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mercredi, 01 mai 2019

Alpha - The Right to kill

   Le cinéaste Brillante Mendoza a déjà pas mal de films au compteur, mais c'est le premier que je vois. L'intrigue s'insère dans le contexte politico-social philippin, celui de la présidence Duterte, marquée par un discours martial et une grande latitude laissée aux forces de l'ordre pour lutter contre la délinquance en général, le trafic de drogue en particulier.

   On nous met d'ailleurs immédiatement dans le bain. Dans un premier temps, on découvre le duo de personnages principaux, composé d'un sergent d'une sorte de police de proximité et de son indicateur, son "alpha", un petit délinquant qui connaît les rues de Manille comme sa poche... et veut éviter de retourner en prison.

   La suite est une séquence emballante, d'une grande virtuosité : l'organisation et le déroulement d'une opération coup-de-poing contre un gros trafiquant. D'un côté, la caméra suit au corps les différentes unités de la police qui interviennent (le SWAT, les Stups, la Criminelle...). D'un autre, on nous gratifie d'étonnantes vues aériennes du dédale de ruelles du bidonville, situé à quelques encablures du CBD ultra-moderne. On n'est pas très loin de La Cité de Dieu.

   Bien que réunies sous une direction unique et (en apparence) soudées dans la lutte contre le crime, les différentes unités de la police fonctionnent chacune en vase clos... et en plusieurs langues. C'est l'une des surprises de la version originale : on constate que, dans leur vie professionnelle, les policiers mélangent une sorte de globish à des termes espagnols et un vocabulaire de base (sans doute) en tagalog.

   Cette nuit-là, les policiers vont réaliser un gros coup : mettre hors d'état de nuire tout une bande, son chef y compris. Mais leurs prises semblent un peu modestes. Un sac à dos a disparu, avec son contenu. Des ripoux n'auraient-ils pas profité de l'occasion ?

   Là, le propos se fait politique. Derrière la brillante façade de lutte contre le crime se cachent pas mal d'approximations, voire d'erreurs, dont pâtissent des innocents. La corruption est très répandue. Le film mérite aussi le détour pour la vision qu'il donne de l'autre camp. Tous les trafiquants ne sont pas d'impitoyables ordures. Certains, comme l'indic Elijah, cherchent juste à nourrir leur famille. Ils font parfois preuve d'une étonnante imagination, utilisant des pigeons voyageurs... voire les couches de leurs enfants pour faire passer la drogue en petites doses. La ville étant quadrillée par la police, déployée en unités de vigilance (mobiles) au niveau des quartiers, l'étau se resserre autour des trafiquants... et du policier ripou.

   C'est un excellent polar, servi par de très bons acteurs. C'est la révélation du moment, qui complète utilement un autre film philippin, Metro Manila, sorti il y a quelques années.

23:42 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

lundi, 29 avril 2019

La Miséricorde de la jungle

   Cette jungle est une forêt équatoriale, celle qui occupe une partie de la République Démocratique du Congo, l'ex-Zaïre (ancien Congo belge), voisin du Rwanda. C'est de ce pays-ci qu'est originaire le réalisateur Joël Karelezi, rescapé du génocide de 1994. L'intrigue se déroule en 1998, entre les régions Kivu et Kasaï :

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   On suit les pérégrinations de deux soldats rwandais. A ma gauche se trouve Xavier, un sergent engagé il y a des années de cela. C'est un Rwandais de l'extérieur, sans doute tutsi, qui a presque toujours vécu dans un camp de réfugiés et qui a rejoint le FPR de Paul Kagamé, qui a fini par prendre le pouvoir en 1994. Il est resté dans l'armée pour poursuivre les génocidaires hutus qui se sont enfuis dans les pays voisins, en particulier en RDC. Dans le rôle, Marc Zinga (vu récemment dans Nos Patriotes et Bienvenue à Marly-Gomont) est formidable.

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   A ma droite voici Faustin, un jeune paysan dont presque toute la famille a été exterminée en 1994. Il vient de se marier mais n'a pas de quoi assurer la survie de son ménage. Stéphane Bak, jusque ici cantonné à des seconds rôles, réussit à incarner assez subtilement un personnage en évolution.

   Le troisième personnage principal est la forêt dense, humide. On y croise (ou entend) des animaux sauvages, on y souffre de la faim, de la chaleur, de la fatigue, de la soif... et des moustiques. Mais les prédateurs les plus dangereux sont sans conteste les humains. Nos deux soldats pourchassent les fuyards hutus, tout en affrontant les troupes congolaises (et leurs alliées angolaises et zimbabwéennes) ou, à l'occasion, les rebelles de l'est du pays, qui leur sont tout aussi hostiles. C'est, qu'au-delà des rivalités nationales et ethniques, il est question du contrôle des ressources naturelles.

   Le film se révèle intelligent à plusieurs niveaux. Tout d'abord, il évite de déresponsabiliser les protagonistes africains en chargeant les Occidentaux de tous les maux. Ensuite, il tente de démontrer que, quel que soit le camp, cette guerre conduit les hommes qui la mènent à commettre des horreurs. Les personnages les plus positifs sont les paysans (non combattants), ceux du village qui recueillent les deux soldats perdus et ceux que l'on voit à la toute fin.

   Entre temps, on aura suivi les déambulations de Xavier et Faustin. Au départ, le sergent expérimenté mène la vie dure au petit nouveau, assez imprudent et pas très résistant. Le troufion va s'endurcir et se révéler utile à son chef. Je ne peux pas tout dire ici, mais sachez que l'histoire est un peu celle d'un passage de témoin. La compréhension de l'avant-dernière scène (un peu absconse à première vue) donne tout son sens à la fin du film.

 

ATTENTION ! LA SUITE RÉVÈLE DES ÉLÉMENTS QU'IL VAUT MIEUX NE PAS CONNAÎTRE AVANT D'ALLER VOIR LE FILM.

 

   La scène du début est tronquée. Elle montre un soldat en treillis pourchassant (avec difficulté) un fuyard armé, qu'il finit presque par rejoindre. 1h20 plus tard, on en découvre les tenants et les aboutissants. Une nuit, au camp rwandais que Xavier et Faustin ont fini par rejoindre, des coups de feu éclatent. Comme les adversaires congolais, angolais et zimbabwéens ne se trouvent pas loin, on est tenté de penser que les gardiens retrouvés morts ont été abattus par ces ennemis. Xavier se lance à leur poursuite... et on ne voit qu'un seul fuyard, dont on finit par apercevoir le visage : il s'agit de Faustin, que les militaires rwandais avaient tabassé lorsqu'il était arrivé au camp. Il s'est donc échappé de l'infirmerie et a tué les gardes. Voilà pourquoi, lorsqu'il le reconnaît, Xavier baisse la garde et se laisse tirer dessus. Voilà pourquoi aussi le fuyard, lorsqu'il s'approche de son adversaire à terre, ne l'achève pas.

dimanche, 28 avril 2019

Monrovia, Indiana

   Pendant plusieurs mois, le documentariste Frederick Wiseman a filmé les habitants d'une toute petite ville de l'Etat d'Indiana, dans le Middle West, au sud-ouest d'Indianapolis.

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   Le document de présentation nous dit que, peuplée d'environ 1400 habitants, la cité compte 96 % de Blancs d'origine européenne, massivement protestants... et républicains. En 2016, alors que Donald Trump  a été minoritaire en voix au niveau national, en Indiana, il avait recueilli plus de 57 % des suffrages exprimés. Mais, si les habitants d'Indianapolis avaient placé Hillary Clinton en tête, les comtés ruraux (comme celui de Morgan, auquel appartient Monrovia) ont massivement apporté leurs voix à D. Trump :

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   A Monrovia même, le candidat républicain a recueilli plus de 76 % des suffrages exprimés. Ajoutons que le gouverneur (élu en 2016 avec 51 % des voix... 66 % dans le comté de Morgan) est républicain et, qu'en 2016 comme en 2018, on a assez largement voté pour des parlementaires (représentant et sénateur) républicains. Pour compléter le tableau politique, je signale que, lorsque les électeurs sont consultés (lors de référendums locaux), ils participent en masse et ont voté à près de 80 % une proposition en faveur du droit de chasser et de pêcher (en 2016) et à plus de 70 % la nécessité d'avoir des budgets en équilibre (en 2018).

   Frederick Wiseman s'est fait le plus discret possible. Sa méthode est la suivante : il filme beaucoup, ne pose pas de question, puis passe des mois au montage, sans ajouter de commentaire ni de musique. Il n'apparaît jamais à l'écran. Il a su se faire accepter des habitants du coin, qu'il filme au café, chez le coiffeur, la tatoueuse, le marchand d'armes, dans la supérette, au sein du conseil municipal, du Lions Club, du lycée, du temple protestant, de l'association cultuelle... et même chez les Francs-Maçons !

   C'est donc d'abord une leçon d'éducation civique qui nous est donnée. Comment, au sein d'un conseil municipal, décide-t-on l'aménagement de telle ou telle zone ? Quels problèmes sont liés à l'adduction d'eau ? (L'eau potable destinée aux particuliers n'arrive pas par les mêmes canalisations que celle aboutissant aux bornes d'incendie !) Qu'est-ce qui pousse le Lions Club à financer l'installation de bancs publics ? Pourquoi tel paysan vient-il acheter une arme ? Comment aide-t-on les habitants à gérer certains problèmes personnels ?

   Bien entendu, le réalisateur a d'autres idées en tête. Il veut comprendre comment une communauté prospère (dont le revenu moyen est supérieur à la moyenne des Etats-Unis et de l'Indiana), composée de "gens normaux", a pu massivement apporter ses suffrages à un type comme Trump.

   Ces "gens normaux" ne s'habillent pas très bien (sauf pour les cérémonies religieuses), ne mangent pas très sainement, semblent consommer beaucoup de sodas et d'alcools forts. La quasi-totalité des adultes est en surpoids ou obèse.

   Le plus étonnant est qu'en dépit des milliers d'heures tournées, il n'est jamais question de politique. Pourtant, dans plusieurs commerces, une télévision est allumée. Mais les habitants ne discutent pas des affaires du pays, pas plus que de celles du monde, auquel ils ne s'intéressent pas. Ils parlent de leurs voisins, de leurs soucis de santé, de l'arrivée ou du départ d'une personne, des affaires communales. On est dans un entre-soi presque caricatural. On le sent poindre dans certaines réunions du Conseil municipal : les élus sont divisés entre ceux qui veulent favoriser l'installation de nouveaux habitants, pour augmenter les ressources fiscales de la commune et ainsi pouvoir financer de nouveaux projets, et ceux qui veulent que rien ne change et qui redoutent l'arrivée d'inconnus. On discute beaucoup d'un précédent quartier aménagé, source de délinquance selon l'une des élus, contredite par sa voisine (dans la salle). Au bout de 2h20, on n'aura jamais vu la police en action (ni entendu la moindre sirène), pas plus que le moindre tag dans la ville, ni de détritus par terre. C'est propre et calme comme tout !

