chef de groupe, un policier intègre, tenace, qui n'hésite pas à bousculer les prévenus. Il est interprété par Payman Maadi, que les spectateurs français ont vu dans Une Séparation.

   Face à lui se trouve le chef du réseau de trafiquants. Dans la première partie de l'histoire, une aura de mystère enveloppe ce personnage (à droite ci-dessus), avant que son côté "caïd" ne prenne le dessus. Dans la dernière partie, le réalisateur essaie de développer un propos plus sociologique, montrant ce personnage sous un jour nouveau.

   Saeed Roustayi est un inconnu pour moi, mais ce réalisateur semble bourré de qualités. Il a réussi aussi bien les scènes d'intervention de la police que celles d'interrogatoire, s'appuyant sur des seconds rôles très bien campés. Outre les policiers et les délinquants, je signale deux personnages féminins, celui de l'épouse d'un petit trafiquant (au cours d'une scène de perquisition qui se termine de manière surprenante) et celui de l'ancienne petite amie du caïd, interprétée par la ravissante Parinaz Izadyar. Mais je pourrais aussi parler du fils d'un consommateur de drogue ou du juge qui interroge, avec équanimité, criminels présumés, témoins et policiers.

   Sur le fond, le scénario a dû jouer avec la censure iranienne. Ici ou là, il suggère que, pour que le trafic ait pu prendre une telle ampleur, il faut que les délinquants aient bénéficié de protections, parfois haut placées. Du côté des consommateurs, discrètement, il pointe la misère sociale présente en Iran. Mais les spectateurs attentifs remarqueront aussi que les trafiquants et consommateurs de crack sont très souvent occidentalisés, tandis que les valeureux policiers portent une barbe "islamiquement correcte" (pour les messieurs) ou un strict tchador (pour les dames). Je conseille aussi d'être attentif aux chaussures des personnes arrêtées.

   La dernière demi-heure réserve quelques surprises. Ce n'est pas la partie la plus réussie du film, selon moi, mais le reste est tellement prenant que je ne peux que recommander ce long-métrage.

Onoda - 10 000 nuits dans la jungle

   Présenté au dernier Festival de Cannes, dans la sélection "Un certain regard", ce film franco-japonais raconte l'histoire extraordinaire d'Hiroo Onoda, un soldat nippon envoyé en 1944 sur une petite île des Philippines, Lubang (à peine plus grande que la commune de Paris).

   Sa mission est d'y organiser une guérilla susceptible de contrecarrer la progression des troupes américaines, qui se rapprochent dangereusement du Japon. L'une des séquences du début montre d'ailleurs le débarquement nocturne de "l'ennemi" et les ravages que l'armée d'Oncle Sam fait dans le camp japonais, pas très bien préparé à l'affronter.

   Ce n'est pas l'un des moindres intérêts de cette fiction à caractère documentaire. Même si l'on y croise des soldats et officiers imprégnés de la mentalité de samouraï, prêts à tous les sacrifices au nom du Japon, on s'aperçoit que beaucoup d'autres ne sont pas de cette trempe, soit qu'ils soient lassés de la guerre, soit qu'ils jugent ces efforts inutiles, soit qu'ils aient tout simplement la trouille.

   On retrouve (en partie) ces nuances au sein du quatuor de survivants, réfugié dans la jungle philippine, d'où le dernier, Hiroo Onoda, n'est sorti qu'en... 1974. (Il est décédé en 2014.) Celui-ci semble tout d'un bloc : patriote, obéissant, tenace... et même buté. Ses deux adjoints, Shimada et Kozuka, ont un peu plus d'expérience, de vécu. Le premier, ancien charbonnier, sait comment vivre dans les bois. Complète la bande le plus jeune, Akatsu, sans doute récemment incorporé... et pas vraiment adapté à la vie militaire.

   Curieusement, ce film en apparence authentiquement japonais a été réalisé par... un Français, Arthur Harari, remarqué il y a quelques années grâce à un excellent polar, Diamant noir. Il est parvenu à faire de la jungle tropicale un véritable personnage du film. La chance des quatre hommes est qu'elle fournit de quoi se sustenter, s'habiller... et même se loger. Ici, le film se fait documentaire, montrant comment les hommes parviennent à se nourrir, à construire une cabane ou à tresser des semelles de chaussures.

   Cependant, si l'environnement est source de vie, il représente aussi parfois une gêne considérable. On y croise de nombreuses petites bêtes invasives et, surtout, le climat n'est pas propice à une vie saine : les soldats subissent l'alternance de deux longues saisons : la sèche (très chaude) et l'humide, pénible pour les organismes, mais protectrice pour les fugitifs.

   Pendant la saison des pluies, les paysans de l'île ne s'aventurent pas dans la forêt. Les patrouilles des forces de l'ordre se font rares. Dans un premier temps, les quatre soldats tentent d'échapper aux troupes américaines. Quelques années plus tard (les Philippines étant devenues indépendantes en 1947, ce que les protagonistes ignorent), ce sont d'autres uniformes qui patrouillent dans l'île. Des Japonais finissent même par y revenir... mais des civils, ce qui perturbe fortement les soldats, persuadés que la guerre continue.

