Nouvelles arnaques au téléphone

   C'est un sujet dont j'ai déjà parlé il y a des années de cela. Depuis, j'aurais pu y consacrer d'autres billets, mais, bon, la question étant traitée par divers médias, je n'en ai pas vu l'utilité. Il se trouve que, très récemment, j'ai reçu un coup de fil qui m'a donné envie de remettre le couvert.

   Au téléphone une (jeune femme) m'a annoncé que j'avais gagné un bon d'achat de mille euros dans une grande surface. Bigre ! Le montant de la somme m'a un peu interloqué. Et puis, en arrière-plan, j'entendais des bruits qui laissaient penser que mon interlocutrice travaillait dans un centre d'appel, sans doute pas en France.

   Dans la suite de la conversation, la dame m'a donné un code (celui qui allait me permettre de profiter de ce fabuleux bon d'achat) et, surtout, elle m'a communiqué LE numéro qu'il fallait absolument appeler pour valider mon gain. Elle m'a même fait répéter pour vérifier que j'avais bien tout pris en notes. (Comme j'avais un peu de temps libre au moment de l'appel, j'ai, dans un premier temps, joué le jeu, par curiosité.)

   Voici donc le numéro à ne pas appeler :

08 99 17 93 41

   Cette arnaque n'est pas si récente que cela. Elle remonte à au moins deux ans. Il en a été question sur LCI, en septembre 2015 (pour Conforama) et octobre 2015 (pour les grandes surfaces classiques). Sur un site dédié, on peut aussi lire des témoignages d'arnaqués, avec d'autres exemples de numéros surtaxés.

Conspiracy

   Ce thriller complotiste bénéficie d'une distribution haut-de-gamme avec Lisbeth Salander Noomi Rapace (bondissante comme jamais), Toni Collette (en femme de pouvoir), Michael Douglas (en vieux routier qui en a sous la semelle), John Malkovich (auquel le rôle de chef d'antenne de la CIA convient parfaitement) et Orlando Bloom (excellent en cambrioleur plus ou moins gentleman).

   Le début suit la trame classique de la lutte des services secrets contre l'islamo-fascisme. C'est bien fichu et prenant... sauf, qu'au bout d'environ une demi-heure, l'héroïne (puis les spectateurs) comprend que quelque chose cloche. A ce moment-là, l'intrigue bascule dans du sous-Greengrass. Force est de constater que, comme metteur en scène, Michael Apted n'arrive pas à la cheville du modèle.

   Evidemment, il y a un traître. Evidemment, il y a de la baston dans l'air. Evidemment, l'héroïne va être blessée (mais pas trop quand même, hein). Evidemment, elle va être trompée. Evidemment, elle va être aidée. Evidemment, elle va finir par triompher.

   On pourrait se dire que ce ne sont que des resucées mais, qu'après tout, il reste le plaisir de découvrir qui a monté cette conspiration. Ben, là aussi, c'est décevant. Je ne voudrais pas avoir l'air de me vanter, mais j'ai vite compris à propos de qui il y avait anguille sous roche. On s'en rend compte quand, au cours d'une scène d'action filmée en plans rapprochés, tout à coup, la caméra s'éloigne pour filmer un événement pourtant capital pour la suite de l'histoire. Aux amateurs de littérature policière, je conseille de rechercher du côté de Dix Petits Nègres...

   Tout ça pour quoi ? Pour suggérer que, derrière les attentats islamistes, il y a de méchants Occidentaux et qu'il existe de "gentils" intégristes... On n'est pas obligé de souscrire à cette géopolitique de comptoir.

Django

   La critique a fait la fine bouche devant ce portrait du musicien tsigane pendant la Seconde guerre mondiale. Je me suis décidé à aller voir ce film pour plusieurs raisons : la présence d'acteurs que j'apprécie au générique, l'envie d'entendre la musique "manouche" et l'intuition qu'Etienne Comar (le réalisateur) n'avait pas fait un travail de sagouin.

   Je reconnais qu'il y a quelques maladresses, peut-être dues au montage. Le film durant déjà presque deux heures, on a visiblement pratiqué quelques coupes, pas toujours judicieusement choisies. Ainsi, durant la scène qui voit l'un des musiciens du groupe parisien de Django refuser de le suivre en Suisse, les deux hommes sont d'abord assis face-à-face, avant que le musicien ne se lève. L'instant d'après, il est dans les bras de Django, que l'on n'a pas vu se lever. Cela fait une drôle d'impression. Un peu plus loin, c'est la découverte puis l'inhumation du cadavre d'un petit personnage qui est traitée de manière cavalière, au point que cela nuit à la compréhension de ce moment de l'histoire.

   Ces réserves émises, le film est de bonne facture, avec quelques effets de mise en scène, notamment dans l'excellente séquence du dîner-spectacle, dans la riche demeure des bords du lac Léman. Je pense, entre autres, à l'arrivée des musiciens, que l'on voit déboucher en haut d'un escalier puis entrer dans une pièce où les attend une sorte de maître d'hôtel, dont on ne voit que le visage, par reflet, dans un miroir. C'est dire toute la distance symbolique qui le sépare des Tsiganes pourtant si proches de lui à cet instant. Peu avant le concert, c'est le jeu des pieds qui transmet certains sentiments.

   C'est de plus bien joué. Reda Kateb est très bon en Django, dont il a tenté d'imiter la gestuelle musicale, de manière convaincante. Face à lui, Cécile de France se débrouille bien, malgré le mauvais traitement que subit son personnage. C'est une mondaine, qui évolue entre résistance et collaboration "horizontale". Son personnage aurait mérité d'être un peu plus fouillé. C'est une autre femme qui rayonne sur le film : la mère du héros, incarnée par Bimbam Merstein, un mélange de babouchka et de mère juive polyglotte, possessive et caractérielle... adorable !

   Notons que le film ne fait pas du musicien un saint. Celui-ci pense essentiellement à son art, à l'alcool et au poker. Il est présenté comme égocentrique et, au départ, peu soucieux du contexte politique dans lequel il évolue. Incidemment, l'intrigue montre que l'occupation allemande a servi sa carrière : dans le Paris de l'époque, les jazzmen américains sont interdits, tout comme les musiciens juifs...

   Ce film réunit donc les qualités de plusieurs genres : le film de guerre (avec des nazis redoutables... et des collabos minables), le film musical (excellent), le film d'amour (moyen) et le film à suspense, cette histoire étant relativement méconnue. C'est aussi l'occasion de rappeler que deux génocides ont été perpétrés pendant la guerre : celui des juifs et celui des Tsiganes.

Full Metal Jacket

   Le cinéma de Rodez, dans le cadre de son programme "patrimoine", rediffuse de temps à autre un "bon vieux film", que seuls les spectateurs les plus âgés ont pu voir dans une salle. Ces derniers temps, on a eu droit à La Grande Vadrouille, L'Histoire officielle ou encore Chantons sous la pluie. Va donc pour l’œuvre de Kubrick sur grand écran, en version originale sous-titrée.

   J'ai retrouvé la puissance des 45 premières minutes, celles qui décrivent la formation des recrues, sous la férule de l'instructeur Hartman, un personnage devenu emblématique du cinéma de guerre, d'autant plus qu'il était incarné par un acteur non-professionnel, l'ancien marine Ronald Lee Ermey (qui a servi au Vietnam).

   Cette partie est aussi l'occasion de découvrir Vincent d'Onofrio à ses débuts, dans le rôle marquant d'un apprenti-soldat grassouillet, gentil comme tout au début, mais qui va devenir le souffre-douleur de l'instructeur et de ses camarades. Les téléspectateurs le connaissent surtout sous les traits de l'inspecteur Goren, dans la série New York, section criminelle.

   Cette première partie a le grand avantage de permettre d'enrichir son vocabulaire en insultes discriminatoires, tant le langage d'Hartman est fleuri... et politiquement incorrect. Il est sexiste et homophobe, mais se défend de tout racisme... puisque, noires comme blanches, toutes ses recrues sont des lopettes !

   C'est évidemment hilarant, mais aussi, parfois subrepticement subversif : au moment de leur incorporation, les recrues passent chez le coiffeur. Quand on observe les mains de l'homme qui s'occupe de la tignasse des jeunes, on remarque que les Blancs se font souvent tondre par un Noir et les Noirs toujours par un Blanc...

   La seconde partie, qui se déroule au Vietnam, est un chef-d’œuvre de tension. Il n'y a de violent que le strict nécessaire, mais avec un tel art dans l'enrobage qu'on a l'impression de suivre une troupe au front. Kubrick dénonce l'absurdité de la guerre, sur fond de fumée rougeâtre et d'incendies, donnant un cadre somptueusement infernal aux déambulations de ces soldats perdus de l'Amérique.

   Quel film !

   P.S.

   A Rodez, plusieurs séances supplémentaires sont programmées les après-midi de cette semaine.

Le héros de la télé

   L'Aveyronnais Timothée Cros continue de faire les beaux jours de l'émission Les 12 coups de midi. Il a dépassé les 70 participations et tente de découvrir sa troisième étoile (la première remontant à avril dernier). Cela lui vaut les honneurs cette semaine du magasine Télé Loisirs, qui l'a placé en Une :

   Page 4, il fait l'objet d'une grande partie de l'éditorial :

   Plus loin, les pages 12-13 lui sont consacrées. Le jeune homme y parle de ses points forts et de certains de ses points faibles, du super-champion Christian auquel on commence à le comparer. Cette supposée rivalité est montée en épingle (tout comme les rapprochements avec les ravissantes jeunes candidates) pour pimenter le jeu et augmenter l'audience... mais on peut dire à nouveau que c'est déjà terminé depuis un moment pour Timothée. Son élimination (officielle) devrait se produire dans les jours qui viennent. Selon mes informations, il va quand même finir deuxième meilleur candidat de tous les temps (pour ce jeu). Une belle performance, pour un étudiant de 24 ans.

Les Gardiens de la galaxie 2

   Je n'ai pas vu le premier volet et je ne connaissais pas ces héros parodiques de l'univers Marvel. Mais, un soir, porté par le bouche-à-oreille et l'envie de voir un film moins déprimant que Glory, je me suis glissé dans l'une des grandes salles du multiplexe ruthénois... et je ne l'ai pas regretté.

   Le début est "gonflé". Le générique s'enclenche en plein milieu d'une baston qui a dû coûter un bras à mettre en scène, l'un des personnages se déhanchant devant la caméra (sur un fond musical tonique), pendant que ses acolytes risquent leur peau face à un horrible monstre de l'espace.