   L'autre élément marquant est la place tenue par la religion. Dans les conversations quotidiennes, elle est en général absente, sauf dans la bouche de personnes particulièrement croyantes. Par contre, le culte réunit beaucoup de monde et, lors des cérémonies particulières (mariage, baptême, décès), la salle est comble. La religion est clairement le secours de ces personnes simples, qui cherchent des réponses dans la Bible. L'un des pasteurs locaux semble particulièrement doué. Pour des funérailles, il a concocté un prêche (intégralement filmé) très structuré, aussi habile d'un discours électoral.

   Alors, oui, c'est long, pas toujours passionnant. Mais le réalisateur a eu besoin de cette longueur pour laisser parler ses "personnages", pour leur donner leur chance sans les juger. Le résultat n'en pas moins frappant.

vendredi, 26 avril 2019

Avengers : #Meetoo & BlackLivesMatter

   La grosse, l'énorme, la gigantesque meringue marvellienne commence paradoxalement par une véritable scène de cinéma : on retrouve l'un des membres de l'équipe, en famille... et bracelet électronique au pied. Cette entame bucolique est plutôt bien vue, d'autant qu'elle se conclut de manière à faire le lien avec Infinity War

   La suite voit la tentative menée par quelques rescapés pour reconstituer une équipe de super-héros digne de ce nom avec, en renfort, le retour du plus petit d'entre eux, qui a une idée géniale en tête. La reformation d'une bande est un intelligent retour aux sources. Elle produit aussi un énorme effet comique quand on découvre ce qu'est devenu Thor, cinq ans après. Je ne peux pas trop en dire, mais sachez que, dépressif, le dieu du Tonnerre n'a pas arrêté de se gaver de bières et de nourriture riche en graisses... (Rien que pour cela, je conseille à tous mes lecteurs mâles hétérosexuels chez qui l'âge, le manque d'exercice et/ou une alimentation déséquilibrée ont eu des conséquences disgracieuses d'emmener l'élue de leur coeur voir ce film !)

   Dans Infinity War, par l'intermédiaire de Dr Strange, les spectateurs les moins stupides avaient compris qu'il y aurait un "match retour", avec univers parallèle ou voyage dans le temps à la clé. Là, le scénario bifurque (et l'on s'éloigne du grand film pour rester dans les sentiers balisés de la grosse production à succès) : au lieu de poursuivre l'histoire dans un monde "délesté" d'un peu moins de 4 milliards de Terriens (situation dont s'accommoderaient très bien Tony Stark et Bruce Banner, par exemple), les auteurs ont appuyé sur la touche "replay". Une nouvelle équipe finit par se former. Elle va se diviser en petits commandos, chacun ayant une cible spécifique dans le passé... et, comme par hasard, chacun de ces moments révolus fait allusion à l'un des précédents films de la saga. C'est qu'ils sont malins, chez Disney ! Par contre, pour ceux qui n'en ont pas vus au moins quelques-uns, ces retours en arrière risquent de manquer de saveur.

   Bien entendu, tout ne va pas se passer comme prévu. La situation des héros se complique. La solution va venir, en partie, des personnages féminins, mis sur un véritable pied d'égalité avec les héros masculins. On avait vu le coup venir avec le récent Captain Marvel mais, ici, certaines scènes ont visiblement été spécifiquement tournées dans une optique féministe. Je pense notamment à l'un des moments de la loooongue séquence de baston (quelque chose comme 40 minutes dans le dernier tiers du film), qui montre plusieurs héroïnes prendre le relais de messieurs dépassés par les événements. Ceci dit, la présence à l'écran de cet aréopage de femmes ravissantes, au caractère bien trempé, dans des costumes très seyants, cognant sans retenue sur des méchants, n'est pas pour me déplaire. Et attention messieurs les gentils : un geste déplacé peut vous valoir un méga coup de genou dans les roustons !

   Quant aux "minorités visibles", elles sont presque toutes là une fois que la population est ressuscitée. Les Afro-américains sont particulièrement représentés. On pense bien sûr aux personnages de Black Panther... mais une colossale surprise est réservée aux spectateurs patriotes (américains) en fin d'histoire...

   La grosse bataille que tous les adolescents et jeunes adultes présents dans la salle attendent finit par arriver... et elle ne déçoit pas, pour peu qu'on ne se lasse ni de l'explosion de violence ni du déluge d'effets spéciaux. Cette guerre intergalactique se conclut par une émouvante cérémonie, qui réunit sans doute la plus coûteuse distribution jamais recrutée pour un film. Pour avoir une idée de qui va survivre et qui va périr, il faut se fier aux bandes-annonces des prochains films et aux projets en cours de développement : cherchez les absent.e.s.

   P.S.

   Bien que très charpenté, le scénario souffre de quelques faiblesses. Il y en a une (ou deux), énorme(s).

 

ATTENTION DIVULGÂCHAGE(S) !

 

   Dans l'un des arcs narratifs se déroulant dans le passé, Iron Man, Captain America et Ant-Man mettent la main sur le sceptre de Loki mais échouent, dans un premier temps, à récupérer une autre des six pierres (qui atterrit d'ailleurs dans les mains de Loki). Le trio se sépare, Ant-Man retournant dans le temps présent avec le sceptre, les deux autres s'embarquant pour un nouveau voyage dans le temps, a priori sans retour. Cela nous vaut une belle séquence rétro, au cours de laquelle Tony Stark rencontre... son père. C'est aussi le moment où Captain America récupère la pierre qui leur avait échappé auparavant (mais plus tard dans la trame historique). Le problème est que cette prise aurait dû changer la suite et donc rendre la récupération du sceptre de Loki impossible... 

  Un autre problème survient au cours du combat final. Je ne vais pas aller jusqu'à divulguer la supercherie qui permet à l'un des Vengeurs de duper Thanos, mais, franchement, compte tenu de ce qu'on a vu dans ce film et les précédents, c'est peu vraisemblable. Mais je reconnais que cela débouche sur un effet théâtral. Soyez indulgent, public chéri !

23:16 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

Sergio & Sergei

   A partir d'anecdotes réelles (des radio-amateurs ont bien communiqué avec différentes stations spatiales), Ernesto Daranas a construit une intrigue originale, autour d'une jeune femme se remémorant son enfance, à la fin de la Guerre froide. Elle idolâtre son père (veuf), Sergio, un professeur d'université cubain, "communiste réformiste" qui n'ose pas trop le dire. Celui-ci est en outre radio-amateur, comme son défunt père. Il communique régulièrement avec un habitant de Miami. Un jour, à l'autre bout des ondes, il tombe sur un interlocuteur parlant russe, seul dans l'espace : Sergei.

   C'est d'abord une comédie, qui tourne en dérision le totalitarisme cubain (qui considère Gorbatchev comme un traître). Sergio est l'objet d'une surveillance intensive de la part d'un fonctionnaire communiste pur et dur, à la fois stupide et acharné, dont les déboires font la joie des spectateurs.

   C'est aussi un tableau du Cuba de la débrouille. Le pays ne bénéficie plus des aides des "pays frères", qui n'existent plus (ou qui ont changé de nom et d'orientation politique). La population souffre de pénuries. Alors on traficote, on consomme son rhum artisanal (qu'on revend, à l'occasion), on fabrique discrètement des cigares... et l'on compte sur l'envoi de colis de la part des expatriés. C'est filmé dans des tons chauds, pas avec un point de vue misérabiliste.

   La qualité de la mise en scène se vérifie au niveau des scènes "spatiales" (à l'intérieur et l'extérieur de Mir). Le réalisateur a pu profiter d'un studio barcelonais et, franchement, même si ce n'est pas du niveau de Gravity, c'est du bon boulot.

   Histoire d'épicer le tout, E. Daranas a ajouté une romance naissante entre le prof de fac et une étudiante très indépendante... et ravissante. Mais Sergio a un peu la tête dans les étoiles. Dans le même temps, de plus en plus de Cubains songent à quitter le nouveau paradis du communisme pour rejoindre les Etats-Unis. C'est ce dont s'occupe Hall, le meilleur ami de Sergio, interprété par A.J. Buckley, que les téléspectateurs français ont pu découvrir jadis dans Les Experts Manhattan.

   Au final, cela donne une comédie historique douce-amère, bien filmée.

Tel Aviv on fire

   Cette comédie palestinienne est une coproduction internationale. Le réalisateur, Sameh Zabi, est le co-scénariste du Chanteur de Gaza. L'intrigue fait intervenir des personnages israéliens et palestiniens... et même une "actrice française" ! Au centre se trouve la réalisation chaotique d'un feuilleton sirupeux qui fait les beaux jours de la télévision palestinienne... mais qui rencontre aussi un grand succès côté israélien. Même si l'auteur donne une vision palestinienne du conflit proche-oriental (en particulier de la Guerre des Six-Jours et des Accords d'Oslo), le film insiste plutôt sur ce qui rapproche (ou peut rapprocher).

   Salam est un loser. Il n'est plus un jeune homme et galère entre deux emplois précaires. Il profite de la bienveillance de son oncle pour s'introduire sur le plateau de tournage de la série populaire. Les extraits qu'on nous en propose sont d'une consternante médiocrité. Mais, parfois, c'est à double-sens. Ce qui est diffusé à la télévision fait écho à ce que certains personnages vivent. Parmi les moments drôles, il y a ceux qui voient le néo-scénariste courir après l'inspiration, quitte à recopier un dialogue entendu au café ou à solliciter sa mère au téléphone !

   Mais la source de gags la plus "énorme" est cette étrange relation qui va se nouer entre l'officier israélien dirigeant le check-point (entre Jérusalem-Est et Ramallah) et le scénariste. C'est réussi notamment grâce au talent de Yaniv Biton, qui incarne à la perfection un militaire un peu beauf, mais ayant le sens du concret. A son contact, Salam va progresser, au point, à la fin de l'histoire, de pouvoir presque se passer de toutes les personnes ressources qu'il aura sollicitées.

   Pour faire une bonne histoire orientale, il faut un amour contrarié. Ce sera celui de Salam pour Mariam, son ex-petite amie, la fille de l'épicier de son quartier, qu'il redécouvre devenue médecin... et femme extrêmement séduisante. Même si leur relation n'est pas aussi tendue que celle de l'espionne palestinienne et de l'officier israélien du feuilleton, elle va connaître quelques rebondissements.