   C'est l'autre grand intérêt de cette histoire : montrer comment ces hommes (trois sur les quatre, en fait) se sont convaincus que le Japon ne pouvait pas s'être rendu aux États-Unis et donc que leur mission continuait. Onoda est incontestablement le plus buté, refusant de voir l'évidence, même quand des journaux japonais sont laissés à leur intention ou quand, après avoir récupéré un poste de radio, ils parviennent à capter des émissions de leur pays. (Le rejet des -supposés- "médias officiels" et l'adhésion aux "vérités alternatives" ne datent pas d'aujourd'hui !)  Cet aveuglement culmine dans une scène sidérante, au cours de laquelle Onoda, en s'appuyant sur un planisphère rudimentaire, tente d'expliquer à Kozuka la "nouvelle" géopolitique mondiale, totalement farfelue. Ici, le film fait écho à notre époque, où l'aveuglement idéologique (ou tout simplement la bêtise) fait croire tellement d'âneries à des gilets jaunes, antivax, complotistes divers.

   À la description minutieuse d'une auto-aliénation collective, le film ajoute la naissance d'un compagnonnage forcé, à quatre, puis trois, puis deux... Les tensions alternent avec les moments de camaraderie, voire de fraternité. Les deux derniers, Onoda et Kozuka, grisonnants et complices, finissent quasiment par former un vieux couple. C'est l'occasion d'évoquer la sexualité, très peu présente dans cette histoire de quatre hommes jeunes (âgés de 20-25 ans au début) confinés dans la jungle. Dans la première partie, un plan suggère la pratique du plaisir solitaire. Dans le dernier tiers de l'histoire, on se demande si, à certaines occasions, ces hommes n'ont pas abusé de Philippines. Globalement, les relations ne sont pas bonnes entre les soldats et la population locale, qui n'a pas gardé de bons souvenirs de la domination impériale japonaise. De plus, la propension des fugitifs à pratiquer des "réquisitions" (un euphémisme pour "vols") chez les paysans du coin, tout comme leurs activités de sabotage, leur ont valu beaucoup d'inimitié.

   Pourtant, quand Onoda finit par regagner le monde réel, il a droit à une cérémonie d'honneur. Les temps ont changé et, au bout de trente ans, la ressentiment a laissé la place à de la curiosité et de la pitié. Le plus marquant est la rencontre entre Onoda et... un touriste japonais. Se font alors face le Japon traditionnel (militariste, nationaliste, plutôt renfermé) et le moderne (pacifique, technophile et ouvert sur le monde).

   Concernant le film, je vais m'arrêter là, mais vous avez sans doute compris que j'ai été envoûté par cette histoire d'une grande richesse sur le plan historique mais aussi sur celui de la nature humaine. En complément, je suggère la lecture d'Au nom du Japon, l'autobiographie d'Onoda :

   Publiée dès 1974 au Japon, elle n'est sortie en France que l'an dernier. Je ne sais pas si c'est lié à la rédaction d'origine ou à la qualité de la traduction (effectuée par Sébastien Raizer, un écrivain français vivant à Kyoto), mais cela se lit comme un roman. Le livre fourmille de détails qu'il n'était pas possible d'intégrer au film. On y découvre la "vie d'avant" d'Onoda et la relation particulière qu'il entretient avec son frère aîné. La vie quotidienne des soldats (dans la jungle) y est aussi décrite plus longuement, certains événements représentés une seule fois à l'écran figurant à plusieurs reprises. On peut même s'amuser au "jeu des 7 différences" (entre le livre et le film).

La Conspiration des belettes

   Cette comédie sarcastique argentine est centrée sur un quatuor atypique, quatre vieux personnes âgées, toutes retraitées du monde du cinéma : un ancien réalisateur, son ancien scénariste et un couple d'anciens acteurs, la vedette étant la dame, Mara Ordaz, qui vit encore dans le souvenir de sa gloire passée, symbolisée par l'Oscar reçu jadis, qui trône désormais dans le hall d'entrée de la demeure que les quatre protagonistes partagent.

   Cette demeure est l'enjeu d'une série de manœuvres et de manipulations, certaines venant contrecarrer les autres. Mara en a plus qu'assez de la présence du réal' et du scénariste, deux veufs caractériels et agaçants, qui avaient autrefois épousé la sœur et la meilleure amie de Mara. Avec son mari Pedro cela se passe mieux (plutôt : moins mal), mais Mara voudrait que l'ancien acteur médiocre s'émancipe de ses deux vieux camarades. Toute la première partie du film est nourrie de leurs chamailleries avec des répliques (à savourer dans la version originale sous-titrée, la VF étant paraît-il très médiocre) souvent mordantes, voire vachardes.

   L'arrivée d'un jeune couple d'agents immobiliers attise les rivalités entre les retraités. Ces deux trentenaires sont pleins de charme : Francisco (Gourmand de son nom, évidemment pas choisi au hasard) passe de la pommade sur les plaies de l'actrice oubliée, tandis que Barbara, d'une beauté redoutable, tente d'entortiller les messieurs.