   Cela donne le ton du film, survitaminé aux effets spéciaux et adepte d'un humour transgressif qui ravira petits et grands. Pour le dire autrement, c'est pipi-caca-vomi. Pour le pipi, il y a une formidable rupture de ton au cours d'une scène père-fils très solennelle. Pour le caca, il y a la menace proférée par le renard putois raton-laveur, qui promet de venir déposer un joli cadeau sur l'oreiller de l'un de ses camarades. Pour le vomi, il y a la réaction d'un des membres de l'équipe après un vol mouvementé...

   C'est donc une histoire rythmée, pleine de bruit et de fureur... et de couleurs. C'est très beau à voir sur grand écran, avec des teintes bleutées, orangées, dorées, des effets luminescents avec une flèche perforante et ces vaisseaux scintillants en forme de capsules.

   Par contre, il ne faut pas trop s'attarder sur les dialogues. En général, ils sont d'une grande banalité. A quelques occasions, ils soulignent le comique d'une scène particulièrement réussie, comme la capture d'une partie des membres de l'équipe, la recherche par ceux-ci d'un moyen pour s'enfuir et, finalement, leur échappée du vaisseau des pirates de l'espace.

   Je n'ai guère goûté les considération familiales, tout comme celles sur l'amitié qui se noue entre ces personnages au départ si dissemblables (voire ennemis). C'est banal et même parfois gnangnan. Au niveau des acteurs, c'est évidemment surjoué. Chris Pratt ne fait pas d'étincelles. Il est peut-être moins bon que dans Passengers. Je préfère nettement le personnage de Rocket. Mais ce sont les dames qui m'ont le plus touché. Celle qui nous offre la meilleure composition d'actrice est à mon avis Karen Gillan en Nebula. Pom Klementieff est très bien aussi en Mantis, tout comme Elizabeth Debicki en Ayesha. (On avait remarqué celle-ci dans Agents très spéciaux.)

   Franchement, les deux heures passent rapidement et on en a pour son argent.

Glory

   Le titre "français" de ce film gréco-bulgare gagne en clarté ce qu'il perd en subtilité par rapport à l'original, Slava. Celui-ci est à double voire triple (quadruple ?) détente : il signifie "gloire", en russe (et sans doute aussi en bulgare) et c'est la marque de la montre (de fabrication russe) du héros, l'aile de papillon qui va déclencher une série de péripéties ubuesques. Mais c'est aussi une allusion à la population (et à l'âme) slave... et à l'esclavage, c'est-à-dire la domination que subit un peuple victime d'une élite corrompue.

   C'est vous dire qu'on est ici dans le film à thèse, avec une morale à la clé. Le scénario est bigrement bien ficelé, mais, sur le fond, il est très ambigu.

  Les scènes du début plantent bien le décor. Il est d'abord question d'une fraude aux marchés publics (voilà pour la corruption des élites) puis du siphonnage du réservoir d'une motrice de la SNCF locale... par des cheminots (voilà pour la corruption du peuple). Entre les deux se trouve le héros, le cantonnier Tsanko Petrov, pas bien riche mais avec des valeurs, comme l'honnêteté.

   Assez vite, il entre en contact avec le principal personnage féminin de l'histoire, Julia, la directrice de communication du ministre des Transports, incarnée avec beaucoup de talent par Margita Gosheva. Cette superbe quadragénaire, travailleuse et ambitieuse, n'a que du mépris pour l'honnête cantonnier qui avertit les autorités quand il découvre un sac de billets éventré sur l'une des voies qu'il est chargé d'entretenir. Lui aussi est présenté de manière caricaturale : c'est un vieux garçon, solitaire, sale et bègue. (N'en jetez plus !) Mais c'est la cérémonie de congratulations qui fait déraper l'histoire : Julia lui prend temporairement sa vieille montre (le ministre va lui en offrir une neuve, devant les caméras)... mais elle oublie de la lui rendre et ne se rappelle plus où elle peut bien être... alors que c'est la seule chose qui importe à Tsanko (la montre lui a été offerte par son père, avec une inscription). A partir de là, progressivement, les ennuis s'enchaînent, pour la directrice de com' et pour le cantonnier, pris dans un tourbillon médiatique qu'ils n'ont pas vu venir.

   C'est habilement mis en scène, mais pas aussi drôle que ce qui a été dit. Surtout, le portrait qui est brossé de cette Julia est presque uniquement à charge... et un peu puant sur les bords. Elle incarne la femme moderne, "occidentale" dans son mode de vie... et indépendante. Elle règne sur un bureau où les hommes sont aux ordres... jusqu'à quitter leur pantalon pour obéir à celle qui "porte la culotte" (dans des circonstances que je vous laisse découvrir). La même idée est illustrée un peu plus loin, lorsqu'une de ses assistantes force un caméraman à prêter sa chemise au héros, non par compassion, mais pour qu'il passe mieux à l'écran ! Quant au mari, c'est un gentil nounours qu'elle mène par le bout du nez. (On nous suggère même qu'elle a sans doute eu quelques aventures extra-conjugales.) Le message est clair : messieurs les Bulgares, l'occidentalisation de la société vous fait perdre vos couilles ! C'est d'autant plus gênant que les personnages les plus antipathiques sont montrés couverts par le drapeau européen, jusque dans une scène grotesque, qui voit l'héroïne se faire une injection fertilisante cachée derrière l'emblème communautaire. C'est, pour les auteurs, une autre manière de dénigrer cette femme moderne, qui, à quarante ans, n'a toujours pas d'enfant, ayant sans doute choisi de privilégier sa carrière (et alors, de quoi je me mêle ?). Mis bout à but, ces éléments constituent un tableau qui manque de nuance... sauf, peut-être sur la fin.

 

ATTENTION :

LA SUITE DU BILLET RÉVÈLE DES ÉLÉMENTS CLÉS DE L'INTRIGUE

 

   La fin est assez habilement amenée. Quand on a compris les présupposés idéologiques des auteurs, on se dit qu'un événement dramatique (et vengeur) risque de survenir. Dans un premier temps, le suspens est maintenu. On est tenté de croire que Julia va perdre les embryons qu'elle a eu tellement de mal à obtenir. Eh bien, non ! Elle amorce même un changement d'attitude, devenant plus compassionnelle, après une cuite pitoyable où elle est filmée de manière dégradante. Elle finit par retrouver la montre de Tsanko, mais c'est en voulant la lui rendre en personne qu'elle subit son châtiment, des mains de sa victime (indirecte). Pendant qu'elle se fait tuer, son compagnon écoute tranquillement du jazz dans sa belle voiture. Les "bobos" sont bien punis... Par contre, ni les dirigeants corrompus, ni les flics véreux ni les cheminots magouilleurs (et ultraviolents) ne subissent un tel sort. Uniquement la femme, l'intermédiaire. D'un côté, on pense que les auteurs ont voulu montrer l'impunité dont jouissent certaines castes. De l'autre, on se dit qu'il est tout de même étrange que, dans cette fiction, un type de personnage en prenne plein la figure (au propre comme au figuré).

L'Homme aux mille visages

   Cet homme n'est ni un pro du déguisement, ni un être surnaturel doté de pouvoirs de transformation. C'est un entremetteur, limite barbouze, utilisé par le gouvernement espagnol ou des particuliers fortunés pour réaliser des opérations "discrètes", évidemment aux franges de la légalité...

   L'histoire (vraie) nous est contée par l'un des personnages fictifs (l'ami pilote), dans un grand retour en arrière, qui nous entraîne dans l'Espagne des années 1980-1990, quand sévissait le terrorisme de l'ETA... et le contre-terrorisme des GAL, une mystérieuse organisation dont les ramifications remontaient jusqu'au sommet du pouvoir. C'est l'occasion pour certains de s'enrichir éhontément. Là est le noeud du problème (l'argent), plutôt que le meurtre politique.

   L'intrigue a donc l'apparence d'un polar, avec tant de mystères qu'on a parfois l'impression de se trouver dans un film d'espionnage façon Guerre froide. La photographie accentue cette impression. Les tons rouges-ocres-marrons sont très présents, en particulier dans les scènes d'intérieur. On retrouve le talent du réalisateur de La Isla minima, l'un des meilleurs polars de ces dernières années.

   L'esprit de certains des protagonistes est tortueux, à l'image de l'intrigue. Voilà pourquoi il convient de ne pas perdre une miette du spectacle, surtout si, comme moi, on n'entrave pas grand chose à la langue de Cervantès. Beaucoup de choses passent dans la communication non-verbale (les regards, les attitudes), les dialogues étant visiblement remplis de sous-entendus.

   Sans qu'un seul coup de feu ne soit montré à l'écran, on est pris dans une montée de tension progressive, le réalisateur nous laissant volontairement dans l'expectative quant à la réalité de certaines menaces. Le scénario, habile, nous fait aussi sentir l'importance de la vie affective de certains protagonistes et les conséquences que les activités illicites ont sur elle. Et puis il y a la grosse arnaque en cours, qui s'appuie sur un réseau de banques "compréhensives". Le film est aussi une dénonciation de la malhonnêteté en politique, même si je le trouve complaisant envers certains personnages à la moralité douteuse. Il n'en constitue pas moins un excellent divertissement, plutôt du genre cérébral.

   P.S.

   Certains spectateurs seront peut-être surpris de l'importance de la place accordée à la France dans cette histoire. Ce n'est pas une coquetterie liée à la production, mais la stricte représentation de la réalité : la lutte contre l'ETA a entremêlé la vie politique des deux pays, pour le meilleur et pour le pire...

Pirates des Caraïbes - La Vengeance de Salazar

   Et c'est reparti pour un tour ! Six ans après La Fontaine de jouvence, le grand manège Disney revient avec ses vedettes et de petits (voire grands) nouveaux, dans une intrigue qui, a priori, sent un peu le réchauffé : on nous sort du chapeau un vieil ennemi de Jack Sparrow (dont on n'avait jamais entendu parler auparavant), encore plus terrible que les précédents. Reconnaissons toutefois que, dans le rôle de l'infâme Salazar, Javier Bardem (pourtant pas le premier choix de la production) est excellent.

   On est aussi rapidement cueilli par deux séquences fort bien ficelées : la première attaque menée par les pirates fantômes et le braquage de la banque par un Sparrow aussi imbibé d'alcool que le fut Johnny Depp sur le tournage ! Précisons immédiatement que, dans le déroulement des péripéties, il ne faut pas espérer trouver une qualité d'enchaînement et une vraisemblance à toute épreuve : on est d'abord là pour s'amuser ! Il convient donc de se laisser plonger dans ce bain d'imagination furieuse, où les combats de navires sont de retour... et avec quel brio !