   C'est un film malin, pétillant, pas idiot sur le fond, qui trouve le moyen de s'achever sur un coup de théâtre particulièrement cocasse. A découvrir !

jeudi, 25 avril 2019

L'Homme à la moto

   Ce film argentin nous conte l'histoire de Miguel, une petite racaille, toujours entre deux coups, qui, un jour, se demande s'il n'a pas tué la vieille dame à laquelle son complice vient d'arracher le sac à main. Cette histoire a été inspirée au réalisateur Augustìn Toscano par un fait divers dont sa propre mère a été la victime. Elle parlera aussi à tous ceux dont l'un des proches a été la cible d'un vol à l'arraché.

   C'est que ce Miguel a des scrupules. S'il s'est acoquiné avec des mecs louches pour monter ses vols en moto, c'est parce qu'il manque d'argent. (... comme pas mal de monde en Argentine, à tel point que les truands n'ont guère de difficultés à recruter de la main-d'oeuvre pour organiser le pillage de certains commerces... surtout si les policiers -mal payés- sont en grève !) Il voudrait jouer pleinement son rôle de père... et reconquérir son ex. D'une certaine manière, c'est une "victime de la société", même si le film suggère qu'il est un peu fainéant sur les bords. Est-ce suffisant pour faire de lui, à l'instar des voyous qu'il côtoie, un prédateur ?

   La deuxième partie de l'histoire montre le rapprochement qui s'effectue entre Miguel et la vieille dame, prénommée Elena. Elle semble avoir perdu la mémoire. Le jeune homme saute sur l'occasion pour tenter de se racheter... mais aussi pour profiter de la grande maison vide dans laquelle habite sa victime. Ainsi, elle va bénéficier d'un aide à domicile, tandis que lui remonte dans sa propre estime, tout en s'occupant mieux de son fils. Mais la vieille dame est-elle dupe ? Lui-même, ne finit-il pas comprendre que tous deux jouent un jeu à bénéfices réciproques ? Cela suffira-t-il à le faire échapper à l'influence des voyous qu'il a pris l'habitude de fréquenter ?

   C'est dire si ce film social à la base ne manque pas de subtilité. Cela se complexifie même quand on apprend qu'Elena est une ancienne femme de ménage. Comment a-t-elle pu devenir propriétaire d'une grande maison en plein centre-ville ? (L'action se déroule dans le nord-ouest de l'Argentine, dans la province de Tucumán, sans doute dans la ville de... San Miguel !)

   J'ai trouvé les acteurs très bons et la réalisation pas dégueulasse du tout. Dès le début (dans la séquence à moto), on sent que le metteur en scène ne s'est pas contenté de juxtaposer les plans faciles. Il a su profiter aussi bien du caractère rural de la banlieue que de l'enchevêtrement des immeubles au centre-ville... et il s'est creusé les méninges pour finir son histoire correctement, par une succession de péripéties qui ménage un petit suspens.

mercredi, 24 avril 2019

Monsieur Link

   Ce "Monsieur Lien" est une sorte de chaînon manquant entre l'être humain et le singe, ici un Sasquatch (ou Bigfoot) supposément présent en Amérique du Nord. C'est ce qu'entend démontrer l'explorateur Lionel Frost (doublé par Thierry Lhermitte dans la version française), un noble britannique aussi distingué qu'opiniâtre. On fait sa connaissance dans la première séquence, située en Ecosse. On comprend très vite de quoi il s'agit. C'est cocasse.

   ... et remarquablement animé, avec la technique du "stop motion", qui a dû demander un travail de fou. Le paradoxe est que c'est le personnage principal (l'homme-singe, doublé par Eric Judor) qui est le moins réussi sur le plan visuel. Les autres sont animés avec brio. Et que dire des effets au niveau des décors et de tout ce qui est aquatique ! Signalons que les producteurs se sont déjà fait remarquer avec Coraline, Les Boxtrolls et Kubo.

   J'ai été emballé. L'histoire pourrait être tirée d'un roman de Jules Verne. D'ailleurs, ce Lionel Frost a des airs de Phileas Fogg. Même si, pour un adulte, les péripéties ne réservent que peu de surprises, on est pris par cette série d'aventures, qui mènent les héros (les deux mâles, bientôt rejoints par une femme au tempérament affirmé) d'Europe en Amérique du Nord puis au coeur de l'Asie. A l'écran, c'est parfois très beau et l'on rit assez souvent.

   PS

   Au passage, l'intrigue tourne en ridicule l'obscurantisme des adversaires de Frost, ancêtres des créationnistes contemporains.

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Toulouse va perdre un cinéma...

   ... au centre-ville. Il s'agit de l'UGC-Roosevelt, qui, selon La Dépêche du Midi, devrait fermer ses portes en juin prochain. Ce n'est pas une totale surprise pour ceux qui suivent le sujet. Cela fait déjà des mois qu'UGC avait annoncé le projet d'ouvrir un nouveau multiplexe, en périphérie, dans le quartier de Montaudran. De plus, le nombre d'entrées du cinéma donnant sur les allées Roosevelt ne cessait de baisser : en 2018, il a accueilli moins de spectateurs que le multiplexe de Rodez ! Enfin, les projets d'agrandissement butaient sur le contexte immobilier local :

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   La façade du cinéma est encadrée par un Starbucks et un concurrent franchouillard d'une célèbre chaîne de restauration rapide (dont un établissement est d'ailleurs situé juste en face, de l'autre côté de la place). A l'ouest, les bâtiments donnant sur la rue d'Austerlitz ne sont pas non plus à vendre.

   Pour dire le fond de ma pensée, je ne vais sans doute pas regretter la fermeture de l'UGC. Je n'y suis que très rarement allé. Il ne propose quasiment que des films en version française (même s'il y a eu une évolution -tardive- à ce niveau), il est cher et, par-dessus le marché, il faut parfois supporter des spectateurs indélicats, un inconvénient que l'on rencontre aussi dans un autre multiplexe, quasiment voisin.

   Que va-t-il rester en centre-ville ? Le grand rival d'UGC, le Gaumont Wilson (qui, lui, a pu s'agrandir et se moderniser)... et, surtout, les deux cinémas d'art et essai, l'ABC et l'American Cosmograph (ex-Utopia). Complètent l'offre la Cinémathèque de Toulouse et Le Cratère. La première, située à proximité de l'ABC, propose de (re)voir dans sa belle salle des "films du patrimoine", en général restaurés... un filon dont tentent de profiter des réseaux aussi différents qu'Utopia et CGR. Quant au Cratère, c'est une salle associative, un peu excentrée, mais qui donne une seconde vie aux films art et essai, avant qu'ils ne sortent en DVD.

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   A cette liste il a failli manquer un nom : celui de l'American Cosmograph, alors Utopia Toulouse, aux locaux vieillissants, menacé en 2015 d'une foudroyante augmentation de loyer. Finalement, il y a eu scission, l'Utopia Toulouse devant l'American Cosmograph, mais en conservant les "valeurs" du réseau art et essai. Le premier numéro de la nouvelle gazette (celui de juin-juillet 2016) contient des papiers racontant ce changement. Entre temps, en 2003, Utopia avait ouvert un nouveau cinéma en banlieue toulousaine, à Tournefeuille.

   C'est donc en périphérie de Toulouse que l'offre cinématographique a le plus augmenté :

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   Si l'on excepte l'Utopia de Tournefeuille, ce sont les multiplexes qui ont peuplé la banlieue : CGR à Blagnac, Gaumont à Labège, Kinépolis à Fenouillet... et donc bientôt (en 2021 ?) UGC à Montaudran (le point rouge sur le plan). Ceux qui ne veulent pas trop s'éloigner du centre peuvent aussi goûter au petit cinéma de Ramonville-Saint-Agne (correspondant au trait rouge ci-dessus).

   Enfin, il est un autre cinéma toulousain qui continue à faire parler de lui : Les Nouveautés. Autrefois situé boulevard Carnot (pas très loin de l'UGC d'ailleurs), il a fermé en 1999. Les gérants de l'Utopia Toulouse ont un temps songé à y transférer leur cinéma, mais les locaux avaient déjà été vendus. Un projet "urbain chic" est en cours de réalisation. les travaux ont mis du temps à démarrer. En octobre dernier, on en était là :

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lundi, 22 avril 2019

Santiago, Italia

   Le titre de ce documentaire peut paraître étrange : il semble évoquer une ville située en Italie, alors qu'il s'agit de la capitale du Chili. La raison en est qu'une fraction du territoire de cette cité est bien italien : celui de l'ambassade. En septembre 1973, des opposants au coup d'Etat de Pinochet s'y sont réfugiés.

   Le réalisateur Nanni Moretti commence par évoquer la présidence d'Allende, élu de justesse en 1970 après trois tentatives infructueuses. Des images d'archive ressuscitent cet homme de gauche intègre, qui avait sans doute autant de soucis avec sa majorité hétéroclite qu'avec son opposition (soutenue par les Etats-Unis).

   Arrive ensuite le coup d'Etat militaire (qu'en Amérique du Sud on appelle Golpe). Les témoignages permettent de comprendre la sidération d'une partie de la population, pendant qu'une autre part se réjouit ouvertement. Moretti n'élude pas le passage douloureux sur le suicide d'Allende. Même s'il donne la parole à un des derniers tenants de la thèse de l'assassinat, le réalisateur choisit plutôt de tenter d'expliquer les raisons du suicide, en s'appuyant sur des rescapés lucides. Notons qu'il a aussi interrogé d'anciens officiers de l'époque... qui ne regrettent rien.

   C'est à ce moment-là que le documentaire quitte la grande histoire pour la petite, celle de militants de gauche qui ont tout fait pour échapper à l'armée. Dans un premier temps, celle-ci n'a pas mené une surveillance minutieuse des abords des missions diplomatiques, qui ont ainsi  pu accueillir des milliers de personnes. Celle d'Italie était une propriété protégée par un mur d'environ deux mètres de hauteur. Celui qu'on voit dans le film est plus élevé : le gouvernement l'a (par la suite) fait rehausser d'un bon mètre. On sourit en entendant ces témoins parler de leurs efforts pour franchir le mur, ou aider quelqu'un à le faire. L'un d'entre eux se réjouit d'avoir suivi des cours de gym, lui qui pourtant n'aimait pas cela... Un autre révèle que des personnes bien intentionnées avaient descellé quelques pierres pour former un petit escalier de fortune. Une dernière évoque la stupeur du garde enfin posté dans l'angle mort de la bâtisse.

