Le Dernier Jour d'Yitzhak Rabin

   Vingt ans après l'assassinat du Premier ministre israélien par un intégriste juif, le cinéaste Amos Gitaï revient sur le déroulement de ce 4 novembre 1995, mais aussi sur les événements qui l'ont précédé et sur l'enquête menée par la commission chargée d'examiner les dysfonctionnements au niveau de la sécurité. Le documentaire est au final un assemblage d'images d'archives, de scènes reconstituées et d'entrevues. On commence d'ailleurs par un entretien entre l'actrice Yaël Abecassis (vue récemment dans Rendez-vous à Atlit) et l'ancien président d'Israël (entre autres fonctions) Shimon Peres. Le vieillard est calme, très digne, face à une interlocutrice au charme de laquelle il est difficile de ne pas être sensible.

   Les amateurs d'images-chocs apprécieront la suite, qui montre l'impressionnante manifestation pour la paix, organisée à l'initiative d'Yitzhak Rabin... jusqu'à son assassinat, partiellement filmé en direct, par accident, par un caméraman qui n'aurait pas dû se trouver là. A partir de ce moment, les scènes reconstituées prennent le dessus... et le film prend une autre dimension.

   Il aurait d'ailleurs pu se limiter à ces scènes, tant elles sont bien interprétées et porteuses d'une grande intensité dramatique. La majorité montrent le travail de la commission d'enquête et l'audition de différents acteurs des événements : policier, membre du service de protection des personnalités, journaliste, militant pour la paix, enseignante d'une école religieuse, haut-magistrat...

   Quand on lit entre les lignes, on comprend que le réalisateur penche pour l'existence d'un complot pour assassiner le Premier ministre qui avait pactisé avec le "diable" (Arafat). Ainsi, le caméraman évoque ce membre des services secrets en civil, qui lui intime de dégager de la proximité de l'escalier... quelques minutes avant que Rabin ne s'y fasse tuer. Les policiers peinent à expliquer comment il est possible que le meurtrier ait pu se faufiler entre les mailles du filet de protection. En contrepoint, l'acteur qui incarne l'assassin (excellent) nous fait bien saisir ses motivations national-religieuses tout comme le caractère opportuniste de son passage à l'acte. C'est davantage le contexte de haine et les circonstances (le désordre généré par une manifestation monstre) qui expliquent que l'assassinat ait pu être possible. Même le petit retard du véhicule qui a emmené le corps du blessé à l'hôpital proche peut se comprendre... d'autant plus, qu'à l'époque, les téléphones portables n'occupaient qu'une place marginale.

   C'est sur ce qui s'est passé avant et après que la démonstration est la plus convaincante. Il semble qu'on ait cherché à corseter le travail de la commission d'enquête. Celle-ci finit par découvrir que l'instruction du procès de l'assassin a volontairement écarté certaines hypothèses. Formidable est la confrontation entre les membres de la commission et le haut-magistrat... dont on finit par comprendre qu'il est proche des religieux. Ces scènes d'interrogatoire ne sont pas sans rappeler de très bons films de procès.

   L'autre grand intérêt du film est la mise au jour (pour ceux qui l'ignoreraient) de l'influence de la droite religieuse israélienne. Cela va des colons de Cisjordanie aux rabbins fondamentalistes qui auraient lancé une sorte d'appel au meurtre. Remplacez la kippa par une calotte, la Torah par le Coran, et vous n'aurez guère de lignes de texte à changer pour vous retrouver chez les extrémistes musulmans. Cette dénonciation implacable, servie, je le rappelle, par d'excellents interprètes, est complétée par des images d'archives, dans lesquelles on reconnaît un visage familier, celui de Benyamin Nétanyahou, alors chef de l'opposition, aujourd'hui Premier ministre (depuis bientôt sept ans).

   Notons qu'un grand soin a été apporté à la réalisation des scènes reconstituées et que la musique est judicieusement choisie. Le seul bémol est la longueur de l'ensemble : 2h30, que l'on sent bien passer. On aurait sans doute pu se passer de certaines séquences. Mais cela reste un très bon film.

Les Saisons

   Six ans après Océans, Jacques Perrin revient avec un documentaire animalo-historico-écologique. C'est à la fois un hommage vibrant à la faune peuplant les forêts, un essai d'histoire de la vie sauvage (depuis la dernière glaciation) et un plaidoyer contre la destruction des milieux naturels (par l'être humain). On n'est finalement pas très loin d'Amazonia.

   La première demi-heure est de toute beauté. Cela commence par la vision d'un troupeau de bisons (ou de boeufs musqués) sous la neige, certains s'ébrouant tels de très gros chiens empâtés... étonnant ! Impressionnante aussi est la scène qui montre des chevaux sauvages se poursuivre et se quereller, au besoin à grands coups de sabots ! Confortablement assis dans la salle 1 du cinéma de Rodez, j'ai savouré !

   Comme la première partie est censée se dérouler à la toute fin de l'âge glaciaire, l'accent est mis sur les animaux qui peuplent aujourd'hui les contrées polaires (ou proches). On ne s'étonnera donc pas de rencontrer le harfang des neiges (magnifique), des ours (bruns) et des loups.

   Les plans mettant en scène les oiseaux sont souvent drôles, soit qu'on les montre tournant, penchant la tête (sans doute pour mieux regarder les preneurs d'images !), soit qu'on les filme dans leur nid, glissant la tête par l'ouverture creusée dans le tronc d'un arbre pour observer les environs. Les ours sont eux aussi liés aux arbres : ils adorent y grimper ! C'est un jeu courant chez les petits... et c'est visiblement un moyen de trouver un coin tranquille pour dormir chez les adultes. Les loups bénéficient d'un peu plus d'attention que les autres. On suit les évolutions des nouveaux-nés, vraiment mignons. On est moins attendri quand on voit chasser les adultes, en groupe, ou quand on voit les membres d'une meute s'entredéchirer pour un morceau de chair.

   Du côté de leurs proies, ce sont les cervidés qui ont le beau rôle. Classiques mais toujours impressionnantes sont les scènes qui montrent les mâles en plein brame ou s'affrontant en entrechoquant leurs ramures. Les biches sont toutefois plus souvent à l'écran : elles sont convoitées par de nombreux prédateurs. Mais le moment le plus émouvant est sans conteste celui de la naissance du faon, qui prend les spectateurs au dépourvu... Silence complet dans la salle.

   L'amateur de félidés que je suis a dû se contenter du lynx, qui tente successivement de boulotter un renard et une biche. Ce n'est pas le chasseur le plus habile ni le plus rapide... mais il est discret et diablement agile.

   La deuxième partie du film ne fait que développer ce qui a été vu dans la première. On suit les animaux dans un environnement désormais tempéré. Ce n'est qu'au détour d'un sous-bois que l'on aperçoit le premier des humains. L'un d'entre eux va tenter d'apprivoiser un loup.

   Mais la présence humaine, qui ne cesse de croître, a surtout pour conséquence la dégradation de l'environnement des bêtes sauvages. Le propos se fait alors franchement militant. Aux agriculteurs du Néolithique succèdent les Romains, puis les chevaliers du Moyen Age, les chasseurs de l'époque moderne et ainsi de suite. Même si je partage l'inquiétude des auteurs, ce n'est pas la partie que j'ai préférée. D'un strict point de vue cinématographique, il aurait été à mon avis plus emballant de rester sur le ton de l'hommage grandiose à la nature, qui donne tant de force à la première demi-heure.

   P.S.

   Sur le site internet dédié, on peut consulter des extraits des livres qui accompagnent la sortie du film.

Belle et Sébastien : l'aventure continue

   J'ai fini par me décider à aller voir ce film, alors que j'avais apprécié sans plus le premier volet des aventures du gamin et du chien Montagne des Pyrénées. Le cinéphile que je suis en est ressorti partagé. C'est pourquoi je vais proposer deux critiques : l'une favorable, l'autre défavorable (celle-ci dévoilant certains aspects importants de l'intrigue). Faites votre choix !

LA CRITIQUE FAVORABLE

   On retrouve avec plaisir la plupart des héros du premier volet... d'autant plus que Tchéky Karyo, peut-être mieux dirigé par un réalisateur dont il est familier (Christian Duguay), semble plus à son aise. De surcroît, la distribution s'est enrichie de Thierry Neuvic, l'un des très bons seconds rôles du cinéma français, que l'on a pu voir jadis dans Au-delà, plus récemment dans L'Affaire SK1 et Antigang. Ce personnage d'aviateur grande gueule et (en apparence) égoïste donne du tonus à l'intrigue. J'ai aussi apprécié les rares apparitions du mécano (Jeffrey Noel, très bien), qui introduisent des moments de comédie.

   L'histoire ne bénéficie plus, comme dans le précédent film, de la tension créée par l'occupation allemande. L'action se déroule juste après la guerre. Du coup, les scénaristes ont imaginé un accident dont on ne connaît pas totalement les conséquences. Cela va amener les héros à entrer en contact avec des bûcherons italiens, l'enfant de l'un d'entre eux devenant proche de Sébastien.

   Signalons que les paysages sont toujours aussi beaux. De plus, un avion intervenant à plusieurs moments dans l'intrigue, on a droit à quelques vues aériennes de toute beauté. Mais le principal atout de l'histoire est sans conteste les animaux. Il y a bien sûr Belle, incarnée par trois (ou quatre) chiens différents à l'écran. On est stupéfait par ce que les dresseurs ont réussi à leur faire faire... et quelle magnifique trogne en gros plan !

   Ce deuxième volet propose régulièrement des plans mettant en scène d'autres animaux. On a beaucoup parlé de l'ours, impressionnant, mais, incontestablement, c'est la scène de migration des animaux de la forêt (fuyant le feu) qui est la plus réussie. Les spectateurs attentifs remarqueront aussi, ici ou là, la présence d'un insecte sur une pierre, d'un lièvre au coin du bois, d'un renard, d'un loup et même d'un rapace. Ce film est une ode à la nature, une sorte de paradis perdu, dans lequel il était possible de tremper sa gourde dans l'eau d'un ruisseau pour s'alimenter.

   C'est aussi une belle aventure humaine, celle d'un père et d'un fils qui vont se découvrir et, finalement, s'apprécier. Dans le même temps, les spectateurs en apprennent davantage sur le passé de Sébastien et de ses parents biologiques. Cela donne un beau divertissement familial, qui peut toutefois, par instants, effrayer les petits.

 

LA CRITIQUE DÉFAVORABLE

  

   Dans ce second volet, on réalise vite que le jeune Félix Bossuet n'a pas fait de progrès dans le métier d'acteur (ou qu'il est toujours aussi mal dirigé) : il dit son texte de manière toujours aussi maladroite. Les adultes s'en sortent en général un peu mieux.

   La grande découverte du début de l'histoire est celle de l'existence de son père, qui, curieusement, vit à seulement quelques kilomètres de là. Notons qu'en dix ans, personne ne semble avoir évoqué la possibilité que le gamin puisse être de lui. Là, on se dit que le papa aviateur ne doit pas être très futé. On en a la confirmation quand on le voit décoller sans s'être aperçu que Belle et Sébastien sont montés à bord, occasionnant tout de même une jolie surcharge !