   Cela compense certaines scènes de dialogues, notamment au début. La rencontre entre Will Turner et son fils devenu adulte est d'une platitude sans nom. Même Javier Bardem rate un peu son entrée, quand, s'approchant du commandant du navire qu'il vient d'aborder, il affirme, gravement et pompeusement "Je suis... la mort !" Heureusement, cela s'arrange par la suite. C'est l'occasion de saluer le travail fait au niveau des effets spéciaux : les pirates fantômes sont très réussis et les séquences maritimes, qui mêlent images réelles et d'autres de synthèse, sont aussi bluffantes que celles du troisième volet de la franchise.

   Que reste-t-il en mémoire ? Outre les séquences déjà mentionnées, celle de l'arrivée des pirates sur une île mystérieuse et, surtout, la bataille du fond des mers, dans la tombe de Poséidon, presque un chef-d'œuvre.

   Et l'humour dans tout ça ? Il m'a paru moins présent que dans les films précédents. On peut néanmoins goûter certaines répliques, de Johnny Depp mais aussi du principal personnage féminin (Carina), présumée sorcière mais surtout authentique scientifique... et fille de pirate ! C'est d'ailleurs l'un des intérêts de l'histoire, qui révèle quelques secrets... notamment l'origine du costume de Jack, lors d'un brillant retour en arrière qui nous fait découvrir un clone de Johnny Depp jeune.

   Ah, oui, j'oubliais : les allusions sexuelles (et scabreuses) ! Cette production Disney se dessale un peu (un comble, pour un film marin !), au grand plaisir des petits et des grands. On retiendra un bonheur de traduction : le quiproquo né de la mauvaise compréhension, par les pirates (et le public illettré de la salle), de l'adjectif "putative", qui n'évoque, pour les esprits faibles, qu'un commerce charnel un peu trop rapide. (Dans la version originale, je crois qu'il y a un jeu de mots entre "horlogy" et "whore"... n'oublions pas que Carina est une experte du chronomètre...) Je recommande aussi la scène du mariage de Jack et sa rencontre avec... des cochons !

   Je rassure les âmes vertueuses : la morale est sauve. Aucun des horribles pirates alcooliques et assoiffés de sexe ne tente d'abuser de la jeune scientifique au décolleté pigeonnant et, sur la fin, on a droit à un bel éloge de la monogamie hétérosexuelle, à travers deux couples, l'un d'entre eux faisant son retour dans la série...

   P.S.

   Ne faites pas comme la masse du troupeau incrédule des spectateurs lambda, qui quittent très tôt la salle. Comme à son habitude, la production nous réserve une petite scène d'annonce, au bout du bout du générique... On n'en a pas encore fini avec les Pirates !

L'affaire Richard Ferrand

   La bombinette lâchée hier par Le Canard enchaîné a fait son petit effet. A un moment où une grande partie de l'électorat français compte sur Emmanuel Macron pour moraliser la vie politique de notre pays, l'affaire, pour peu importante qu'elle soit sur le plan financier, revêt une grande importance symbolique.

   Commençons par la partie annexe de cette affaire : l'emploi du fils comme assistant parlementaire. Cela a parfois été mis sur le même plan que les agissements de François Fillon. Comparons les deux cas. Richard Ferrand a trois enfants prénommés Emile, Louise et Rose. D'après Le Canard enchaîné, le premier a fait office d'assistant parlementaire pendant quelques mois, en 2014, pour un salaire brut total inférieur à 9000 euros.

   On a plus de détails sur le site Francetvinfo : le fiston a travaillé quatre mois pour son père et a touché au total moins de 7000 euros nets. Cela ressemble à un salaire réel, même si (restons soupçonneux jusqu'au bout) il conviendrait de vérifier que le fils du député a bien effectué ce pour quoi il était payé. A titre de comparaison, rappelons que, d'après Le Canard enchaîné du 1er février dernier, celui qui était entre 2005 et 2007 sénateur de la Sarthe a employé sa fille aînée Marie pendant 15 mois et son fils cadet Charles pendant presque 6, le tout pour un travail dont la réalité est contestée. De surcroît, ces rejetons ont été extrêmement bien payés (mieux que la plupart des assistants chevronnés). La fille a touché au total presque 60 000 euros (bruts), le fils un peu plus de 25 000. C'est surtout cette somme que l'on peut comparer aux émoluments d'Emile Ferrand : pour un travail (présumé) équivalent, il a touché presque trois fois moins.

   Il reste que, de la part d'une personne qui, par la suite, a condamné les pratiques de François Fillon, cela fait un peu tache. Ceci dit, il n'est pas impossible que l'excuse avancée par Ferrand soit parfaitement juste : en raison d'un surcroît de travail à sa permanence, il a eu un besoin urgent de main-d'oeuvre supplémentaire, une main-d'oeuvre en laquelle il puisse avoir entièrement confiance. Le fait qu'à l'époque son fils de 23 ans fût sans emploi a peut-être fait pencher la balance...

   En tout cas, c'est une raison plus vraisemblable -et moins méprisante- que celle avancée par un membre du cabinet du ministre. Fort heureusement, dès hier, Richard Ferrand a condamné ces propos sur son blog. Je pense que, si cette déclaration a bien eu lieu dans les termes rapportés par Francetv, il faut que son auteur soit sanctionné. De la part de celui-ci, ce n'était peut-être que de la maladresse (due à la nécessité de trouver une réponse rapide à une question imprévue)... ou bien, à l'image de ce que l'on reproche parfois aux militants d'En Marche ! (souvent diplômés voire très diplômés), la nouvelle manifestation d'une sorte de complexe de supériorité.

   Le point positif de l'histoire est qu'elle pourrait contribuer à faire inscrire dans la (future) loi l'interdiction, pour un-e parlementaire, d'employer un proche comme assistant.

   Le deuxième versant de l'affaire Ferrand touche sa compagne avocate. C'est celui qui prête le plus à polémique. Sur le fond, il n'est pas surprenant qu'une mutuelle décide de passer par une SCI pour louer un local qu'elle ne souhaite pas acheter. C'est une procédure courante dans plusieurs branches de l'économie. Ma curiosité a été piquée quand j'ai appris que la SCI liée à la compagne de Richard Ferrand avait été fondée après que le marché lui avait été attribué. Aux profanes, cela apparaîtra totalement invraisemblable, mais, dans ce secteur, ce n'est pas une pratique exceptionnelle. Il reste que la SCI SACA devait avoir bouclé au préalable son plan de financement. Pour en être sûr, il faudrait consulter son dossier de candidature (de 2010-2011) auprès des Mutuelles de Bretagne.

   Un autre point surprenant (relevé par Le Canard) est l'actionnariat de la SCI : 99 % des parts détenues par la compagne de R. Ferrand, 1 % par... un Aveyronnais (Serge C, un architecte, je crois). Au vu de la répartition du capital, il semble que cet ami du couple n'était là que pour "faire le deuxième". S'il s'avère que le conseil d'administration des Mutuelles de Bretagne était bien informé de l'implication de l'épouse dans la SCI, il semble que la ventilation du capital lui était inconnue : dans un reportage de France 3 Bretagne, l'actuel président du conseil d'administration, Rémy Salaun (par ailleurs militant communiste, donc pas suspect de macronphilie exacerbée) déclare "Il nous avait annoncé que sa femme détenait des parts dans cette SCI"... mais pas 99 %, visiblement. Cerise sur le gâteau (toujours selon Le Canard enchaîné), l'ami aveyronnais aurait revendu sa part de Saca à... l'une des filles (Louise) du couple Doucen-Ferrand. Bien que tout ait été fait dans les règles, il y a de quoi tiquer : on serait tenté de penser que l'ami aveyronnais a joué le rôle de facilitateur dans une combine légale.

   Quelques mots sur l'exploitation de l'affaire, pour terminer. Quelques personnes mal informées ou mal intentionnées  tentent d'exploiter les déboires du ministre. C'est ainsi qu'apparaissent des déformations : ce ne serait pas un membre du cabinet, mais Richard Ferrand lui-même, qui aurait tenu les propos méprisants sur les jeunes de Bretagne. Autre invention : l'actuel ministre aurait "fait acheter" aux Mutuelles de Bretagne le bien de sa compagne. Or, il n'avait pas voix au chapitre. Ce sont d'autres personnes que lui qui ont procédé au choix, en 2011. La vraie question qui demeure (à supposer qu'il y ait un doute) est la suivante : en 2011, la compétition a-t-elle été juste entre les trois offres ? (Ou, si vous préférez : l'offre de la Saca a-t-elle été la "mieux-disante" sans avoir accès à celles de ses concurrents ?)

   P.S.

   Ici ou là, on peut lire divers propos à propos de l'opportunité de la publication des détails de l'affaire. Certains affirment que Le Canard enchaîné était au courant depuis plusieurs mois et que, dans un premier temps, la rédaction a décidé de mettre le paquet contre François Fillon puis de ne pas gêner la candidature Macron contre Le Pen. Par contre, l'hebdomadaire penchant tout de même plutôt à gauche, il chercherait à mettre des bâtons dans les roues du nouvel exécutif, pour empêcher La République en marche d'obtenir seule la majorité absolue des députés.

   L'autre hypothèse est que des langues ne se sont déliées que récemment (après la nomination de Richard Ferrand dans le gouvernement Philippe) et que Le Canard utilise cette histoire pour faire comprendre au nouveau pouvoir que, s'il a dézingué certains de ses adversaires, il ne va pas le faire bénéficier d'un traitement de faveur pour autant.

La Belle et la Bête

   Disney nous offre une nouvelle lecture du célèbre conte, avec, cette fois-ci, des personnages réels... et quantité d'effets numériques. Je laisse à chacun le loisir de comparer l'intrigue avec l'une des plus anciennes versions du conte (qui diffère quelque peu).

   Que dire ? D'abord, que les images sont superbes. C'est de la belle enluminure (je recommande les paysages), avec des incrustations numériques qui doivent "donner" en version 3D. J'ai adoré tous ces personnages formés à partir d'objets animés (qui sont en fait d'anciens humains, victimes comme la Bête de la malédiction). C'est à ces personnages que l'on doit d'ailleurs les quelques moments d'humour.

   Du côté des humains, c'est bien joué, avec la dose d'extravagance qui sied à ce genre d'histoire. Luke Evans (vu récemment dans High Rise et La Fille du train) incarne avec talent le méchant de l'histoire, un beauf bravache et sans scrupule, qui arrive à embobiner la plupart des habitants du village... mais pas ma Choupinette ! Hermione Granger Emma Watson poursuit sa carrière cinématographique, moins d'un an après l'intéressant Colonia. Ce rôle de fille modèle, serviable, attachée à son père (et à la lecture), lui va comme un gant. Face à elle, Dan Stevens est plus convaincant en Bête qu'en homme normal. Au détour d'une scène, on peut aussi remarquer la présence de tel ou tel acteur connu (comme Emma Thompson ou Ian McKellen, déjà à l'affiche du précédent film de Bill Condon, Mr Holmes).