   L'étape suivante est la description de la vie à l'intérieur de l'ambassade. Entre 250 et 300 personnes s'y retrouvent entassées. Fort heureusement, un grand jardin... et une piscine rendent le séjour plus supportable. A l'intérieur, pour le coucher, on opère une stricte répartition : les hommes célibataires au rez-de-chaussée, les familles avec leurs enfants au premier étage et les femmes célibataires au second. D'après certains témoignages, il semble que la bâtisse ait connu de nombreux mouvements nocturnes...

   Enfin, le gouvernement italien ayant attribué des visas, les réfugiés ont pu quitter l'ambassade pour l'Europe, d'où ils pensaient revenir rapidement. La majorité d'entre eux a fait souche en Italie, ce qu'on découvre dans les vingt dernières minutes. Ils ont constitué une main-d'oeuvre bien accueillie sur place, d'autant qu'on a veillé à les placer dans des régions où des "partis frères" (communiste, socialiste) étaient bien implantés. La solidarité politique a fait le reste.

   Même si j'ai trouvé le début un peu laborieux, j'ai finalement été captivé par ce documentaire, rigoureusement construit, nourri de témoignages intéressants, parfois émouvants. Par un curieux hasard de la programmation, le film est sorti en France à peu près en même temps que Companeros, qui évoque les méfaits de la dictature militaire en Uruguay à la même époque.

dimanche, 21 avril 2019

Companeros

   Intitulé La noche de 12 anos ("La nuit de douze ans") dans sa version originale, ce film uruguayen narre le sort de trois révolutionnaires tupamaros (communistes), que la dictature militaire a emprisonnés et tenté de briser, entre 1973 et 1985.

   C'est une fiction très documentée... et militante. Le réalisateur est en empathie avec les trois héros, tellement même qu'il passe très très vite sur les crimes auxquels certains d'entre eux ont participé. Ceci dit, quand on voit ensuite ce qu'ils ont enduré, on comprend que le souci principal soit de dénoncer la dictature sanguinaire qui a sévi jadis en Uruguay.

   Le début de l'histoire donne un bon aperçu de ce que sera le film. Il mêle violence et traits d'humour, le tout servi par une réalisation parfois inventive. On découvre les héros en prison, au moment de leur extraction pour une destination inconnue. C'est filmé en tourniquet depuis la cage centrale des matons. Détail cocasse : durant le transport en camion, l'un d'entre eux ressent une fulgurante envie de déféquer...

   Dans un premier temps, les rebelles ont été torturés physiquement. On a tenté de leur arracher des informations (méthode qui avait réussi avec l'un de leurs chefs, ce que le film ne dit pas). Devant l'inefficacité des sévices physiques, les militaires sont passés à la torture mentale. Le but était de briser ces hommes fiers et aux convictions profondément ancrées en eux. On les masque, on les déplace, on les frappe, on les déshabille, on les prive de nourriture voire on leur pisse dessus. A l'instar des geôliers, la mise en scène est imaginative et réussit à nous faire toucher du doigt ce qu'ont ressenti les trois prisonniers. Dans certaines scènes, c'est du niveau de Hunger.

   C'est lié aussi à la qualité de l'interprétation. Antonio de la Torre (rappelez-vous : Que Dios nos perdone), Chino Darin et Alfonso Tort incarnent avec brio Mujica le perturbé, Rosencof l'écrivain et Huidobro le matheux. Vu le degré d'isolement qu'on leur impose, leur salut se trouve dans leur tête, dans les souvenirs heureux, les rêves... et un système discret de communication (quand c'est possible). Le problème est que ce qu'ils subissent finit par déformer leurs souvenirs voire leur faire prendre pour réel ce qui ne l'est pas. Ici, la mise en scène est brillante, bien servie par le montage.

   Fort heureusement, le propos du film n'est pas toujours dramatique. Il y a cette séquence drôlissime quand il s'agit de décider s'il faut détacher un détenu pour lui permettre de déféquer assis. Cela part du troufion de base pour remonter jusqu'au commandant de la caserne ! Il y a aussi ces moments d'humanité, autour de l'écriture de lettres d'amour, qui va rapprocher l'un des prisonniers de certains militaires pas complètement obtus. Et j'ai été touché par la conclusion, pleine d'émotion.

   C'est un film à voir.

Whitney (en V.O.D.)

   J'ai raté ce documentaire à sa sortie en salles. Je l'ai regretté par la suite : les critiques sont plutôt bonnes et je me suis rendu compte un peu tard que le réalisateur est Kevin MacDonald. On lui doit notamment Un Jour en septembre, Mon Meilleur ennemi, Jeux de pouvoir et surtout Le Dernier Roi d'Ecosse.

   Bien que durant deux heures, le film ne s'attarde que très peu sur les premières années de Whitney Houston. Bien qu'étant née dans un ghetto noir (à Newark, dans la partie du New Jersey qui tient lieu de banlieue new-yorkaise), elle a plutôt vécu une enfance de classe moyenne (noire), entre une mère choriste (pour Aretha Franklin et Elvis Presley, entre autres) et un père fonctionnaire municipal pas très honnête. Dans la famille élargie, on chante souvent (les soeurs Warwick, Dionne et Dee Dee, sont des cousines) et l'on se rend régulièrement au temple.

   A l'image de bien des actuelles vedettes de R'N'B, la future diva a fait ses premières armes vocales dans un contexte religieux. L'adolescente n'a pas tardé à être repérée. Les enregistrements qui montrent ses débuts font bien comprendre que, dès cette époque, l'artiste avait une voix hors du commun.

   Arrivent les années 1980, les années Reagan-Bush (père), celles d'une Amérique conquérante, avide de fric facile et de paillettes. Du point de vue de la musique pop, ce furent les années Whitney Houston - Michael Jackson, deux artistes populaires, doués et qui n'ont pas su gérer richesse et célébrité. Whitney devient la vache à lait de la famille et subit des pressions contradictoires : sa mère voit sa carrière comme une revanche sur ses propres échecs, alors que le père voudrait prendre le contrôle de la machine à fric. Quant aux aux frères, cousins et amis, ils initient la chanteuse à diverses drogues... 

   Whitney découvre aussi qu'elle ne peut plus avoir de véritable vie privée. Le problème est qu'elle n'a pas été souvent sincèrement aimée. Le documentaire apprendra à celles et ceux qui l'ignoraient qu'elle était bisexuelle (et que sa compagne fut sans doute son plus grand amour, finalement écarté par les proches, un brin homophobes certes, mais qui redoutaient surtout son influence). Son mariage avec un rappeur de seconde zone fut un échec qui dura, pour le plus grand malheur de l'artiste : elle sombra dans la drogue et la dépression.

   Cependant, la révélation la plus fracassante nous est réservée pour la dernière demi-heure : la source des névroses de la chanteuse serait des abus sexuels subis dans son enfance (par une personne proche). Cela expliquerait son malaise quant à son identité sexuelle et son acharnement à ne pas laisser sa petite fille à la maison, quand elle partait en tournée. La gamine n'en a pas moins souffert : privée de camarades de son âge, elle a navigué dans les eaux troubles de l'entourage de sa mère.

   Même quand, comme moi, on n'est pas fan de la chanteuse, on peut apprécier ce documentaire assez riche, qui parle de la condition de femme, de mère, de chanteuse et d'amoureuse dans les années 1980-1990-2000.

mercredi, 17 avril 2019

Le Vent de la liberté

   Ce film de Guerre froide nous conte une histoire vraie, celle de deux familles de (petite) classe moyenne, qui songent à fuir la RDA (l'Allemagne communiste) en 1979. Ils habitent quelque part dans le Sud du pays, pas très loin de la frontière avec la RFA (côté Bavière), qu'ils ambitionnent de franchir par les airs, en ballon.

   Le début relate l'échec de la première tentative. Même si l'on se doute bien qu'il y a peu de chances qu'ils rencontrent le succès au bout d'un quart d'heure (alors que le film est censé durer deux heures), on suit avec attention voire angoisse le vol du premier ballon... et le retour (discret) à la case départ. Cette longue introduction vaut aussi pour la description de climat de suspicion générale qui sévissait à l'époque. Entre policiers en civil et écoutes téléphoniques, tout le monde pouvait se croire espionné.

   Ils ne le réalisent pas tout de suite, mais les héros ont été très imprudents. Ils ont laissé trop d'indices derrière eux, indices que la Stasi va s'évertuer à exploiter pour tenter de remonter jusqu'aux potentiels fuyards. La suite prend donc la forme d'un suspens très bien mené. La police politique est-allemande était redoutable, mais ne disposait que des moyens de son époque. On nous montre des agents scrupuleux, méthodiques, qui mettent du temps à démêler le vrai du faux dans les pistes qui s'ouvrent devant eux. Le personnage de l'officier enquêteur est particulièrement bien campé, avec un zeste d'humour pince-sans-rire, sarcastique, qui détonne dans le monde des ternes bureaucrates soumis au régime.

   Le film mérite aussi le détour pour la manière dont il dépeint la vie quotidienne de gens plutôt ordinaires, avec leurs tracas et leurs faiblesses. Les héros de l'histoire ne sont ni particulièrement intelligents, ni dotés d'une trempe extraordinaire. Cela donne plus de force à l'intrigue.

   La fin est trépidante, abusant toutefois du "juste-à-temps", un peu comme dans Argo. Mais cela reste une belle histoire, un éloge de la liberté à savourer à notre époque, qui voit grossir les mouvements extrémistes de tout bord.

lundi, 15 avril 2019

Mon Inconnue

   De prime abord, cette comédie romantique mâtinée de fantastique ne paie pas de mine. Le générique de début nous montre la naissance d'un amour entre un apprenti-écrivain et une jeune pianiste douée. Le conte de fées se poursuit... puis dérape, jusqu'à la rupture : le héros (très bon François Civil, vu récemment dans Le Chant du loup) se réveille dans un monde parallèle, dans lequel sa dulcinée Olivia (Joséphine Japy, déjà remarquée dans Cloclo, for-mi-da-ble) ne le connaît pas.

   Le scénario entretient longtemps le mystère. Le héros est-il en train de rêver ? Ou bien, si c'est à présent la réalité, rêvait-il durant la première partie de l'histoire qui ressemble tant à un roman-photo ? Ou encore, n'est-on pas face à l'une des séquences de fiction visualisée, quand l'écrivain pense aux scènes qu'il est en train d'écrire ? On a la réponse à la question quand il se remet à neiger...