   A proximité du lieu où l'avion se pose (en catastrophe), le gamin fausse compagnie à son paternel. Non seulement il se débrouille comme un chef, dans la forêt, avec son chien, mais, un peu plus tard, il  va tout aussi facilement s'éclipser du campement où se sont installés les pompiers et les bûcherons... sans réveiller aucun adulte, malgré le raffut qu'il fait ! Cependant, le fiston ne se révèle pas plus malin que son géniteur, puisqu'il est bien le seul à ne pas avoir remarqué dès le début que Gabriele, sous sa casquette, ne pouvait être qu'une fille. De surcroît, il entraîne sa nouvelle amie au cœur de l'incendie, dont super-papa (qui a enfin enfilé son costume de super-héros) va les tirer à coup de dynamite.

   Mais le pire est à venir. La petite troupe va parvenir à retrouver Angelina, la mère de substitution de Sébastien, qui se trouvait dans l'avion écrasé en forêt. Comme par hasard, c'est la seule survivante, alors que tous les autres passagers ont fini carbonisés. S'en est-elle sortie grâce à un parachute ? On n'en sait rien. En tout cas, on n'en voit pas la trace, dans l'anfractuosité rocheuse où elle a atterri. Comble de l'invraisemblance, elle est bloquée au fond d'une crevasse, alors que la bombe de fumée orange qui signale sa présence a été actionnée en haut. Comment est-ce possible ? On ne nous l'explique pas.

   Il convient donc d'être très indulgent pour profiter à son aise de cette histoire cousue de fil blanc.

The Big Short

   Ce "casse du siècle" est le résultat d'un pari audacieux, celui que les titres boursiers constitués de prêts immobiliers étaient considérablement surévalués et qu'ils allaient s'effondrer, entraînant avec eux les banques et les épargnants.

   L'intrigue suit plusieurs mecs futés, qui ont compris avant les autres que le système était fragile... et même frauduleux. Quelques vedettes sont venues à la rescousse d'une histoire a priori un peu rébarbative, notamment Christian Bale, Ryan Gosling et Brad Pitt (qui coproduit). On les a un peu enlaidis, pour les faire davantage ressembler aux types qui se sont réellement fait du blé avec la crise des subprimes : Ryan Gosling est coiffé comme un maquereau, Brad Pitt pourrait sortir du bois avec une hache sur l'épaule et Christian Bale a du mal à supporter la prothèse dentaire qu'on lui a fourrée dans la bouche... (Mais, je rassure les dames, une scène de piscine confirme qu'il a gardé son corps d'athlète...)

   C'est symbolique de l'ambiguïté du film. Il dénonce le culte des apparences, l'argent facile, la malhonnêteté... et (de manière très américaine) il met en valeur la réussite d'un groupe de francs-tireurs, qui se sont montrés plus malins que le système... et qui sont, à bien des égards, tout aussi malhonnêtes et cupides. Seuls les personnages incarnés par Brad Pitt et Steve Carell se montrent, par instants, capables de regarder au-delà de leur nombril.

   Sur le fond, l'intrigue se veut pédagogique. L'enjeu était d'à la fois divertir et rendre compréhensible certains des mécanismes de la crise. Le résultat est moins aride qu'Inside Job, mais moins emballant que Margin Call ou encore Cleveland contre Wall Street. J'ai de plus moyennement apprécié le fait que certains personnages s'adressent de temps à autre à la caméra.

   Le films a même quelques aspects putassiers, à l'image du Loup de Wall Street. Il met en scène la fascination exercée par l'argent facile et le recours à des prostituées... mais sans aucun recul critique. C'est aussi visible dans deux scènes qui voient de charmantes jeunes femmes nous expliquer un élément complexe de la crise. A première vue, l'introduction de ces paraboles (du genre "La crise pour les nuls") n'est pas inintéressante. Cela a aussi le mérite d'introduire des personnages féminins présentés comme intelligents et cela va à l'encontre du cliché de la ravissante idiote... sauf que la mise en scène contredit en partie le discours : ces femmes (deux bimbos qui jouent leur propre rôle) sont d'abord montrées comme attirantes. Je pense que, dans l'esprit du réalisateur, c'est censé être drôle... mais c'est vraiment de l'humour de beauf.

   Comme c'est globalement bien joué (mais pas très bien doublé en français) et que le montage est efficace, on ne passe pas un mauvais moment. Mais le résultat est trop clinquant à mon goût. Il reste le plaisir de voir les banquiers se faire dénigrer par un film grand public, ce qui n'est pas mince.

Cafard

   Cette animation belge n'est pas destinée aux enfants. Inspirée d'une histoire vraie, elle raconte le périple d'un champion (du monde) de lutte, pendant la Première guerre mondiale. Techniquement, les images sont construites à partir de captures de mouvements. Cela donne une esthétique étrange, proche de celle de certains jeux vidéo. Aux téléspectateurs de France Télévisions, cela rappellera un récent documentaire-fiction, Le Dernier Gaulois.

   La réalisation n'en est pas moins soignée. De plus, les expressions des acteurs ont été très bien saisies. Cela donne parfois des plans superbes, comme l'un des premiers du film qui, hélas, aboutit à une scène atroce.

   L'histoire est donc très dure, avec, dès le début, ce qui arrive à la fille du héros (qui a déjà perdu son épouse à la naissance de l'enfant). Le public français découvrira aussi l'occupation allemande de la Belgique, pendant la Première guerre mondiale. Petit à petit, une troupe hétéroclite va se former autour de Jean Mordant (doublé par Benoît Magimel).

   Des soldats d'outre-Quiévrain vont se retrouver sur le front de l'Est, où les horreurs s'accumulent. Ils font parfois de drôles de rencontres, au premier rang desquelles une aristocrate russe (doublée par... Julie Gayet), qui va jouer un rôle grandissant dans l'intrigue.

   Cela donne une formidable aventure, de l'Argentine à la Belgique, de la Russie d'Europe à l'extrême-Orient... et aux Etats-Unis. Les interprètes sont bons, les rebondissements nombreux, mais le fond est quand même souvent macabre.

Les 8 Salopards

   Quentin Tarantino nous cueille dès le début avec un magnifique plan-séquence dans la montagne, centré sur un Christ enneigé autour duquel il fait progressivement évoluer sa caméra. C'est un peu la marque de fabrique de ce western à la fois contemplatif et ultra-violent : un virtuose de la réalisation se livre à un exercice de style, en s'appuyant sur une histoire somme toute ordinaire.

   Ce sont les interprètes qui ne le sont pas. Kurt Russell est truculent dans un rôle qui semble avoir été écrit pour le Christopher Waltz de Django unchained. On retrouve avec plaisir un Samuel L. Jackson autrement plus convaincant que dans Kingsman. On sent que les autres, premiers comme seconds rôles, ont eu plaisir à se couler dans les personnages hauts en couleur que Tarantino a construits. Mais, dans ce film de mecs, c'est une femme qui sort du lot : Jennifer Jason Leigh, que je n'avais pas vue en salle depuis In the Cut. Elle est formidable en Daisy Domergue (à entendre en version originale, rien que pour la manière dont son nom est prononcé), qui apparaît d'abord comme étant le souffre-douleur du chasseur de primes, avant de révéler tout le machiavélisme de son personnage.

   Les dialogues sont au poil. C'est fou le talent qu'a Tarantino pour étirer une scène en apparence banale, pour en faire un petit morceau de bravoure. Je pense notamment aux moments où il est question, pour la diligence, de prendre des passagers supplémentaires. Je pense aussi à la mise en place d'un chemin de corde reliant l'auberge, la grange et le cabinet de toilettes, en plein blizzard. Je pense aussi évidemment à la scène (qui a outré certains spectateurs) dans laquelle l'un des "salopards" raconte ce qu'il a jadis fait subir au fils de l'un des sept autres.

   Paradoxalement si, peu après le début, des cadavres sont à l'écran, il faut attendre plus d'une heure pour que la première scène ultra-violente survienne. Mais cette première heure, entre voyage en diligence et installation à l'auberge, est une merveille d'ambiguïté. On comprend assez vite que presque tous les personnages ont quelque chose à cacher. Reste à savoir qui est avec qui... ou qui pourrait s'allier à qui.

   Les références aux westerns anciens (ce n'est pas un hasard si la musique a échu à Ennio Morricone) croisent donc une intrigue quasi policière, qui pourrait aussi rappeler certains films japonais. Une rupture intervient quand, aux deux tiers du film, on nous sert un retour en arrière. C'est un peu gros, mais je crois que Tarantino s'en fout... et qu'il se moque aussi de certains de ses confrères ou des manies de son époque. On s'est entiché du numérique ? Voilà qu'il tourne dans un format abandonné il y a des dizaines d'années. La mode est aux séries policières, un brin scientifique ? Il nous dit de suivre le bonbon qui n'est pas à sa place. L'ambiance est à l'oecuménisme, à la compréhension de l'autre ? L'intrigue met en scène une brochette de crapules, capables du pire... mais aussi presque toutes mues parfois par des sentiments plus nobles.

   Tarantino livre une oeuvre magnifique sur le plan formel, mais très sombre quant à sa vision du genre humain. Celui-ci est décrit comme fondamentalement cupide, égoïste et souvent raciste. Quelques lueurs d'entraide surgissent, mais je vous laisse découvrir si c'est suffisant pour sauver certains personnages de l'histoire.

Le Bouton de nacre

   Ce bouton est le prix payé pour acquérir un homme et c'est aussi la seule trace retrouvée d'une personne disparue. Entre ces deux histoires tragiques, le cinéaste chilien Patricio Guzmán navigue. Auteur il y a quelques années d'un Nostalgie de la lumière très remarqué, il revient avec un documentaire du même style qui, au lieu de se plonger dans le cosmos, baigne dans le milieu aquatique.

   On commence avec un très gros plan mystérieux, celui d'un glaçon dans lequel est emprisonnée une bulle d'air très ancienne. Il va donc d'abord être question d'une histoire qui s'étend sur le temps long. Cela nous vaut des plans magnifiques, aussi bien des glaciers que de l'eau qui coule. On savait déjà que le réalisateur était un grand formaliste, mais là, il ajoute la pureté des sons. Ce documentaire est donc d'abord un plaisir des sens, chose suffisamment rare pour qu'on la signale. A l'eau abondante dans le sud du Chili s'oppose l'aridité du désert d'Atacama (qui était au cœur du précédent film de Guzmán), elle aussi superbement rendue à l'écran.

   De la nature on passe aux peuples premiers, ceux qui vivaient dans le sud du Chili (la Patagonie occidentale) à l'arrivée des Européens. Dans cette région découpée en îles, au climat capricieux, il est indispensable de savoir construire, réparer et manœuvrer un canoë. Le réalisateur a recueilli les témoignages des derniers locuteurs des langues des cinq peuples autochtones. J'ai été marqué par la grand-mère qui semble avoir parcouru des distances phénoménales ! Impressionnantes aussi sont les images d'archives montrant les peintures corporelles de certains indigènes.