   Jusque-là, je me disais que j'assistais à une comédie sympathique, peut-être un peu trop fondée sur l'entre-soi cinématographique. C'était oublier qu'aux manettes se trouve Juan José Campanella, oscarisé il y a une dizaine d'années avec Dans ses yeux. C'est quelqu'un qui sait mener un suspens, comme il l'a prouvé en réalisant des épisodes de séries comme Colony, New York Section Criminelle et New York Unité Spéciale.

   La troisième partie bascule dans le thriller. Petit à petit, le passé inavoué refait surface et les manigances prennent un tour plus macabre. L'humour est toujours féroce, parfois indéniablement méchant. Ce petit film en apparence inoffensif est une délicieuse perle de venin.

Fast & Furious 9

      Cette saga de la mécanique est ce qu'on appelle "un aspirateur à beaufs", même si le simple film de bagnoles (et de jolies poupées) du début s'est peu à peu transformé en Mission impossible version tuning. J'ai donc attendu que s'achève la première semaine (où ce fut la ruée dans les salles ruthénoises) et que soit instauré le "passe sanitaire". Résultat : j'ai eu droit à une séance tranquille, dans une grande salle, sans public indésirable.

   Cet épisode commence d'ailleurs par une sorte de retour aux sources, avec une séquence de course automobile très bien filmée (peut-être la meilleure du film, d'ailleurs).  On n'est pas très loin de Le Mans 66 (la subtilité scénaristique en moins).

   L'action se déroule plus de trente ans en arrière. Du coup, c'est la version jeune de Dom qui apparaît à l'écran, incarnée par un autre acteur que Vin Diesel. Est-ce le fait du hasard ? Son personnage a plus de texte... et il est plus convaincant que l'original. C'est le problème de Vin : il ne sait pas bien jouer (à part une ou deux expressions). C'est particulièrement voyant vers la fin, quand il est censé exprimer une grande émotion... ratage complet en gros plan.

   Heureusement, il y a les cascades. Même si les effets spéciaux sont de la partie (et longuement crédités au générique), le grand mérite de cette série de films est de faire reposer ses scènes d'action sur le travail des cascadeurs (plus nombreux au générique que les authentiques acteurs). Outre la course du début, je recommande les deux poursuites dont des extraits ont été largement diffusés dans les salles ces dernières semaines. La première (située au début de l'histoire) inclut l'improbable franchissement d'un pont effondré (impressionnante sur grand écran). La seconde fait l'objet d'une longue séquence, dans le dernier tiers du film. Elle tourne autour d'un convoi de véhicules blindés, en plein cœur de Tbilissi. Ce n'est pas toujours réaliste, loin s'en faut, mais c'est spectaculaire.

   Pour parler "moderne", je dirais que c'est l'ADN de la série de films : des bagnoles (de plus en plus grosses), des mecs stéroïdés-tatoués-burnés... et des gonzesses bien roulées, quelques-unes badass : ce ne sont plus des potiches, mais elles aussi des pilotes... et elles cognent ! La compagne de Dom excelle à moto, sa sœur n'est pas maladroite en bagnole... et une petite nouvelle se révèle au volant d'un fourgon, au centre de Londres.  Cette séquence (pas la plus réussie au niveau des cascades) est surtout comique. On comprend très vite que l'humour va reposer sur certains personnages, presque tous afro-américains. Deux d'entre eux sont un peu les Laurel & Hardy de l'histoire. Les concernant, le scénario devient particulièrement invraisemblable, puisqu'on finit par les retrouver au volant d'une bagnole très spéciale... dans l'espace.

   Eh oui... pour apprécier cette meringue à l'huile de vidange, il faut laisser sa rigueur cartésienne au vestiaire. Plusieurs dialogues ironisent d'ailleurs sur l'incroyable destin des membres de la "tribu" de Dom. Ils ont beau se faire allègrement tirer dessus, ils s'en sortent quasiment sans une égratignure. (Il y en a même un qui "ressuscite"... mais chuut !) Et je ne vous parle pas des explosions et autres accidents : les héros en réchappent sans presque avoir besoin d'envoyer leur costume au pressing.

   Sur le fond, c'est une histoire de famille, la biologique (Dom reprend contact avec son frère, qui s'est fait greffer des bras épais comme trois cuisses) et celle du cœur (multiethnique), avec les potes. Ce n'est pas d'une originalité foudroyante, tout comme la conclusion de l'histoire, autour d'un banquet, un peu façon Astérix.

   P.S.

   La scène intercalée dans le générique de fin suggère qu'un personnage de la série, absent de ce film-ci mais longuement vu dans le "spin-off" Hobbs & Shaw, va refaire son apparition. Au moins deux suites sont programmées, sans parler des films dérivés. Tant que cela cartonne au box-office, il n'y a pas de raison que cela s'arrête...

Les Racines du monde

   Je n'avais pas entendu parler de la sortie de ce film mais, quand j'ai appris qu'il était réalisé par la même personne que Le Chien jaune de Mongolie, je n'ai pas résisté à la tentation d'une séance à public réduit dans une salle climatisée.