   Les acteurs sont excellents. Ces deux jeunes pousses du cinéma français forment l'un des plus beaux couples qui nous ait été présenté ces dernières années. François Civil est aussi convaincant dans le rôle de l'agent secret que dans celui de l'amoureux transi ou du connard suffisant. Quant à Joséphine Japy, elle me touche autant en artiste introvertie qu'en vedette magnétique, capable de faire rayonner une scène de restaurant, quand les personnages ont abusé d'un vin rosé...

   Ajoutez à cela des seconds rôles bien campés, parmi lesquels se distingue Benjamin Lavernhe, véritable trublion de l'histoire, aussi à l'aise en joueur de ping-pong du dimanche qu'en flatuleur intempestif.

   Même s'il y a ici et là quelques longueurs et quelques facilités, je suis sorti du cinéma avec du baume au coeur, le sourire aux lèvres.

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dimanche, 14 avril 2019

Les Oiseaux de passage

   Ce conte moral amérindien nous est présenté sous la forme d'une tragédie en cinq actes, dont l'intrigue est inspirée d'une histoire vraie, celle d'Indiens de Colombie qui se sont lancés dans le commerce de marijuana, au tournant des années 1960-1970.

   Le premier quart d'heure est peut-être la plus belle séquence du film. On se croirait presque dans un reportage ethnographique, en pleine cérémonie coutumière. Le rite est celui du passage à l'âge adulte d'une adolescente (Zaida) qui a désormais ses règles. Comme elle est issue d'une famille estimée des Wayuu, la cérémonie revêt une certaine ampleur. De surcroît, sa mère, l'imposante Ursula, est dotée de pouvoirs chamaniques, qui semblent se transmettre dans le clan. Les scènes d'extérieur sont filmées avec un incontestable sens du rythme, mais j'ai quand même préféré les plans tournés dans une case, lorsque la mère s'occupe de la fille. Cette séquence voit apparaître le prétendant de Zaida, Rapayet, un gars un peu timide, issu d'une famille moins prestigieuse. Mais il sait ce qu'il veut.

   La suite montre comment Rapayet va obtenir la main de Zaida. Le commerce de café et la contrebande d'alcool ne suffisent pas à réunir la somme nécessaire pour payer la dot de sa promise. Lui et son meilleur ami Moisés croisent des gringos en quête de substances hallucinogènes. De là naît l'idée d'en fournir de grandes quantités, en s'alliant avec un autre clan indigène, qui contrôle les terres où pousse cette étrange herbe sauvage.

   Dans un premier temps, le conte moral devient presque conte de fées. Les clans indiens connaissent la prospérité, mais la violence sous-jacente est prête à éclater. Cet argent facile corrompt une partie de la population. Son mode de vie change et les comportements individuels se dégradent, alors que le confort quotidien s'est considérablement amélioré. Les auteurs ont réussi à mettre en scène le conflit (parfois intérieur) entre les traditions séculaires et l'attirance pour une forme de modernité. (Les oiseaux de passage incarnent l'esprit des défunts, qui reviennent hanter les vivants ou les avertir qu'un danger approche.) La démonstration n'est pas manichéenne, même si l'on sent bien que l'histoire (racontée par une sorte de griot amérindien) suit une pente tragique.

   Attention toutefois : le rythme est un peu lent et tous les interprètes (dont certains ne sont à l'évidence pas des professionnels) ne sont pas irréprochables. Mais c'est prenant et bien filmé.

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samedi, 13 avril 2019

Captain Marvel

   Ce n'est pas le premier personnage féminin de comic books à faire l'objet d'un long-métrage, mais c'est sans doute la première fois qu'on peut dire qu'un film de super-héros a été réalisé dans une optique féministe... et ce n'est en rien dérangeant. (Cette dernière remarque s'adresse aux mecs burnés qui lisent ce billet.)

   On pouvait craindre que Brie Larson (vue dans Kong : Skull Island) ne soit qu'une énième blondasse à prendre la pose sur des fonds verts, eh bien non. Je trouve l'actrice très convaincante, aussi bien dans les scènes d'action que dans les scènes dialoguées où perce une salutaire ironie, qui donne une saveur pas désagréable à cette meringue numérique truffée d'effets spéciaux. Certes, les spectateurs attentifs (jouissant du spectacle sur un très grand écran) remarqueront que, lors de certaines bastons, quand l'héroïne est de dos, il arrive que sa carrure augmente brièvement, signe qu'une doublure (masculine à mon avis) lui a été substituée le temps que "Vers" (prononcer "Verse") projette quelques vilains à dix mètres de là. Mais, le reste du temps, il est indéniable que la comédienne tient sa place, notamment dans la séquence de poursuite qui s'achève dans un métro aérien, très bien mise en scène.

   Ce film d'action bénéficie aussi d'un assez bon scénario, qui préserve longtemps le mystère quant au passé de l'héroïne. Les moins stupides des spectateurs devineront néanmoins l'essentiel assez vite. C'est le renversement des positions qui est le plus habilement amené. Il est question d'une guerre, qui nous est présentée d'une certaine manière au début de l'histoire, avant qu'on ne la découvre, plus loin, sous un autre angle. Un conseil : ne vous fiez pas aux apparences.

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   Ce conseil s'applique tout particulièrement au personnage ci-dessus, Goose, le chat de la scientifique Wendy Lawson qui s'est autrefois attaché à Carole Danvers... et se prend désormais d'affection pour Nick Fury. De prime abord, cette boule de poils ("provided by Animals for Hollywood", nous dit le générique) est adorable, câline et ronronnante. La dernière demi-heure nous réserve de colossales surprises à son sujet, surprises qui prennent le plus souvent un tour hilarant.

   Tout cela est possible grâce à l'armée de techniciens des effets spéciaux. A la vue du générique, je pense que plus des trois quarts des personnes qui ont travaillé sur ce film ont été employées à son habillage numérique. Il faut reconnaître que c'est bigrement bien fichu, mais parfois excessif. Comme l'action se déroule dans les années 1990, on nous a rajeuni Nick Fury / Samuel Jackson, au point que cela en devient gênant (surtout si l'on a récemment vu Glass). C'est pire dans le dernier quart de l'histoire, quand l'héroïne voit ses pouvoirs encore augmenter. Les combats se mettent à ressembler à des séquences de jeu vidéo, culminant dans la bataille de l'espace, pas du tout réaliste selon moi.

   Comme c'est une production Disney-Marvel, il ne faut évidemment pas se précipiter hors de la salle lorsque commence à défiler le générique de fin. Même si le film s'achève sur une scène de transition, deux bonus ont été glissés un peu plus loin. Le premier fait le lien avec Avengers - Infinity War (si l'on se souvient de ce qui est arrivé à Nick Fury). Le second voit réapparaître Goose... et annonce la suite, qui va bientôt sortir sur nos écrans. La production a pris la peine de mentionner que Captain Marvel sera de la partie. Viendez dépenser vos sous, bonnes gens !

11:50 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

mercredi, 10 avril 2019

Royal Corgi

   Pendant des années, le nom de cette race de chiens n'a évoqué pour moi qu'un groupe britannique, auteur d'un seul grand succès, une chanson qui a accompagné nombre de mes soirées et de mes nuits sur la route, jadis. Ce n'est que tardivement que j'ai appris que les membres des Korgis avaient choisi ce nom en relation avec les canidés dont la reine Elizabeth II s'est entichée.

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   L'amour immodéré de ces chiens courts sur pattes est d'ailleurs source de gags dans la première partie de l'histoire, la plus enlevée. On nous présente d'abord le fonctionnement du palais royal, de manière évidemment caricaturale, entre postures guindées, protocole suranné, bonnets à poils et décoration à l'ancienne. L'arrivée de Rex, le petit dernier corgi, rebat les cartes au sein du chenil royal, dont il devient rapidement la coqueluche, quand bien même il lui arrive d'uriner et de déféquer mal à propos...

   Une autre séquence particulièrement réussie est celle de la visite du couple Trump. Le président des Etats-Unis est caricaturé (?) en malotru, auquel il va arriver quelques bricoles... De son côté, Rex tente d'échapper à un accouplement programmé avec... une Texane ! Je n'en dis pas plus : c'est très réussi. Le tout culmine lors du dîner de gala, qui, bien évidemment, dérape.

   L'intrigue bascule alors dans le roman d'aventures, ma foi assez prévisible. Les films carcéraux ont visiblement inspiré la longue séquence de la fourrière. Celle-ci ne manque pas de rebondissements, mais, même au niveau des films d'animation, c'est du déjà-vu (par exemple dans Shaun le mouton ou encore Ozzy, la grande évasion). Cet épisode est néanmoins essentiel à l'intrigue, puisqu'il voit le personnage principal découvrir l'amitié véritable et l'amour, en dehors de son douillet cocon.

   On s'achemine vers une fin sans surprise, mais nourrie de péripéties. L'animation est très correcte, tant au niveau des détails dessinés que des mouvements des personnages. Par contre, la musique ne m'a pas du tout emballé. S'il est regrettable que la première partie soit (pour moi) nettement meilleure que la seconde, l'ensemble reste un divertissement très plaisant, de surcroît bref : il ne dure qu'1h20.

   PS

   En raison de son grand âge, la reine d'Angleterre a renoncé à élever des corgis, afin qu'aucun n'ait à lui survivre. Le dernier, Willow, est décédé l'an dernier. Une journaliste a collecté une jolie brochette de photographies d'Elizabeth avec ses animaux préférés.

21:40 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films

jeudi, 04 avril 2019

Marie Stuart, reine d'Ecosse

   J'ai enfin pu voir ce drame historique, un brin romancé. L'action se déroule dans la seconde moitié du XVIe siècle, en Grande-Bretagne, alors agitée par les affrontements religieux, entre catholiques et protestants. A cela s'ajoutent des rivalités politiques et la question de la place des femmes dans cette société de mâles dominants.

   L'intrigue oppose deux personnages aux personnalités affirmées, mais différentes. A ma droite se trouve Marie Stuart, la catholique, la "Française", la flamboyante. Veuve du roi de France François II (un des fils de Catherine de Médicis), elle revient dans une Ecosse qui bascule dans le calvinisme... et où son demi-frère s'accommodait fort bien de son absence. Elle est brillamment interprétée par Saoirse Ronan, qui trace sa route depuis Les Chemins de la liberté et The Grand Budapest Hotel.

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   A ma gauche se trouve Elizabeth, l'une des filles du roi Henri VIII et donc apparentée à Marie Stuart (la soeur aînée d'Henri VIII, Marguerite Tudor, est la grand-mère de Marie). Dans le rôle, Margot Robbie (déjà formidable dans Moi, Tonya) est méconnaissable. Elle s'est littéralement fondue dans son personnage, plus ingrat, mais doté d'un meilleur sens politique que Marie Stuart.