   Les acteurs secondaires, qui interprètent les villageois, sont utilisés pour dénoncer l'intolérance et la beauferie dont sont capables les humains. Car, aussi étonnant cela puisse-t-il paraître, cette production (très) grand public contient pas mal de messages. Il y est question d'amour, de la famille, du respect, de la tolérance, de la place des femmes (eh oui !) et aussi de la lecture. L'héroïne aime se plonger dans les pièces de Shakespeare. Son séjour forcé au château de la Bête va lui faire découvrir une fabuleuse bibliothèque... et des points communs avec son geôlier.

   L'ensemble serait presque parfait si l'action n'était pas entrecoupée d'imbitables chansons niaiseuses... en français de surcroît, puisque je n'ai eu accès qu'à la version doublée du film. On m'a donc privé de la voix de Choupinette ! Shocking ! Pour me consoler, j'ai eu le plaisir de la voir surmonter toutes les difficultés, la dernière étant l'assaut du château, au cours duquel la vie de la Bête est en danger.

   Les chansons mises à part, c'est un très bon divertissement familial.

Alien : Covenant

   Cinq ans après Prometheus, Ridley Scott nous ressert une tranche de prequel d'Alien. L'action se déroule une vingtaine d'années plus tard. La scène du début nous présente l'androïde David (Michael Fassbender, l'un des rares à sauver dans une distribution médiocre), celui qui a participé à la mission précédente. Si le décor est soigné, la scène est prétentieuse, mal dialoguée.

   La suite est un peu à cette image. On découvre, après un petit bond dans le temps, une nouvelle expédition spatiale, celle-ci à but colonial. Les images sont magnifiques. On pense à 2001, L'Odyssée de l'espace, à Mission to Mars ou encore à Passengers. Évidemment, un incident va faire déraper le projet d'origine, pour conduire nos héros à leur funeste destin.

   A partir de là, cela devient prévisible de chez prévisible. C'est encore pire que dans Prometheus. On sent tout venir à des kilomètres. Certaines scènes m'ont semblé calquées sur celles des précédents films. De surcroît, ces militaires et scientifiques chevronnés, censés avoir été préparés à la mission, se transforment en chochottes avec une incroyable facilité. On pourrait aussi parler des invraisemblances scénaristiques, qui facilitent le déroulement des péripéties. Seuls surnagent les deux androïdes, faux jumeaux et tellement proches des humains... jusqu'à leurs défauts. L'autre personnage remarquable est Daniels (Katherine Waterston)... un clone d'Ellen Ripley.

   Il n'y a que deux moments qui m'ont paru emballants : le combat sur le vaisseau au décollage, très rythmé, et le rêve de David, qui, visuellement, nous replonge dans l'univers des "ingénieurs" découverts dans Prometheus. Il se murmure que l'on reverrait ceux-ci dans le prochain opus. J'espère qu'il fera preuve d'un peu plus d'imagination, parce que là, le recyclage de boîtes de conserve donne au film un arrière-goût déplaisant.

Braquage à l'ancienne

   L'un des nouveaux chouchous de Hollywood, Zach Braff, pilote cette nouvelle version de Going in style, sur un scénario de Theodore Melfi (qui a récemment réalisé Les Figures de l'ombre). Comme il s'appuie principalement sur une distribution d'octogénaires (Morgan Freeman, Michael Caine, Alan Arkin et même Christopher Lloyd), j'ai eu peur, dans un premier temps, qu'il s'agisse d'une nouvelle comédie vulgaire, où viennent cachetonner d'anciennes gloires qui n'arrivent pas à décrocher. Bref, un Last Vegas bis.

   Le début m'a rassuré. C'est emballant et drôle, avec notamment la première attaque de banque, au cours de laquelle on découvre l'un des savoureux seconds rôles de l'histoire, l'employé Chuck Lofton, bien interprété par Josh Pais.

   Notons que le fond de l'intrigue se veut contestataire. Nos trois héros sont d'anciens ouvriers, dont les retraites complémentaires (vitales aux Etats-Unis, où le gouvernement fédéral n'assure que le minimum vieillesse) vont être "sucrées" par leur ancien employeur qui déménage avec armes et bagages au Vietnam. Ajoutez à cela que l'un d'entre eux a souscrit un emprunt à taux variable auprès de la banque qui va récupérer les actifs financiers de l'entreprise... et que ladite banque n'est pas très honnête avec ses clients.

   Là, je sens que le public militant risque de s'enthousiasmer pour cette histoire, dans laquelle nos amis mélenchonistes verront une illustration du capitalisme sans foi ni loi, tandis que nos voisins trumpo-lepénistes applaudiront à la dénonciation du "système" qui oppresse les travailleurs modestes. Un indice pour trancher entre les deux options : soyez attentifs aux relations interethniques.

   Quant aux spectateurs lambda, ils sont priés de fermer les yeux sur quelques grosses ficelles pour savourer des moments de comédie réussis. Le trio infernal va s'attaquer à une supérette, avant de songer à recourir au coaching d'un vrai truand. Evidemment, le jour dit, le braquage ne va pas se dérouler comme prévu. C'est l'occasion de revoir l'un des personnages secondaires du début, le policier du FBI incarné par Matt Dillon, qui va tenter de ne pas se faire rouler dans la farine par les papys braqueurs. Après coup, on découvre comment ceux-ci se sont forgé des alibis en béton.

   Voilà. On passe un agréable moment en compagnie de visages familiers. C'est hyper-balisé mais globalement bien joué.

L'Opéra

   Ce documentaire est signé Jean-Stéphane Bron, auquel on doit L'Expérience Blocher et surtout Cleveland contre Wall Street. Il est consacré à l'Opéra de Paris, une institution française s'étendant sur deux sites (Garnier et Bastille) et développant deux activités principales : la représentation lyrique et le ballet. C'est cet ensemble qui fait l'objet du film, toutefois davantage porté sur la partie opéra, durant la saison 2015-2016.

   Le début est un hommage à Paris, vue du dernier étage. Au premier plan est érigé un drapeau français. Au loin, on distingue l'église Notre-Dame, la Tour Eiffel et les immeubles du quartier de la Défense. C'est le repaire du directeur de l'établissement, Stéphane Lissner, qu'on saisit en pleine réunion. Le montage est habile : les propos tenus sont entrecoupés de fulgurances musicales, qui soulignent ce qui est dit ou viennent parfois en contrepoint. Dès le début, on sent qu'on a affaire à quelqu'un qui connaît son sujet.

   C'est d'ailleurs une constante dans le film. Bron manifeste un incontestable savoir-faire dans le choix de ses cadres. Le travail des différentes catégories de personnel est correctement mis en scène, avec une grande variété de plans. Je trouve par exemple que les coulisses sont très bien filmées, en interne ou pour montrer ce qui se passe sur la scène.

   Bien entendu, on entend du chant et de la musique. Du côté vocal, je garantis que, même en répétition, les artistes sont impressionnants. (La qualité du son est très bonne.) Notons que l'on voit et entend surtout des hommes, l'un d'entre eux, Mikhail Timoshenko, un Russe de 21 ans issu d'une bourgade du sud de l'Oural, bénéficiant de la couverture la plus étendue. Avec sa gueule d'ange, sa voix d'or et sa simplicité, gageons que c'est une future star de l'art lyrique. Comparée aux figures masculines, très positives, la seule grande chanteuse qui nous est présentée est limite antipathique. Elle se la joue diva. Certes, elle est belle et, quand on l'entend, on comprend tout de suite qu'elle a du talent. Mais on perçoit assez rapidement son narcissisme (à travers sa dépendance au téléphone portable) et son comportement un peu méprisant avec le "petit personnel".

   Celui-ci est mis en valeur par le réalisateur. On découvre les coiffeuses, les maquilleuses, les costumières (tardivement toutefois). On suit davantage les assistantes, au service des vedettes, discrètes, efficaces... et un peu mélomanes. Bien que le film dure 1h50, on n'a pas le temps de voir en détail toutes les corporations au travail, mais on a quand même un aperçu assez complet de la machinerie d'un opéra... en fait de plusieurs (contrairement à un autre documentaire, Traviata et nous, centré sur la préparation d'une seule oeuvre). Les extraits de représentation qui nous sont proposés permettent de se faire une idée de l'éclectisme de la programmation, qui, cette année-là, proposait aussi bien une relecture contemporaine de Moïse et Aaron qu'une nouvelle adaptation, haute en couleurs, des Maîtres Chanteurs de Nuremberg.

   Un détail cocasse semble avoir marqué J-S Bron : l'utilisation d'un vrai taureau comme figurant, sur scène, suscitant beaucoup d'inquiétude parmi la troupe. Signalons que ce "rôle" particulier a fait l'objet d'un casting, l'un des prétendants portant un nom de bon augure : "Fiasco" ! Pour la petite histoire, sachez que lauréat a pour identité "Easy Rider". Il a été davantage bichonné qu'un caniche chez le toiletteur ! Et quelle magnifique paire de couilles !

   Le hasard a voulu que la saison 2015-2016 soit particulièrement mouvementée. On perçoit les échos des massacres de Paris de novembre 2015 et des mouvements sociaux de 2016. Des tensions agitent le personnel, qu'on sent divisé mais représenté par des syndicats puissants. En simplifiant à l'extrême, il semblerait que les chanteurs-vedettes et les membres de l'orchestre (dirigé par le charismatique Philippe Jordan) soient des adeptes de l'art pour l'art, pour qui jouer/chanter est plus important que tout, alors que du côté du choeur et du ballet, on soit plus sensible à ce qu'il se passe de l'autre côté des murs.

   Cela m'amène à l'un de mes regrets : la faible présence à l'écran des ballerines et danseuses-étoiles. On les voit un petit peu au début puis, par fragrances, par la suite. A chaque fois, je suis touché par la grâce qui émane de leurs mouvements. Le réalisateur prend aussi soin de nous montrer le revers de la médaille : les pieds déformés d'une danseuse et l'épuisement d'une autre, juste après une scène. Il est aussi possible que les conflits qui ont agité la composante ballet de l'opéra aient perturbé la réalisation du documentaire. Sans être du sérail, on comprend que les relations entre l'enfant chéri des médias Benjamin Millepied (Monsieur Portman au civil) et la troupe de danseurs ont été houleuses.