   La première partie est conforme à de que j'ai pu voir dans d'autres œuvres de fiction (par exemple Le Mariage de Tuya, La Jeune Fille et son aigle et La Femme des steppes, le flic et l'œuf) dont l'action se déroule dans cette région du monde. Il y a un aspect ethnographique à l'intrigue : on nous présente le mode de vie et les coutumes de ces habitants de la steppe, éleveurs d'ovins et caprins. La famille de héros fabrique même du fromage (à pâte très dure visiblement !).

   Quand Byambasuren Davaa plante sa caméra en extérieur, c'est tout de suite superbe. Certains plans filmés à l'aube et au crépuscule sont vraiment magnifiques.

   Ces paysages de rêve sont menacés par la prospection et l'exploitation minières. Une importante compagnie fait pression sur les habitants du village pour qu'ils lui cèdent leurs terres. Au besoin, elle n'hésite pas à empiéter sur leur propriété.

   Mais l'esprit du fils aîné des éleveurs est occupé par bien autre chose. Sa vie quotidienne est rythmée par les trajets entre la yourte familiale et l'école. De plus, doté d'une jolie voix, le gamin espère participer à l'émission La Mongolie a un incroyable talent. Du coup, les préoccupations de ses parents (et leurs soucis financiers) lui passent au-dessus de la tête.

   Vers le milieu du film, un événement fait basculer l'intrigue. Le gamin est contraint de mûrir précocement. On le retrouve en compagnie des "ninjas", des chercheurs d'or illégaux, dirigés par un ami de son père. Le garçon, âgé de 11-12 ans, s'est même mis à conduire l'ancienne voiture de son père, une épave qui tient encore la route. Pensez donc : c'est un fantôme de Mercedes-Benz, bricolé par le papa, qui avait ajouté le célèbre emblème sur la capot avant. (C'est l'occasion de préciser que ce long-métrage est une production allemande...)

   J'ai été pris par l'intrigue et par la qualité de ce que je voyais à l'écran. Ce petit film d'à peine 1h30 mérite vraiment le détour.

Old

   C'est ma première séance en mode "passe sanitaire". (Le mien est au format papier, scanné sans problème à la caisse du cinéma.)

   Le début est des plus classiques. Plusieurs familles débarquent dans un hôtel de luxe, sur une île des Caraïbes. On suit plus particulièrement le couple formé par Guy et Prisca, (interprétés par Gael Garcia Bernal et Vicky Krieps). Leur mariage bat de l'aile, ce qu'ils essaient de cacher à leurs enfants, Maddox et Trent, âgés de onze et six ans... au début de l'histoire.

   ... parce que ce petit monde va vieillir. Un matin, certains des clients de l'hôtel se voient proposer une excursion sur une plage très privée, connue de quelques initiés. Seuls des clients triés sur le volet bénéficient de ce privilège... on comprendra plus tard pourquoi.

   Les protagonistes auraient dû se méfier : le minibus qui les conduit à l'entrée de la grotte menant à la plage secrète n'est pas conduit par n'importe qui : M. Night Shyamalan lui-même ! (Il se permet d'autres clins d'oeil dans la suite de l'histoire.)

   Une fois qu'on a compris ce qu'il se passe sur cette plage, cela devient passionnant. Le réalisateur joue de tous les effets du vieillissement, qu'il touche les enfants, les jeunes adultes comme les personnes âgées... et même un chien ! On bascule parfois dans l'horreur et le grotesque, toujours sur fond de mystère. Même quand on a compris ce que les "plagistes" ont en commun, il reste des zones d'ombre.

   Combien arriveront à s'échapper de la plage ? Comment peuvent-ils y parvenir ? La suite de l'intrigue y répond, tout en abordant des thématiques plus familiales : la peur du vieillissement et de la mort, la crainte de voir ses enfants grandir trop vite, la solidité plus ou moins grande des couples... (Lesquels sont réellement prêts à vieillir ensemble ?) sans oublier le sempiternel choix des victimes d'un complot / enlèvement / enfermement : vaut-il mieux jouer sa carte perso ou se montrer solidaire les uns des autres ?

   Contrairement à ce qu'on a pu voir dans d'autres films de Shyamalan, il ne laisse guère subsister de mystères à la fin. Les spectateurs un peu mous du bulbe apprécieront sans doute cet effort didactique... tout comme la production, qui semble avoir un peu tordu le bras du réalisateur, afin qu'il ne perturbe pas trop le public.

Ainbo, princesse d'Amazonie

   Cette coproduction néerlando-péruvienne, animée pour une version anglaise (mais sortie chez nous doublée en français), est destinée aux enfants pas trop petits... jusqu'aux très grands ! L'histoire est assez complexe et, parfois, un peu macabre. Cependant, l'animation est de qualité, avec (parfois, pas tout le temps) de superbes décors.

   Commençons par une inexactitude : Ainbo (prononcer "haine-beau") n'est pas la véritable princesse de l'histoire ; celle-ci est sa meilleure amie, Zumi. Ainbo est plutôt une fille de chamane (ou demi-sorcière). Notons que les deux adolescentes se ressemblent beaucoup physiquement et sont habillées quasiment de la même manière : elles portent un "crop-top" et une improbable mini-jupe (les femmes adultes portant la jupe longue). Est-il besoin de préciser que les héroïnes sont très minces et ont un joli minois ?