   Le film vaut donc pour ces deux beaux numéros d'actrices et (pour ceux que cela intéresse), pour le contexte de lutte politique et religieuse. C'est aussi une réflexion sur les femmes et le pouvoir. Dans leur milieu, les mariages sont arrangés. Ces princesses (puis reines) sont d'excellents partis, voire des proies de premier choix pour l'ambitieux qui cherche à atteindre le pouvoir par leur intermédiaire. L'amour authentique et durable n'a pas vraiment sa place dans ce monde impitoyable. Le film aborde toutes ces questions et prend le temps de montrer l'évolution des personnages, les principaux comme certains secondaires (masculins). Même si le rythme est un peu lent, je trouve que c'est une belle réussite.

mercredi, 03 avril 2019

Chamboultout

   Je suis allé voir ce film en pensant me divertir avec une comédie certes un peu lourdingue, mais bien interprétée. De ce point de vue, le contrat est rempli. José Garcia excelle dans le rôle de cet homme hyperactif devenu aveugle, boulimique et "sans filtre". On se régale de ses saillies et de son côté "tactile".

   Mais l'humour jaillit aussi de la lecture du livre que vient de publier son épouse, interprétée par Alexandra Lamy. Elle y raconte sa vie avec son homme accidenté, ainsi que les relations avec l'entourage proche, la famille et les amis. C'est là que cela devient caustique. Chacun d'entre eux a reçu un exemplaire, juste avant le séjour à Biarritz, organisé pour fêter l'anniversaire du couple. J'ai beaucoup aimé suivre les interrogations, les incompréhensions, les craintes, les joies et les indignations de cette savoureuse bande de seconds rôles, très bien campés par Michaël Youn, Anne Marivin, Michel Vuillermoz, Medi Sadoun, Ludivine de Chastenet...

   Béatrice/Alexandra a écrit une autobiographie à clés, dans laquelle les véritables noms des personnes de son entourage ont été masqués. Je recommande tout particulièrement les péripéties nées du questionnement à propos du mot "velléitaire"... Le tout culmine dans le repas d'anniversaire, qui, évidemment, ne va pas se dérouler comme prévu.

   Le film surprend néanmoins à deux niveaux. D'abord, il offre de beaux moments d'émotion avec les deux acteurs principaux (José Garcia et Alexandra Lamy, encore plus formidable que dans Tout le monde debout). De surcroît, l'intrigue évite de tomber dans un angélisme politiquement correct. La vie n'est pas un filet d'eau tiède et j'ai apprécié que l'on ne fasse pas du personnage de Béatrice une sainte laïque. C'est une femme moderne, active, aimante, qui doit gérer son boulot, les enfants et un époux en pleine régression mentale. Elle a besoin de prendre l'air. Cela donne une saveur inattendue à cette histoire qui, de prime abord, pouvait paraître un peu trop balisée.

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dimanche, 31 mars 2019

Dumbo

   Depuis une douzaine d'années, Disney s'est lancée dans le retournage de ses grands classiques d'animation, avec des acteurs réels (et pas mal de technologie). Cela donne des résultats aussi contrastés que Maléfique, Le Livre de la jungle (pour le meilleur) et Into the Woods (pas très emballant).

   Là, il est question d'adapter l'un des films d'animation que j'ai le plus aimés dans ma jeunesse, un bijou de poésie et d'humour surréaliste. L'intrigue en a été réécrite, en supprimant l'intervention des cigognes (souci de réalisme oblige) et celle des corbeaux (pour cause de "politiquement correct"). Du coup, comme le film d'origine était déjà assez bref, il a fallu développer l'histoire, qui commence par un tableau social de l'après-Première Guerre mondiale aux Etats-Unis. Le cirque Medici est au bord de la faillite. L'une de ses vedettes revient enfin de France, mais dans un état qui lui interdit (de prime abord) de reprendre son rôle. Entre temps, sa compagne est morte de la grippe espagnole (qui, rappelons-le, a sans doute été introduite en Europe par des Américains).

   L'histoire a donc un arrière-plan plus sombre que l'animation de 1941, qui n'évoquait le contexte international qu'à la toute fin, en montrant Dumbo enrôlé dans l'effort de guerre. On ne nous cache pas les mauvais traitements subis parfois par les animaux de cirque. Le coeur de l'intrigue est la séparation de la mère et du fils. C'est peut-être éculé, attrape-nigaud, mais j'ai marché. J'ai été d'autant plus touché que les éléphants (créés en images de synthèse) sont d'un réalisme étonnant.

   Les personnages incarnés par de vrais acteurs sont moins convaincants. Collin Farrell est transparent. Michael Keaton n'est pas mauvais, mais cabotine trop (tout comme Danny de Vito). La meilleure est sans conteste Eva Green (déjà dirigée par Burton dans Dark Shadows et Miss Peregrine), qui incarne une artiste française ratée (?) devenue la maîtresse du patron. Le personnage ne manque ni de charme ni de caractère. Pendant plusieurs minutes, je me serais bien vu dans la peau d'un trapèze... ou d'un éléphanteau ! Signalons aussi que le personnage de la souris (sorte de Jiminy Cricket de Dumbo dans la version animée) est remplacé ici par deux enfants, un garçon timide et sa soeur, une gamine très intelligente, qui contribue à donner une petite coloration féministe à cette histoire (notamment dans la scène qui la voit se réfugier devant un stand dédié à Marie Curie).

   La mise en scène m'a davantage emballé. Les vrais acteurs interagissent parfaitement avec les animaux. Les effets spéciaux sont très bons, sauf quand il est question de montrer Dumbo volant avec un ou plusieurs passagers. Là, les trucages sont trop voyants. Sinon, c'est parfois magnifique, comme lors de la scène des éléphants en bulles de savon, une pure merveille qui est censée faire oublier la séquence des éléphants roses dans le film d'origine.

   Je ne pense pas trahir un secret en révélant que l'histoire ne se conclut pas de manière négative (pour les gentils). C'est donc une oeuvre visible par tous et qui ne vise pas spécifiquement le jeune public.

   PS

   Les adultes auront l'occasion de s'intéresser aussi au sous-texte. Dumbo ("Crétinou") le maladroit est une projection de Tim Burton, artiste qui peine à s'intégrer au monde des adultes, et qui doit, pour pratiquer son art, passer sous les fourches caudines des financiers d'Hollywood. Si le personnage de Vandevere (interprété par M. Keaton) rappellera sans doute au public états-unien la famille Vanderbilt, lui et son parc d'attraction extravagant sont sans doute des doubles de Disney, entreprise avec laquelle Burton réussit donc à régler quelques comptes, tout en étant financé par elle !

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mercredi, 27 mars 2019

Gentlemen cambrioleurs

   C'est l'histoire (vraie !) d'une bande de papys voleurs, qui a mis au point le "casse du siècle" au Royaume-Uni, il y a quelques années. Pour incarner ces délinquants à carte vermeil, on a choisi des acteurs (plus que) chevronnés, parfois chevrotants. Le meilleur d'entre eux est incontestablement Michael Caine, sobre, digne et d'un maintien parfait. Il incarne le cerveau de la bande.

   Le début du film est marqué par la nostalgie, celle des anciens films de braquage... et celle du passé des acteurs. La musique est chouette et, même si cela manque un peu de rythme, on est touché notamment par le couple formé par Reader/Caine et sa compagne malade.

   La formation de l'équipe de cambrioleurs est assez "exotique". Ces vieux mecs ne doivent pas sentir très bon, entre ceux qui pètent à loisir et ceux qui ont besoin de fréquemment uriner... C'est tourné comme cela se fait, cahin-caha. On sourit de temps en temps. Par contre, la séquence de l'effraction puis du cambriolage (en deux temps, un week-end de Pâques) est bien mise en scène.

   C'est ensuite que cela se gâte. Les messieurs ne s'entendent pas si bien que cela. Ils ont tous des caractères bien trempés et, parfois, de vieux comptes à régler. Ils sont de surcroît plutôt malhonnêtes, y compris (surtout ?) entre eux. La bande se délite. Cela devrait être hilarant, mais c'est poussif, pas tant mal joué que mal écrit.

   Un petit suspens naît de l'enquête menée en parallèle par Scotland Yard. Des policiers beaucoup plus jeunes que nos "héros" utilisent des méthodes ultra-modernes pour tenter d'arrêter des malfrats à l'ancienne. Cela redonne de l'intérêt au film, dans sa dernière partie. On se demande si l'un des membres de la bande ne va pas tirer les marrons du feu.

    A voir uniquement si l'on apprécie beaucoup ces vieux acteurs et si l'on ne connaît pas cette histoire rocambolesque. Dans un genre approchant, Braquage à l'ancienne et surtout Insaisissables 2 sont meilleurs.

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dimanche, 24 mars 2019

Rebelles

   C'est l'histoire de trois drôles de dames (sans Bosley ni Charlie), qui vivent dans la dèche, sous la domination masculine, à Boulogne-sur-Mer.

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   Sandra (Cécile de France, comme je ne l'ai jamais vue) est une ancienne miss Nord-Pas-de-Calais qui n'a pas réussi à capitaliser sur son succès d'origine. Elle revient de Nice avec un magnifique oeil au beurre noir. Marilyn (Audrey Lamy, en pleine forme) est une une pile électrique, mère célibataire alcoolique et droguée, qui a succombé naguère aux assauts libidineux de son chef d'atelier. Notons que sa coupe de cheveux était déjà ringarde chez les messieurs dans les années 1980. Nadine la matriarche (Yolande Moreau, qui suit très bien le rythme imposé par ses deux consoeurs) est l'une des anciennes de la conserverie. Elle se plie en quatre pour son mari chômeur et ses deux gamins bas de plafond.

   Je n'aime pas le titre. Une partie du sous-texte indique que, pour être rebelle, il faut voler, utiliser des armes et ingurgiter de grandes quantités d'alcool de mauvaise qualité. Fort heureusement, les actrices font (presque) oublier tout cela, tant elles sont talentueuses.

   La première moitié du film est une comédie sarcastique. Pour résumer, je pourrais dire qu'un bout de bite est le noeud de l'intrigue. C'est réjouissant... et terrible à la fois. Les rapports humains sont bruts de décoffrage, torgnoles à la clé.