   Le réalisateur traite plus en détail le cas de "Jemmy Button", cet Amérindien acheté par un officier britannique, dans la première moitié du XIXe siècle. Emmené au Royaume-Uni avec trois autres autochtones, il a été initié à la civilisation occidentale. Ramené au Chili des années plus tard, il a préféré rester sur place, mais n'a pas réussi à complètement se réintégrer. En partie acculturé, il était désormais dans un entre-deux.

   Cela nous mène à l'histoire de l'île Dawson, située en pleine Terre de Feu :

   Une mission religieuse y fonda une école pour "civiliser" les jeunes Amérindiens. Les missionnaires récupérèrent des vêtements européens pour les distribuer aux Patagons. Mais la rencontre avec les personnes et les objets venus d'Europe, porteurs de germes, décima les Indiens.

   Par une curieuse ironie de l'histoire, au XXe siècle, l'île servit de centre de détention pour les opposants à la dictature de Pinochet. On y interrogea, tortura et tua... Le documentaire s'intéresse tout particulièrement à la manière dont on a fait disparaître les cadavres. Une très faible proportion des corps des quelque 1 400 victimes a été retrouvée. Guzmán s'appuie sur le témoignage d'un mécanicien d'hélicoptère et sur une scène reconstituée, à l'aide d'un spécialiste : on attachait les corps sur des portions de rail, puis on les recouvrait de plastique et de deux sacs de toile, avant que le "paquet" ne soit chargé dans un avion ou un hélicoptère, puis jeté dans l'océan Pacifique. On a fini par localiser les endroits où de nombreux corps ont été lâchés. On a retrouvé certains rails... et un bouton, seul reste d'une victime de la dictature.

   J'ai été emballé par ce film, qui allie la rigueur du propos à la recherche esthétique. Notons que, dans la version originale sous-titrée, le commentaire est dit par le réalisateur, d'un ton calme et profond.

   P.S.

   On peut glaner plus d'informations sur le site du distributeur Pyramide.

Star Wars VII - Le Réveil de la Force

   J'ai fini par me décider à y aller, pensant qu'au bout de deux semaines, il y aurait un peu moins de monde... Erreur ! La séance (en 2D) à laquelle je me suis rendu a fait le plein, dans la salle 1 du cinéma de Rodez. Le public était intergénérationnel, puisque cela allait des moins de six ans (une choupinette que sa maman a fait l'erreur d'emmener voir un film trop complexe pour elle) aux retraités, assez nombreux dans la salle. Mais l'essentiel du public était constitué d'actifs un peu moins âgés et de lycéens-étudiants.

   Dès le début, on est emporté par LE fameux générique, qui nous remet immédiatement dans l'ambiance. C'est d'ailleurs la principale conclusion que l'on peut tirer de la vision du Réveil de la Force : JJ Abrams a abondamment puisé dans les épisodes IV-V-VI (les premiers sortis au cinéma). Ainsi, l'on découvre très vite le "nouveau" Dark Vador, qui a coutume de porter un casque qui ressemble beaucoup à celui de son illustre prédécesseur... alors que lui n'en a aucunement besoin.

   Alors, coquetterie ? Facilité scénaristique ? Oui... et non. La suite de l'histoire va nous permettre de comprendre quel est le lien entre l'ancien "super-méchant" et le petit nouveau, que j'ai bien envie de surnommer "Vadorounnet".

   Dès le début, on découvre un autre substitut, Poe Dameron (interprété par Oscar Isaac), pilote génial, très courageux, membre de la Résistance et accompagné d'un droïde (BB 8, R2-D2 en plus petit et moins ronchon)... C'est un mélange évident de Luke Skywalker et Han Solo. Comme beaucoup, j'ai adoré le nouveau droïde, qui se comporte un peu comme un animal domestique. C'est sans doute la meilleure trouvaille du film, qui introduit un humour salutaire (tout comme Chewbacca, que l'on retrouve avec plaisir).

   On pourrait continuer comme cela longtemps. Ainsi, le Skywalker qui finit par apparaître à l'écran est un clone de l'Obi-Wan Kenobi interprété par Erwan McGregor. (De surcroît, il s'est sans doute révélé aussi mauvais formateur que son maître.) Un autre personnage, qui n'est pas sans rappeler Alec Guinness (le Kenobi d'origine), subit un sort comparable. Quant à ceux qui ont encore en mémoire Le Retour du Jedi, ils en retrouveront des personnages secondaires, "réincarnés" et "modernisés".

   Comme dans le Star Wars originel, les héros vont devoir détruire une arme extrêmement redoutable. Comme dans L'Empire contre-attaque, on nous ménage une mini-surprise scénaristique (que tout spectateur doté d'une dizaine de neurones sent venir à des kilomètres). Comme dans Le Retour du Jedi, le super-méchant doute et l'on découvre l'influence d'un être maléfique. Notons qu'une scène située dans le dernier tiers du Réveil de la Force est un clin d'oeil à la fin de La Revanche des Siths.

   On est donc en terrain connu, et ce n'est pas gênant. L'action démarre très vite, avec le massacre des habitants d'un village. Plus loin, les combats qui se déroulent dans l'espace sont très bien filmés. Il en est de même des affrontements au sabre-laser, même si, les personnages n'ayant pas encore acquis une très grande maîtrise technique, on n'atteint pas les combats virtuoses auxquels on a pu assister dans de précédents épisodes. Même les scènes "psychologiques" ne font (en général) pas retomber la tension. Il est question de liens familiaux (que je vous laisse découvrir en détail). A ce propos, je pense que tout ne nous est pas dit. On se pose beaucoup de questions sur l'un des personnages, qui découvre qu'elle a la Force en elle : Rey. Incarnée par une jeune inconnue, Daisy Ridley, c'est la deuxième excellente trouvaille de ce volet de la saga (la troisième étant l'introduction d'un soldat du Mal qui change de camp). 

   La concernant, tout nous porte à croire qu'elle a un lien "génétique" avec certains héros de la trilogie précédente. Comme Luke Skywalker, elle a passé son enfance sur une planète désertique. Comme lui, elle refuse dans un premier temps d'assumer son pouvoir. Notons qu'elle est aussi "reconnue" par le sabre de celui-ci. Ajoutons que Kylo Ren (Vadorounnet) se sent attiré par elle. La relation ambivalente qui naît entre les deux (futures) grandes figures de cette nouvelle trilogie est bien mise en scène.

   Bref, on passe un bon moment, sans réelle surprise... et l'on attend la suite !

   P.S.

   Le Vatican semble n'avoir pas du tout apprécié Le Réveil de la Force. Dans un article du Figaro, on découvre les arguments cinématographiques avancés. Mais il y a fort à parier que ce soit un élément visuel capital (présent sur la photographie qui illustre l'article) qui ait déplu au Saint-Siège : la forme du sabre-laser (modifiée par rapport aux précédentes trilogies), qui adopte une croix latine. Cela fait de Kylo Ren une sorte de chevalier croisé, alors que tout le reste dans l'intrigue incite un spectateur occidental à le rapprocher d'un adepte de Daech.

Au-delà des montagnes

   Deux ans après le brillant et militant A Touch of sin, Jia Zhang Ke revient avec un mélodrame qui s'étend sur trois époques : 1999, 2014 et 2025, cette dernière partie se déroulant en Australie. On suit principalement trois personnages, même si, dans le troisième volet, deux autres vont à leur tour occuper le premier plan.

   L'histoire démarre en 1999, avec un trio amoureux que l'argent va faire déraper. A l'époque, la Chine commence à peine à goûter à la société de consommation. L'espoir d'une vie meilleure anime certains habitants de Fenyang, une "petite" ville (400 000 habitants tout de même) de la province de Shanxi (où est né le réalisateur), en rouge sur la carte :

   C'est l'occasion de mettre en scène l'opposition entre le nouveau riche, qui croit que tout lui est dû, et l'ouvrier modeste et vertueux. Aux cinéphiles français, cela rappellera des choses. Je ne serais pas étonné d'apprendre que Jia Zhang Ke est un connaisseur du réalisme poétique hexagonal. L'autre versant de l'histoire est l'occidentalisation des moeurs, vue à travers l'alternance entre deux chansons populaires,  une britannique et une cantonaise. On voit aussi la fascination qu'exercent certains produits de consommation, au premier rang desquels une voiture de marque allemande... avec une scène cocasse sur ce qu'est la "Deutsche Qualität" !

   Entre les deux hommes, le coeur de l'héroïne balance. Et puis elle est jeune, pas très sûre de ce qu'elle doit faire... excepté qu'elle refuse d'être sous la coupe d'un mec et qu'elle veut vivre sa vie. Dans le rôle, Zhao Tao est lumineuse. Notons que ce premier volet est tourné en caméra numérique, en format carré. Par la suite, l'image s'élargit... comme l'horizon des héros.

   On retrouve Tao quinze ans plus tard, devenue riche à son tour. Cette deuxième partie est centrée sur la femme du trio et l'ouvrier, tombé malade. A l'image de certaines catégories populaires traditionnelles, il n'a pas bénéficié du "miracle chinois". On en voit quand même des aspects spectaculaires, comme le train à grande vitesse, une fierté nationale... mais qui n'a pas, pour l'héroïne, le charme des bons vieux omnibus. Là encore, le spectateur occidental aura l'impression que le réalisateur adapte à la sauce chinoise une thématique déjà traitée en Europe (et aux Etats-Unis). Dans cette histoire contemporaine, c'est l'amour entre une mère et son fils qui est perturbé par l'argent. L'occidentalisation est perçue à travers le désir de certains Chinois d'émigrer et la volonté des "élites" d'éduquer leurs enfants en anglais.

   La troisième partie, futuriste, est finalement la plus audacieuse. Elle a pour cadre principal une cité protégée de la côte australienne, où se sont réfugiés de riches Chinois qui ont quelque chose à se reprocher. Ceux-ci peinent à comprendre leurs propres enfants, complètement acculturés... à tel point qu'ils doivent suivre une formation pour se familiariser avec leur pays d'origine. On suit plus particulièrement "Dollar", qui a presque tout oublié de sa mère.

   Le scénario est encore plus "gonflé" que cela, puisqu'il montre une relation naissante entre le jeune homme (à peine majeur) et une femme plus "mûre" (interprétée par une actrice taïwanaise, à l'accent anglais parfait). Celle-ci, à l'image de sa mère,  a réussi dans la vie, mais la richesse ne l'a pas rendue plus heureuse pour autant.

   L'ensemble forme un film hétéroclite, où l'on retrouve la thématique sociale chère à Jia Zhang Ke, mais noyée dans un mélodrame bourgeois, plutôt bien joué, mais pas aussi emballant que la critique dithyrambique le laissait supposer.