   Officiellement, Ainbo n'a plus sa mère ni son père. Elle a été élevée par la sage du village... et entre en communication avec des "esprits-guides" quelque peu facétieux :

   Vaca le tapir et Dillo le pangolin tatou vont aider l'héroïne à déjouer la malédiction qui pèse sur le village et a rendu son chef gravement malade. Mais, surtout, ces deux personnages sont les principales sources de gag de l'histoire.

   À leur présence s'ajoute celle de quantité d'animaux qui peuplent la forêt amazonienne, des singes aux oiseaux colorés, en passant par les libellules, les tortues... et un gigantesque paresseux ! Comme vous pouvez le constater, c'est un film éducatif... et militant. Le mal, doublement incarné par un esprit reptilien et un homme blanc, est responsable de la déforestation. Je regrette toutefois qu'on se soit contenté d'évoquer l'exploitation aurifère. L'agrobusiness joue un rôle (néfaste) bien plus important.

   Quoi qu'il en soit, ses aventures vont permettre à Ainbo d'acquérir de la maturité et d'en savoir plus sur ses parents.

   Ce n'est (sur le fond comme sur la forme) pas du niveau d'un Pixar, mais cela se regarde avec plaisir.

   P.S.

   L'un des intérêts du film est de mettre en scène une civilisation amazonienne (avec ses coutumes et ses productions matérielles). Pendant très longtemps, on a cru que seuls les "grands" peuples présents à proximité des côtes avaient fondé de véritables civilisations "précolombiennes". Les recherches les plus récentes prouvent le contraire, à l'image de ce qu'on peut voir dans un documentaire récemment diffusé sur Arte (et disponible en replay).

   Il s'agit d'un volet de la série "Enquêtes archéologiques", dont j'ai déjà parlé l'an dernier. Dans cet épisode, on découvre d'abord les traces laissées par une ancienne occupation humaine en Guyane, dans la région marécageuse située entre la zone côtière et la forêt. Ensuite, le documentariste rejoint les archéologues qui explorent la jungle, celle-ci réservant quelques surprises.

Désigné coupable

   Le titre d'origine de ce biopic carcéral est The Mauritanian (Le Mauritanien). Je pense que le distributeur français a voulu, par le choix d'un autre titre, faire allusion à Présumé coupable. L'intention est claire : comme l'huissier de justice d'Outreau, Mohamedou Ould Slahi a été victime d'une flagrante injustice.

   Son cas a fait l'objet d'un rapport d'Amnesty international, en 2006. Mais c'est la publication de son journal de détention qui a rendu célèbre l'ancien détenu. Curieusement, le livre, qui fut un grand succès de librairie, n'est actuellement plus réédité en français. On peut en consulter des extraits sur le site de Slate. La version intégrale d'origine a été mise en ligne par The Guardian.

   Notons que le film ne retrace pas tout le parcours de Mohamedou Ould Slahi. Il se concentre sur son arrestation en Mauritanie et sa détention sur la base de Guantanamo. Le passage par la Jordanie et l'Afghanistan (la base de Bagram) est à peine évoqué. Cela a le mérite de resserrer l'action, mais, par ce biais, le film ne présente que des Américains comme tortionnaires, alors que le prisonnier a subi des mauvais traitements de la part notamment des Jordaniens. On sent que c'est un "film de gauche", conçu pour dénoncer une terrible injustice... et l'administration Bush, en évitant de pointer certains régimes peu démocratiques du monde arabo-musulman.

   Derrière la caméra se trouve Kevin Macdonald, auquel on doit notamment le documentaire Whitney et surtout Le Dernier Roi d'Écosse. Cependant, même si la mise en scène est de qualité, c'est l'interprétation qui m'a marqué. En jeune Africain éduqué, broyé par la machine antiterroriste états-unienne, Tahar Rahim est formidable. Il faut signaler aussi la composition de Jodie Foster, qui incarne l'avocate qui défendit Slahi :

   À ce duo d'enfer j'ajoute Benedict Cumberbatch (que l'on peut voir actuellement dans Un Espion ordinaire). Il interprète un juriste militaire, qui a perdu un ami dans les attentats du 11 septembre 2001. Ce chrétien pratiquant, chargé de mener la croisade judiciaire contre celui qu'on lui présente comme le principal recruteur d'Al Qaida, va connaître une évolution singulière, très bien rendue par le comédien. J'ajoute que l'ensemble des seconds rôles est convaincant, y compris Shailene Woodley, égérie des adolescents fans de Divergente.

   On n'est pas très loin d'un film de procès, même si l'audience n'intervient qu'à la toute fin de l'histoire. Il s'agit ici de défendre le droit, les grands principes sur lesquels la démocratie états-unienne est censée être fondée... et que l'administration Bush a reniés.