   La seconde partie est un polar rythmé, drôle, saignant (pas pour les petits, donc), avec pas mal de rebondissements. Quelques messieurs se distinguent, au premier rang desquels je place Simon Abkarian, qu'on n'est pas étonné de retrouver en petit chef d'une bande de trafiquants... et papa concerné. Du côté masculin, il faut aussi signaler la prestation de Samuel Jouy, que les téléspectateurs ont pu découvrir en maire de commune rurale (et fils d'entrepreneur véreux) dans la série Zone blanche. Les amateurs de comédie policière reconnaîtront aussi Béatrice Agenin, la procureure de Cassandre, qui incarne ici la mère de Sandra, sorte de concierge dans un camp de mobile homes.

   C'est drôle, on ne s'ennuie pas et il y a un arrière-plan sociétal plutôt bien campé. C'est la comédie française à voir en ce moment.

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lundi, 18 mars 2019

Aïlo : une odyssée en Laponie

   Ce documentaire fictionné (ou cette fiction documentaire) s'attache aux débuts dans la vie d'un renne, nommé Aïlo, de sa naissance jusqu'à quasiment son entrée dans l'âge adulte. De sa naissance on ne voit toutefois que le résultat, pas la mise-bas. C'est d'ailleurs une constante dans le film : Guillaume Maidatchevski n'a pas voulu montrer à l'écran des scènes susceptibles de choquer le jeune public. On ne verra pas donc les loups mettre à mort un grand mâle ni le glouton égorger un renne domestiqué.

  Les débuts d'Aïlo sont pleins de poésie... et d'angoisse. Bon, d'accord, nous les adultes savons que, comme c'est le héros, il va échapper aux dangers qui le guettent, mais je trouve quand même bienvenue la mise en scène de tous les pièges auxquels le faon va devoir échapper. On pense bien sûr aux loups (qui n'ont rien à voir avec de sympathiques chiots pleins de poils gambadant innocemment dans les neiges nordiques). On suit aussi (brièvement) un superbe harfang des neiges. On aperçoit un aigle, ainsi que quelques prédateurs d'en-bas, le plus dangereux étant sans conteste le glouton.

   Plus intéressantes encore sont les rencontres effectuées par Aïlo. Il y a cette hermine surexcitée (un vrai personnage de dessin animé), ce lièvre amical (et habile à repousser les putois), cet écureuil affamé et curieux, ce renard des neiges solitaire, ces ours tranquilles dans leur coin et puis les rennes, quantité de rennes, adultes et jeunes, mâles et femelles, superbes.

   C'est le moment de souligner la qualité des gros plans (un plaisir à savourer dans une salle de cinéma) et celle de l'habillage sonore. On est vraiment plongé dans la nature. Le commentaire (dit par Aldebert) est instructif, puisqu'il identifie les espèces rencontrées. Le langage est parfois trivial, contemporain : on n'a pas voulu faire un film pontifiant. Je dois reconnaître que cela passe, même si j'ai trouvé que c'était parfois un peu trop verbeux. C'est le genre de film qui incite à la contemplation des merveilles de la nature. Et c'est très bien ainsi.

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mardi, 05 mars 2019

Le Château de Cagliostro

   Quelques semaines après la sortie d'un documentaire consacré à Hayao Miyazaki, voilà que son premier long-métrage est de nouveau sur les écrans. C'est l'un des rares que je n'avais encore pas vus.

   Au niveau de la forme, cela rappelle les dessins animés des années 1970-1980. C'est donc moins élaboré que les oeuvres ultérieures du maître... mais c'est toujours mieux que n'importe quelle adaptation de Dragon Ball (comme celle dont on nous a fait la promotion dans les bandes-annonces)... Le style rappelle ce que Miyazaki a fait dans la série Sherlock Holmes ou dans Edgar de la Cambriole, que ce film a permis de lancer.

   On retrouve néanmoins le souci du détail des oeuvres de Miyazaki, ainsi que le désir de "creuser" ses personnages, au long d'une histoire fouillée, pleine de rebondissements. C'est feuilletonnesque, à l'image de ce qu'on peut lire sous la plume d'un Jules Verne ou d'un Alexandre Dumas. (Ce dernier est l'auteur d'un Joseph Balsamo, dont le héros est un certain Cagliostro.)

   De quoi est-il question ? D'une jeune femme enlevée, de mystérieuses bagues, d'un trafic de fausse monnaie, d'une bande de mafieux ressemblant à des créatures extraterrestres... et d'un château fantastique, regorgeant de souterrains, passages secrets et ouvertures masquées.

   C'est plaisant à suivre et visible par tout le monde, puisque l'humour est bon enfant. On voit clairement la parenté avec d'autres mangas mettant en scène un héros cavaleur et dont l'une des acolytes est une jeune femme furieusement indépendante (et ravissante, cela va sans dire). Ici, elle se prénomme Magali. Rappelons-nous que nous sommes en 1979 et que c'est destiné à des enfants.

   Pendant 1h40, on peut se plonger dans ce roman d'aventures illustré, un brin surréaliste, dont on sait par avance qu'il ne va pas mal finir.

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lundi, 04 mars 2019

Les Moissonneurs

   Ces moissonneurs sont, au premier degré, des agriculteurs afrikaners de la province sud-africaine de Free State (l'ancien Etat libre d'Orange), dont la capitale est Bloemfontein. Je l'ai entourée en rouge sur la carte ci-dessous :

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   C'est le grenier à blé du pays. On y suit plus particulièrement les travaux et les jours au sein d'une grande exploitation familiale, où l'on cultive du maïs et élève des bovins (ainsi que de la volaille, semble-t-il).

   La famille qui gère le domaine se veut traditionnelle : blanche, pieuse et travailleuse. Ici, on lit encore quotidiennement la Bible (version protestante) et les enfants ne passent pas leurs journées devant des écrans. On côtoie les Noirs de la région quand il le faut (en particulier l'accompagnatrice du grand-père et les ouvriers agricoles), sinon, on a plutôt tendance à les éviter et même à s'en méfier : plusieurs fermes tenues par des Blancs ont été victimes d'attaques.

  Janno est le fils du couple. Adolescent, il travaille déjà sur l'exploitation de son père (dès avant le lever du soleil) et se distrait en jouant au rugby ou en allant se baigner sur la côte. (C'est la petite incohérence du scénario : l'Etat libre est enclavé, mais le film a été tourné en grande partie dans la province voisine, le Kwazulu-Natal, qui jouxte l'océan Indien.)

   Tout commence à se dérégler quand débarque un nouvel adolescent, un Afrikaner lui aussi bien sûr, mais orphelin des villes, qui a connu la drogue et la prostitution. Pour une raison qu'on ne découvre que vers la fin du film, la mère déploie tout son amour autour de Pieter qui, dans un premier temps, observe cette étrange famille qui lui semble coupée du monde réel. Quand il prend un peu d'assurance, il préfère s'esquiver le temps d'une soirée et aller s'encanailler dans un township, où il arrive même à entraîner Janno. On sent que la situation pourrait rapidement déraper...

   L'alternative proposée par le cinéaste est la suivante : soit l'arrivée de Pieter va dynamiter la paisible organisation familiale, parce que c'est un élément perturbateur, hypocrite et tentateur ; soit l'inclusion de ce nouvel élément dans la famille va en faire émerger les secrets et les non-dits... à moins que le gamin ne parvienne à s'intégrer dans ce petit monde afrikaner qui lui est tant étranger.

   Les acteurs sont excellents. Les paysages sont superbes, de jour comme de nuit, à l'aube comme au crépuscule. Mais je ne cache pas que le film est un peu austère. Beau et âpre à la fois.

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samedi, 02 mars 2019

Escape Game

   Ce "film de survivant(s)" adapte au goût du jour une trame déjà rencontrée au cinéma, en particulier dans Cube, auquel il est d'ailleurs fait allusion au début de ce film-ci. Le principe est le même : six personnes se retrouvent enfermées dans une pièce dont elles ne peuvent sortir qu'en suivant les règles imposées par un mystérieux maître du jeu.

   A ceux qui n'auraient pas visionné (récemment) Cube, je conseille d'attendre d'avoir vu Escape Game pour le regarder... sinon ils risquent de subodorer une grande partie des péripéties... et même la conclusion de l'histoire.

   Sur les six futurs enfermés, on n'en découvre que trois dans la deuxième séquence du film. La première est une projection dans le futur (ou, si vous préférez, la suite est un long retour en arrière), dans laquelle figure un des trois personnages sur lesquels le réalisateur insiste le plus. Est-ce un indice sur leur sort et celui des autres ? N'est-ce pas plutôt une supercherie, destinée à détourner l'attention des spectateurs de l'un des trois autres personnages, voué à jouer un rôle important, plus tard ? Je me garderai bien de lever le voile.

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   A gauche, voici Zoé, étudiante brillante mais introvertie.

   Au centre se trouve Ben, magasinier dans l'entrepôt d'un commerce. Il ne sait apparemment pas faire grand chose.

   A droite se trouve Jason, jeune cadre dynamique dans un fonds spéculatif.

   Complètent le tableau un "guique" fan des jeux d'énigme (dans la vie réelle), un ancien mineur et une militaire blessée en Irak.

   Le principal intérêt du film réside dans l'inventivité déployée dans chacune des salles de jeu, qui contient des pièges mortels. Le feu et la chaleur sont les principaux dangers dans la première salle, le froid et l'eau glacée dans la troisième, un gaz dans la cinquième. Mais c'est la quatrième épreuve qui m'a le plus emballé :

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   C'est une salle de bar où le haut et le bas sont inversés. Elle recèle bien évidemment des pièges, mais aussi les solutions pour y échapper.

   Tout cela pour dire que c'est prenant. Dans la salle où je l'ai vu, j'étais le plus vieux spectateur et même les petits blaireaux et les petites greluches qui venaient là pour kiffer la life entre potes ont été captivés par l'histoire (et sa mise en scène). C'est dire.

   Sur le fond, il n'y a rien de nouveau sous le soleil : pour s'en sortir, les six doivent collaborer et utiliser les compétences de chacun-e... mais certains sont tentés de la jouer solo. J'ajoute qu'un mystère plane sur la raison de leur présence ensemble. On les a attirés dans un piège, pour une raison précise, que l'on ne découvre que dans la cinquième salle. Et attention, une suite est prévue...

   C'est un agréable divertissement, qui permet d'entamer tranquillement la digestion d'un bon repas.

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mercredi, 27 février 2019

La Chute de l'empire américain

   Le cinéaste québécois Denys Arcand ambitionne de clore par ce film un chapitre ouvert jadis avec Le Déclin de l'empire américain. Force est de constater que, trente-trois ans plus tard, le monde n'a pas changé dans le sens qu'espérait le réalisateur.

   Ici, il nous livre un conte (im)moral.