   Mais tout cela nous fait rester dans un monde assez élitiste, un entre-soi encouragé par le prix élevé des places (aucun opéra à moins de 160 euros, à l'époque !). On voit la direction réfléchir au nécessaire élargissement du public, alors que, dans le même temps, l'Etat impose des compressions de personnel. Cela nous mène à une expérience intéressante, une classe "école et opéra", composée d'élèves du primaire appartenant tous aux "minorités visibles". (Au passage, il faudrait faire comprendre aux élites bien-pensantes que les descendants d'immigrés ne constituent pas le seul public exclu de la culture classique...) On est attendri en suivant ces bouilles enfantines presque gênées de manipuler des instruments d'une valeur faramineuse. Par contre, je déconseille l'audition de la production finale (un concert devant les familles) : ça fait mal aux oreilles ! (Pour une belle interprétation du deuxième mouvement de la septième symphonie de Beethoven, voir ici.)

 

Outsider

   Un peu par hasard (et parce que le cinéma de Rodez le propose aussi bien en version originale sous-titrée qu'en version doublée), je suis allé voir ce drôle de film, une sorte de biopic d'entrée de gamme sur l'un des plus méconnus des types très connus, Chuck Wepner.

   Ce boxeur poids-lourd a connu son heure de gloire dans les années 1970. A l'époque, il était le seul Blanc bien classé dans sa catégorie... et il a failli mettre au tapis Cassius Clay Mohamed Ali, qui venait pourtant de regagner son titre après un combat mythique contre George Foreman. Son parcours a d'ailleurs inspiré le personnage de Rocky à Sylvester Stallone.

   Le grand intérêt de ce film est de montrer l'envers de la légende. L'histoire de Rocky (la fictive) est une énième version du "Rêve américain", avec une fin heureuse. Celle de Chuck Wepner illustre la fragilité du succès. Elle ne cache pas les (nombreux) défauts de son héros, qui a rapidement sombré dans l'alcool, la drogue et les femmes vénales. Liev Schreiber excelle à incarner ce pauvre type pas très futé. Dans cette entreprise, il est (efficacement) épaulé par des seconds rôles de luxe : Elisabeth Moss (High-Rise, Truth), Naomi Watts (épatante en tenancière de bar) et Ron Perlman (l'inoubliable Salvatore du Nom de la rose).

   D'un point de vue filmique, on s'est efforcé de reconstituer l'ambiance des années 1970... avec la musique d'époque. Chouette ! Quant aux combats de boxe, ils sont très correctement mis en scène, de manière sobre et réaliste.

   Certaines mauvaises langues ont beau parler d'un "Raging Bull du pauvre", ce film n'en mérite pas moins le détour, ne serait-ce que pour mieux comprendre la saga des Rocky.

   P.S.

   Des fans ont créé une page Facebook en l'honneur de Chuck Wepner !

Macron envoie val(l)ser Manuel

   L'ancien Premier ministre de François Hollande a essuyé un refus poli de la part de "La République en marche", le nouveau parti d'Emmanuel Macron. Visiblement, celui-ci ne souhaite pas qu'il porte ses couleurs à l'occasion des prochaines élections législatives. Curieux, alors que, durant la campagne présidentielle, Manuel Valls avait fait comprendre à plusieurs reprises qu'il penchait davantage du côté d'Emmanuel Macron que de celui de Benoît Hamon, le vainqueur de la primaire à gauche qu'il s'était pourtant engagé à soutenir. C'est de plus un tenant de la ligne sociale-libérale, susceptible de fédérer un bon paquet d'élus PS désireux de soutenir l'action politique du nouveau président de la République.

   Mais voilà. Aujourd'hui, à gauche, Manuel Valls a l'image du traître qui lui colle à la peau (comme Nicolas Sarkozy en son temps, lorsqu'il avait laissé tomber Jacques Chirac pour Edouard Balladur). De surcroît, il porte sur ses épaules une partie du bilan du quinquennat Hollande. Pour Emmanuel Macron, qui tente d'éviter de passer pour l'héritier de celui-ci et qui ambitionne de changer la façon de faire de la politique, accepter l'allégeance de l'ancien Premier ministre serait contre-productif... pour l'instant. A gauche, certains ajoutent que Macron, c'est Valls en mieux et que ce dernier a été quelque peu ringardisé par l'ascension du premier.

   Et puis, parfois, le diable se niche dans les détails. Manuel Valls n'est-il pas quelque peu "démonétisé", sur le plan politique ? Si, dans son département d'implantation (l'Essonne), Emmanuel Macron est bien arrivé en tête au premier tour (et l'a très largement emporté au second), tel n'est pas le cas dans la première circonscription législative, celle du député Manuel Valls. Les 26-27 avril derniers, Le Monde a publié une passionnante carte, progressivement enrichie, des résultats du premier tour de la présidentielle appliqués aux circonscriptions législatives. En voici un extrait :

   J'ai entouré la première circonscription, qui apparaît en rouge rosé, signe que c'est le candidat Mélenchon qui est arrivé en tête, avec 25 à 30 % des suffrages exprimés. Le losange indique qu'il y a risque de quadrangulaire, avec En marche, le FN et LR. Le PS serait largué. Ça, c'est dans la version papier de l'article. Dans la version numérique, la supposition est autre :

   Les auteurs voient plutôt un duel (au second tour de la législative) entre le candidat mélenchoniste et celui de "La République en marche", les deux autres ne pouvant se maintenir. A posteriori, cela permet de comprendre pourquoi Manuel Valls met un tel acharnement à se présenter sous les couleurs macronistes plutôt que sous celles du PS. D'un autre côté, on comprend pourquoi "La République en marche" voit la candidature Valls presque comme une gêne.

   Pour le confirmer, intéressons-nous aux résultats de la présidentielle dans la commune d'Evry, dont l'ancien Premier ministre fut maire pendant onze ans. Au second tour, sans surprise, ce fut un triomphe pour Emmanuel Macron. Mais au premier, c'est Jean-Luc Mélenchon qui était (largement) arrivé en tête, devant Emmanuel Macron, Marine Le Pen et François Fillon, Benoît Hamon étant distancé. Au niveau des inscrits, seuls les deux premiers dépassent les 12,5 %, le seuil pour se maintenir au second tour. Etendue à l'ensemble de la circonscription (qui comprend aussi Corbeil-Essonnes, au profil identique), l'analyse permet d'arriver à la conclusion qu'un candidat "insoumis" pourrait être en mesure de damner le pion à Manuel Valls en juin prochain... surtout si celui-ci n'a pas le soutien du nouveau président de la République. En revanche, un candidat estampillé "La République en marche" moins clivant peut espérer l'emporter au second tour contre le mélenchoniste, grâce aux reports de voix.

Citoyen d'honneur

   Ce citoyen est Daniel Mantovani, un écrivain argentin (fictif), qui vient d'obtenir le prix Nobel de littérature. S'il a puisé son inspiration dans son enfance et sa jeunesse, passées dans un bourg argentin, il vit depuis des années en Europe, principalement à Barcelone, dans une somptueuse demeure. Il est sollicité de partout, mais s'inquiète surtout de son incapacité à se remettre au travail. Moitié pour échapper aux sollicitations, moitié par curiosité, il finit par accepter la proposition du maire de son village natal, qui veut le faire citoyen d'honneur, à l'issue de quatre jours de manifestations.

   Dans la première partie du séjour argentin du héros (parfaitement incarné par Oscar Martinez, qu'on a vu dans Les Nouveaux Sauvages), c'est le ton de la comédie qui domine. Le chauffeur qui vient chercher le grrrand écrivain à l'aéroport est assez limité sur le plan intellectuel (un peu à l'image des habitants du village) et Daniel réalise qu'en dépit des efforts fournis par ses hôtes, il va devoir supporter durant quelques jours des conditions de vie auxquelles il n'est plus habitué. (Soyez attentifs aux usages qui sont faits des pages d'un roman...)

   Le héros va revoir son premier amour et un ancien ami. Il va croiser les enfants de ceux qu'il a connus jadis... et faire de nouvelles rencontres, plus ou moins enthousiasmantes. C'est souvent bien vu, cocasse, pas très gentil pour les habitants de cette région reculée. L'écrivain, qui incarne le savoir, la culture, a le beau rôle.

   Mais, petit à petit, le voile se lève. Comme Daniel s'est beaucoup inspiré de ses souvenirs du village pour écrire ses romans, les habitants qui ont lu ceux-ci n'ont pas toujours apprécié de s'y retrouver, même sous la forme de personnages retouchés. Et puis le fossé culturel qui sépare même les élites locales (pleines de bonne volonté mais assez conservatrices) du littérateur mondialisé (qu'on sent plutôt de gauche... enfin d'une gauche "caviar") apparaît de plus en plus béant. Jusqu'où les apparences vont-elles craquer ?

   L'ensemble forme une très bonne satire à la fois du milieu littéraire et (surtout) du monde provincial. Dans ce village, l'alcool coule à flots, on ne se déplace quasiment qu'en voiture (la plus grosse possible), les femmes n'ont pas trop voix au chapitre et les hommes portent des armes. Du coup, l'intrigue subit une inflexion qui la tire vers le thriller... mais un thriller sud-américain parodique ! Les seconds rôles sont excellemment interprétés par des acteurs qui rendent totalement crédible une jolie bande de dingos !

Voyage of Time

   Dans son documentaire d'1h30, le cinéaste Terrence Malick ambitionne de nous raconter l'histoire de la vie sur Terre... et son sens. Pour ce faire, il s'est appuyé sur de nombreuses images de synthèse et des extraits d'autres oeuvres (j'ai reconnu au moins un passage d'Océans, de Jacques Perrin). Précisons tout de suite que le commentaire elliptique lu par Cate Blanchett n'est d'aucun intérêt.

   Le début évoque le big bang. Ne vous imaginez pas un feu d'artifice hyper-bruyant. Cela n'empêche pas les images d'être superbes. Elles introduisent les spectateurs dans le monde philosophique du réalisateur, à cheval entre animisme et panthéisme. A l'écran, il semble qu'on a volontairement fait prendre des formes vivantes à certains phénomènes astronomiques. J'ai ainsi en tête des explosions gigantesques formant comme des yeux... une scène à laquelle répond plus tard, de manière inversée, ce (superbe) très gros plan de l'oeil d'un reptile, dans lequel se reflète le ciel.

   On retrouve à plusieurs reprises cette volonté de relier les phénomènes naturels à des êtres vivants. Là, je pense à ces éruptions volcaniques sous-marines (sans doute tournées au niveau d'une dorsale océanique) ou encore à une coulée de lave finissante, aux reflets argentés, qui prend la forme d'un animal mourant couché sur le flanc.