La Chambre interdite

   Cette chambre est, au sens propre, une pièce (secrète) d'un sous-marin, où s'est réfugié le commandant, et où l'équipage n'ose se rendre, alors que sa survie en dépend. Les hommes vont finir par partir à la recherche de la chambre... mais là n'est pas la question. 

   La suite du film est constituée d'un enchaînement de séquences qui n'ont pas de réel lien les unes avec les autres, le réalisateur les raccordant de manière factice, à la manière d'un marabout-de-ficelle. La construction prend la forme d'un chiasme : on part du sous-marin, pour atterrir dans une étrange grotte, puis dans une maison où vit une femme aveugle (devenue veuve) et enfin dans un train, pour repartir ensuite chez la femme aveugle, dans la grotte et dans le sous-marin. Je vous passe quelques étapes.

   Sur la forme, c'est un hommage au cinéma muet des années 1920... et sans doute aussi aux films de genre des années 1940-1950. Un gros travail a été fait sur l'image, les sons et le montage. C'est donc une oeuvre expérimentale, remplie de clins d'oeil aux initiés.

   Le problème est que, pour moi, cela ne marche pas. L'écran est inutilement surchargé. L'intrigue n'est pas suffisamment travaillée : c'est au spectateur à faire le lien entre les séquences... ce qui évite surtout au cinéaste d'avoir à suivre une intrigue rigoureusement construite. De surcroît, les séquences ne sont pas d'un égal intérêt. La meilleure est pour moi celle du train, où pourtant l'on retrouve l'égocentrique Mathieu Amalric (ici plutôt bon).

   Je reconnais volontiers la virtuosité des auteurs mais, franchement, cela tourne à vide.

Francofonia, le Louvre sous l'Occupation

   Alexandre Sokourov propose une vision de la culture française à travers le prisme de l'occupation allemande de sa capitale. Son film est à la fois un chant d'amour à Paris, une apologie de l'art européen (plutôt chrétien) et une oeuvre authentiquement russe.

   Ce dernier aspect est visible dans le montage des séquences. Aux images d'archives et aux scènes reconstituées répond l'époque actuelle, qui voit le réalisateur dialoguer par Skype avec le pilote d'un porte-conteneurs pris en pleine tempête avec, parmi son chargement, des pièces de musée. Je pense qu'il faut comprendre la chose au sens symbolique : les oeuvres d'art ont été ballottées par l'Histoire, au point parfois de disparaître complètement. (On notera que c'est lorsque Sokourov est absorbé par le destin du musée français que le bateau russe perd sa cargaison, en haute mer.)

   Russe aussi est le rappel des destructions subies par l'URSS, sur le Front de l'Est, notamment par la ville qui s'appelait alors Leningrad (redevenue Saint-Pétersbourg aujourd'hui), qui a subi un siège de 300 jours. C'est la ville du musée de l'Ermitage (dont les collections, comme celles du Louvre, ont été mises à l'abri) et la véritable capitale culturelle russe. Dans le ton de Sokourov, on sent presque poindre de la jalousie, quand il compare le sort de la ville fondée par Pierre le Grand à celui de Paris, curieusement épargnée par les nazis.

   Et pourtant, en 1940, l'accueil des troupes allemandes n'est pas chaleureux, y compris au Louvre. On le comprend à la vision des images d'archives et des scènes reconstituées, qui font principalement intervenir un officier allemand, le comte Wolff-Metternich, et le directeur du musée Jacques Jaujard (interprété par Louis-Do de Lencquesaing, vu récemment dans L'Antiquaire, dont la thématique est proche). Cependant, les deux hommes vont petit à petit tisser une relation de quasi-amitié, fondée sur l'amour de l'art et la protection des oeuvres. (On n'est finalement pas si loin que cela de ce qui est montré dans une fiction sortie en 2014, Diplomatie). C'est au point que le responsable allemand a été muté en 1942. La dernière partie du film évoque le destin des deux hommes après la Seconde guerre mondiale.

   Ici encore, on sent parfois poindre la jalousie de Sokourov : contrairement à Leningrad, Paris a fasciné les Allemands, y compris les nazis. De surcroît, une partie de la population locale s'est rapidement accommodée de la présence de l'occupant... Il croit trouver l'explication dans le voisinage des deux pays qui, malgré les conflits meurtriers qui les ont opposés, partagent une histoire pluriséculaire. A partir de là, il développe l'idée qu'il existe une culture européenne, qui englobe la Russie. Les nazis eux-mêmes auraient été (partiellement) sensibles à cet héritage.

   Le propos perd de sa pertinence quand on se rend compte que le réalisateur ne montre qu'un aspect de l'histoire. Il se garde bien d'aborder les destructions et surtout le pillage organisé des oeuvres d'art, notamment par Hermann Goering. Il aurait fallu sortir du Louvre et aller jusqu'au Jeu de Paume, où avaient été entreposées les oeuvres volées aux juifs. De cela il n'est pas question, pas plus que du rôle de Rose Valland (évoqué l'an dernier dans Monuments Men), pourtant bien plus important que celui de Jaujard.

   C'est dommage parce que, sur le plan formel, le film est vraiment bon. Le mélange des images de natures diverses fonctionne et, par instants, on retrouve la patte du grand réalisateur. J'ai aussi bien aimé la reconstitution graphique de l'histoire du site du château, très réussie. Quant au public français, il appréciera ou pas l'incarnation de deux "légendes nationales", Marianne et Napoléon, dont les évolutions dans le musée ne m'ont paru guère inspirées...

Les Suffragettes

   Britanniques hier, Saoudiennes aujourd'hui, les femmes ont dû (et doivent encore) se battre pour être considérées comme les égales des hommes, au moins sur le plan civil (et civique). Cette fiction à caractère historique a le grand mérite de rappeler à des Occidentaux peut-être trop sûrs de leur supériorité qu'il n'y a pas si longtemps, les mâles européens ne se comportaient pas très différemment de certains hommes du Moyen-Orient.

   L'intrigue s'articule autour de deux personnages féminins principaux, une bourgeoise et une ouvrière. La première, pharmacienne et médecin dans l'âme, est incarnée par l'excellente Helena Bonham Carter, que l'on a plaisir de retrouver dans un film qui n'est pas réalisé par Tim Burton. C'est la militante acharnée, cultivée et rusée, soutenue par son époux, un homme aux idées modernes. La seconde héroïne est interprétée par Carey Mulligan, que j'avais découverte dans Inside Llewyn Davis. A travers son personnage, le film explore le versant social de la cause des femmes. Non seulement elles sont des mineures sur le plan juridique, soumises à l'autorité de leur père puis de leur mari, mais elles doivent subir des discriminations au travail : elles sont moins bien payées que les hommes et soumises au harcèlement sexuel... quand ce n'est pas pire.

   Le scénario réussit à croiser avec talent ces différents aspects, montrant, à travers les personnages secondaires, par exemple, que l'on peut être une grande bourgeoise émancipatrice et subir la tutelle inflexible d'un mari politicien, ou encore que l'on peut être ouvrière et jouir d'une certaine indépendance... mais à quel prix.

   Du côté masculin, il faut noter la présence de Brendan Gleeson, un vieux routier des seconds rôles, sorte de Javert du Londres du début du XXe siècle. Son personnage nous réserve toutefois quelques surprises.

   Autre guest star à signaler : Meryl Streep, qui vient faire coucou dans le rôle d'Emmeline Panckhurst, l'inspiratrice du mouvement féministe.

   La première moitié de l'histoire semble être une marche inexorable vers l'égalité. On nous décrit le mouvement des Suffragettes de l'intérieur et l'on sent que, du côté gouvernemental, en cette année 1912, un changement est possible.

   Le film bascule au bout de trois quarts d'heure. Les féministes doivent affronter une opposition plus dure que prévu. C'est même parfois extrêmement violent. Le militantisme a aussi des conséquences sociales. L'une d'entre elles va pratiquement tout perdre, ce qui la radicalise... moins cependant que l'une de ses camarades, qui va faire prendre à l'intrigue un tour plus noir. A travers elles se pose aussi la question de l'engagement pour une cause : jusqu'où doit-on / est-on prête à aller ?

   Cela donne un film très intelligent, pas très drôle je le reconnais, mais avec une reconstitution soignée du Londres d'il y a cent ans.

   P.S.

   Les amateurs de série télévisée de qualité auront remarqué la parenté entre cette histoire et l'intrigue de certains épisodes des saisons 8 et 9 des Enquêtes de Murdoch, l'inspecteur canadien qui fait le bonheur des dimanches soirs de France 3.

Béliers

   La cinématographie islandaise n'est pas des plus développées mais, quand l'une de ses productions nous parvient, c'est en général intéressant. En 2008, le polar Jar City avait marqué les esprits. L'an dernier était sortie la comédie Des Chevaux et des hommes, un délice.

   Béliers s'inscrit dans la continuité de cette comédie. L'histoire se déroule en zone rurale, dans le nord-ouest de l'Islande. Deux vieux garçons vivent à proximité l'un de l'autre, chacun élevant ses moutons... et bichonnant son bélier, sa fierté. Régulièrement, des concours opposent les plus belles bêtes du coin... et celles des deux voisins se disputent la première place.

   Le problème est qu'entre les deux hommes ne règne pas une saine émulation. Pour des raisons que l'on ignore au début du film, ils ne se parlent plus depuis environ 40 ans. En fait, il arrive au plus âgé de s'adresser à son voisin... pour l'insulter. Comme parfois il faut bien communiquer, le chien de l'un d'entre eux (qui, lui, semble apprécier le voisin) sert de messager, avec une surprenante docilité.

   L'intrigue se corse quand la tremblante du mouton est diagnostiquée dans la région. Tous les cheptels doivent être examinés. Quand un animal est touché, le troupeau entier doit être abattu et la ferme entièrement désinfectée, avant qu'une activité d'élevage puisse reprendre, deux ans plus tard.

   Cela rappellera bien des (mauvais) souvenirs aux éleveurs bovins aveyronnais, qui ont subi les conséquences de la crise la vache folle. Ils ne seront pas non plus dépaysés par l'âpreté des relations humaines en zone rurale. Ici, des conflits peuvent naître pour des raisons qui apparaissent futiles aux citadins.

   Toujours est-il que le voisinage des deux vieux garçons têtus se retrouve perturbé par la crise qui touche la région. Je vous laisse découvrir dans quelle mesure cela va aggraver l'animosité qui les oppose... puis les obliger à composer l'un avec l'autre.

   La dernière séquence, qui se déroule en pleine tempête de neige, est saisissante.

  

L'Etage du dessous

   C'est un polar sociétal roumain... Bigre ! L'intrigue prend naissance dans un immeuble urbain, sans ascenseur. On n'en connaîtra jamais l'intégralité des occupants, mais on va découvrir plus en détail la vie de certains d'entre eux.