   Il était une fois, Pierre-Paul, un jeune homme intelligent, honnête et philanthrope. Il était simple coursier dans une entreprise de livraison express. Il pensait avoir (peut-être) trouvé sa Dulcinée en la personne d'une employée de banque. Il avait peu d'amis, le principal étant un brave homme éclairé par les Saintes Ecritures.

   Dans Sa grande sagesse, le Tout-puissant décida de changer son destin. Il mit sur le chemin de Pierre-Paul deux jeunes pécheurs, armés jusqu'aux dents... et des sacs remplis d'un argent gagné dans la honte et l'exploitation humaine.

   Après avoir beaucoup hésité, Pierre-Paul décida de s'emparer du butin, afin d'en faire bon usage de connaître les tourments de la chair entre les lèvres les cuisses les bras d'une Marie-Madeleine diablement tentatrice. Il finit par recourir aussi aux services d'un pécheur repenti, qui mit sa malhonnêteté au service du Bien. Cette nouvelle Sainte Trinité quémanda l'appui d'un ancien client apôtre de Marie-Madeleine, habile à faire échapper le fruit du labeur aux doigts crochus de l'hydre fiscale.

   Ces héros des temps modernes durent se montrer particulièrement prudents. De hideux délinquants étaient prêts à tout pour récupérer l'argent fruit du péché. Les forces du pouvoir leur faisaient concurrence, qui tentaient de faire appliquer les textes votés par des humains.

   Moralité : soyez malhonnêtes, rusés, libidineux... et Dieu vous le rendra !

Sang froid

   Quand on sait qu'il s'agit d'une histoire de vengeance et qu'il y a Liam Neeson au générique, on se dit qu'on risque de se manger une sorte de Taken 4, ou une resucée de Non stop, Night Run ou The Passenger. Sauf que le plus irlandais des acteurs hollywoodiens n'incarne pas ici un flic à la retraite, un ancien truand ou un membre des forces spéciales. Il est Nels Coxman (traduit en Dardman dans la VF...), un conducteur de déneigeuse, qui vit simplement, au Colorado, dans un grand chalet, avec son épouse et son fils. C'est un bosseur et pas du genre causant, aimant rendre service à son prochain. Cela lui vaut d'ailleurs d'être élu citoyen de l'année de son patelin.

   Tout change lorsqu'il perd un proche. Il va chercher à se faire justice. C'est à partir de ce moment-là que les cadavres commencent à s'empiler, le réalisateur se plaisant à marquer chaque décès, à sa manière. C'est un polar caustique, quelque part entre Fargo et Pulp Fiction. Liam Neeson est en forme (meilleur que dans Taken 3, par exemple). Il va utiliser ses compétences pour arriver à ses fins, ce qui fait de lui un tueur surprenant, insoupçonnable... et habile, en dépit de quelques maladresses de débutant.

   Le compte des morts va s'emballer quand chacune des deux bandes de trafiquants locaux va croire que l'autre cherche à l'évincer. Il va même arriver au héros de se retrouver pris entre deux feux ! C'est donc violent, mais aussi sarcastique.

   C'est de surcroît bien filmé, avec de très beaux plans de montagnes enneigées. (Dire qu'à Rodez des gens ont hurlé quand on a eu deux-trois malheureux centimètres...) J'ai aussi aimé les vues des demeures, celle, modeste, du héros (de nuit, elle est très jolie) et celle, tape-à-l'oeil, du chef des trafiquants de Denver, une impitoyable pourriture très attachée à son gamin (celui-ci étonnamment mûr pour son âge). Au passage, le réalisateur pointe le paradoxe des Etats-Unis d'aujourd'hui : les travailleurs honnêtes comme Nels vivent modestement, tandis que les (anciens) hors-la-loi pètent dans la soie.

   Dans ce monde de mecs, quelques femmes émergent. L'épouse du héros est interprétée par Laura Dern. On sent que le  réalisateur a voulu profiter du drame pour mettre en scène la crise du couple. Plus marquante est la jeune policière avide de faire respecter la loi. De l'autre côté, on trouve l'ex-épouse du chef de bande, une superbe Indienne (Julia Jones... mmm) qui sait se faire respecter. Et je n'oublie pas la petite copine du frère du héros, une horrible garce au fort potentiel comique.

   Ce film d'action sait aussi ménager quelques moments d'émotion. J'ai trouvé bien menées les scènes (situées vers la fin) faisant intervenir le héros et le fils du chef de bande. Et il y a cette conclusion, avec deux patriarches dans un engin, tandis que survient le dernier décès, le plus improbable de tous.

   Au départ, j'étais parti pour me vider la tête avec un film bourrin. Finalement, c'est bien mieux que cela.

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mardi, 26 février 2019

Le Chant du loup

   L'intrigue de ce film ne tourne pas autour d'un canidé, ni du poisson aussi nommé le bar, bien qu'une grande partie de l'histoire se déroule en mer... plus précisément sous l'eau, puisqu'il est question de sous-marins et des sons que l'on perçoit à l'intérieur des submersibles.

   Ces sons sont étudiés par "l'oreille d'or", un membre de l'équipage doté d'une acuité auditive exceptionnelle. Elle lui permet de distinguer les bruits naturels des artificiels et de catégoriser chacun d'entre eux, au point de pouvoir reconnaître un type de sous-marin rien qu'à la faible signature sonore qu'il produit.

   C'est la fonction du héros Chanteraide, surnommé Chaussette depuis qu'il a passé une mission entière les pieds protégés uniquement par ce vêtement. Il est incarné par François Civil, excellent dans le rôle. Il a déjà une filmographie assez longue : on a notamment pu le voir dans Made in France et Ce qui nous lie.

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   Il est épaulé par une brochette d'acteurs efficaces, des habitués des seconds rôles... et quelques vedettes. C'est là que le bât blesse. Autant je trouve Mathieu Kassovitz crédible en amiral, autant j'ai des doutes sur la vraisemblance de l'interprétation de Reda Kateb. Certes, je n'ai jamais rencontré un commandant de sous-marin, mais je n'ai pas trop cru à son personnage. (Roschdy Zem aurait sans doute été meilleur dans le rôle.) Mais le pire est atteint avec Omar Sy, pas du tout à l'aise, tel un éléphant dans un jeu de quilles.

   En dépit de ces défauts, le film est prenant. La première demi-heure est une pure merveille. Elle se déroule au Moyen-Orient, sur terre (en Syrie) et sous l'eau. Les marins français doivent échapper aux Syriens, aux Iraniens... et peut-être aux Russes. Le jeu du chat et de la souris (sous l'eau) est mis en scène avec une grande habileté. (Le réalisateur Antonin Baudry est le co-scénariste de Quai d'Orsay, adapté de la bande dessinée qu'il avait co-écrite.)

   La principale qualité du film est l'ambiance qu'il réussit à créer, aussi bien sur terre que sous l'eau. Bien entendu, les scènes les plus impressionnantes se déroulent en mer. Un gros travail a été fait sur le son (grâce notamment à l'appui de Skywalker Sound, une filiale de Lucas Film citée dans le générique de fin). Je n'ai pas trouvé cette recherche et cette qualité auditive depuis le Dunkerque de Christopher Nolan.

   Du coup, même le retour à la base navale revêt un intérêt particulier. Toute la vie quotidienne du héros est marquée par cette approche particulière du son. Il part à la recherche d'une signature, celle d'un objet sous-marin non identifié. Il subit aussi un entraînement pour valider sa mutation sur un SNLE (un lanceur d'engins nucléaires).

   C'est à ce moment-là que l'intrigue prend une épaisseur supplémentaire. Un complot est à l'oeuvre. Les "oreilles d'or" ont-elles été manipulées ? Vont-elles permettre de déjouer les manigances d'un groupe extrêmement nuisible ? Suspens.

   Le problème est que, quand on découvre la supercherie, on n'y croit qu'à moitié. Là-dessus se greffent quelques péripéties téléphonées. Ainsi, on voit le héros soudainement fondre en larmes, au pire moment. L'un des personnages principaux, en tenue de plongeur, se retrouve face à un sous-marin pile au moment où celui-ci lance une torpille (sur la trajectoire de laquelle se trouve bien évidemment le plongeur). Enfin, à la suite d'une explosion, il ne reste que deux survivants... pas n'importe lesquels (comme par hasard).

   C'est dommage, parce qu'il y a un certain souffle dans la réalisation, appuyée par des scènes sous-marines numériques fort bien menées. Du coup, même si j'ai globalement apprécié le film, je suis sorti de là un peu déçu, d'autant que les deux dernières scènes ne sont pas les plus réussies.

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dimanche, 24 février 2019

Destroyer

   Dans ce billet, il ne va pas être question d'un navire de guerre, mais d'une policière vengeresse, ô combien (auto)destructrice. Elle est incarnée par Nicole Kidman, à propos de laquelle la promotion du film a martelé qu'on ne l'avait jamais vue ainsi.

   C'est juste. Maigre comme un clou, alcoolique et d'une hygiène corporelle douteuse, l'inspectrice Erin Bell fait peine à voir. Elle n'en a pas moins gardé son flair de flic. Elle s'en sert pour retrouver le meurtrier de son ancien coéquipier, qu'elle a perdu dans une opération d'infiltration, dix-sept ans auparavant.

   Le film alterne deux trames chronologiques : celle du présent (la quête de vengeance, entre deux saouleries et trois prises de becs avec sa fille) et celle du passé (l'infiltration au sein d'une bande qui prépare l'attaque d'une banque... et la naissance de l'amour entre Erin et son partenaire). Euh... en fait, on finit par comprendre qu'on nous a proposé des images venant de trois trames chronologiques différentes. La trame contemporaine est en réalité divisée en deux, mais ça, on ne le saisit que dans le dernier quart d'heure, qui donne un éclairage particulier au début. C'est au point qu'il serait intéressant de revoir le film avec cette idée en tête.

   Du côté de l'interprétation, il n'y a rien à dire. Comédiens et comédiennes assurent. La Nicole de notre époque fait bigrement peur, tant elle semble ravagée, physiquement et psychologiquement (par la culpabilité)... mais j'ai été presque aussi effrayé à la vision de Nicole incarnant la fliquette de 25 ans, avec sa peau "poupée de cire".

   C'est un polar. Glauque. Ça cogne, ça jure, ça picole, ça fume, ça vomit, ça flingue... à Los Angeles. Les extérieurs sont très bien filmés, avec un gros travail sur la luminosité. Mais l'ensemble est un peu poussif. Je n'ai pas aimé les scènes mère-fille et je trouve qu'on aurait pu raccourcir un peu. C'est néanmoins un exercice de style très regardable. Malgré la chirurgie esthétique, Nicole reste une très bonne actrice.

19:29 Publié dans Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : cinéma, cinema, film, films