   Pour les amateurs de documentaires nombre de ces images auront un goût de déjà-vu. Ceci dit, dans une grande salle, avec de la bonne musique classique en fond sonore, c'est assez chouette. L'apparition de la vie sur Terre nous conduit à des passages obligés, d'abord sous la mer, puis sur le sol, des poissons aux dinosaures, en passant par le dipneuste et les baleines. Celles-ci sont vraiment majestueuses, très lentes comparées à l'otarie facétieuse.

   Les mammifères constituent l'aboutissement de cette évolution. Dans sa partie chronologique, le film s'arrête aux hommes préhistoriques, présentés de manière succincte. Mais la trame du documentaire est entrecoupée de petites séquences contemporaines, d'une moins grande qualité filmique, mais porteuses de sens. D'un côté, Malick semble avoir voulu montrer la dignité de gens simples, comme cette femme au cimetière ou cette grand-mère (sans doute française) qui emmène ses cochons paître dans les prés. D'un autre côté, on sent la désolation du réalisateur devant la violence et la bêtise dont homo sapiens est parfois capable. Des bovins martyrisés aux sans-domicile abandonnés, l'auteur pointe certaines des imperfections des sociétés humaines, qui sont pourtant les héritières d'une évolution extrêmement longue, qui a mis en jeu des forces colossales.

   Dit comme cela, je donne peut-être l'impression d'avoir été passionné par ce film. En réalité non. Il est très inégal, comportant des moments magiques comme d'autres ennuyeux. (J'ai d'ailleurs piqué du nez une fois ou deux.) Le commentaire n'étant d'aucune utilité, c'est aux spectateurs de faire l'effort de réflexion pour trouver le sens que Malick a donné à son montage. Vous voilà prévenus !

The Young Lady

   Cet étonnant film mélange chronique de l'Angleterre rurale victorienne et drame shakespearien (son titre anglais est Lady Macbeth). Dès le début, l'ambiance est plantée, quelque part entre les romans de Balzac et Les Hauts de Hurlevent. Katherine, une jeune (ravissante) oie blanche, est "offerte" en mariage à un homme beaucoup plus âgé qu'elle, qui vit lui-même sous l'autorité d'un père autoritaire. La nouvelle épouse, qui dispose de serviteurs, est confinée dans les bâtiments du manoir, alors qu'elle rêve de se perdre dans la lande voisine.

   La mise en scène, rigoureuse, minutieuse, nous fait sentir le poids de la domination qui s'exerce sur la jeune femme, ainsi que sur les serviteurs, avec lesquels elle commence d'ailleurs à prendre de l'assurance. C'est le moment de signaler l'excellente composition de deux actrices, Florence Pugh (stupéfiante dans le rôle de Katherine) et Naomi Ackie (excellente dans la peau d'une servante).

   La jeune épouse va profiter de l'absence conjuguée des deux maîtres de maison pour sortir de sa coquille. Elle se risque enfin à l'extérieur... et va découvrir des plaisirs auxquels son mari a été incapable de l'initier. Et voilà que ce qui n'était qu'une chronique sociale bascule dans la passion froide. La mise en scène s'adapte parfaitement à ce changement... et tend à nous montrer que ce qui apparaît, dans un premier temps, comme une libération, pourrait se révéler tout aussi étouffant que la domination initiale.

   De victime, l'héroïne Katherine va se muer en prédatrice, brisant un à un une série de tabous que je laisse à chacun le plaisir de découvrir. Je peux juste vous dire que l'une des scènes de la seconde partie, pourtant allusive, a choqué certains spectateurs de la salle où je me trouvais.

   Si vous aimez de temps à autre prendre une bonne claque au cinéma, ruez-vous sur ce film, brillant écrin pour une grande actrice en devenir.

Les Figures de l'ombre

   Ce film est enfin arrivé à Rodez et il est disponible aussi bien en version originale qu'en version doublée. Il décrit le parcours de trois femmes hors du commun, qui ont su s'imposer dans le monde de la recherche spatiale des années 1960. Un monde très masculin... et quasi exclusivement blanc, alors que les héroïnes sont "colored" :

   De gauche à droite on a d'abord Dorothy Vaughn (Octavia Spencer encore une fois excellente, tout comme dans Get on up et La Couleur des sentiments), la mieux placée au début de l'histoire, mais qui se heurte au double plafond de verre, qui bloque la progression de carrière des femmes et des Noirs.

   Au centre se trouve la plus brillante du groupe, Katherine Johnson, mathématicienne experte, incarnée avec talent par Taraji P. Henson, remarquée notamment dans la série Person of interest. A droite se trouve la beauté du groupe, Mary Jackson (Janelle Monae, pétulante), qui ambitionne de devenir ingénieure.

   Dès le début, on est cueilli par une superbe scène "vintage" montrant la jeune Katherine épatant ses camarades et son professeur de mathématiques, alors qu'elle est haute comme trois pommes. On la retrouve des années plus tard, en compagnie des deux autres héroïnes, dans une voiture qui tombe en panne sur la route des bureaux de la Nasa. Là se déroule l'un des moments d'anthologie du film, avec l'arrivée d'un policier blanc redneck. On est en Virginie, au début des années 1960. On sent immédiatement que la situation pourrait déraper. Le réalisateur (Theodore Melfi) retourne la scène avec habileté... et un incontestable sens du comique.

   C'est la marque de fabrique de ce film. Il aborde des questions graves (la misogynie, la ségrégation) sur un ton volontiers caustique. Cela culmine dans l'utilisation des toilettes : rien n'a été prévu pour la nouvelle calculatrice noire du centre névralgique, ce qui contraint l'héroïne à pratiquer une épuisante gymnastique.

   De leur côté, les hommes, blancs comme noirs, en prennent pour leur grade. Chez les Noirs, le réalisateur pointe un comportement patriarcal, mais susceptible d'évoluer. (On est à Hollywood, man !) Chez les Blancs, les racistes crétins font pâle (!) figure à côté des gentils pleins de charme, représentés par le débonnaire Kevin Costner (le directeur du centre de recherche) et le souriant Glen Powell (chargé d'incarner une des légendes américaines, John Glenn).

   On peut aussi signaler la performance de Kirsten Dunst, dans un rôle un peu ingrat.

   Signalons toutefois qu'au niveau de la lutte pour les droits civiques, le film reste très allusif. D'abord parce que l'accent est mis sur des membres de la bourgeoisie noire, qui veulent s'intégrer à l'élite américaine. Ensuite parce que le réalisateur se place clairement du côté de Martin Luther King, égratignant à l'occasion les partisans de méthodes revendicatives plus violentes.

   Quoi qu'il en soit, si l'on ajoute à cette narration maîtrisée la qualité de la photographie et une bande-son entraînante, on obtient un très bon divertissement, de surcroît intelligent. L'atmosphère de la Guerre froide tout comme le contexte de la ségrégation sont très bien restitués... et c'est un film féministe, dans le meilleur sens du terme.

Ils ne savaient pas que c'était une guerre

   Ce documentaire, d'abord destiné à la télévision, circule en salles depuis un peu plus d'un mois. Il est consacré aux jeunes Français qui ont effectué leur service militaire en Algérie, pendant la guerre (entre 1954 et 1962). L'auteur a rencontré une quinzaine de papys, qu'il a interrogés devant la caméra, dans un ancien cinéma. Les entretiens sont entrecoupés d'images d'époque.

   A priori, je suis client de ce genre de film, m'étant intéressé (pour des raisons familiales) à la guerre d'Algérie. C'est bien là le problème. Quand on a lu et vu pas mal de choses sur le sujet, en particulier La Guerre sans nom, l'excellent documentaire de Patrick Rotman et Bertrand Tavernier (sorti il y a plus de vingt ans), on n'apprend pas grand chose.

   Néanmoins, le film n'est pas désagréable à suivre. Il est organisé selon une forme chronologique. On part de la métropole, où la population civile ignore grosso modo ce qui se passe de l'autre côté de la Méditerranée. On suit ensuite les appelés du contingent dans leur formation puis dans leurs débuts en Algérie (voyage compris). C'est là que les questions sensibles sont évoquées : les relations avec les "indigènes", la violence, la torture. Le parcours s'achève par les conséquences du cessez-le-feu officiel et leur retour en métropole.

   Pour un public qui ne connaît pas grand chose à ce conflit, c'est une première approche pas déshonorante, mais pas enthousiasmante. L'image n'est de plus pas de grande qualité. Mais les 52 minutes passent assez vite.

   P.S.

   Le site internet dédié propose une intéressante galerie de photographies.

Le Procès du siècle

   Ce titre ronflant s'éloigne de l'original Denial (que nos amis québécois ont simplement traduit par Déni), qui pointe directement le noeud de l'affaire, le négationnisme de "l'historien" britannique David Irving (admirateur d'Hitler), qui a jadis poursuivi en justice, à Londres, une spécialiste américaine de la Shoah.

   Qu'on ne s'y trompe pas. Il ne s'agit pas d'un énième film sur l'extermination des juifs par les nazis et leurs collaborateurs. C'est d'abord un film de prétoire, sur le déroulement et les à-côtés d'un procès hors-norme, qui a fait dépendre la réputation de deux personnes (et plus que cela, d'ailleurs) de la décision d'un juge unique, dans une enceinte vieillotte. Cela donne un caractère surréaliste à l'histoire : l'universitaire américaine, adepte du jogging, utilisatrice d'un smartphone, va dépendre d'un énigmatique juge à perruque... et de son équipe d'avocats.

   Cet aspect théâtral de l'intrigue donne beaucoup d'importance au jeu des acteurs, qui sont excellents. Rachel Weisz (Agora, The Lobster...) mêle fragilité et détermination pour incarner cette historienne américaine juive, pour qui la plongée dans l'univers juridique britannique est une expérience déroutante. Du côté de ses avocats, il faut signaler les performances de Tom Wilkinson (vu récemment dans Snowden) en vieux briscard énigmatique et d'Andrew Scott (le Moriarty de Sherlock/Cumberbatch) en jeune loup brillant et manipulateur. (A ce sujet, comme j'ai pu voir le film en version originale sous-titrée, à Rodez, j'ai pu constater que la véritable voix de l'acteur britannique n'a rien à voir à celle qu'on peut entendre dans la version doublée de Sherlock... et c'est tant mieux, parce que celle-ci nuit au personnage de Moriarty, pas le plus réussi de la série.)