   Tout se joue entre le premier, le deuxième et le troisième étages. Au-dessus vit le héros, Sandu Patrascu, qui est une sorte d'auto-entrepreneur, dont l'épouse est la secrétaire. Son activité consiste à faciliter (et accélérer) les démarches des automobilistes, qu'ils soient des particuliers ou des professionnels. Cela va de l'obtention de la carte grise au passage par le contrôle technique. Le gars ne manque pas de travail parce qu'il est bon dans ce qu'il fait : il a de l'audace, du bagou... et sait se faire des relations. Mais sa vraie passion est son chien, qu'il entraîne pour des concours. Très belles sont les scènes qui présentent la relation entre l'homme et l'animal.

   De nature, Sandu s'intéresse aux autres. Il n'est donc pas étonnant qu'il soit attentif à ce qu'il se passe dans "son" immeuble. Il a même pris l'habitude d'écouter aux portes... enfin à certaines portes, comme celle de la jolie jeune femme qui se dispute souvent avec son petit ami. Un jour, on la retrouve morte, victime d'un accident... ou d'un meurtre ?

   A partir de là, l'ambiance change dans l'immeuble. Sandu croise plus souvent qu'à l'habitude un autre habitant, qui était proche de la jeune femme. Une drôle de relation se noue entre les deux hommes, qui font affaire ensemble et pourtant semblent mutuellement se redouter. Le film réussit à créer une tension autour de petits détails anodins.

   Que cherche réellement le jeune homme, qui occupe ses journées à d'étranges trafics ? Que sait sa propre épouse de lui ? Pourquoi se rapproche-t-il de la famille de Sandu, en particulier du fils, un mordu de jeux vidéo dont la santé mentale se dégrade ? Et surtout pourquoi le héros n'a-t-il pas dit tout ce qu'il savait de la vie de la jeune femme au commissaire de police, avec lequel il entretient pourtant de bonnes relations ? Aurait-il lui aussi des choses à cacher ?

   Comme on peut le constater, le scénario lance de nombreuses pistes. Hélas, la conclusion est décevante. Le cinéaste n'a visiblement pas trop su comment terminer son histoire, en dépit d'une scène violente placée vers la fin.

Les Cowboys

   L'histoire commence dans les années 1990, dans les Alpes, lors d'une fête de style country, avec musique, danse, chapeaux et faux rodéo. On y découvre une famille en apparence unie, autour d'un père à forte personnalité (François Damiens, excellent). Gros bosseur, il n'en est pas moins très attentif à ce que font ses enfants, en particulier sa fille, une très bonne élève, un peu disgracieuse, un peu renfermée. C'est pourquoi lorsqu'elle celle-ci disparaît, apparemment volontairement, il se lance à sa recherche, quitte à tout faire passer après.

   La demi-heure qui suit montre la dérive de ce père, prêt à tout, qui estime que la police ne fait pas son travail... et qui entraîne son fils dans sa quête. Une ellipse mal introduite nous les montre quelques années plus tard. On notera que le réalisateur n'a pas cherché à faire de ce père aimant un saint. A plusieurs reprises, on comprend qu'il est (ou devient) un peu raciste. Mais il a essayé d'apprendre l'arabe, puisque cela pouvait lui permettre de retrouver sa fille.

   Au milieu du film survient un coup de théâtre, que je me garderai bien de révéler. A partir de là, l'intrigue suit davantage le fils, devenu un jeune homme (incarné par Finnegan Oldfield, vu récemment dans Ni le ciel ni la terre), pas aussi obsédé que son père, mais quand même travaillé par la disparition de sa sœur, dont on n'a que quelques nouvelles lacunaires. L'essentiel de l'action se déroule au début du XXIe siècle, à la frontière afghano-pakistanaise. Le ton de l'histoire change complètement. Le réalisateur choisit de mettre sur un même plan les choix de tous les personnages. Deux parcours sont mis en parallèle : celui de la sœur, chrétienne de culture devenue adepte d'un islam intégriste, et celui de la seconde épouse d'un fondamentaliste musulman, qui va s'occidentaliser.

   Vu le contexte dans lequel ce film est sorti (juste après les massacres de Paris), je pense que cette empathie peut gêner certains spectateurs. Derrière l'apparente neutralité de la caméra, il me semble que le réalisateur tente de faire passer certains messages. On sent qu'il n'est pas à 100 % derrière le personnage du père et, vers la fin, une scène très importante nous donne une clé pour comprendre la fille, dont le caractère reste assez mystérieux. C'est au final une histoire sur la quête d'absolu et le sens de la vie, dans un monde déchiré par les tensions ethnico-religieuses.

Paco de Lucia

   Ce documentaire est consacré à une légende du flamenco, le guitariste Francisco Sanchez Gomez (décédé en 2014), dont le nom de scène rend hommage à sa mère, qui fut toute sa vie désignée comme "la Portugaise". On découvre donc la carrière d'un artiste et aussi un pan de l'histoire espagnole. Accessoirement, le film est abondamment nourri d'extraits musicaux, ce qui le rend encore plus intéressant.

   Paco est originaire d'Andalousie, plus précisément d'Algésiras. Aujourd'hui, cela sonne positivement aux oreilles européennes, mais, dans les années 1940, 1950 et 1960, la région avait mauvaise réputation et les habitants s'estimaient victimes de discrimination.

   Cela n'empêche pas le jeune Paco de se faire remarquer dès les années 1960. Sa carrière a connu son apogée dans les années 1960-1970, entre le franquisme finissant et les débuts de la nouvelle démocratie ibérique. On retrouve cette ambiguïté dans la vie du musicien, qui se présente comme ayant été longtemps "de gauche" (donc opposé au franquisme). Il a pourtant épousé en premières noces une fille du général Varela, qui fut ministre de Franco. Vous me direz que l'amour ne se commande pas... mais le documentaire omet de donner ces précisions. Il faut dire qu'il a été réalisé par Curro Sanchez, qui n'est autre que le fils que Paco a eu avec Casilda Varela. Le musicien a quand même l'honnêteté de reconnaître qu'à partir du moment où il s'est mis à gagner de grosses sommes (qu'il a utilisées à son unique profit), il ne s'est plus considéré comme étant de gauche.

   Mais revenons à sa carrière artistique. Le gamin se révèle très jeune être un virtuose de la guitare, alors qu'il n'a pas (encore) appris le solfège. Dans un premier temps, il suit les traces des glorieux aînés du flamenco. L'un des tournants est sa rencontre avec une "voix d'or", le chanteur gitan Camaron. Il a mis sa guitare au service du jeune homme. Par la suite, il a alterné les périodes solo et le travail en groupe, dans un célèbre trio de guitaristes. Sur le tard, on le voit à la tête d'une véritable troupe. Art strictement musical au départ, le flamenco est devenu un spectacle total. Paco de Lucia l'a ouvert aux non-initiés, y mêlant les influences diverses, notamment venues du jazz, à la grande fureur des "puristes".

   Mais, au-delà de la petite histoire et des querelles de musiciens, il reste un type doué et méthodique, que l'on nous montre à l'oeuvre, à trente, à quarante et à plus de soixante ans. Fascinantes sont les scènes où il prend soin de ses mains, que l'on voit ensuite voltiger autour des cordes. Voilà qui aurait de quoi inspirer un peu de modestie à nombre de guitaristes pop-rock qui, parce qu'ils ahanent sur leur instrument devant des ados énamourés, se prennent pour de grands musiciens.

   A Toulouse, où j'ai vu ce film, la salle de l'Utopia était pleine à craquer. Le public était âgé voire très âgé, mêlant Français, Espagnols et Franco-Espagnols.

Le Pont des espions

   Steven Spielberg s'est plongé dans la Guerre Froide, plus précisément dans la seconde moitié des années 1950 et le début des années 1960. Il s'inspire d'une histoire vraie, celle d'un avocat d'assurances (un vétéran de la Seconde guerre mondiale qui avait assisté au procès de Nuremberg) qui a été chargé de la défense d'un espion soviétique, et qui a fini par être mêlé à une rocambolesque histoire d'échange.

   L'agent soviétique nous est présenté dès le début de l'histoire, sans musique et sans aucun dialogue. C'est dire les risques pris par le réalisateur : construire un énième film d'espionnage et, de temps à autre, contraindre les spectateurs à se laisser guider uniquement par les mouvements de la caméra et les sons. De manière plus classique, le public appréciera l'habileté avec laquelle les scènes de métro ont été élaborées, deux d'entre elles se répondant à plus d'une heure d'intervalle.

   Tout ce qui touche à l'espionnage et aux enjeux politiques de l'époque est excellent. J'ai particulièrement aimé la description de l'action silencieuse et méthodique de l'espion, remarquablement incarné par Mark Rylance, un acteur injustement méconnu. A Berlin, les méandres des relations internationales (y compris au sein du bloc soviétique) sont rendus avec subtilité, efficacité... le tout plus tendu qu'une corde de guitare. Sur le fond, c'est un éloge des "valeurs américaines" et du droit. On n'est pas très loin du Lincoln sorti il y a deux ans. Spielberg se garde toutefois de tomber dans le manichéisme : les adversaires du camp américain ont la parole et l'on sent que le propos général est humaniste.

   Les interprètes sont (très) bons, mais pas toujours bien dirigés. J'ai en tête le comportement de l'agent de la CIA, vraiment caricatural. J'ai aussi peu goûté les scènes intimes, où l'on retrouve le Spielberg pompeusement familial et larmoyant. Cela commence lorsque l'étudiant américain est arrêté, en Allemagne : l'actrice incarnant son amie germanique se lance alors dans un insupportable numéro de pathos. Le pire est atteint à la fin de l'histoire, quand on nous montre avec une insistance particulièrement maladroite l'ébahissement des membres de la famille du héros, qui découvrent que leur père/mari est un homme extraordinaire. Pauvre Amy Ryan !

   De son côté, si Tom Hanks est impeccable, j'ai quand même été gêné par ses expressions faciales. Certes, il a toujours eu certains rictus étranges, mais là, une partie du visage m'a semblé figée, tordue même. A-t-il subi une intervention chirurgicale ratée ? Est-ce lié à un problème de santé ?

   Il reste que les 2h20 passent assez vite. C'est un bon polar, mâtiné d'humour et filmé avec un incontestable savoir-faire.

Le Voyage d'Arlo

   A l'origine, je n'avais pas prévu d'aller voir ce film d'animation. La bande-annonce ne m'avait pas particulièrement emballé et l'aspect du personnage principal (un apatosaure enfantin) me faisait craindre une histoire plutôt destinée au jeune public. Je me suis finalement laissé tenter... et j'ai bien fait !

   C'est d'abord un film nourri de la mythologie américaine. La famille du héros est une incarnation des pionniers, ces fermiers qui ont, à force de sueur et de ténacité, défriché une terre... parfois subtilisée aux Amérindiens. (Mais là n'est pas la question.) On ne s'étonnera donc pas de voir le père et la mère cultiver du maïs... et entreposer la récolte dans un silo de pierres. Plus loin, le jeune Arlo fait la rencontre d'un pittoresque trio de tyrannosaures, qui élèvent des sortes de bisons préhistoriques. Voilà pour le côté cow-boy !