   Je conseille de voir le film en version originale sous-titrée, pour savourer son aspect polyglotte : on y entend de l'anglais, de l'arabe... et du français, le détenu mauritanien communiquant dans cette langue, à Guantanamo, avec un... Marseillais, évidemment passionné de football.

   P.S.

   En complément, je conseille la lecture d'un roman graphique de Jérôme Tubiana et Alexandre Franc, Guantanamo Kid :

   Il raconte la vie d'un Tchado-soudanien, lui aussi arrêté à tort. Ce mineur a passé son adolescence en détention, mais a été libéré plus tôt que le Mauritanien. Toutefois, sa vie, une fois la liberté recouvrée, n'a pas été de tout repos...

17 Blocks

   Ce documentaire est le résultat d'un travail au long cours. À plusieurs reprises, de 1999 à 2018 (en 1999-2000, 2009-2010 et 2016-2018), le réalisateur (Davy Rothbart) a rencontré et filmé les membres d'une famille afro-américaine installée à Washington. (Il a aussi récupéré des vidéos familiales.) Ils ont longtemps vécu dans une maison située à dix-sept pâtés de maison ("dix-sept rues", nous disent les sous-titres) de la Maison blanche. Mais, dans ce quartier, l'ambiance était moins propre et riche qu'en plein centre.

   La première chose qui frappe est l'absence des pères. Les familles du quartier sont gérées (comme elles peuvent ) par les femmes. On pense d'abord que les pères sont démissionnaires, partis. On finit par découvrir que beaucoup d'hommes jeunes décèdent par balles... pas celles des policiers : celles des voyous du coin.

   Cheryl (la mère, puis grand-mère) tente donc d'élever seule ses trois enfants : Smurf le basketteur aux mauvaises fréquentations, Denice la sérieuse et Emmanuel l'élève prometteur. À la maison, c'est un peu le bordel. Ça l'est un peu plus quand on retrouve la famille, moins de dix ans plus tard. Le fils aîné a arrêté l'école pour se lancer dans le "commerce" de produits interdits et Denice est déjà devenue mère. Emmanuel semble mieux s'en sortir : il a obtenu son diplôme, a une relation sérieuse avec une "fille bien" et envisage une carrière de pompier. Au fil des scènes, on comprend que la (grand)mère se drogue et consomme beaucoup d'alcool.

   Un drame est au coeur de ce film et explique sans doute que le réalisateur, au départ une simple connaissance de la famille, ait décidé de s'impliquer et de faire de ces bouts de vidéos un véritable film.

   On finit aussi par apprendre ce qui est arrivé à la mère (grand-mère), quand elle était jeune, et qui explique (peut-être) pourquoi elle est tombée aussi bas. Jusque-là, on nous la montrait se dépatouillant dans sa vie, parfois attachante, parfois pathétique. Le film acquiert de la profondeur. Au passage, on remarque que le seul moment de leur vie durant lequel ces Afro-américains croisent des Blancs est lors du passage de l'un d'entre eux au tribunal...

   Fort heureusement, le film ménage aussi de l'espoir, dans la dernière partie. On ne verra toutefois pas les conséquences des débuts de la pandémie, mais sachez que la famille s'en est sortie.

Titane

   En 2017, Julia Ducournau avait lancé un joli pavé dans la mare cinématographique française, avec Grave. Je pense que certains des spectateurs présents aujourd'hui avec moi dans la salle n'avaient pas vu ce film-là. On y retrouve la même obsession pour les corps et pour l'étrange, l'anormal... et la présence au générique de Garance Marillier (ici dans un rôle secondaire).

   Elle se fait voler la vedette par Agathe Rousselle (inconnue au bataillon), qui nous livre une prestation de haute volée. Complètement impliquée dans son personnage, elle nous fait croire aussi bien à la gogo-danseuse qu'à la psychopathe ou au garçon manqué.

   La première partie est imprégnée de l'influence de Crash, de David Cronenberg... et d'un film de Stanley Kubrick, dont je ne peux révéler le titre sous peine de gâcher le plaisir de la découverte d'une séquence renversante, dans une maison bourgeoise... (Je déconseille aussi vivement d'arriver en retard : ce serait vraiment dommage de rater l'introduction du film, entre mécanique et segments humains...)

   Seule ombre au tableau : une scène de sexe avec une voiture, franchement ridicule... mais indispensable à la suite de l'histoire.

   À partir du moment où l'héroïne entre en contact avec Vincent, qui dirige une caserne de pompiers, le film prend une autre dimension. Il se passe quelque chose entre ces deux-là. Dans un premier temps, je n'ai pas été particulièrement emballé par l'arrivée à l'écran (une énième fois) du visage fatigué de Lindon. On sent que son personnage en a chié. Il a dû vivre (au moins) deux guerres mondiales, dix ans de taule et trois divorces. Ceci dit, il adore son métier, ce qui nous vaut quelques belles scènes d'intervention. Mais, au-delà de sa mission de service public, cet homme dévoué souhaiterait surtout retrouver son fils.

   L'intrigue prend alors une tournure inattendue, prenante malgré quelques invraisemblances (en particulier une supercherie qui tarde à être découverte). Je n'aime pas la fin de l'histoire, mais j'ai trouvé son déroulement assez captivant.