   Enfin, pour une bonne histoire, il faut un bon méchant. Timothy Spall (qui incarna naguère le peintre Turner) est brillantissime dans le rôle du négationniste, un autodidacte qui avait acquis une certaine réputation en matière d'histoire militaire, avant de sombrer dans la négation du génocide juif. Le film est assez subtil dans sa manière de dépeindre le grand méchant de l'histoire, un type très habile, parti de rien... et d'une mauvaise foi incroyable.

   Cela donne un film un peu sentencieux, très sérieux, au cours duquel la séquence à Auschwitz (tournée là-bas) constitue un réel bol d'air, malgré le poids de l'histoire.

   P.S.

   Le site internet officiel mérite le détour.

La revanche de François Bayrou

   Il n'était pas candidat à cette élection et pourtant, on peut affirmer (même s'il convient de ne pas vendre la peau de l'ourse lepéniste) que le centre risque fort de sortir vainqueur du scrutin présidentiel (mais pas forcément des législatives qui vont suivre).

   Celui que l'UMP (puis LR), Nicolas Sarkozy en tête, a tenté d'effacer de la scène politique, celui dont la main tendue a été repoussée par François Hollande en 2012, mais aussi celui qui aurait dû s'allier à Ségolène Royal en 2007, a finalement réussi à damner le pion aux partis de gouvernement qui ont longtemps écrasé le centre, sous la Ve République.

   Toutefois, soyons lucides. La défaite de LR et du PS est d'abord due à eux-mêmes. Marine Le Pen (tout comme Emmanuel Macron) ne serait pas au second tour si les partis de gouvernement avaient présenté des candidats vertueux et compétents. A droite, la première erreur a été de préférer Fillon à Juppé, dans un mouvement de droitisation où l'on sentait bien le regret de ne pouvoir soutenir à nouveau Nicolas Sarkozy, le chouchou des militants LR, mais complètement démonétisé en-dehors de son parti. Choisir Alain Juppé aurait coupé l'herbe sous le pied d'Emmanuel Macron. De surcroît, le maire de Bordeaux avait adopté un profil de rassembleur, ce dont le pays a besoin par les temps qui courent. Enfin, compte tenu de son âge (bientôt 72 ans), il n'aurait accompli qu'un mandat présidentiel, sans se soucier de sa réélection.

   La deuxième erreur de la droite a été de ne pas oser aller à l'encontre de l'entêtement de son candidat (François Fillon), une fois que l'ampleur du discrédit qui le touchait s'est avérée insurmontable. Compte tenu de la mobilisation de l'électorat de droite (plus discipliné que l'électorat de gauche), le remplacement, même tardif, de François Fillon par Alain Juppé, François Baroin ou un autre aurait sans doute suffi pour donner le coup de rein nécessaire à une qualification pour le second tour.

   Du côté de la gauche, le sectarisme n'a pas plus payé. Le primaire a débouché sur une victoire à la Pyrrhus, celle des opposants internes durant le quinquennat de François Hollande. Alors que la gauche de gouvernement n'est même pas majoritaire dans notre pays, comment certains ont-ils pu penser qu'en tirant un trait sur le bilan de Hollande ils pourraient l'emporter ? On voit là qu'à gauche, le sens des réalités n'est pas la qualité la mieux partagée. Cela se confirme avec l'extrême-gauche. Si finalement Jean-Luc Mélenchon a bien mené sa barque, il va terminer assez près de la qualification pour le second tour. Les querelles d'appareil et de personnes expliquent sans doute qu'aucun accord n'ait pu être trouvé avec Benoît Hamon, mais il est incontestable que leur union aurait pu déboucher sur autre chose que ce qui va rester comme un double échec.

   Quant au Front National, il progresse, mais pas spectaculairement. Si la participation se confirme à 77 % et si l'on envisage une part de bulletins blancs et nuls d'environ 3 %, un score de 21-22 % des suffrages exprimés correspondrait à 7-7,5 millions de voix pour Marine Le Pen. En 2012, elle en avait recueilli 6,4 millions. En face, le candidat LR (Fillon, contre Sarkozy en 2012) aura perdu quelque chose comme 3 millions de voix. CQFD.

Corporate

   Cette fiction explore une partie du monde entrepreneurial, celui du siège parisien d'une firme transnationale, à la tête duquel se trouve Stéphane Froncart, un ancien prof de fac devenu une sorte de gourou managérial (Lambert Wilson, excellent, dans un rôle qui n'est pas sans ressemblance avec celui qu'il a interprété dans Tout de suite maintenant).

   L'héroïne Emilie (Céline Sallette, encore plus étonnante que dans Cessez-le-feu) est un pur produit de l'élitisme français. Très diplômée, polyglotte, classieuse et rigoureuse à l'extrême, elle rappelle un peu la Miss Sloane récemment incarnée par Jessica Chastain. Elle veut tout contrôler, des plis de son chemisier aux mèches de sa coiffure, en passant par le début de transpiration qui apparaît à la mi-journée. Maigre et droite comme un I, elle nous est, de prime abord, présentée comme l'exacte opposée de l'inspectrice du travail (Violaine Fumeau, plus douce, aux formes voluptueuses) qui vient enquêter après le suicide d'un employé que la direction cherchait à pousser vers la sortie.

   Grosso modo, c'est un portrait uniquement à charge de la gestion d'une partie du personnel (les cadres), l'intrigue ne lésinant pas sur les facilités pour faire progresser l'action dans le sens voulu. Mais c'est vraiment bien joué, par les "têtes d'affiche" comme par les "seconds couteaux".

   Il y a quand même parfois un peu de subtilité. L'une des premières scènes montre la DRH en plein "entretien d'évaluation comportementale", celui-ci ayant pour but de pousser l'employée mise sur le gril dans la voie choisie pour elle. Tout est dans le non-dit et dans l'emploi des formules calibrées. Une autre scène marquante est le faux entretien d'embauche que l'héroïne fait passer à son conjoint, un soir, au siège. Elle utilise son langage professionnel codé pour tenter de faire passer son ressenti à son époux... qui finit par comprendre (mais après les spectateurs, toutefois).

   Ces quelques moments brillants rehaussent l'intérêt du film, qui s'inspire visiblement d'au moins deux traditions cinématographiques. On peut y déceler la trace du film sociétal à la française (Ressources humaines, L'Emploi du temps, De bon matin, L'Outsider...) mais aussi l'influence du cinéma hollywoodien, notamment dans le dénouement de l'intrigue. Je pense que ce n'est évidemment pas un hasard s'il est sorti en pleine campagne présidentielle...

Cessez-le-feu

   Le titre évoque la fin des combats (au cours de la Première guerre mondiale). Mais, si la séquence introductive (dans les tranchées) dure moins de dix minutes, les conséquences de ce qu'ont vécu les soldats s'étendent sur tout le film. La majorité de ceux qu'on va voir à l'écran sont revenus en apparence intacts (physiquement), mais ravagés sur le plan intérieur. Il y a une dizaine d'années, la même thématique était au coeur des Fragments d'Antonin.

   Des trois frères, deux sont revenus vivants, Georges et Marcel. Le premier (Romain Duris, meilleur encore que dans La Confession), le plus dynamique, l'ancien officier, a préféré quitter la France pour l'Afrique, où il côtoie un ancien camarade des tranchées, tirailleur sénégalais à l'impressionnante faconde (Wabinlé Nabié remarquable). Le deuxième, Marcel (Grégory Gadebois, un habitué des seconds rôles), est inexplicablement devenu sourd-muet et dépressif, au désespoir de sa mère, qui a aussi perdu son mari.

   Nous voilà projetés en 1923. Trois personnes vont tenter de redonner le goût de vivre à Marcel. Il y a tout d'abord Hélène, une infirmière sur le point de divorcer, imaginative et pétulante. Céline Sallette (déjà remarquée dans La French, Saint Amour et Corporate) excelle à incarner ce personnage déroutant, forte et fragile à la fois. Le coeur de Marcel va balancer entre elle et une jeune veuve de guerre, tendre et délicate, parfaitement incarnée par Julie-Marie Parmentier, aperçue il y a quelques années dans Les Adieux à la reine.

   Là-dessus, voilà que débarque Georges, qui a connu des déboires en Afrique. (Il va falloir plusieurs retours en arrière pour qu'on en connaisse tous les détails.) Lui, c'est avec son caractère abrupt et fantasque qu'il tente de surmonter le traumatisme de la guerre. Le retour en famille va provoquer des étincelles, de colère mais aussi de bonheur.

   Cela donne un film avec des ruptures de ton. On passe de l'émotion au rire, aux larmes, de la sensualité à la colère. C'est très bien filmé, dans des genres différents. La partie introductive (dans les tranchées) est formidable, sous la forme d'un habile plan-séquence. La suite, qui se déroule en Afrique, est brillante, avec d'excellents figurants. Le retour en France métropolitaine est mis en scène de manière plus classique mais, comme c'est très bien interprété, cela reste très agréable à suivre.

   Face à la pléiade de "comédies" bas-du-plafond qu'on nous propose actuellement, ce film redore le blason d'un cinéma français souvent peu imaginatif.

   P.S.

   Le dossier de presse mis en ligne propose des entretiens très instructifs.

La Jeune Fille et son aigle

   Ce documentaire (un brin fictionné) a pour cadre les confins de la Mongolie, de la Chine et du Kazakhstan, dans cette Asie rurale et montagneuse où survivent des (semi) nomades qui perpétuent des traditions millénaires. Parmi celles-ci, il y a la chasse à l'aigle, prérogative des mâles.

   Cet animal fascine Aisholpan... qui est une fille, mais dont le père n'est pas obscurantiste. Convaincu par la ténacité de sa progéniture, il décide de l'initier au dressage des aigles avec, en ligne de mire, la participation à un concours renommé.

   Toute la partie documentaire est fascinante. Dans un premier temps, on découvre le mode de vie des héros... et une scène étonnante : le retour à la liberté d'un animal qui a bien servi son maître, pendant sept ans. Celui-ci le traite avec beaucoup de respect.

   Très vite intervient la séquence de capture de l'aiglon (une aiglonne, en réalité), suivie de la période de dressage. Mais le moment le plus marquant est sans conteste le concours d'aigles, qui attire des spectateurs des milliers de kilomètres à la ronde. Il reste une ultime séquence marquante, celle de la première chasse réelle de l'animal dressé, en milieu extrême.

   Dans une grande salle, confortablement installé, on se régale. Malheureusement, ce plaisir est gâché par la médiocrité de la version française. Le commentaire est dit sur un ton fade et les personnages ont des voix d'Occidentaux, ce qui sonne terriblement faux ! Enfin, l'aspect ethnographique est très édulcoré, notamment par rapport à des fictions comme Le Chien jaune de Mongolie, Le Mariage de Tuya ou encore Tulpan. Quant à la qualité filmique, elle m'a semblé un peu moins bonne que dans le récent L'Aigle et l'enfant.