   On a compris qu'évidemment, les animaux sont des substituts d'humains. C'est particulièrement visible avec les parents d'Arlo, en lesquels on reconnaitra sans peine des personnages de films grand public. C'est aussi perceptible au niveau du père T-Rex, dont la tête et les mimiques ne sont pas sans rappeler certains rôles de Bruce Willis. D'autres lézards sont les "racailles" de l'histoire. Tout cela est très bien fichu.

   La difficulté (et l'originalité) vient de l'introduction d'un humain, baptisé Spot. Il ne parle pas, mais grogne ou ulule. Il est le plus souvent à quatre pattes. Il va devenir le compagnon d'Arlo, une sorte d'animal (plus ou moins) domestique. C'était un pari risqué : le jeune public pouvait avoir du mal à gérer une histoire tournant autour de deux personnages auxquels il pouvait s'identifier. C'est réussi parce que l'humain est en général très différent des homo sapiens du XXIe siècle. Par bien des aspects, il se rapproche davantage... du diable de Tasmanie !

   Il n'en paraît pas moins très proche de nous à certaines occasions. Un lien très fort va se nouer entre l'apatosaure et l'humain, qui ont tous deux subi la perte de proches. Deux scènes, placées de manière quasi symétrique dans le premier et le dernier tiers de l'histoire, se répondent. La première est une merveille de mise en scène : les deux héros trouvent un moyen de communiquer (en utilisant le sol)... et cela devient tout de suite émouvant. La seconde scène est encore plus forte... et elle implique d'autres personnages, certains jamais vus auparavant. Je n'en dirai pas plus, mais sachez que j'ai eu "les yeux qui piquent"...

   Fort heureusement, l'humour vient régulièrement contrebalancer les aspects plus tristes de l'intrigue. Cela commence avec la naissance des trois petits apatosaures. Cela continue avec les chamailleries entre un frère et une sœur... laquelle se révèle particulièrement futée ! On rit aussi beaucoup aux premiers face-à-face entre Arlo et Spot, ce dernier étant un chasseur diablement efficace, à la dentition redoutable...

   L'histoire comportant quelques épisodes dramatiques ou effrayants (avec une référence aux Dents de la mer... dans les airs !), c'est à déconseiller aux tout-petits. J'en ai entendu certains pleurer durant la séance et une bambine a même voulu quitter la salle. A huit-dix ans, cela passe sans problème.

   Quelques mots sur les aspects techniques, pour terminer. C'est une grande réussite visuelle, mais pas au niveau du personnage principal. Concernant Arlo, l'animation s'est concentrée sur le visage, très expressif. Pour les mouvements du corps, mieux vaut observer le père, dont les déplacements sont restitués avec subtilité. Sinon, ce sont les petits animaux qui sont les plus jolis.

   Les spectateurs ont en général aussi remarqué la qualité des plans faisant intervenir l'eau (sous forme de pluie ou de rivière). Mais, pour moi, les plus beaux sont incontestablement ceux qui se passent la nuit, le premier quand le père fait découvrir un phénomène enchanteur à son fils, le second quand celui-ci communique ce qu'il a appris à son nouvel ami.

   S'ajoute à cela une musique entraînante, jouée sur des instruments classiques. C'est très Disney... et c'est très beau. Cette année, c'est la deuxième fois que Pixar nous livre une film d'animation au-dessus du lot, après l'excellentissime Vice Versa.

Sangue del mio sangue

   C'est le dernier film de Marco Bellocchio, cinéaste italien inégal, jadis auréolé du soufre qui enveloppait une racoleuse adaptation du Diable au corps, plus récemment remarqué par Vincere, une oeuvre à caractère historique.

   Ici, deux histoires s'entrecroisent. La première se déroule il y a plusieurs centaines d'années, dans une Italie de carte postale, pétrie de culture religieuse mais aussi effrayée par tout ce qui a trait au surnaturel. Certains personnages semblent presque sortis d'un conte de fées. Il est question de deux frères, l'un moine, l'autre aventurier, et d'une jeune femme fascinante, dont on se demande si elle n'est pas une sorcière.

   C'est furieusement romanesque, bien joué et placé dans des décors vraiment splendides. L'intrigue, au départ assez limpide, gagne en complexité quand on découvre, petit à petit, que certains personnages masquent leurs véritables intentions. C'est à la fois subtil et prenant.

   La seconde histoire se passe de nos jours, dans une Italie "moderne" où subsistent tant de vestiges du passé. Les spectateurs auront la surprise de constater que certains des acteurs de la première histoire sont visibles dans la seconde, dans des rôles très différents. La curiosité est piquée, d'autant plus qu'il semble y avoir un lien entre les deux intrigues. (Le guide est l'amour perdu, celui qu'on a laissé filer.)

   Malheureusement, Bellocchio se perd dans les détails... et l'on comprend que la juxtaposition des deux époques est en grande partie artificielle. Il n'empêche : le retour dans le passé, à la toute fin du film, est une jolie trouvaille et redonne plus de poids à la plus belle des deux histoires, qui aurait mérité que l'intégralité d'un long-métrage lui soit consacrée.

007 Spectre

   Trois ans après Skyfall, Sam Mendes est aux manettes d'un nouveau volet des aventures de James Bond. Dans cet épisode, on a particulièrement soigné le casting, avec une pléiade de têtes connues des cinéphiles, dans les premiers comme les seconds rôles.

   Mais là n'est pas le principal intérêt de ce volet. C'est d'abord un pur plaisir d'amateur de films d'action. Dès le début, on est pris dans un magnifique plan-séquence (ironique sur le véritable motif pour lequel Bond "entreprend" la jeune femme), qui se poursuit dans une cascade de péripéties mexicaines, au cours du défilé du Jour des morts. Seul bémol à mon enthousiasme : l'évidente utilisation de fonds verts pour la bagarre dans l'hélicoptère.

   On est aussi emballé par la poursuite en voiture dans les rues de Rome, avec là aussi une pointe d'humour, introduite par le conducteur d'une petite Fiat, un grand-père tout surpris de se retrouver suivi par deux grosses voitures aux conducteurs pressés (une Aston Martin bien sûr, et une Jaguar), dans une rue étroite de la Ville éternelle.

   Ma séquence préférée reste toutefois la poursuite sur la neige, dans les Alpes autrichiennes, avec un avion qui vole, qui roule... et qui glisse ! Les plus traditionnels des fans placeront peut-être en tête la bagarre dans le train, qui fait suite à une scène "glamour". A ce sujet, on remarque que, si le personnage incarné par Léa Seydoux sauve la mise de Bond, c'est quand même l'espion qui met le méchant définitivement hors d'état de nuire.

   Cela m'amène aux limites de ce film : les dialogues, notamment ceux entre Madeleine et James. Ils sont dits de manière machinale, sans trop de conviction. Est-ce lié au doublage ? Il faudrait voir ce qu'il en est dans la version originale.

   Autre défaut : le manque de cohérence de certains aspects du scénario. Ainsi, au début, quand Bond se lance à la recherche d'un "roi pâle", on ne comprend pas comment il arrive à faire le lien avec un certain "White". Plus loin, c'est la rupture entre Bond et Madeleine qui arrive comme un cheveu sur la soupe. C'est très surprenant de la part de quelqu'un d'aussi chevronné que Sam Mendes. Je suis d'avis que la production, effrayée par la durée du film, a dû imposer quelques coupes, pas toujours judicieusement choisies.

   Il est aussi possible qu'il y ait un lien avec le piratage dont Sony Pictures a été victime, en 2014. Le scénario du film ayant été dérobé, il est probable que la production a demandé sa réécriture partielle, ainsi que des changements au niveau des dialogues.

   Spectre n'en reste pas moins un très bon divertissement, mais qui n'atteint pas le niveau des meilleurs films de la série.

L'Hermine

   Le titre fait référence à un élément du costume de certains magistrats, ici le président de la Cour d'assises, incarné (avec talent) par Fabrice Lucchini, à la fois sobre et subtil :

   (Au passage, espérons que, si ce n'est déjà fait, on remplace la fourrure du charmant mustélidé par un substitut synthétique. La dignité des magistrats n'en souffrira aucunement et l'éthique en sortira grandie.)

   Le personnage qu'il incarne est caractéristique de certains juristes, en général brillants. Issus de la (grande) bourgeoisie, ils sont au minimum distants (parfois hautains et cassants) avec ce qu'ils considèrent être le commun des mortels justiciables. Mais, dans le cas qui nous occupe, Michel Racine se montre très respectueux des personnes qu'il interroge au cours des audiences. Sa seule préoccupation semble être l'application du Droit.

   ... jusqu'à l'ouverture du procès d'assises qui sert de toile de fond à l'intrigue. Le tirage au sort des jurés fait apparaître le nom d'une femme que le juge connaît, et qui le trouble. Cela pourrait donner un second sens au titre, qui, pour le public cultivé, évoque un tableau de Léonard de Vinci, La Dame à l'hermine :

   Notons que Ditte, médecin-anesthésiste franco-danoise, est interprétée par Sidse Babett-Knudsen, rendue célèbre par la série Borgen. La présence de cette femme perturbe le juge, qui va prendre des risques pour l'approcher.

   Deux histoires se juxtaposent donc. L'intrigue sentimentale croise l'enquête judiciaire : le procès doit déterminer si l'enfant retrouvée morte dans un appartement a été tuée par son père (l'accusé, qui a les traits de Victor Pontecorvo, très bien), par quelqu'un d'autre... ou si c'est le résultat d'un malencontreux accident.  Le film se veut pédagogique : il permet de comprendre le fonctionnement d'une Cour d'assises et le rôle de chacun des intervenants. On remarquera que deux professions se font égratigner au passage : les avocats et les policiers, l'un d'entre eux incarné par Raphaël Ferret, l'informaticien taquin de la série Profilage (remarquable aussi en juge Burgaud dans Présumé coupable).

   Les plus belles scènes de tribunal sont pour moi les interrogatoires de la mère, complètement paumée (Candy Ming, excellente), et des témoins, qui introduisent de salutaires moments de comédie dans une affaire assez sordide.

   Les dialogues sont très bien écrits, ciselés. On rit assez souvent, notamment des petits malheurs du magistrat, qui souffre de la grippe, est en pleine séparation d'avec son épouse... et dont on médit beaucoup, dans son dos, au tribunal.

   Le film vaut aussi pour la galerie de personnages secondaires que sont les membres du jury, révélatrice de la diversité de la population française. Se distingue particulièrement (pour moi) Corinne Masiero, que l'on avait vue dans Discount il y a deux ans.

   Sans être une oeuvre majeure, ce long-métrage rigoureusement construit est une jolie comédie sentimentale et une instructive tranche de vie judiciaire.

La Glace et le Ciel

   Deux ans après Il était une forêt, Luc Jacquet revient avec un documentaire consacré à la carrière du glaciologue Claude Lorius. Pour ce faire, le réalisateur a épluché quantité d'archives télévisuelles, dont il a pratiqué une sélection, à laquelle il a ajouté quelques images tournées en Antarctique... notamment avec des manchots, les animaux qui lui ont jadis valu une renommée méritée.