Midnight Traveler

   Ce "voyageur de minuit" est un cinéaste afghan, Hassan Fazili, contraint de fuir son pays pour échapper aux talibans. Lui, son épouse (également réalisatrice) et leurs deux filles vont accomplir un véritable périple, du Tadjikistan (situé au nord-est de l'Afghanistan) jusqu'en Hongrie :

   Ce périple a été filmé avec trois téléphones portables. J'ai beau avoir lu ici et là des critiques sur la qualité de l'image, franchement, à part deux ou trois scènes où l'on sent que l'un des appareils est de qualité médiocre (surtout quand les personnages sont en mouvement), le reste est plutôt bien filmé, avec même certains plans extérieurs superbes. (Il y a trois ans, Steven Soderbergh avait réussi à tourner un thriller convaincant, Paranoïa, avec des "aïlfaunes".)

   Au cours de leur voyage, les membres de la famille ont l'occasion d'expérimenter le degré de liberté dont jouissent les migrants. Au départ, ils se sentent évidemment plus à l'aise au Tadjikistan que dans l'Afghanistan sous l'emprise croissante des talibans. L'arrivée en Iran constitue, notamment pour les enfants, une bouffée d'air pur, tout comme le passage par la Turquie (en particulier Istanbul).

   C'est le séjour en Europe qui pose le plus de problèmes. Certains passeurs sont des arnaqueurs. Tous font chèrement payer leurs services. C'est peut-être le prix du passage qui explique que la famille opte pour la Bulgarie plutôt que la Grèce. Or, celle-là n'est pas incluse dans l'espace Schengen. Ça et le rejet des habitants (qui en ont peut-être marre que des migrants viennent chaparder dans leur jardin...) poussent la famille à tenter d'arriver en Hongrie, par la Serbie. Ce n'est pas l'un des moindres paradoxes de cette histoire, que ce pays non membre de l'Union européenne en constitue une porte d'entrée. Au passage, même si beaucoup de visages sont floutés, on remarque la prédominance d'hommes jeunes parmi les migrants clandestins, qui ne sont pas forcément des réfugiés, loin s'en faut.

   De son côté, Hassan Fazili, sans masquer leurs défauts, essaie de présenter ses proches sous un jour favorable. Il laisse un peu la main à son épouse, afin que les spectateurs ne la cantonnent pas dans le rôle d'une femme au foyer conservatrice. Mais, surtout, il met en valeur sa fille aînée, Nargis, une gamine malicieuse qui sait jouer avec la caméra. Je pense que le fait de la montrer portant un T-shirt de Mickey et en train de danser sur du Michael Jackson est censé rassurer ses spectateurs occidentaux.

   Celles et ceux qui ne connaissent pas bien le sort des migrants découvriront aussi, grâce à ce film, la difficulté de leur parcours (et encore, dans une vision atténuée), mais aussi les aides dont ils peuvent bénéficier (notamment en Europe), par l'intermédiaire d'associations ou de l'ONU (le HCR, je pense).

Teddy

   Ce long-métrage s'inscrit dans la lignée de la (supposée) "nouvelle vague" française de films de genre, qui comprend le médiocre The Deep House, l'assez prenant Méandre et l'excellent La Nuée. On peut aussi y trouver des références à un grand ancien (La Mouche, de David Cronenberg) et à un récent petit bijou (Grave, de Julia Ducournau, dont il me tarde de découvrir le nouveau film, Titane).

   L'histoire s'inspire clairement de devanciers états-uniens. La menace vient de l'étrangeté, l'anormalité. Celle-ci est réputée très présente dans le monde rural, domaine (présumé) des rednecks et des attardés mentaux. Ici, c'est un village des Pyrénées-Orientales qui sert de cadre à l'intrigue.

   Anthony Bajon (déjà remarqué dans Au nom de la terre et La Prière) interprète le rôle-titre, celui d'une sorte de "cassos", un jeune délinquant sous-éduqué, un peu révolté, qui tente de se réinsérer en travaillant dans un salon de massage, dirigé par une matrone adepte des philosophies orientales (Noémie Lvovsky, très bien).

   Teddy n'a plus ses parents, mais vit chez son oncle et sa tante, avec lesquels il s'entend plutôt bien. Si vous ajoutez à cela qu'il a une ravissante petite copine, Rebecca, élève en terminale au lycée du coin, on peut dire qu'il ne s'en est pas trop mal sorti. À certains détails, on comprend toutefois qu'il ne faudrait pas grand chose pour que ce petit bonheur s'effondre : Teddy est mal intégré dans la communauté villageoise (qui le voit comme un petit malfrat un peu débile), le boulot qu'il exerce n'est pas celui qu'il avait choisi pour sa réinsertion et il doit garder un oeil sur sa charmante copine, que d'autres mecs aimeraient "pécho".

   Un événement extraordinaire va changer la donne : un jour, Teddy, pensant chasser un loup des abords du village, se fait mordre. Dès le lendemain, de petits changements se font sentir dans son comportement et son apparence physique. Je laisse aux amateurs le plaisir de découvrir jusqu'où les scénaristes ont tiré la corde...