   Cela reste un film à voir, bien qu'il s'agisse à mon avis d'un produit de niche destiné à un public occidental amateur d'exotisme.

Jackpot pour le futur agriculteur aveyronnais

   Il y a deux semaines, au jeu "Les 12 coups de midi", on avait quitté le jeune Timothée Cros avec un capital d'un peu plus de 65 000 euros et un record de "coups de maître" consécutifs. Il a bien progressé depuis, puisque, aujourd'hui, grâce à la découverte de "l'étoile mystérieuse" (dont l'image n'était plus masquée par aucune case), il a atteint les 145 000 euros de gains, ce qui le place dans les vingt meilleurs joueurs de l'histoire de l'émission. Au passage, remarquons que la personnalité à découvrir était bien celle dont le nom circulait sur les réseaux sociaux, à savoir Annie Girardot :

   Que dire de cette émission du lundi de Pâques, sinon que tout a concouru au succès de l'Aveyronnais ? Lors du face-à-face (le "coup fatal"), il a affronté la moins redoutable des trois concurrents du jour. La première (une étudiante en biologie) avait été rapidement éliminée et le deuxième (un gérant d'hôtel) a tenté un duel qui a tourné au bénéfice de la troisième candidate, tombée sur une question facile. Ce n'est peut-être que le fait du hasard, mais, là encore, il a bien fait les choses. Après tout, il aurait été injuste qu'un-e autre candidat-e bénéficie des efforts fournis par le jeune Timothée lors des précédentes émissions.

   Pour lui, l'aventure continue !

Le Breton de Macron vient d'Aveyron

   Présent dans l'ombre jusqu'au troisième trimestre 2016, Richard Ferrand est depuis passé sous les projecteurs. Le secrétaire général du mouvement d'Emmanuel Macron (En Marche !) est né à Rodez, une information qui circulait déjà dans la presse aveyronnaise, sans que cela suscite davantage de développement.

   Dès novembre dernier, dans Libération, on a pu lire un portrait du député PS du Finistère. Sans guère s'attarder sur la biographie de Richard Ferrand, la journaliste détaille le passage de l'authentique homme de gauche du côté de l'ex-banquier social-libéral. Elle évoque ses relations avec ses collègues socialistes et les tiraillements que le penchant libéral de Macron peut provoquer.

   A la fin de mars 2017, ce fut au tour du Monde d'évoquer le parcours de Richard Ferrand. Sa biographie est un peu plus détaillée, avec la précision de sa naissance à Rodez. L'article parle davantage de la cuisine interne d'En Marche, notant la forte présence de jeunes très diplômés. Mais le plus intéressant est la confiance absolue qui semble régner entre les deux hommes (Ferrand et Macron), le premier servant visiblement de "doublure" au second, dans nombre de meetings de Province.

   Le 9 avril dernier, il était l'un des deux invités de l'émission Questions politiques, sur France Inter. Dès le début, il a été accueilli par un portrait (de Carine Bécard) pas franchement cire-pompes (mais courtois). Cela m'a un peu rappelé une ancienne matinale (en février dernier, je crois), sur la même radio : le désormais candidat Macron n'avait pas été traité avec des gants. (De manière générale, on sent que, sur la radio publique, les journalistes et animateurs hésitent entre Hamon et Mélenchon...) De surcroît, par un curieux hasard, au cours de ladite émission, aucun des auditeurs qui sont passés à l'antenne n'était favorable à Emmanuel Macron...

   Mais revenons à Richard Ferrand. Sur France Inter, il m'est apparu assez balancé, faisant l'éloge des militants et des élus locaux du PS, mais pointant l'inefficacité (il aurait pu dire la médiocrité) de sa direction. Derrière son propos, il y a clairement l'idée que, si l'on veut une gauche de gouvernement (c'est-à-dire si l'on reste sur la démarche qui a été celle de François Mitterrand, qui a sorti les socialistes du ghetto d'opposition où certains voudraient les ramener aujourd'hui), c'est Emmanuel Macron qu'il faut soutenir. Il n'a toutefois pas été très convaincant sur la question portant sur la centralisation du mouvement En Marche ! Il est clair que, sans Macron, le mouvement ne signifie plus grand chose. Aussi étonnant cela puisse-t-il paraître, la démarche d'Emmanuel Macron n'est pas sans rappeler celle du Charles de Gaulle de la IVe République, au-dessus des partis, avec un RPF que l'on pouvait rejoindre tout en adhérant à un autre parti.

   Toujours sur France Inter, Richard Ferrand a été pertinent sur plusieurs sujets : la vague de ralliements à Emmanuel Macron, sa future (éventuelle) majorité parlementaire, la désignation des candidats et la montée (dans les sondages) de Jean-Luc Mélenchon. Ce dernier sujet nous a valu un petit moment d'humour, en raison du lapsus commis par Richard Ferrand (qui ne s'est pas démonté) :

   De manière générale, j'ai apprécié le calme et la pondération du secrétaire général d'En Marche ! On est loin de l'excitation, de l'aigreur et des mensonges de nombre des concurrents d'Emmanuel Macron.  

   Il manquait à notre connaissance des informations locales. Elles nous ont été fournies cette semaine, dans un bon article de Centre Presse. On y apprend ses liens avec la région baraquevilloise, son bac passé en Allemagne (s'il est devenu germanophone, c'est un atout de plus), ses petits boulots (notamment pour la presse). Il a acquis une connaissance du public et du privé et c'est un bon technicien du processus parlementaire. C'est plutôt le genre de personne qui redonne confiance en la chose publique.

François Balkany

   La droite ne s'y attendait sans doute pas, mais le gendre idéal Macron est en train de se muer en véritable compétiteur politique. Cela implique de donner des coups, en particulier quand on en reçoit.  Du côté de Les Républicains, on semble avoir renoncé aux rumeurs de bas étage et aux caricatures nauséabondes pour concentrer les attaques selon un axe : présenter le candidat d'En Marche comme l'héritier de François Hollande. D'où le surnom qui lui a été affublé : Emmanuel Hollande. Pourquoi pas François Macron me demanderez-vous ? Il ne vous aura pas échappé que, dans le camp d'en-face, le candidat se prénomme lui aussi François.

   Ce dernier se plaisant à utiliser ce drôle de surnom, Emmanuel Macron a répliqué en le qualifiant de François Balkany. D'après l'article auquel mène le lien précédent, on peut constater qu'Emmanuel Macron a utilisé une figure de style, la prétérition ("Je ne l'appellerai pas..."). On peut aussi noter qu'un argument bien plus dérangeant pour François Fillon a été énoncé : le fait que celui-ci a été pendant cinq ans le Premier ministre de Nicolas Sarkozy et que donc on puisse lui attribuer autant qu'à l'ancien président de la République l'échec du précédent quinquennat.

   La réaction de François Fillon ne manque pas de sel. D'un côté, il adopte la posture présidentielle, pointant le supposé manque de contrôle de son adversaire. D'un autre, il se montre très méprisant pour Patrick Balkany. Le problème est que Patrick Balkany est un élu LR, réputé certes plutôt proche de Nicolas Sarkozy. L'an dernier, dans un premier temps, il avait obtenu l'investiture LR pour les législatives 2017, malgré son passif judiciaire. A l'époque, le vertueux François Fillon s'en accommodait fort bien. Mieux encore : le député des Hauts-de-Seine a donné son parrainage au candidat Fillon, ainsi qu'on peut le lire sur le site du Conseil constitutionnel (page 92 du document) :

   C'est terrible à dire, mais, plus j'en apprends sur François Fillon, plus je le trouve pathétique.

Split

   Depuis le très décevant Phénomènes, je n'avais plus vu un film de Shyamalan. Mais là, après plusieurs semaines, comme le bouche-à-oreille est bon et que les extraits que j'ai vus sont convaincants, j'ai tenté l'expérience.

   Le titre fait allusion à l'éclatement de la personnalité du "héros" en une multitude d'identités, la plupart du temps concurrentes les unes des autres. Je dois reconnaître que James McAvoy (pourtant peu convaincant en professeur Xavier jeune, chez les X-Men) réussit avec brio cet exercice de style, qui consiste à incarner ces identités à l'écran. On ne voit pas les 23, mais pas loin d'une dizaine... et il y a l'identité-mystère, dont on se demande si elle existe... et à quoi elle pourrait correspondre dans le film.

   L'intrigue ne tiendrait pas la route si les autres interprètes n'étaient pas au niveau. Deux femmes se distinguent : Betty Bucklet excelle en psychiatre intuitive ; Anya Taylor-Joy (révélée par The Witch) nous éblouit en adolescente perturbée, qui va se montrer particulièrement tenace face à l'adversité.

   Au passage, notons que les trois jeunes femmes que l'une des identités de Kevin enlève sont plutôt canons. Hasard du scénario, l'une d'entre elles va rapidement se retrouver en petite culotte, une autre en soutien-gorge. Est-il besoin de préciser qu'elle est dotée d'une poitrine généreuse ? Quant à la troisième, Casey (Anya), elle conserve un haut moulant, pigeonnant et translucide, qui ne laisse pas ignorer combien elle est bien gaulée.

   On le voit, M. Night Shyamalan a dû se plier à certains codes hollywoodiens. On note d'ailleurs, vers la fin, un petit recours au "juste à temps". On pourra aussi regretter qu'un scénario au départ très maîtrisé se conclue de manière aussi traditionnelle, alors que beaucoup d'éléments de la première partie incitent les spectateurs les plus futés à chercher un possible retournement. Hélas, l'aboutissement des retours en arrière (sur l'enfance de Casey), pour utile qu'il soit à l'histoire, est décevant.

   Il reste quand même la mise en scène de Shyamalan. Dès le début, on retrouve sa "patte" de géomètre. On sent qu'on a affaire à un type qui sait où placer sa caméra. La présentation du huis-clos qui pèse sur les trois victimes est brillante (et n'est pas sans rappeler le récent 10 Cloverfield Lane). On en regrette d'autant plus que son style maîtrisé, dépouillé, propre à utiliser de petits riens pour susciter l'angoisse, sombre plus tard dans la démesure.

   Cela nous vaut un film inégal, mais où l'on retrouve un peu du talent dont le réalisateur a su jadis faire preuve.

   P.S.

   La toute fin nous offre une petite surprise, avec le retour d'un personnage issu d'un précédent film de Shyamalan. Il y a de la suite dans l'air...