   Les images les plus anciennes, datant de la fin des années 1950 (époque de la station Charcot), sont les plus stupéfiantes. On comprend de quel courage voire de quelle abnégation les pionniers de l'étude des glaces du continent inhabité ont dû faire preuve. On saisit aussi la "prescience" de Claude Lorius, qui a rapidement tiré des conclusions de l'étude des carottes de glace : le climat s'est déjà modifié dans un passé très lointain ; on peut comprendre comment et pourquoi... et le changement à l’œuvre dans la seconde moitié du XXe siècle est le plus rapide que la planète ait connu.

   Plusieurs scènes sont consacrées aux progrès des outils de la recherche. Les carottes sont de plus en plus longues... et le spectromètre de masse a considérablement facilité le travail des scientifiques. On est remonté 400 000 et même 800 000 ans en arrière !

   Par contre, les scènes montrant le scientifique en balade sur l'inlandsis, ou en pleine méditation climatologique, ne m'ont pas convaincu. Je reconnais néanmoins que c'est bien filmé.

   On se consolera avec la folle expédition internationale (notamment franco-soviétique), en pleine Guerre Froide. On sent que C. Lorius a été impressionné par la maîtrise technique de ses collègues de l'Est... et, à la base de Vostok,  la vodka a visiblement contribué à briser la glace !

   Cela donne un ensemble étonnant, à la fois sympathique et instructif.

Mediterranea

   Le désert, la nuit. Un convoi de migrants africains est sur le point de partir. Objectif : la frontière algéro-libyenne et, de là, atteindre la côte méditerranéenne pour attraper un bateau (clandestin) en partance pour l'Eldorado européen. (Ce n'est pas sans rappeler un autre film sur les migrants : La Pirogue.)

   Les "passagers" sont issus d'Afrique sub-saharienne. Ils sont plutôt francophones ou plutôt anglophones, chrétiens, musulmans ou animistes. Les deux héros viennent du Burkina Faso (en jaune sur la carte ci-dessous). Ils vont côtoyer des Ghanéens, des Maliens, sans doute aussi des Nigérians et des Nigériens. Si l'intérêt général commande de pratiquer un bon voisinage, on sent que les migrants ne sont pas très soudés entre eux.

   La première partie de l'histoire décrit le passage tumultueux par le Sahara. Je vous en laisse découvrir les péripéties, pas franchement joyeuses... et encore, le réalisateur n'a pas voulu trop "charger la barque" (si j'ose dire). La séquence de traversée de la mer m'a paru moins réussie. On a peut-être pratiqué une ou deux coupes. On comprend néanmoins l'essentiel. Les rescapés sont pris en charge par la police italienne.

   On retrouve nos deux héros, Ayiva (Koudous Seihon, excellent) et Abas, en compagnie d'une petite troupe, installés de manière précaire à Rosarno, en Calabre (en vert sur la carte). Le continent rêvé n'est pas celui devant lequel ils se trouvent. Pour Ayiva, c'est une raison de plus pour se bouger, tenter de "faire son trou". Pour Abas, qu'on sent moins courageux et plus immature, c'est la déception. Il aimerait bien trouver une combine pour s'en sortir au moindre effort.

   L'histoire mêle aspects documentaires (sur les difficultés d'insertion de ces migrants) et éléments fictionnels (autour des relations avec les femmes et le contexte familial du d'Ayiva, qui a laissé sa petite fille à sa soeur, au pays). En contrechamp est brossé un portrait des Italiens, pas forcément ravis de l'arrivée de cette masse de jeunes adultes, en majorité des hommes. Il y a ceux qui vont en profiter, comme cet entrepreneur ambigu, de prime abord dur avec ses salariés (payés au noir), mais capable d'empathie... jusqu'à inviter deux de ces migrants à manger avec sa famille ! Il y a la Mama, véritable cheffe de clan, qui considère les migrants comme ses enfants... obéissants, de préférence. Il y a aussi la gamine, petite peste, gâtée pourrie par son père... et il y a surtout ce gamin des rues, qui trafique de tout, veut fumer comme un homme et semble se prendre pour un personnage d'un film de Scorsese. (Le jeune acteur qui l'interprète est sensationnel.) C'est à la fois drôle et inquiétant. Les migrants doivent apprendre les codes d'un monde auquel ils n'ont pas été préparés.

   C'est vraiment un film à voir, même si je suis conscient que, ces jours-ci, le public n'a sans doute pas envie de se rendre dans une salle de cinéma pour se confronter à ce genre de sujet.

Au Royaume des singes

   Ce documentaire consacré aux macaques à toque est la nouvelle production de Disneynature, qui, l'an dernier, nous avait livré un Grizzly vraiment superbe. Les images ont été tournées au Sri Lanka (au sud-est de l'Inde), entre forêt tropicale et grignotage urbain, un rocher constituant le lieu stratégique de la région.

   Le début nous présente la petite tribu que l'on va suivre pendant un peu plus d'une heure. Il y a le mâle dominant, les trois femelles privilégiées et tout une hiérarchie, qui va du sommet des arbres fruitiers aux plaines herbeuses, réservées aux "basses castes".

   Le couple de héros est formé par un mâle impétueux (mais qui n'est pas le plus fort) et Maya, une femelle certes de basse extraction, mais convoitée par des mâles haut placés. Elle est de surcroît très débrouillarde. La vie quotidienne est rythmée par la quête de nourriture, l'épouillage... et les siestes. La tranquillité des adultes est parfois perturbée par l'agitation de jeunes chenapans... vite rappelés à l'ordre par une bonne gifle, quand il le faut !

   Ce monde n'est toutefois pas sans danger. Au sol rôdent des prédateurs, comme le tigre et, en zone humide, le varan. Pas très loin de là vivent d'autres singes, dont il convient de surveiller les mouvements. Et puis il y a les humains, qui détruisent petit à petit la forêt, mais dont les habitations sont de précieux garde-manger !

   C'est une histoire d'apprentissage pour Maya, rejetée par sa communauté, qui va devoir se débrouiller seule pour deux (elle a désormais un petit). Cela nous rappelle les autres mères-courage des précédents documentaires de chez Disney.

   Signalons que les images sont magnifiques. Les mouvements des macaques (de véritables acrobates) ont été captés avec une grande précision, dans les arbres, au sol aussi bien que dans l'eau. Les gros plans sont soignés et permettent d'admirer les pelages.

   C'est aussi souvent drôle, comme lorsque certains jeunes singes tentent de jouer avec une mangouste ou quand, plus tard, en ville, ils font copain-copain avec un chien esseulé, qu'il vont finir par faire tourner en bourrique ! Par contre, ils évitent d'aller asticoter les ours noirs très poilus qui traînent dans le coin...

   Avec les humains, c'est une question d'agilité et de malice. Je recommande la séquence de la fête d'anniversaire, qui commence tout doucement, avant de partir en vrille ! Et que dire du passage en ville, qui a sans doute laissé un souvenir mémorable aux commerçants !

   C'est donc un film très plaisant, éducatif et réussi sur le plan esthétique, pour tout public.

Sous-sols

   Ce documentaire autrichien (sans commentaire ajouté) prend le spectateur à la gorge, sur un sujet en apparence anodin : la manière dont certains Autrichiens aménagent et utilisent le sous-sol de leur maison ou leur cave. En France, c'est une pièce pour bricoler, ou un débarras, ou une salle de jeu pour les enfants. Sinon, c'est tout simplement l'endroit où l'on installe le lave-linge et le congélateur familial.

   En Autriche, cela prend une tout autre dimension. Souvent, les propriétaires se sont constitué un nid douillet, avec un salon très confortable. Pour un chasseur, c'est une salle des trophées (qu'il s'est procurés lors de safaris). Pour une femme, c'est le temple du sado-masochisme, où elle entrepose ses "objets" et où elle triture le corps et l'âme de son gros nounours soumis. A l'inverse, une autre femme trouve dans la cave d'un ami le plaisir des tapes sur les fesses... entre autres.

   La plus glauque est sans conteste cette femme solitaire vivant dans un immeuble et qui, chaque jour, descend à la cave, où elle s'enferme pour s'occuper de ce qu'elle range dans différentes boîtes à chaussures... Le plus révoltant est ce grand-père musicien, amateur de bière, qui laisse les étages à son épouse. Au premier abord, il a l'air bonhomme et la décoration de l'entrée du sous-sol ne se distingue que par la profusion de photographies, plutôt anciennes. C'est lorsqu'on remarque, dans un coin, la présence d'un portrait d'Adolf Hitler que l'on commence à s'inquiéter... avant de découvrir la salle principale, dédiée au souvenir du IIIe Reich !

   Le réalisateur a visiblement choisi ses sujets, en général bien barrés. Mas ce qui est d'habitude caché (la cave étant une métaphore du refoulé) surgit au grand jour dans ce film. Les timbrés du sous-sol n'ont pas hésité à s'exprimer (et à agir) sans détours devant la caméra. Cela nous vaut une scène surréaliste, dans le local (souterrain) d'une prostituée, durant laquelle un client commente ses pratiques sexuelles, les progrès qu'il a réalisés... et nous révèle sa "botte secrète" : sa capacité à fortement éjaculer !

   C'est donc souvent très cru. Les personnes sont en général âgées. Seul un groupe de jeunes musiciens apparaît, dans la seconde moitié. Mais on les suit très peu de temps. Les policiers semblent les plus "normaux" : ils se rendent dans un sous-sol pour s'entraîner au tir ou participer à une formation. L'un d'entre eux tient même des propos marqués au coin du bon sens... contrairement à ses collègues, qui (après quelques bières) se déchaînent (verbalement) contre les immigrés turcs.

   C'est donc un film étrange, pas très long (1h20) et qui ne manque pas de style.

Pôle emploi, ne quittez pas !

   Ce documentaire un peu ancien est ressorti à Rodez, dans le cadre d'une semaine spéciale. Il permet de découvrir de l'intérieur le fonctionnement d'une institution qui a hélas pris une grande importance dans notre pays. L'agence de Livry-Gargan, en Seine-Saint-Denis, a été filmée pendant environ trois mois.

   On suit donc plutôt des membres du personnel que des demandeurs d'emploi, même si la réalisatrice a mis en valeur certains d'entre eux. Notre attention est d'abord attirée par une dame de l'accueil, qui doit déployer des trésors de patience... et dont on comprend que, parfois, le stock est épuisé. Le personnage prend de l'épaisseur quand on découvre, plus tard, qu'elle-même n'est qu'une intérimaire, de passage dans l'institution ! C'est l'occasion d'aborder le changement de statut du Pôle, qui réunit l'ex-ANPE aux Assedic. Les contrats de droit privé sont désormais la norme... et la précarité s'est insinuée dans l'établissement chargé de lutter contre !