   Même si beaucoup de choses sont prévisibles dans cette histoire correctement construite, j'ai bien aimé la manière de la mettre en scène, entre chronique villageoise et film d'ados... avec du sang en plus.

Fritzi

   Les confinements successifs ont sans doute perturbé la sortie de cette animation allemande (une coproduction internationale, en fait), prévue pour le trentième anniversaire de la chute des régimes communistes en Europe.

   L'action se déroule dans ce qui était la RDA (l'Allemagne communiste), principalement dans la ville de Leipzig (dans le sud-ouest du pays), où vit la famille de l'héroïne, Fritzi. L'histoire commence à l'été 1989. La meilleure amie de Fritzi, Sophie, part en vacances en Hongrie avec sa famille... sauf que ces "vacances" ont un but caché : passer à l'ouest, le rideau de fer ayant été ouvert avec l'Autriche.

   Avant de partir, Sophie confie son chien Spoutnik à Fritzi, qui compte bien le lui rendre à son retour... mais cela va prendre plus de temps que prévu.

   Le tableau de la RDA finissante mérite le détour. L'héroïne va à l'école Youri-Gagarine, puis à l'auberge de jeunesse Rosa-Luxembourg. La population est surveillée par l'odieuse Stasi, qui s'appuie sur une petite armée de dénonciateurs. La propagande est omniprésente dans le pays, dénigrant le monde occidental (où pourtant les "Ossies" souhaitent se rendre en masse...). Mais cette propagande communiste est surtout le fait des adultes, souvent âgés. Le reste de la population semble avoir d'autres aspirations.

   L'histoire se poursuit donc sans Sophie, dans une RDA en pleine ébullition. Avant la chute du Mur de Berlin, en novembre 1989, des manifestations ont agité le pays, en particulier à Leipzig. C'est cette ambiance que restitue le film, entre crainte et soif de liberté.

   Dans le même temps, Fritzi s'attache de plus en plus à Spoutnik et vit mal d'être séparée de sa meilleure amie. Cela va la conduire à tenter quelque chose de très risqué... mais je laisse à chacun le soin de le découvrir.

   Au niveau de l'animation, ce n'est pas particulièrement brillant, même si les mouvements des personnages sont bien rendus. C'est concernant l'intrigue que j'aurais des réserves : il y a quelques invraisemblances. Je pense que, comme le film est en partie destiné au jeune public, on a insisté sur la relation entre l'adolescente et le chien. Je sais bien qu'à ces adorables bêtes il ne manque que la parole, mais le comportement du canidé n'est pas toujours réaliste. Certaines péripéties manquent un peu de crédibilité, alors que le reste de l'histoire sent le vécu. Il y a du souffle et je ne cache pas qu'à la fin, j'ai été ému.

Les Croods 2

   Décidément, c'est l'été des suites. En huit jours, j'ai vu cinq films (en prises de vue réelles ou d'animation) qui prolongent une recette à succès. Il a tout de même fallu attendre huit ans pour que DreamWorks fasse revivre les personnages des Croods.

   Dès le début, on sent d'ailleurs que la production a craint que les spectateurs n'aient pas vu (ou aient oublié) le premier volet. À la vitesse grand V, avec humour, on nous rappelle qui sont ces sympathiques Néandertaliens, accompagnés d'un Sapiens dégourdi et beau gosse, dont on nous révèle une partie du passé.

   C'est ce passé qui va resurgir, à travers la rencontre d'une autre famille, elle aussi sapiens... et hyper évoluée. Très vite, on comprend qu'au-delà du contraste caricatural entre les deux espèces humaines, le scénario met en contact deux familles américaines de sensibilités différentes : les Croods sont plutôt des républicains obèses, bas de plafond, trois enfants au compteur, alors que les Betterman, minces et instruits, sans doute démocrates, n'ont qu'une fille. (Ils ont une allure "côte Est décontractée" ou "californienne".) Les spectateurs attentifs repèreront aussi les clins d'oeil anachroniques, de la "tablette" à l'écran, en passant par les poubelles sélectives.

   Autant le dire franchement : j'aime la manière humoristique avec laquelle la débrouillardise des Croods est mise en scène (tout comme leurs chamailleries familiales), mais j'ai été irrité par la caricature qui est faite de l'autre famille. En effet, ses membres sont propres, bien élevés et ont aménagé leur environnement de manière civilisée. Cependant, tout cela finit par être tourné en ridicule (avec un aspect du scénario particulièrement putassier, sur l'origine de l'eau).

   Bien entendu, l'antagonisme des familles va se résorber, dans la grande marche du "vivre ensemble", chacun faisant des concessions au mode de vie de l'autre, auquel il finit par trouver (plus ou moins) du charme. Pour moi, les personnages les plus drôles sont trois membres de la famille néandertalienne : l'inoxydable grand-mère, le fils cadet (fasciné par les "fenêtres"...) et la benjamine teigneuse.

   Si l'on supporte les a priori du scénario, on peut passer un bon moment. L'animation est très correcte.