   Du côté des chômeurs, c'est la détresse qui domine, mais une détresse digne. On a le gars du neuf-trois qui évite de dire d'où il vient quand il postule... et qui vise une formation en anglais pour pouvoir partir aux Etats-Unis. Il y a le Tunisien qui travaillait dans les douanes, avant la Révolution démocratique... et qui a jugé que c'était le moment de venir en France. Non seulement ses diplômes n'y sont pas reconnus, mais la nationalité constitue une barrière légale infranchissable. Touchante est la famille dont les parents sont sourds-muets... et à qui il est demandé de s'inscrire... par téléphone.

   Du côté du personnel, on suit notamment le "management", pas très à l'aise avec la caméra et (pourtant) contaminé par les méthodes anglo-saxonnes. Certaines des petites mains de l'agence sont par contre savoureuses, comme cette jeune femme pétulante qui, pendant la pause cigarettes, dit qu'elle va se mettre en arrêt-maladie pour pouvoir souffler un peu... et qui ne le fait jamais.

   Concernant le travail de base, on apprend des choses stupéfiantes, comme le nombre d'actes à réaliser dans une journée ou le nombre de chômeurs pris en charge par un conseiller : jusqu'à 400 ! Et voilà qu'on suggère aux employés de pratiquer des entretiens collectifs...

   Heureusement, l'humour est là, à travers par exemple cette conseillère qui s'amuse des sigles parfois imbitables qui lui sont imposés. Et l'on s'étonne à peine de la voir se réjouir de s'être fait soixante-dix MEC en une journée !

   Précisons quand même que, loin de s'être perdue dans une débauche de sexe, elle a réalisé soixante-dix "mises en contact" !

   Etonnant et attachant, ce documentaire mérite d'être vu.

En mai, fais ce qu'il te plaît

   Le réalisateur Christian Carion est de retour, six ans après L'Affaire Farewell. Il s'attaque à un épisode un peu négligé de la Seconde guerre mondiale, l'Exode de mai-juin 1940 (qui a toutefois été récemment évoqué dans Suite française).

   L'histoire débute par un prologue allemand bien conçu. Deux des personnages principaux vont fuir le régime hitlérien. Ils vont donner une autre image des Allemands, représentés dans le film essentiellement par des soldats dangereux et des nazis arrogants.

   Le caractère international est renforcé par la présence de troupes britanniques, dont l'un des membres (un Ecossais, interprété par Matthew Rhys) va rejoindre le village nordiste que les habitants viennent de quitter. Avant cela, on a droit à une reconstitution de la vie rurale de cette époque. L'image est soignée et les dialogues sont parfois truculents, avec le pinard qui coule à flots. On est à la limite de la carte postale mais, franchement, c'est bien fait.

   La deuxième partie de l'histoire montre le départ de la majorité des habitants, sous la conduite du maire (Olivier Gourmet, très bon, comme d'hab'). Cette caravane improbable associe une brochette de personnages secondaires bien campés, jeunes et vieux, hommes et femmes. Deux d'entre elles se distinguent : la bistrotière, compagne du maire (Mathilde Seigner, pour laquelle le rôle semble avoir été écrit) et l'institutrice (Alice Isaaz, une découverte).

   Si certains épisodes du parcours sont attendus (le mitraillage du convoi par l'aviation allemande, la dénonciation des profiteurs de guerre), ils sont bien mis en scène. D'autres aspects sont plus originaux, comme ces messages écrits à la craie sur des parois ou des portes, en route, pour informer les proches. J'ai aussi apprécié tout ce qui tourne autour de la réalisation du film de propagande par les nazis, avec un passage sur les soldats français issus des colonies.

   Pour être honnête, il faut ajouter qu'ici ou là, on note quelques facilités, un peu de mélodrame. J'ai aussi été à moitié convaincu par le personnage interprété par Laurent Gerra, qui incarne un paysan très attaché à sa cave, dont la collection de bouteilles remonte à son père. Il n'est pas mauvais mais, au bout d'un moment, j'ai été agacé par sa mimique (gonfler la peau autour des lèvres fermées pour se donner un air bonhomme). De plus, il n'est pas toujours bien dirigé, comme dans cette scène avec l'Allemand antinazi et l'Ecossais, jouée en français, en allemand et en anglais, deux langues que le paysan ne comprend pas... mais dont certains dialogues ne lui sont pas traduits, sans que cela le gêne.

   Sinon, cela reste un bon divertissement, sur fond d'histoire. L'intrigue s'arrête à la fin du printemps 1940, sur une note d'espoir. On nous évite les drames épouvantables qui ont suivi.

Le Fils de Saul

   Ce film hongrois a suscité une grande émotion cette année au Festival de Cannes. Il nous fait suivre quelques jours dans la vie d'un Sonderkommando d'Auschwitz, un de ces détenus juifs employés de force par les SS dans leur machine de mort.

   Il faut souligner l'excellent travail des décorateurs. On a l'impression de se trouver dans une zone industrielle, parfois saturée de bruits. Il y a ceux produits par les déportés, criant, pleurant, frappant les portes des chambres à gaz. Il y a ceux de la machinerie des fours crématoires. Il y a ceux des ordres donnés en hurlant, des bastonnades et des fusillades... et il y a les chuchotements de ces détenus en sursis : l'action se déroule dans la seconde moitié de 1944 et, à cette époque, ils savent qu'on ne les gardera pas très longtemps en vie.

   On est saisi dès le début par la caméra centrée sur le héros Saul ("Cha-houle"), seul personnage à apparaître nettement à l'écran, les autres étant (à demi) flous. Du coup, c'est par bribes que l'on découvre son "travail", de l'arrivée d'un convoi au nettoyage de la chambre à gaz. L'acteur Géza Röhrig est excellent et le procédé cinématographique se révèle pertinent. Toutefois, à la longue, l'omniprésence de la caméra à l'épaule est un peu usante.

   Les Sonderkommandos constituent une sorte de tour de Babel, où l'on parle allemand, polonais, hongrois, yiddish... La tension est presque toujours palpable, qu'elle soit le résultat de l'action des SS ou le produit de la mésentente entre détenus.

   Un événement vient perturber la monotonie du massacre. Un jour, alors que les détenus vident l'une des chambres à gaz de ses "Stücke" (les pièces, comme aiment à les appeler les nazis), le héros entend une personne respirer. Un gamin a survécu au gazage ! Il est immédiatement l'objet de l'attention des médecins... qui ne sont pas là pour soigner les détenus, faut-il le rappeler. Ce garçon devient aussi la nouvelle raison de vivre de Saul, qui prétend aux autres détenus qu'il s'agit de son fils. L'histoire entretient le mystère à propos de cette paternité, à laquelle les autres ne croient pas.

   Mais, surtout, à partir de cet instant, celui qui n'était qu'un as de la survie, hyper-individualiste, va prendre des risques inouïs pour s'occuper du corps du jeune homme. Il part d'abord en quête d'un rabbin, dans l'objectif d'organiser un enterrement... oui, à Auschwitz-Birkenau !

   Commence alors une sorte de polar, qui voit le héros rencontrer une grande diversité de détenus. Il entre même en conflit avec l'ébauche de résistance mise en place là-bas, et dont les membres ont planifié une révolte (qui a réellement éclaté, en octobre 1944).

   J'aurais préféré que l'intrigue se concentre sur ces résistants de l'extrême, plutôt que sur la quête (pour moi vaine) du héros. Mais le film n'en reste pas moins très fort, incontestablement une des oeuvres majeures de l'année 2015.

   P.S.

   En complément (ou avant de voir le film), on peut lire un livret (très instructif) conçu par le Mémorial de la Shoah.

Amours, larcins et autres complications

   Ce film palestinien est une comédie dramatique, au ton décalé. Le héros Mousa est une sorte de pied-nickelé, ouvrier du bâtiment peu consciencieux, fils indigne, amant égoïste et père absent. Il tire l'essentiel de ses revenus de divers trafics, parmi lesquels le vol de voitures et la revente des pièces détachées.

   Cette façade burlesque masque à peine le côté sombre de l'histoire. Le héros économise secrètement pour fuir la région. Au quotidien, il lui faut éviter aussi bien les milices patriotiques que les services secrets israéliens.

   Tout se complique le jour où il s'empare d'une voiture dans le coffre de laquelle il découvre un drôle de paquet-cadeau... dont il ne sait pas comment se débarrasser. Commence alors un jeu du chat et de la souris, doublé d'une course contre la montre. Entre son ex, le mari de celle-ci, les hommes de main du caïd local et le policier qui le traquent, Mousa ne sait plus où donner de la tête.

   L'une des meilleures séquences le montre perdu en pleine cambrousse, avec son encombrant "paquet-cadeau". Il se retrouve chez une vieille femme aveugle, pleine de fraîcheur.

   C'est assez drôle, bien que parfois maladroit. Le portrait de l'ex du héros est de surcroît un peu chargé, laissant le beau rôle à Mousa. Mais le film vaut aussi pour le tableau de la société palestinienne qu'il esquisse : les inégalités sont grandes et la corruption gangrène les institutions. Seule solution : la fuite.

Avril et le monde truqué

   Cette animation française s'inspire du graphisme des œuvres de Jacques Tardi. Ce n'est pas la première fois que l'univers du dessinateur se retrouve à l'écran. Il y a cinq ans, Luc Besson avait adapté une autre œuvre de Tardi : Les Aventures extraordinaires d'Adèle Blanc-Sec, avec de véritables acteurs.

   L'animation qui vient de sortir en France est une uchronie. L'histoire de notre pays est réécrite à partir de 1870, jusqu'en 1941. La IIIe République n'a pas été instaurée et à Napoléon III ont succédé Napoléon IV puis Napoléon V.

   Le deuxième élément perturbateur est de niveau scientifique. La disparition progressive des plus grands esprits de ce temps prive le monde de leurs découvertes. Certes, le Paris qui nous est montré bénéficie d'avancées technologiques, mais pas les mêmes que celles qu'il a réellement connues. Cela donne au film une ambiance à la Jules Verne vraiment réussie.

   Avril (à laquelle Marion Cotillard prête sa voix) est la fille et petite-fille de scientifiques disparus. Elle vit dans un lieu tenu secret, en plein Paris, mais à l'écart du monde. C'est une chapardeuse professionnelle, dont toute l'énergie est consacrée à la recherche du remède miracle sur lequel ses parents ont jadis travaillé.

   Au départ, il s'agissait d'un projet philanthropique, visant à améliorer le sort de l'Humanité. Pour Avril, c'est devenu une quête personnelle : elle doit trouver un moyen de sauver son chat. Prénommé Darwin, il est son unique compagnon, d'autant plus précieux qu'il parle... et qu'il lit ! (Il a la voix de Philippe Katerine.) C'est mon personnage préféré... parce que j'aime les chats... et parce qu'il est spirituel.

   La suite ? Un roman d'aventures, au cours desquelles Avril va tenter d'échapper à de méchants policiers, ainsi qu'à de mystérieuses créatures, qui agissent en coulisses. Elle va pouvoir s'appuyer sur "Pops" (Jean Rochefort), un brillant scientifique, bien qu'un peu farfelu. Un jeune homme va aussi entrer dans sa vie, peut-être pour le meilleur et pour le pire...